¡Gran homenaje al actor Fernando Fernán Gómez!

El actor José Sacristán da un tributo teatral al actor y director Fernando Fernán Gómez, en la obra “El hijo de la cómica”.  (Teatro Bellas Artes. Martes a domingos. 29 abr a 28 jun).

El veterano actor José Sacristán protagoniza "El hijo de la cómica",  un un homenaje íntimo y emotivo al actor, director y escritor Fernando Fernán Gómez. Una obra con mucho calado cultural del siglo XX, y personal de este actor inigualable que fue Fernando Fernán Gómez. Desde mañana, en el clásico Teatro Bellas Artes.

Si Miguel Delibes enseñó a muchos a mirar el mundo con otros ojos, Fernando Fernán Gómez enseñó a escucharlo. Así, lo recuerda Sacristán, quien tuvo el privilegio de compartir con él conversaciones y confidencias durante varios años, descubriendo en su voz no solo la del gran cómico, escritor y cineasta, sino también la de un hombre que llevaba consigo las memorias de varias generaciones. ¿La obra que nos ocupa..?: El hijo de la cómica, pronto, en el Teatro Bellas Artes.

Entre anécdotas y evocaciones, Sacristán habla en nombre de Fernando de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela de Valdelaguna, y de Carolina Gómez, la costurera que le cuidó en su infancia, igual que Natividad López lo hizo con la del narrador. Historias paralelas, vidas humildes unidas por los mismos sueños de libertad, de superar la pobreza, de “llegar a ser alguien”. En su relato aparecían también ecos de Baroja, Galdós o Barea, como si su memoria fuera un tejido de voces literarias y familiares que dialogaban con la historia de España.

Una recopilación de la vida de un actor que atravesó el siglo XX con una mezcla de melancolía y firmeza. Escucharlo era escuchar también a su abuela, a su madre Carola, a la criada analfabeta que recitaba versos y a todos los personajes reales que poblaron su vida.

¡Imprescindible!

La podremos ver, del 29 de abril, al 28 de junio, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=lDCXbAqNw7I

Profundizar en la vida de Lorca

El tándem artístico del actor Juan Diego Botto / y el actor-director Sergio Peris-Mencheta regresa al Teatro Español con “Una noche sin luna”, un monólogo que profundiza en la vida de García Lorca. Pronto, en el Teatro Español.

El hispano-argentino, Juan Diego Botto, dirigido por Sergio Peris-Mencheta, protagoniza “Una noche sin luna”, un monólogo que profundiza en la vida de Federico García Lorca. Una pieza, pronto para ver en principal escenario del Teatro Español, que acerca los aspectos menos conocidos del poeta andaluz, pero que también busca descubrir, a través de su obra, nuestra propia realidad.

La función viene dirigida por Sergio Peris-Mencheta y está interpretada por Juan Diego Botto. Recoge entrevistas, charlas y conferencias de Lorca, así como fragmentos de sus libretos y algunos de sus poemas. De tal modo, Botto se mete en la piel de Federico García Lorca, relatando su visión del mundo.

Una pieza conmovedora y sorprendente que habla de Lorca desde una sensibilidad del siglo XXI, como si el propio Federico estuviera hoy aquí. Con toques de humor, emoción y tragedia, el montaje recorre sus vivencias en la residencia de estudiantes, sus primeras críticas, sus amores, su relación con la prensa, su viaje a América, sus formas de inspirarse, su lucha por la libertad y, sobre todo, su pasión por la mujer poética e independiente.

La podremos ver, en el Teatro Español, del 30 de abril, al 31 de mayo.

https://www.youtube.com/shorts/M2-Rdlql9WE

Versión teatrera de la conocida película “La escopeta nacional”

“La escopeta nacional” que nos ocupa es una versión de popular actor y también director escénico Juan Echanove de la clásica comedia satírica homónima y cinematográfica del reputado director de cine Luis García-Berlanga. Pronto, en el Teatro Español.

El famoso actor Juan Echanove (desde hace un tiempo, también director escénico) dirige una adaptación del dramaturgo Bernardo Sánchez Salas de la clásica comedia satírica “La escopeta nacional”, de Rafael Azcona y Luis García-Berlanga. Pronto, la podremos ver en el escenario principal del Teatro Español.

Este montaje mantiene la esencia que convirtió la obra original en un referente: una comedia mordaz que reflexiona sobre esa España del poder, las apariencias y la corrupción. La puesta en escena invita al público a reconsiderar cuánto ha evolucionado realmente esa relación en la sociedad española, desde el momento en que se estrenó la película, en 1978, hasta nuestros días. Y lo hace recuperando la maestría berlanguiana para convertir el humor en una herramienta de memoria y crítica.

La trama sigue a un empresario catalán que viaja a Madrid con la intención de cerrar negocios y se incorpora a una cacería organizada por miembros de la élite franquista. Lo que se presenta como una oportunidad estratégica se transforma rápidamente en una sucesión de intereses cruzados, favores encubiertos y situaciones absurdas que ponen al descubierto el funcionamiento interno de un sistema sustentado en privilegios y oportunismo.

Por otro lado, y sobre el escenario, desfilan figuras reconocibles de aquel entramado social: aristócratas tan endeudados como influyentes, promotores en busca del gran pelotazo, ministros aferrados al cargo, banqueros generosos a conveniencia, amantes silenciosas y personajes públicos empeñados en prolongar su momento de gloria. Un mosaico grotesco que, desde la ironía, exhibe una estructura de poder basada en el beneficio personal y el dinero público.

Con todo ello se describen los entresijos de un país deshilachado, en el que, después de cincuenta años, los nombres han cambiado, pero los mecanismos políticos y económicos continúan siendo familiares.

La obra es protagonizada por la mediática y sobresaliente actriz Luisa Martín.

¿Os suena..? A mí sí y mucho. ¡Quizás, demasiado..!

La podremos ver, del 16 de junio, al 26 de julio, en el Teatro Español.

Acerca del abandono

"Yo solo quiero irme a Francia" es la ópera prima de una nueva dramaturga y directora, Elizabet Larena. La obra destaca, pronto en la escena del Teatro Pavón, destaca por su naturalidad, trama conmovedora y dirección de la autora, amén de por el talento de un elenco de lujo, encabezado por la mediática y notable actriz María Galiana.

“Yo solo quiero irme a Francia”, de Elisabet Larena, es una comedia amarga sobre la  identidad, el abandono y la herencia emocional que atraviesa generaciones. Una obra donde lo real y lo mágico conviven con naturalidad y el humor sirve de defensa ante el dolor.
Sinopsis: En un pueblo pequeño de España, durante el velatorio de la anciana Pilar, dos mujeres que no se conocen están a punto de descubrir que comparten mucho más que una habitación incómoda, un bizcocho de limón y una corona de flores firmada por “el vecino Mauro”.

Leo, la nieta de la fallecida, regresa a la casa familiar, después de años de distancia. Inés, una joven desconocida, aparece con una carta notarial y una herencia inesperada. Lo que empieza como un malentendido, va revelando secretos ocultos, identidades entrelazadas y una historia que nos lleva hasta la juventud de la propia Pilar en la España de postguerra. 
Entre muebles cubiertos, un reloj de cuco que interrumpe cada momento incómodo, y los restos de lo que quedó por decir esta obra es una comedia amarga sobre la identidad, el abandono y la herencia emocional que atraviesa generaciones.

En definitiva, una obra donde lo real y lo mágico conviven con naturalidad, donde el humor sirve de defensa ante el dolor y donde a veces, irse a Francia no es una huida… sino un acto de libertad.

La podremos ver, del 29 de este mes, al 24 de mayo, en el Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=G0laPo9iJio

Reinterpretación coreográfica de “Romeo y Julieta”

Reinterpretación coreográfica de “Romeo y Julieta”

El bailarín y coreógrafo sueco Mats Ek lidera el ballet “Julieta y Romeo” con el Real Ballet de Suecia, en una reinterpretación contemporánea del clásico de William Shakespeare.

El Real Ballet de Suecia representa “Julieta y Romeo”, en el Teatro Real, en una reinterpretación contemporánea del drama de William Shakespeare, coreografiada por el bailarín sueco Mats Ek.

Creada en 2013 para celebrar los 240 años de la compañía, esta versión rompe con la tradición al invertir el título clásico y colocar a Julieta en el centro de la historia, resaltando su protagonismo en la narrativa.

En lugar de utilizar la célebre partitura de Prokófiev, Mats Ek recurre a una cuidada selección de piezas de Tchaikovsky, lo que aporta una atmósfera sonora distinta y coherente con su enfoque coreográfico personal. La escenografía y el vestuario, a cargo de Magdalena Åberg, junto con la iluminación de Linus Fellbom, componen un espacio escénico sobrio y minimalista que amplifica la carga emocional de la obra.

Lejos de los símbolos convencionales (el balcón, las espadas o el veneno), la coreografía de Ek se adentra en la intimidad de los personajes, destacando la delicadeza adolescente de los amantes y la complejidad de sus sentimientos. El resultado es una lectura moderna y conmovedora de la tragedia, que pone el foco en los dilemas de la juventud frente a las normas y expectativas sociales.

Lo podremos ver, del 7, al 10 de mayo, en el Teatro Real. 

https://www.youtube.com/watch?v=ynIWouIIEAc&list=RDynIWouIIEAc&start_radio=1

Comedia surrealista sobre lo científico y lo absurdo

Los solventes cómicos Javier Coronas, Javier Cansado y Pepe Colubi protagonizan “Ilustres ignorantes”, una delirante discusión sin sentido a caballo entre el rigor científico y lo absurdo. Ya, en el teatro Alcázar. 

 

Tres personajes se suben al escenario. Son expertos en diferentes materias. O eso es lo que ellos dicen porque, en realidad, son los protagonistas de la comedia surrealista “Ilustres ignorantes”. Es una obra cómica que celebra su décima temporada sobre los escenarios.

Javier Coronas conduce este espectáculo con mano de hierro mientras que Cansado y Colubi, ayudados por el invitado especial de turno, ofrecerán una serie de respuestas a sus cuestiones que oscilarán entre el rigor científico y la absurdidad más plena.

Y es que los temas que se plantearán podrán variar entre la metafísica, la cultura suburbana o las distintas manifestaciones del sexo. Todo ello aderezado con una dosis de humor gigantesca.

La improvisación de la que hacen gala en cada representación hace que cada función sea única, imprevisible y totalmente distinta a las demás.

¡Imprescindible para reír a mandíbula batiente..!

La podemos ver hoy, el 22 de mayo y el 19 de junio, en el Teatro Alcázar.

https://www.youtube.com/watch?v=JU6PwaA20ho

Los límites entre realidad y ficción

El dramaturgo Robert Torres dirige “El veneno del teatro”, una obra escrita por Rodolfo Sirera sobre el límite de la verdad y la locura del mundo teatral. Ya, en sus últimos días, en el Teatro Fernán Gómez.

Robert Torres dirige “El veneno del teatro”, una obra escrita por Rodolfo Sirera que indaga en los límites de la verdad, la ficción y la locura en el teatro. Un montaje protagonizado por Silvia Maya y Marta Sangú que visita la Sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa del 9 de abril al 3 de mayo, con funciones de martes a domingos.

Escrita por Rodolfo Sirera y con la participación de las actrices Silvia Maya y Marta Sangú, la función se adentra en los pliegues más oscuros del ser humano y del propio hecho teatral. El montaje explora la tensión entre la ficción y la autenticidad, invitando al público a cuestionarse hasta qué punto la interpretación en el escenario se acerca a la verdad o la distorsiona.

En el centro de esta búsqueda se encuentra el personaje de la Marquesa, concebida como una figura obsesionada por la interpretación (una especie del personaje cinematográfico de Gloria Swanson, en “El crepúsculo delos dioses”) . Su empeño por alcanzar la autenticidad la conduce a un territorio inquietante, donde la pasión se convierte en psicopatía...

Por otro lado, dicho montaje destaca el componente voyeurista  inherente al teatro: esa relación entre actores y espectadores en la que la representación se convierte en un espejo, revelando verdades incómodas sobre la condición humana. De este modo, abre un espacio de reflexión sobre los límites de la verdad artística y la delgada línea que separa la creatividad de la obsesión.

En definitiva, ¿es la vida puro teatro o viceversa..?

La podemos ver, hasta el 3 de mayo, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=RXpZIDkCoAk