Una zarzuela que desafía los convencionalismos

Marina Bollaín adapta y dirige “Jugar con fuego”, una nueva versión de la zarzuela en tres actos de Francisco Asenjo Barbieri, que, pronto, podremos ver en el Teatro de la Zarzuela. Una comedia de enredo que muestra cómo el amor puede desafiar las reglas convencionales...

Estrenada en 1851, la zarzuela de Francisco Barbieri “Jugar con fuego” narra cómo la joven noble Leonor, Duquesa de Medina, durante la verbena de San Juan decide disfrazarse para encontrarse con Félix sin que su verdadera identidad se descubra, lo que genera una serie de confusiones y malentendidos. A su vez, el ambicioso Marqués de Caravaca intenta aprovechar la situación para ganarse el favor de la joven, dando lugar a intrigas y manipulaciones que complican el romance.

A medida que se desarrollan los acontecimientos, Félix reconoce a Leonor, pero ella continúa jugando con su identidad secreta, aumentando los celos y la desconfianza. Los engaños del Marqués y las apariencias equivocadas provocan que Félix sea considerado como un loco y finalmente se le encierre en un manicomio, mientras la corte especula sobre la identidad de la dama disfrazada.

El conflicto llega a su resolución cuando la verdad sobre Leonor y Félix sale a la luz y las intrigas del Marqués quedan desenmascaradas. Gracias a la intervención de un decreto real, se autoriza el matrimonio de los protagonistas. La obra combina humor, romance y crítica social, mostrando el contraste entre la nobleza y el pueblo y dejando claro que el amor y la astucia pueden superar las confusiones y las barreras sociales.

La podremos ver, del 26 de marzo, al 12 de abril, en el Teatro de la Zarzuela.

https://www.youtube.com/watch?v=cAFBykhW4IE

“El sueño de una noche de verano”, en el Real

La ópera “El sueño de una noche de verano”, de Benjamin Britten, regresa al escenario del Teatro Real en una nueva producción que se presentará posteriormente en los teatros coproductores: el Royal Ballet and Opera de Londres y el Teatro Maggio Musicale Fiorentino. El director musical Ivor Boltonv, la directora de escena Deborah Warner y la coreógrafa Kim Brandstrup unen de nuevo fuerzas tras el éxito conseguido en el coliseo madrileño en anteriores títulos brittenianos: “Billy Budd”, en 2017, y “Peter Grimes”, en 2021. Pronto, en el Teatro Real.

El compositor clásico Benjamin Britten recibió el encargo de componer una ópera para la inauguración del renovado auditorio Jubilee Hall, en Aldeburgh, en 1960, con apenas un año de antelación, por lo que decidió escribir él mismo el libreto –con la colaboración de su pareja, el tenor Peter Pears– a partir de la homónima comedia shakespeariana “El suelo de una noche de verano”, que, pronto, podremos disfrutar en nuestro Teatro Real. La decisión de suprimir la primera escena del primer acto de la comedia original, que transcurre en la corte ateniense, y comenzar la ópera directamente en el bosque encantado subraya la preferencia del compositor por los elementos oníricos, simbólicos, sobrenaturales y también burlescos. Musicalmente, Britten creó mundos sonoros claramente diferenciados para los grupos de personajes shakespearianos. Para el reino feérico utiliza timbres etéreos –arpa, celesta, cuerdas agudas, maderas y voces infantiles–, glissandi, armonías delicadas y sonoridades suspendidas. El papel de Oberon, escrito para contratenor, refuerza su carácter extraño, andrógino y fantástico.

Deborah Warner potencia la atmósfera misteriosa, delirante y grotesca de la ópera, creando un mundo de fantasía con la complicidad del escenógrafo Christof Hetzer –autor de la instalación que sirve de marco conceptual a la trama–, del iluminador Urs Schönebaum y del figurinista Luis Filipe Carvalho, que diseñó un vestuario que remarca la diferenciación de los grupos que protagonizan la ópera: el de las hadas, el de los amantes atenienses y el de los rústicos artesanos.

Ivor Bolton se reencuentra con la Orquesta Titular del Teatro Real, después de haber sido su director musical durante una década (2015-2025). A lo largo de 6 funciones, el director británico contará con un reparto vocal de excelentes cantantes-actores como Iestyn Davies (Oberon), Liv Redpath (Tytania), Daniel Abelson (Puck), Thomas Oliemans (Theseus), Christine Rice (Hippolyta), Sam Furness (Lysander), Jacques Imbrailo (Demetrius), Simone McIntosh (Hermia), Jacquelyn Wagner (Helena), Clive Bayley (Botton), Henry Waddington (Quince), Ru Charlesworth (Flute), Stephen Richardson (Snug), John Graham-Hall (Snout) y William Dazeley (Starveling). Junto a ellos actuará el coro infantil Pequeños Cantores de la ORCAM, preparados por Ana González.

El sueño de una noche de verano ya llegó al escenario del Teatro Real hace veinte años, en 2006, en un montaje firmado por Pier Luigi Pizzi, con dirección musical de Ion Marin y cin Carlos Mena en el papel de Oberon.

La podremos ver, del 10, al 22 de este mes, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=NYx0gnaEb0k

Grandiosa versión del ballet “Romeo y Julieta”

El bailarín y coreógrafo sueco Mats Ek lidera una reinterpretación contemporánea del clásico “Romeo y Julieta”, de Shakespeare, en este caso, a través de la versión “Juliette et Roméo”. Pronto, en el Teatro Real.

El Real Ballet de Suecia pronto, representará, “Juliette et Roméo”, en el Teatro Real, una reinterpretación contemporánea del drama “Romeo y Julieta”, de William Shakespeare, coreografiada por el bailarín sueco Mats Ek.

Creada en 2013 para celebrar los 240 años de la compañía, esta versión rompe con la tradición al invertir el título clásico y colocar a Julieta en el centro de la historia, resaltando su protagonismo en la narrativa.

En lugar de utilizar la célebre partitura de Prokófiev, Mats Ek recurre a una cuidada selección de piezas de Tchaikovsky, lo que aporta una atmósfera sonora distinta y coherente con su enfoque coreográfico personal. La escenografía y el vestuario, a cargo de Magdalena Åberg, junto con la iluminación de Linus Fellbom, componen un espacio escénico sobrio y minimalista que amplifica la carga emocional de la obra.

Lejos de los símbolos convencionales (el balcón, las espadas o el veneno), la coreografía de Ek se adentra en la intimidad de los personajes, destacando la delicadeza adolescente de los amantes y la complejidad de sus sentimientos. El resultado es una lectura moderna y conmovedora de la tragedia, que pone el foco en los dilemas de la juventud frente a las normas y expectativas sociales.

Lo podremos ver, del 7, al 10 de mayo, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=CRqNNMT4nFc&list=RDCRqNNMT4nFc&start_radio=1

 

Chavela Vargas vuelve al teatro

“Chavela, la última chamana” es un espectáculo musical que rinde homenaje a la cantante mexicana Chavela Vargas de la mano de artistas como la cantante Rozalén y la actriz Luisa Gavasa. Pronto, en el Teatro Marquina. 

El Teatro Marquina acogerá la representación de “Chavela, la última chamana”, un espectáculo musical que rinde homenaje a la vocalista mexicana de origen costarricense Chavela Vargas. Un montaje que cuenta con la participación de grandes artistas como la cantante Rozalén y la actriz Luisa Gavasa, además de Paula Iwasaki, Raquel Varela, Laura Porras y Nita, junto con la música en directo de Alejandro Pelayo (Marlango).

La obra Chavela, la última chamana está dirigida por la prestigiosa regidora Carolina Román (Juguetes rotos, Río seguro, Adentro o Luciérnagas). La puesta en escena evoca un realismo mágico, donde los personajes y los recuerdos de la cantante se funden en un espacio onírico. Chavela, en su tránsito final, se convierte en un símbolo de rebeldía y sinceridad, enseñando al público a mirarse en su espejo y a vivir con pasión y libertad.

La obra promete una conexión íntima y emocional con "el Mito", que canta y guía a los asistentes a través de su universo, dejando un mensaje sobre la inmortalidad de aquellos que, como ella, viven y mueren con autenticidad.

Chavela Vargas, nacida como Isabel Vargas Lizano en Costa Rica en 1919, fue una cantante de rancheras y música tradicional mexicana. Desde joven, mostró un espíritu independiente y rompió convenciones sociales, mudándose a México en su adolescencia en busca de libertad. Con una voz profunda y desgarradora, interpretaba melodías de amor y desamor con una intensidad que resonaba en su propia vida.

Se hizo famosa en la década de 1950, en un mundo artístico dominado por hombres, y se convirtió en amiga de figuras como Frida Kahlo, Diego Rivera y José Alfredo Jiménez. Sus representaciones de canciones como La Llorona y Paloma Negra la consagraron como una leyenda de la música mexicana. Falleció en 2012 en México a los 93 años.

Lo podremos ver, del 12 de marzo, al 5 de abril, en el Teatro Marquina.

https://www.youtube.com/watch?v=Y0TOZdSCMlQ

Un clásico imprescindible universal ruso

Uno de nuestros directores escénicos más reconocidos, Juan Carlos Pérez de la Fuente, (“El cerco de Numancia”, “Torquemada” o “La gota de sangre. Emilia Pardo Bazán”) -al tiempo, director del Teatro Fernán Gómez- dirige una versión de Ignacio García May (“Torquemada”, “Sofía” o “Voces de Madrid”) sobre el texto del dramaturgo ruso Antón Chéjov (“La gaviota”). Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

“El jardín de los cerezos” (Anton Chéjov) es la última obra del dramaturgo ruso, escrita en 1904 y considerada como una de las más influyentes del teatro moderno. La trama gira en torno a Liubov Andréievna Ranévskaya, una aristócrata rusa que regresa a su hacienda familiar después de varios años en París. Allí, se reencuentra con su hermano Gáiev, su hija y sus antiguos sirvientes. El centro de la propiedad es un magnífico jardín de cerezos, símbolo de la tradición, la memoria y la belleza perdida.

Sin embargo, la familia está arruinada y debe vender la finca. Lopajin, un comerciante hijo de antiguos siervos, propone talar el jardín para construir casas de veraneo y así salvar la situación económica. La familia se resiste, aferrada a los recuerdos y a la nostalgia, incapaz de adaptarse a los nuevos tiempos. Finalmente, el jardín se subasta y es adquirido por el propio Lopajin, quien encarna el ascenso de la nueva burguesía frente al declive de la nobleza.

Más que un drama familiar, la pieza es una alegoría sobre el fin de una era: el ocaso de la aristocracia rusa y el nacimiento de una nueva sociedad. Chéjov combina humor, melancolía y crítica colectiva para mostrar la incapacidad humana para cambiar ante lo inevitable y la hermosura efímera de lo que desaparece.

La dirección escénica es impecable: Haciendo una comparación con el teatro de marionetas de la casa de la familia, sus protagonistas, por momentos, también se nos asemejan marionetas del destino, de un destino inenarrable y trágico, consecuencia de su soberbia de clase aristocrática. Entre ellos, destaca la protagonista absoluta, una Carmen Conesa en estado de gracia y...más bella que nunca. También -sin desmerecer el resto, destacan Juanma Cifuentes (en el papel de rico campesino de la familia) y Helena Ezquerro u Chema León (otros miembros del clan familiar). Todo ello, en el marco de una escenografía simple, pero icónica para una obra imprescindible del teatro moderno universal.

Ficha artística:

*  Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

• Autor: Antón Chéjov

• Versión: Ignacio García May

• Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente

• Reparto (por orden alfabético): Juanma Cifuentes, Carmen Conesa, Helena Ezquerro, Chema León, Manuel Macíá, Borja Maestre, Cristina Marcos, Markos Marín, Noelia Marló, Chema de Miguel, José Gonçalo Pais, Marta Poveda y Jesús Torres.

• Diseño de escenografía: Juan Carlos Pérez de la Fuente e Isi Ponce

• Diseño de vestuario y figurines: Rosa García Andújar

• Diseño de iluminación: José Manuel Guerra

• Diseño de videoescena: Violeta Nêmec

• Espacio sonoro: Ignacio García

• Movimiento escénico y coreografía: Guillermo Weickert

• Ayte. de dirección: Abel Ferris

• Ayte. de vestuario: Rocío León

• Ayte. espacio sonoro: Gabriela Zaldívar

• Producción: Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa en colaboración con Octubre Producciónes S.L.

La podemos ver, hasta el 12 de abril, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=xwfyFITi-R4

La vida del autor de “El Principito”, en versión musical

“Antoine, el musical” es un espectáculo musical basado en la novela “El Principito”, de Antoine Saint-Exupéry,  ganador al mejor espectáculo revelación en los Premios MAX 2021, que realiza una autobiografía poética de su autor. Ya, en el (Rooftop Lírico, del Teatro Calderón.

El reconocido dramaturgo y director escénico Ignasi Vidal, creador de “El plan” o “El cíclope y otras rarezas de amor”, firma y dirige “Antoine, el musical”, un espectáculo musical que revisa la icónica novela de “El Principito” y su autor, mediante una profunda autobiografía poética de su escritor, Antoine de Saint-Exupéry. Un espectáculo que ha sido galardonado como mejor espectáculo revelación en la XXIV Edición de los Premios MAX, y que ahora podrá verse en el espacio Rooftop Lírico localizado en la azotea del Teatro Calderón del 13 de febrero al 26 de abril, de viernes a domingos.

La función cuenta con la música del conjunto barcelonés Elefantes. De su mano se descubre la pasión por escribir y volar que atesoraba el galo, actividades que unió en su obra. Al mismo tiempo, tampoco se olvidan las enseñanzas que trasmite la novela como el valor de la infancia, la inocencia del ser humano y la libertad.

En lo que respecta al elenco, la obra cuenta con la participación del actor y cantante Javier Godino en el papel de Antoine, conocido por su participación en musicales como Hoy no me puedo levantar, El médico y Anastasia. Por su parte, el papel de “El Principito” será interpretado por Víctor Arbelo y la actriz Beatriz Ros interpreta a Consuelo. El elenco se completa con la presencia de Javier Enguix, Alicia Lobo, Paula Moncada, Javier Arroyo ‘Jota’, Inmaculada Mira y Vicenç Miralles que se alternará en el papel con Frank Capdet.

Por otro lado, en el show se vislumbra la historia de Antoine como una extensión de su libro, el cual examina su compleja humanidad. De esta manera, se exponen los aspectos y los momentos de su vida más determinantes, así como las personas que le marcaron.

Antoine de Saint-Exupéry nació en 1900, en Lyon (Francia), y, desde muy pequeño, empezó a soñar con volar. Trabajó para empresas de correo y transporte aéreo en África y Sudamérica, y se embarcó en espectaculares intentos de batir récords.

La literatura fue su otro pasatiempo y llegó a ser un autor de renombre internacional en vida. Saint-Exupéry desapareció sin dejar rastro, mientras realizaba un vuelo de reconocimiento, en 1944. Finalmente, los restos de su P-38 Lightning fueron hallados en el año 2000, en las profundidades del Mediterráneo...

En definitiva, un musical a tener muy en cuenta...

Lo podemos ver, hasta el 26 de abril, en el Rooftop Lírico del Teatro Calderón.

https://www.youtube.com/watch?v=KNKdGGTpgPo

Homenaje flamenco a la mujer

“Emociones+Mujer flamenca” es el nuevo espectáculo de Teatro Flamenco Madrid, que presenta una cita especial con motivo del Día Internacional de la Mujer. Un espectáculo diseñado dirigido por el director artístico José Galván para honrar la esencia femenina y reivindicar el papel crucial de la mujer como motor inagotable del arte jondo.

Bajo el nombre de “+ Mujer Flamenca”, esta propuesta de Teatro Flamenco Madrid, sitúa a la mujer en el centro de la creación, celebrando su fuerza, su sensibilidad y su capacidad para poder transformar la tradición en un lenguaje universal. Un espectáculo que supone una celebración de esta figura clave para mantener la viva llama del flamenco.

Esta función especial se rinde al liderazgo absoluto de algunas de las artistas más importantes del panorama, las cuales asumen la dirección emocional y narrativa del espectáculo. Una propuesta que deja clara la imprescindible presencia de la mujer en el mundo del flamenco, su fuerza y belleza mediante un diálogo íntimo entre el cante y el baile, demostrando por qué su presencia es clave en este arte.

Lo podremos ver, el próximo día 8 del presente, en Teatro Flamenco Madrid.