Vuela con Sara Baras

La popular y reconocida bailaora Sara Baras regresa a Madrid con “Vuela” su espectáculo homenaje al gran maestro Paco de Lucía. Ya, en el Teatro Gran Vía.

La prestigiosa bailaora Sara Baras regresa al Teatro Gran Vía con “Vuela”, su último espectáculo con el que celebra el 25º aniversario de la creación de su compañía. Una cita en la que se rinde homenaje al músico y compositor español Paco de Lucía (Algeciras, 1947 - Cancún, México, 2014), considerado el mejor guitarrista de flamenco de toda la historia. Tras arrasar en la madrileña Gran Vía en su segunda temporada logrando 56 funciones agotadas y 53.000 espectadores solo en Madrid, desde su estreno, más de 180.000 espectadores han podido disfrutar de este homenaje a Paco de Lucía.

Este espectáculo denominado “Vuela”, trata de un viaje coreográfico que consta de 15 piezas que giran en torno a una palabra. Así, se divide en cuatro actos: “Madera”, sobre la fortaleza de las raíces y la calidez intrínseca del ser, “Mar”, acerca de la pasión adoptando la fluidez del agua, “Muerte”, que explora las emociones humanas desde lo más profundo, y “Volar”, que se muestra como la única vía para escapar sin correr, simplemente dejándose llevar por la celebración y la alegría.

Nacida en San Fernando (Cádiz), en 1971, Sara Pereyra Baras es una bailaora, coreógrafa, actriz y directora considerada como una de las mayores profesionales del baile flamenco. Comenzó a aprender a bailar con su madre, Concha Baras, y de ahí pasó al grupo Los Niños de la Tertulia Flamenca.

Con solo 14 años entró en la formación de Manuel Morao y obtuvo el primer premio Gente Joven de TVE. En 1994 fue fichada por el cantaor Enrique Morente, luego se unió a la compañía de Paco Peña, realizando una gira por Europa, y más tarde participó en la Bienal de Flamenco de Sevilla.

En 1997 fundó su propio conjunto: el Ballet Flamenco Sara Baras y lo presentó en el XXXVII Festival Nacional del Cante de las Minas. Entre los grandes montajes que ha producido se encuentran Juana la loca (ganador de tres premios Max), Mariana Pineda, Medusa o Sombras. Además, en 2003 Sara fue distinguida con el Premio Nacional de Danza, en 2004 logró la Medalla de Oro de Andalucía y en 2009 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

La podemos ver, hasta el próximo día 31 de mayo, en el Teatro Gran Vía. 

https://www.youtube.com/watch?v=_0BTrng8iT4&list=RD_0BTrng8iT4&start_radio=1

Memoria entre España y Filipinas

Lucía Miranda escribe y dirige “Las últimas”, una obra íntima que ahonda en la memoria compartida entre España y Filipinas, cuando este segundo país era colonia del primero. Ya, en el Teatro Valle-Inclán. 

Lucía Miranda (“Chicas y chicos”, “Fiesta, Fiesta, Fiesta” o “Nora, 1959”) escribe y dirige “Las últimas”, una obra que profundiza en la memoria compartida entre España y Filipinas a través de una historia familiar. Una obra que podrá verse en la Sala Principal del Teatro Valle-Inclán del 8 de mayo al 21 de junio, con funciones de martes a domingos.

Durante la Segunda Guerra Mundial, en algún lugar de Filipinas, existía un bar en el que bebían juntos japoneses y estadounidenses. Lo regentaba Pedro, un hombre de padre español y madre filipina. Pedro tenía a sus hermanos en un pequeño pueblo del País Vasco, Ibarrangelu, adonde viajó un verano para conocerlos. Allí, la bicicleta rota de una cantante de copla llamada Mary Carmen bastó para cambiar su destino. Como en los relatos de amor que terminan bien, no hizo falta compartir idioma para entenderse: Pedro decidió no volver a Filipinas. Años después, esa crónica llega al escenario interpretada por su nieto, el actor Juan Paños.

Este es el punto de partida de un viaje más amplio, ya que se propone un recorrido por Filipinas en busca de otros testimonios similares, de familias marcadas por un pasado común y de los vínculos invisibles que aún conectan a ambos países. El espectáculo se pregunta qué queda hoy de esa historia compartida y cómo sigue influyendo en la vida cotidiana, en las calles, las escuelas y los escenarios.

El origen de la pieza surgió en 2015, cuando la compañía de Lucía Miranda, Cross Border, viajó a Filipinas. Allí, el encuentro con la Philippine Educational Theater Association reveló una paradoja: mientras los artistas filipinos conocían bien la historia española, en España apenas se recordaba a Filipinas, uno de los últimos territorios que se perdieron. Con ello se genera un teatro que mezcla documental y ficción para reconstruir una invitación a mirar hacia el pasado común que sigue presente y a preguntarse qué episodios aún quedan por contar entre España y Filipinas.

La podemos ver, hasta el 21 de junio, en el Teatro Valle-Inclán.

Para los amantes del buen teatro

El director escénico Juan Carlos Pérez de la Fuente dirige “La aventura de la palabra”, un homenaje al fallecido actor y director Fernando Fernán Gómez basado en su discurso de ingreso en la Real Academia Española (RAE). Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

El director Juan Carlos Pérez de la Fuente (“Torquemada”, “El cerco de Numancia” o “La gota de sangre”) dirige un homenaje a Fernando Fernán Gómez basado en su discurso de ingreso en la Real Academia Española. Una obra que ta puede verse, en la Sala Jardiel Poncela, del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

El montaje ha sido escrito por Raúl Losánez (“Vano fantasma de niebla y luz”) y cuenta con la participación de los actores Nancho Novo y Marta Poveda.  De este modo, se recoge “Aventura de la palabra en el siglo XX”, el discurso que Fernán Gómez pronunció en el 2000 para abordar el valor de la palabra escrita y hablada, su relación con la oralidad y el lenguaje como herramienta artística.

La pieza busca recuperar y actualizar la visión de Fernán Gómez, quien no solo fue un brillante autor, sino también un actor comprometido con la expresión oral del lenguaje, aportando una nueva dimensión al teatro. Esta representación recuerda su contribución a la literatura y al cine, al tiempo que también subraya su faceta como un humilde cómico, profundamente ligado al arte del habla.

Una obra corta, pero imprescindible para todos los amantes del buen teatro.

La podemos ver, hasta el próximo día 31 del presente, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=vU-8cDLCeow

¡Gran homenaje al actor Fernando Fernán Gómez!

El actor José Sacristán da un tributo teatral al actor y director Fernando Fernán Gómez, en la obra “El hijo de la cómica”.  (Teatro Bellas Artes. Martes a domingos. 29 abr a 28 jun).

El veterano actor José Sacristán protagoniza "El hijo de la cómica",  un un homenaje íntimo y emotivo al actor, director y escritor Fernando Fernán Gómez. Una obra con mucho calado cultural del siglo XX, y personal de este actor inigualable que fue Fernando Fernán Gómez. Desde mañana, en el clásico Teatro Bellas Artes.

Si Miguel Delibes enseñó a muchos a mirar el mundo con otros ojos, Fernando Fernán Gómez enseñó a escucharlo. Así, lo recuerda Sacristán, quien tuvo el privilegio de compartir con él conversaciones y confidencias durante varios años, descubriendo en su voz no solo la del gran cómico, escritor y cineasta, sino también la de un hombre que llevaba consigo las memorias de varias generaciones. ¿La obra que nos ocupa..?: El hijo de la cómica, pronto, en el Teatro Bellas Artes.

Entre anécdotas y evocaciones, Sacristán habla en nombre de Fernando de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela de Valdelaguna, y de Carolina Gómez, la costurera que le cuidó en su infancia, igual que Natividad López lo hizo con la del narrador. Historias paralelas, vidas humildes unidas por los mismos sueños de libertad, de superar la pobreza, de “llegar a ser alguien”. En su relato aparecían también ecos de Baroja, Galdós o Barea, como si su memoria fuera un tejido de voces literarias y familiares que dialogaban con la historia de España.

Una recopilación de la vida de un actor que atravesó el siglo XX con una mezcla de melancolía y firmeza. Escucharlo era escuchar también a su abuela, a su madre Carola, a la criada analfabeta que recitaba versos y a todos los personajes reales que poblaron su vida.

¡Imprescindible!

La podremos ver, del 29 de abril, al 28 de junio, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=lDCXbAqNw7I

Profundizar en la vida de Lorca

El tándem artístico del actor Juan Diego Botto / y el actor-director Sergio Peris-Mencheta regresa al Teatro Español con “Una noche sin luna”, un monólogo que profundiza en la vida de García Lorca. Pronto, en el Teatro Español.

El hispano-argentino, Juan Diego Botto, dirigido por Sergio Peris-Mencheta, protagoniza “Una noche sin luna”, un monólogo que profundiza en la vida de Federico García Lorca. Una pieza, pronto para ver en principal escenario del Teatro Español, que acerca los aspectos menos conocidos del poeta andaluz, pero que también busca descubrir, a través de su obra, nuestra propia realidad.

La función viene dirigida por Sergio Peris-Mencheta y está interpretada por Juan Diego Botto. Recoge entrevistas, charlas y conferencias de Lorca, así como fragmentos de sus libretos y algunos de sus poemas. De tal modo, Botto se mete en la piel de Federico García Lorca, relatando su visión del mundo.

Una pieza conmovedora y sorprendente que habla de Lorca desde una sensibilidad del siglo XXI, como si el propio Federico estuviera hoy aquí. Con toques de humor, emoción y tragedia, el montaje recorre sus vivencias en la residencia de estudiantes, sus primeras críticas, sus amores, su relación con la prensa, su viaje a América, sus formas de inspirarse, su lucha por la libertad y, sobre todo, su pasión por la mujer poética e independiente.

La podremos ver, en el Teatro Español, del 30 de abril, al 31 de mayo.

https://www.youtube.com/shorts/M2-Rdlql9WE

Versión teatrera de la conocida película “La escopeta nacional”

“La escopeta nacional” que nos ocupa es una versión de popular actor y también director escénico Juan Echanove de la clásica comedia satírica homónima y cinematográfica del reputado director de cine Luis García-Berlanga. Pronto, en el Teatro Español.

El famoso actor Juan Echanove (desde hace un tiempo, también director escénico) dirige una adaptación del dramaturgo Bernardo Sánchez Salas de la clásica comedia satírica “La escopeta nacional”, de Rafael Azcona y Luis García-Berlanga. Pronto, la podremos ver en el escenario principal del Teatro Español.

Este montaje mantiene la esencia que convirtió la obra original en un referente: una comedia mordaz que reflexiona sobre esa España del poder, las apariencias y la corrupción. La puesta en escena invita al público a reconsiderar cuánto ha evolucionado realmente esa relación en la sociedad española, desde el momento en que se estrenó la película, en 1978, hasta nuestros días. Y lo hace recuperando la maestría berlanguiana para convertir el humor en una herramienta de memoria y crítica.

La trama sigue a un empresario catalán que viaja a Madrid con la intención de cerrar negocios y se incorpora a una cacería organizada por miembros de la élite franquista. Lo que se presenta como una oportunidad estratégica se transforma rápidamente en una sucesión de intereses cruzados, favores encubiertos y situaciones absurdas que ponen al descubierto el funcionamiento interno de un sistema sustentado en privilegios y oportunismo.

Por otro lado, y sobre el escenario, desfilan figuras reconocibles de aquel entramado social: aristócratas tan endeudados como influyentes, promotores en busca del gran pelotazo, ministros aferrados al cargo, banqueros generosos a conveniencia, amantes silenciosas y personajes públicos empeñados en prolongar su momento de gloria. Un mosaico grotesco que, desde la ironía, exhibe una estructura de poder basada en el beneficio personal y el dinero público.

Con todo ello se describen los entresijos de un país deshilachado, en el que, después de cincuenta años, los nombres han cambiado, pero los mecanismos políticos y económicos continúan siendo familiares.

La obra es protagonizada por la mediática y sobresaliente actriz Luisa Martín.

¿Os suena..? A mí sí y mucho. ¡Quizás, demasiado..!

La podremos ver, del 16 de junio, al 26 de julio, en el Teatro Español.

Acerca del abandono

"Yo solo quiero irme a Francia" es la ópera prima de una nueva dramaturga y directora, Elizabet Larena. La obra destaca, pronto en la escena del Teatro Pavón, destaca por su naturalidad, trama conmovedora y dirección de la autora, amén de por el talento de un elenco de lujo, encabezado por la mediática y notable actriz María Galiana.

“Yo solo quiero irme a Francia”, de Elisabet Larena, es una comedia amarga sobre la  identidad, el abandono y la herencia emocional que atraviesa generaciones. Una obra donde lo real y lo mágico conviven con naturalidad y el humor sirve de defensa ante el dolor.
Sinopsis: En un pueblo pequeño de España, durante el velatorio de la anciana Pilar, dos mujeres que no se conocen están a punto de descubrir que comparten mucho más que una habitación incómoda, un bizcocho de limón y una corona de flores firmada por “el vecino Mauro”.

Leo, la nieta de la fallecida, regresa a la casa familiar, después de años de distancia. Inés, una joven desconocida, aparece con una carta notarial y una herencia inesperada. Lo que empieza como un malentendido, va revelando secretos ocultos, identidades entrelazadas y una historia que nos lleva hasta la juventud de la propia Pilar en la España de postguerra. 
Entre muebles cubiertos, un reloj de cuco que interrumpe cada momento incómodo, y los restos de lo que quedó por decir esta obra es una comedia amarga sobre la identidad, el abandono y la herencia emocional que atraviesa generaciones.

En definitiva, una obra donde lo real y lo mágico conviven con naturalidad, donde el humor sirve de defensa ante el dolor y donde a veces, irse a Francia no es una huida… sino un acto de libertad.

La podremos ver, del 29 de este mes, al 24 de mayo, en el Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=G0laPo9iJio