¡En pro de la libertad individual!

La Joven Compañía trae este estreno absoluto de la obra “Un señor cualquiera”, de la escritora Mercedes Pinto, de la Geneeración del 27, bajo versión de Raúl Losánez y con la dirección de José Luis Arellano García y Mabel del Pozo. Es una de las obras más representativas de esta escritora exiliada, que reivindica el legado de las mujeres creadoras que contribuyeron a la renovación de la literatura y el teatro españoles. Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

La nueva temporada del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa nos continua ofreciendo con notabl éxito “Un señor cualquiera” de la escritora de la Generación del 27 Mercedes Pinto. La compañía LaJoven rescata una de las obras más representativas de esta escritora exiliada en la versión de Raúl Losánez y con dirección de José Luis Arellano García y Mabel del Pozo, que reivindica el legado de las mujeres creadoras que contribuyeron a la renovación de la literatura y el teatro españoles.

Escrita con una sorprendente modernidad, la pieza destaca por su tono incisivo, irónico y combativo. Pinto cuestiona sin concesiones las convenciones sociales de su tiempo, denuncia las relaciones tóxicas dentro del matrimonio y defiende la independencia de la mujer frente a un modelo de sociedad dominado por la hipocresía y el conformismo burgués.

La autora despliega, además, una notable riqueza de recursos escénicos. Personajes simbólicos, elementos de teatro de títeres y un lenguaje cargado de fuerza dramática convierten la obra en un alegato artístico que apunta directamente al corazón de los valores establecidos.

Más que una crítica social, la pieza se presenta como una llamada a transformar la realidad desde la libertad individual.

Con esta producción, la compañía invita al público a re-descubrir la figura de una artista excepcional y a acercarse a un texto que, pese a haber sido escrito hace cerca de un siglo, mantiene una extraordinaria vigencia. Y es que la historia interpela al espectador sobre el riesgo de abandonar los propios ideales, de aceptar las imposiciones sociales y de renunciar a aquello que da sentido a la vida.

La podremos ver, hasta el próximo 4 de octubre, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=3VF_roHj8oY

¡Renacer cual Ave Fénix!

La dramaturga, directora escénica y actriz Noemi Rodríguez escribe y dirige “Al final de las cosas”, una obra basada en los cambios y el miedo a la pérdida. Pronto, en el inenarrable y maravillosamente imprescindible Teatro Mª Guerrero.

La dramaturga, directora escénica y actriz Noemi Rodríguez escribe y dirige “Al final de las cosas”, una obra que explora el vértigo de cambiar, el miedo a la pérdida y la necesidad de avanzar cuando ya no es posible permanecer inmóvil. La podremos degustar y, posteriormente, meditar en el Teatro Mª Guerrero.

La pieza sigue a una pareja que, enfrentada a un momento límite, decide arriesgar todo aquello que conoce para escapar de las distintas formas de renuncia, miedo y sacrificio que amenazan con consumirla. Lo que comienza con la apariencia de un cuento de una noche de verano, deriva en una promesa imposible de cumplir y en el derrumbe de un modo de vida.

Lejos de instalarse en la tragedia, el espectáculo convierte ese colapso en un territorio de posibilidades.

En ese espacio frágil e incierto, donde el pasado ya no ofrece respuestas y el futuro todavía no existe, surge una historia que celebra el valor de quienes desafían la inercia y se atreven a reinventarse. Y es que se presenta como una carta de amor a los vínculos que desaparecen, pero también a quienes son capaces de reconstruirse desde sus propias ruinas.

Con un lenguaje escénico irreverente y cargado de humor, propone un viaje emocional en el que la caída no representa únicamente una derrota, sino también una oportunidad para ascender y descubrir nuevas formas de existir. Una mirada que se aleja de los grandes gestos heroicos para centrarse en la fragilidad humana.

Noemi Rodríguez también interpreta el montaje junto con Alejandro Jato, quienes invitan al público a detenerse en ese umbral donde todo está cambiando. Un lugar desde el que observar las transformaciones, despedirse de las versiones de uno mismo que quedaron atrás y aceptar que, a veces, el final de las cosas es también el principio de otras.

¡No nos la perdamos..!

La podremos ver del 9 de octubre, al 15 de noviembre.

https://www.youtube.com/watch?v=aMR36yzoq-4

¡Recuperar la memoria española colectiva del siglo XX!

La compañía teatral Chévere presenta “Ictus”, un proyecto sobre la memoria y la democracia, que, pronto, podremos ver en el Teatro Valle-Inclán.

El Grupo Chévere presenta, en el Teatro Valle-Inclán, el montaje “Ictus”, que propone una conversación en torno a la memoria democrática y a la manera en que las sociedades construyen, conservan y también olvidan su pasado.

La iniciativa parte de una preocupación cada vez más presente en el debate público: la pérdida progresiva de la memoria directa sobre la experiencia fascista de los años 30, el golpe de Estado de 1936 y la posterior dictadura franquista.

A partir de esta perspectiva, Chévere plantea una serie de preguntas sobre la construcción de las narrativas de la memoria y su relación con la democracia. ¿Qué ocurre cuando desaparecen quienes pueden ofrecer un testimonio directo de un acontecimiento? ¿Puede morir una memoria cuando ya no quedan testigos? ¿Cómo se establece la distancia entre la memoria individual y la colectiva? ¿Qué papel desempeñan el olvido y la historia en ese proceso?

Esta producción no pretende ofrecer respuestas cerradas a estas cuestiones, sino abrir un espacio de reflexión y conversación sobre la memoria y sus mecanismos. La propuesta aborda también las alteraciones provocadas por el trauma colectivo del golpe de 1936, la pérdida inducida de la memoria y los métodos mediante los que se construye y reconstruye el relato democrático.

Un total de 90 años después de aquellos acontecimientos, y con cuatro generaciones ya distanciadas de la experiencia directa, dicha compañía plantea la necesidad de preguntarse qué permanece en la memoria colectiva, qué se ha perdido por el camino y quién decide aquello que una sociedad recuerda y aquello que termina olvidando.

¡Imprescindible!

La podremos ver, del 8 de octubre, al 8 de noviembre ,en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=fwlNIwkIj2o

Festival de stand up comedy

“Madrid Comedy Festival” celebra su segunda edición, en la que reúne a más de 35 espectáculos de comedia stand-up representados en varios idiomas. En breve, en varias sedes.

“Madrid Comedy Festival” celebra, en breve, su segunda edición, en varias sedes, repartidas por el centro de la ciudad. Tras agotar todas las entradas en su primera edición, esta segunda entrega regresa con un formato mucho más grande que incluirá monólogos, improvisación, storytelling y roasts.

El Festival Internacional de Comedia de Madrid (FICM) es un festival internacional e independiente de comedia creado por cómicos que viven en Madrid. La primera edición que tuvo lugar en octubre de 2025 agotó las entradas en sus seis salas (vendiendo 2200 entradas), reunió a más de 50 cómicos de más de 20 países, con cinco idiomas sobre el escenario, y logró más de 500 000 visualizaciones en redes sociales.

Todas las voces son bienvenidas en este festival y todos los idiomas tienen su lugar aquí. El FICM lo construyeron las mismas personas que actúan cada semana en los bares y teatros de Madrid. Gente que ama la ciudad y la comedia y que decidió construir algo real con sus propias manos. El MCF se presenta como un hogar de la comedia internacional en el sur de Europa.

Esta segunda edición cuenta con Alberto Closas y Santiago Iturralde como padrinos del festival. La programación reúne más de 35 espectáculos de la mano de 70 cómicos de 25 nacionalidades y serán representados en varios idiomas como español, inglés, francés, holandés, portugués, hindi, italiano y árabe. 

La podremos ver, del primero, al 4 de octubre, en varias sedes.

Danza entre lo humano y lo inhumano

El coreógrafo Elías Aguirre en breve, estrenará, en Teatros del Canal , “Enjambre Rave”, un espectáculo de danza moderna que supone una reflexión escénica sobre las vibraciones compartidas entre lo humano y lo no humano, estableciendo un diálogo entre el macrocosmos de las raves y el microcosmos de un enjambre. La función utiliza luces estroboscópicas, música fuerte y efectos de humo.

La coreografía “Enjambre Rave”, de Elías Aguirre, plantea un paralelismo entre los universos de lo humano y lo no humano para mostrar que la rave trasciende la idea de ritual urbano contemporáneo y puede entenderse como una metáfora de los sistemas naturales. A partir de esa conexión, la creación se presenta como un manifiesto estético y filosófico que invita a borrar las fronteras entre cultura y biología, tecnología y ecosistema.

La pista de baile deja de ser únicamente un espacio de ocio para convertirse en un organismo vivo donde los movimientos individuales generan patrones colectivos, al igual que sucede en la naturaleza. Así, sobre el escenario, los participantes se transforman simbólicamente en luciérnagas iridiscentes, abejas que vibran al ritmo del bajo u hormigas que dibujan recorridos comunes. La noción de colmena social se funde con la de un enjambre rave, una comunidad sin un centro definido que se organiza mediante pequeñas señales y encuentra en la sincronía colectiva una inesperada forma de belleza.

Con ello Elías Aguirre ofrece una experiencia escénica que invita a mirar la cultura contemporánea desde una perspectiva ecológica, reivindicando el poder del movimiento compartido como una expresión de los vínculos que unen a las personas con los procesos del mundo natural.

Elías Aguirre es un licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y con Máster en Artes Escénicas de la Universidad Rey Juan Carlos que se formó en danza en el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid. Fue integrante del espectáculo original de Mayumana y en el 2008 comenzó a crear sus propios proyectos en colaboración con destacados coreógrafos y bailarines. Sus trabajos se caracterizan por la convergencia de técnicas de danza contemporánea, danza urbana, teatro gestual y una fuerte inspiración en la naturaleza.

La podremos ver, los días 3 y 4 de octubre, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=BkiSz2nJlGM

Entre la realidad y los sueños

El actor y director Paco Mir, ex-integrante del popularísimo grupo de teatro cómico gestual Tricicle, dirige “Locuras paralelas”, una comedia psicológica que juega con los límites entre lo real y lo onírico. Ya, en el Gran Teatro Pavón. 

El mítico ex-integrante del archi-conocido grupo de teatro cómico gestual Tricicle, Paco Mir, dirige “Locuras paralelas”, un texto de Gabriela García para generar una comedia psicológica que juega con los límites entre lo real y lo onírico. Ya la podemos reír y pensar en el Gran Teatro Pavón.

Y es que se construye una narración tan desconcertante como sugerente al entrelazar la vida de dos parejas (Guillermo y Luz, por un lado, y Leticia y Gabriel, por otro) en una estructura narrativa donde el destino y la percepción se desdoblan constantemente.

El punto de inflexión llega cuando Gabriel y Luz atraviesan, casi sin explicación, la frontera de lo irreal y se encuentran compartiendo un mismo espacio que desafía cualquier lógica cotidiana: un piso que parece pertenecerles a ambos, aunque fragmentado de manera imposible, con una cocina que es de él y un baño que es de ella. En este escenario híbrido comienza a desarrollarse una sucesión de encuentros tan irracionales como inevitables, propios de un universo paralelo donde las reglas habituales dejan de existir.

A medida que avanza la acción, los personajes se ven atrapados en una dinámica de desconcierto creciente. Luz y Gabriel intentan rebelarse contra esa realidad alterada, pero en dicho proceso de resistencia surge algo inesperado: el descubrimiento mutuo. Lo que empieza como un choque de identidades y situaciones imposibles evoluciona hacia una conexión que amenaza con re-definirlo todo.

Con un tono que combina inteligencia, provocación y humor, el montaje genera una experiencia escénica que desafía las expectativas del espectador y desemboca en un desenlace completamente inesperado. Una comedia que explora los límites de la identidad, el azar y las múltiples versiones posibles de una misma vida.

La podremos ver, hasta el 25 de octubre, en el Gran Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=JBWJVBQTsHQ

 Rompedora versión de “Las bacantes”, de Eurípides

“Baco polaco” es una reinvención contemporánea de la obra greco-latina “Las bacantes”, de Eurípides, en la Argentina rural. Está gran obra clásica combina el imaginario mitológico con la cultura popular y el folclore rioplatense para construir un relato donde la celebración y la tragedia avanzan de la mano. Pronto, en Teatros del Canal.

Dentro del ciclo “Canal Hispanidad”, de Teatros del Canal, el director y dramaturgo argentino Mauricio Kartun estrena, en dichos teatros, “Baco polaco”, una reinterpretación de la conocida obra de teatro greco-latino “Las bacantes”, de Eurípides, en este caso, en la Argentina rural.

La pieza combina el imaginario mitológico con la cultura popular y el folclore rioplatense para construir un relato donde la celebración y la tragedia avanzan de la mano.

La historia se sitúa en un pequeño pueblo de la Argentina profunda, durante la década de 1930. La protagonista es Reina Esther, conocida como la "virgen vitrolera", una singular figura que recorre la llanura llevando la música en discos de pasta. Convertida en una suerte de DJ legendaria, su llegada desencadena la fiesta y la bacanal, despertando un impulso colectivo que altera el orden establecido.

Junto con ella viajan su hermana Sarita, el empresario Silenio y Dionisio, un personaje enamorado de Reina Esther que la acompaña fielmente desde siempre. Cuando la troupe llega a un pequeño pueblo en plena celebración del carnaval, el equilibrio se rompe con la aparición de Penteo, heredero del poder local, cuya obsesión por la protagonista precipita el trágico desenlace.

De este modo el director revisita uno de los grandes mitos del teatro clásico desde una perspectiva argentina, fusionando humor, música, tradición popular y tragedia para reflexionar acerca del deseo, el poder y las fuerzas irracionales que desafían cualquier intento de control.

La podremos ver, del 2, al 11 de octubre, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=803GMuI52iM