Vida y obra de María Callas

Acompañada tan solo por su repetidor personal, Ferruccio, la diva operística del siglo pasado María Callas divaga sobre los grandes momentos de su vida, entremezclando los dramas operísticos que protagonizó con su tortuosa relación con Onassis. La obra es La Diva- Albert Boadella y está dirigida por el otro divo nacional, el dramaturgo Albert Boadella, antiguo alma mater de la compañía Els Joglars.

Maria Callas fue una soprano estadounidense de ascendencia griega, su nombre real era Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoúlos. Nacida en Nueva York (Estados Unidos) en 1923, se destacó en el bel canto, siendo considerada como la solista de ópera más eminente del siglo XX.

Apodada como La Divina, su portentosa voz era capaz de representar los matices más complejos e insospechados. En 1959, Callas rompió con su marido Giovanni Battista Meneghini para mantener un noviazgo con el magnate griego Aristóteles Onassis, una relación que estuvo marcada por sus enfrentamientos.

Tras asombrar al mundo entero, en la década de los 60, empezó a decaer en sus actuaciones y en 1965 anunció que se retiraba de los escenarios a consecuencia de su frágil salud. Murió en París en 1977 a causa de un ataque cardíaco.

Esto es lo que cuenta la obra La Diva-Albert Boadella.

Albert Boadella – otro semi-divo- es un dramaturgo e intérprete español fundador y director hasta 2012 del prestigioso grupo Els Joglars. Sus obras acostumbran a contener una fuerte carga satírica y crítica contra la sociedad, el poder político y la Iglesia. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Teledeum, El rapto de Talia, Memorias de un bufón y Adiós Cataluña. Crónicas de amor y de guerra.

La podemos disfrutar en los Teatros del Canal (Madrid), del 14, al 24 de enero.

 

Los asesinatos femeninos, bajo la lupa

Bajo un texto de la canadiense Suzanne Lebeau, el director Carlos Sarrió propone el espectáculo dramático Cadena de montaje que profundiza en las mujeres que son asesinadas en el mundo, y más concretamente en las víctimas del Norte de México. Es una función que se enmarca dentro del ciclo Teatro y Derechos Humanos del madrileño Teatro Fernán Gómez.

Las actrices Eva Blanco y Begoña Crespo son las protagonistas de  la obra teatral Cadena de montaje, que se divide en tres partes. La primera es más física y textual derivando a una coreografía entre ambas intérpretes. En la segunda nueve mujeres vestidas de negro que han estado sentadas en la primera fila del teatro se unen a ellas para dar voz a algunas de las mártires.

Por último, en el tercer segmento se realiza una acción física mediante la coreografía de Carmen Werner, donde se examinan los restos de los cuerpos de las asesinadas en la arena del desierto. Además, se evoca a la leyenda de La Llorona, tan arraigada en México, al permitir que se asesinen a sus ciudadanas para después llorar sus muertes.

En definitiva, estamos frente a un montaje poético donde la violencia y la muerte son las temáticas de referencia para desentrañar una obra que denuncia la crueldad que se vive en Ciudad Juárez y otras zonas de México contra las mujeres. Y para ello se diseccionan cuestiones como la pobreza, las causas de la criminalidad, el Tratado de Libre Comercio entre México y Estados Unidos o la inacción de las autoridades.

Cambaleo Teatro es una compañía creada en 1982 que durante sus más de 30 años de trayectoria ha participado en certámenes como el Festival de Otoño de Madrid, Escena Contemporánea, Teatralia o el Festival Iberoamericano de Cádiz. También ha representado sus espectáculos en otros países como Portugal, Francia, Alemania, Polonia, Bolivia, Venezuela, Nicaragua y México. Entre sus obras destacan Habitar la intemperie, El ruido de los huesos que crujen o Solo sucede lo que puede suceder.

La podemos ver en el Teatro Fernán Gómez, de Madrid, del 13, al 17 de enero.

El amor es pura histeria

Tras el éxito de Clásicas envidiosas, con la que obtuvo la candidatura a los Premios Max 2017 al Mejor autor revelación, la compañía Martelache produce una comedia escrita por Chema Rodríguez-Calderón y dirigida por Juanma Cifuentes que mediante el humor ácido retrata las neurosis vitales que se dan en el amor: Histerias de amor. Es una obra que se puede disfrutar los domingos hasta el 10 de enero en los Teatros Luchana.

Histerias de amor se desarrolla en una estación de tren donde se van entrecruzando diferentes parejas (heteros y gays, ricos y pobres, solteros y casados) que relatan sus historias de amor y desamor. A través de sus aventuras se pueden analizar el aspecto dramático y cotidiano de las relaciones personales y los procesos neuróticos que surgen cuando alguien está bajo los efectos de los celos, el romanticismo o el despecho.

Martelache es una agrupación creada en el año 2002 por Marta Ochando y Chema Rodríguez-Calderón que cuenta con un amplio conjunto de profesionales formados en las artes escénicas. Ha sido galardonada con el Premio 2003 a la Mejor dramaturgia original de la Fundación CnC & fundación autor por Hombres ineptos que caminan hacia nadie y el Premio del Público en Escena Simulacro 2011 por Mariua... El musical, entre otras distinciones.

Domingos, hasta el 10 de enero, en los Teatros Luchana, de Madrid.

 

 

Libertad sexual operística para una tragedia

El Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Abadía, estrena, mundialmente, una tragedia contemporánea, Marie, que indaga en la libertad sexual de la mujer a través del personaje de Woyzeck de Georg Büchner, presente en la ópera de Alban Berg.

La obra Marie ha sido desarrollada gracias a una Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2018 de la Fundación BBVA y cuenta con la dirección de Rafael R. Villalobos y Germán Alonso. Se trata de una idea original de Lola Blasco (La pasión de Yerma o Siglo mío, bestia mía), quien brinda una deconstrucción de la composición de Berg, dando a conocer a Marie por medio de testimonios y una superposición de planos que hace que la realidad se diluya.

La pieza presenta a Franz Woyzeck, un soldado raso, y su amante Marie, quienes han tenido un bebé. Oprimido por su capitán y sometido a una experimentación clínica por parte del médico del ejército, Woyzeck se está volviendo loco y, además, empieza a sospechar que Marie tiene un romance con el tambor mayor. Los celos y la tensión creciente en su interior hacen que, finalmente, asesine a Marie.

Por otro lado, esta producción también tiene la colaboración de Ensemble Proyecto OCNOS, un conjunto radicado en Sevilla y dedicado a la interpretación y difusión del repertorio de los siglos XX y XXI, con especial atención a los compositores españoles. El grupo tiene en su haber dos discos: Marsias y Se oye gritar entre sueños.

La podemos disfrutar en el Teatro de la Abadía (Madrid), del 9, al 17 de enero.

Metateatro filosófico

 

Marat Sade es un montaje de metateatro, creado en 1963, por el dramaturgo y novelista alemán Peter Weiss (La investigación). Una función con una gran carga poética y nihilista que incorpora elementos dramáticos de Antonin Artaud y Bertolt Brecht.

Marat Sade es una obra dentro de otra obra. Y es que su acción se produce en el asilo de Charenton en 1808. Allí, el Marqués de Sade dirige una producción teatral que tiene lugar durante la Revolución Francesa, a mediados de 1793, y culmina con el asesinato de Jean-Paul Marat. Los actores son los enfermos mentales de la institución y, de vez en cuando, los cuidadores deben entrar en escena para poner orden a la situación. Así, el Marqués de Sade mantiene varios diálogos de carácter filosófico con Jean-Paul Marat, además de narrar escenas de cierta crudeza que le gusta realizar y que ahora se conocen como sadismo por su persona. Mientras, Marat defiende sus ideas colectivistas y su preocupación por las clases bajas. También aparecen Carlota Corday, quien apuñaló a Marat en su bañera, y el cura Jacques Roux, aún más radical que el propio Marat.

Con todo ello, el montaje indaga en el sufrimiento del ser humano y la verdadera esencia de la revolución, recapacitando sobre si ésta se produce cambiando a la sociedad o a uno mismo.

La función cuenta con la participación de los actores Juan Codina, Eduardo Mayo, Pepe Ocio, Ana Rujas, Itziar Castro y Fran Boira, y la colaboración coreográfica del prestigioso bailarín israelí, Sharon Fridman.

La podemos ver del 8 de enero, al 14 de febrero, en Naves del Español (Madrid).

 

A Chejov también se le canta

Las canciones es un musical basado en personajes y obras de Antón Chéjov que reflexiona sobre la capacidad que tiene el ser humano de escuchar. Es una forma de examinar la musicalidad, el lenguaje y la palabra y cómo todo ello es capaz de trasformar a las personas.

El musical La canciones cuenta con la participación de los actores Javier Ballesteros, Carlota Gaviño, Rebeca Hernando, José Juan Rodríguez, Íñigo Rodríguez-Claro, Joan Solé y Mikele Urroz. Además, está acompañada por una cuidadosa banda sonora que incorpora temas de Jacques Brell, Mina, Lou Reed, Lola Flores, ABBA y Édith Piaf, entre otros autores. Está dirigido por el prestigioso director Pablo Messiez.

Este montaje presenta en el escenario a un grupo de personas que se reúne para escuchar y cantar canciones Lo que en principio parecía un acto inofensivo termina por transformarlos a todos.

Pablo Messiez es un actor, dramaturgo y director bonaerense que se formó con maestros de la talla de Ricardo Bartís, Juan Carlos Gené y Rubén Szuchmacher. Además, ha actuado para directores argentinos como Leonor Manso, Cristián Drut o Daniel Suárez Marsal. En 2007 debutó como dramaturgo y director, y desde entonces ha liderado espectáculos como La verbena de la Paloma, Todo el tiempo del mundo, Bodas de sangre o La otra mujer (un concierto).

Lo podemos disfrutar en el Teatro Pavón Kamikaze (Madrid), hasta el 10 de enero.

 

Un profundo amor de Carmen Maura

 

Carmen Maura, protagonista de películas como Mujeres al borde de un ataque de nervios o La comunidad, regresa a los escenarios acompañada por Dafnis Balduz. Es una conmovedora historia de amor que gira alrededor del odio, el horror y el terrorismo. 

 

La obra estrena la que supone su última temporada en el Teatro Infanta Isabel, y está escrita por Guillem Clua y dirigida por Josep María Mestres. En ella se presenta cómo Maura da vida a Amelia, una severa profesora de canto que acepta a regañadientes dar clases particulares a Ramón, un hombre que desea cantar en el memorial de su madre fallecida recientemente.

La canción que ha seleccionado es La golondrina, ya que tiene un especial significado para él y, al parecer, también para Amelia. Mediante su relación se profundiza en la libertad sexual y las distintas formas de querer, al tiempo que van desgranando su pasado, marcado por un atentado terrorista de signo islamista. Esto provocará un duro enfrentamiento entre ambos personajes, pero uniendo también sus destinos para siempre.

 

La podemos ver en el Teatro Infanta Isabel, de Madrid, hasta el 24 de enero.