Gran versión de “El caballero de Olmedo”

“El caballero de Olmedo” es una adaptación de la dramaturga y directora escénica Laila Ripoll de uno de los textos más hermosamente poéticos de nuestro Siglo de Oro porque es una obra del gran Lope de Vega. Ya, en el Teatro de la Comedia.

La nueva temporada del Teatro de la Comedia acoge, hasta el próximo día 22 del presente, de martes a domingos, la representación de “El Caballero de Olmedo”, uno de los textos más hermosamente poéticos de nuestro Siglo de Oro, de Lope de Vega. con versión y dirección a cargo de la dramaturga Laila Ripoll.

Estrenada en 1620, los espectadores acudían a una especie de crónica de una muerte anunciada en la que, desde el inicio, conocían más que los personajes mismos, por lo que esa suerte de fatalidad, de destino terrible e inexorable, generaba una profunda inquietud.

Lo que se inicia como un cuento amable, una aparentemente previsible historia de amor, con sus lances, su criado gracioso, sus divertidos engaños y disfraces, poco a poco se va enturbiando hasta convertirse en un angustioso y siniestro cuento de miedo. Pero nosotros, el público, eso ya lo sabíamos.

Más de cuatrocientos años después los espectadores continuamos siendo cómplices, continuamos compartiendo un secreto en el que está encerrado el destino de los personajes, pero también conocemos muchas más cosas que en 1620 estaban por suceder. ¿Cómo no volver a Olmedo con todo ese arsenal de conocimiento contemporáneo?

¡Absolutamente, imprescindible para los amantes del mejor teatro de esa época y también de todos los tiempos!

La podemos ver, hasta el próximo día 22 del presente, en el Teatro de la Comedia.

https://www.youtube.com/watch?v=707pybBxB7I

¡Terapia rural humorística!

“Turismo rural” es una comedia de enredo escrita por el reconocido dramaturgo Jordi Galcerán (“El Método Grönholm”) y dirigida por el solvente Sergi Belbell (“Tálem”, “Caricias”),  que satiriza los clásicos filmes de terror de serie B. Ya, en el Teatro Príncipe Gran Vía.

Sergi Belbel (Premio Nacional de Literatura Dramática 1996) dirige, en el Teatro Príncipe Gran Vía, “Turismo rural”, una comedia de enredo escrita por Jordi Galcerán (“El método Grönholm” o “El crédito”) que satiriza las clásicas películas de terror de serie B.

Un matrimonio llega en plena noche a una casa de turismo rural dispuesto a disfrutar de un fin de semana romántico y, sobre todo, a dar un paso importante en su vida: han decidido ser padres y han escogido estos días, aparentemente idílicos, para intentar concebir a su futuro hijo. El entorno bucólico, el aislamiento y la tranquilidad del campo parecen ofrecer el escenario perfecto para cumplir su propósito.

Pero la escapada no tardará en complicarse. Los anfitriones de la casa no resultan ser precisamente tan acogedores como la pareja esperaba y, a partir de su llegada, lo que debía ser un fin de semana íntimo y placentero se transforma en una sucesión de situaciones inesperadas.

De este modo, el matrimonio se verá arrastrado por una espiral de acontecimientos en la que las apariencias, el humor y el desconcierto se mezclan hasta poner patas arriba sus planes.

La función está magistralmente representada por los actores Mamen García, Valeria Ros, Carlos Chamarro, Paco Déniz y Lucas Miramón.

¡Muy recomendable como terapia humorística!

La podemos ver, hasta el 27 de diciembre, en el Teatro Príncipe Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=G94MyqcFneQ

Danza con moda y artes visuales para reflexionar sobre lo social

El estreno de una revisión de “La letra escarlata” desde la danza es el montaje de “Tambourines”. Supone una mirada desde la danza, el cuerpo y lo social. Pronto, en los Teatros del Canal.

El fundador del Zürich Dance Ensemble y León de Plata en la Bienal de Venecia de 2024, el coreógrafo y bailarín estadounidense Trajal Harrell, estrena, en España (concretamente, en Madrid), en la Sala Verde de los Teatros del Canal, dentro de la programación del “44º Festival de Otoño”. Y se trata de una obra que revisita “La letra escarlata”, desde la danza, el cuerpo y la mirada social: "Tambourines".

Harrell se acerca a uno de los grandes clásicos de la literatura estadounidense, donde su protagonista, Hester Prynne, es una joven que tiene un hijo fuera del matrimonio y se niega a revelar quién es el padre. En la sociedad puritana de la Norteamérica del siglo XVII, su silencio es considerado un desafío intolerable. Como castigo, Hester es obligada a llevar sobre el pecho una letra A de color escarlata, símbolo público de su supuesto adulterio.

La novela publicada por Nathaniel Hawthorne en 1850 refleja el peso de la moral y de la exposición pública sobre quienes transgreden las normas sociales. En particular, plantea la situación de una mujer cuyo cuerpo y sexualidad quedan sometidos al juicio colectivo, en un contexto en el que no existían conceptos ni estructuras capaces de amparar a quienes se apartaban de los comportamientos considerados aceptables.

La propuesta no se limita a trasladar la novela de Hawthorne al escenario. Harrell utiliza el cuerpo, el movimiento, la moda y la teatralidad para explorar las relaciones entre identidad, deseo, vergüenza y pertenencia. La letra escarlata deja de ser únicamente un símbolo literario para convertirse en una marca sobre el cuerpo y, con ella, en una pregunta sobre quién decide qué cuerpos pueden mostrarse, desearse o expresarse libremente.

La mirada del coreógrafo se detiene también en la dimensión colectiva de esa condena. Frente al desprecio y la exclusión, surge otra cuestión: ¿dónde podría haber encontrado solidaridad una mujer convertida en objeto de señalamiento público? A través de la danza, Harrell recupera así el universo de La letra escarlata para observarlo desde el presente y explorar cómo las normas sociales pueden inscribirse sobre los cuerpos, pero también cómo esos mismos cuerpos pueden convertirse en espacios de resistencia y transformación.

Trajal Harrell combina la danza contemporánea con el voguing y el butoh japonés, a los que incorpora elementos de la moda y las artes visuales. 

La podemos “degustar”, en los Teatros del Canal, los días 14 y 15 del presente.

https://www.youtube.com/watch?v=eLqNjzeVbeA

¡Ay, ese miedo a perder lo nuestro..!

Noemi Rodríguez escribe y dirige “Al final de las cosas”, una obra basada en los cambios y el miedo a la pérdida. Ya, en el Teatro Mª Guerrero.

Noemi Rodríguez escribe y dirige “Al final de las cosas”, una obra que explora el vértigo de cambiar, el miedo a la pérdida y la necesidad de avanzar cuando ya no es posible permanecer inmóvil. Ya podemos ver este montaje en el Teatro Mª Guerrero, nuestro coliseo teatral público nacional por excelencia.

La pieza sigue a una pareja que, enfrentada a un momento límite, decide arriesgar todo aquello que conoce para escapar de las distintas formas de renuncia, miedo y sacrificio que amenazan con consumirla. Lo que comienza con la apariencia de un cuento de una noche de verano deriva en una promesa imposible de cumplir y en el derrumbe de un modo de vida.

Lejos de instalarse en la tragedia, el espectáculo convierte ese colapso en un territorio de posibilidades. En ese espacio frágil e incierto, donde el pasado ya no ofrece respuestas y el futuro todavía no existe, surge una historia que celebra el valor de quienes desafían la inercia y se atreven a reinventarse. Y es que se presenta como una carta de amor a los vínculos que desaparecen, pero también a quienes son capaces de reconstruirse desde sus propias ruinas.

Con un lenguaje escénico irreverente y cargado de humor, propone un viaje emocional en el que la caída no representa únicamente una derrota, sino también una oportunidad para ascender y descubrir nuevas formas de existir. Una mirada que se aleja de los grandes gestos heroicos para centrarse en la fragilidad humana.

Rodríguez también interpreta el montaje junto con Alejandro Jato, quienes invitan al público a detenerse en ese umbral donde todo está cambiando. Un lugar desde el que observar las transformaciones, despedirse de las versiones de uno mismo que quedaron atrás y aceptar que, a veces, el final de las cosas es también el principio de otras.

¡Muy interesante..!

La podemos ver, en el Teatro Mª Guerrero, hasta el próximo día 15 del presente.

https://www.youtube.com/watch?v=aMR36yzoq-4

Paradigma de un asesinato materno

El drama “Magda” supone un viaje al miedo y fanatismo mediante la mujer que asesinó a sus seis hijos. Una obra muy “fuerte”. En breve, en el Teatro Mª Guerrero.

Chela De Ferrari dirige el mega-drama “Magda”, en el Teatro María Guerrero, una obra dramática que se acerca a la figura de Magda Goebbels, con el fin de explorar los mecanismos del miedo, la radicalización y el fanatismo, estableciendo un diálogo entre la Alemania nazi de 1945 y la Europa contemporánea.

Magda Goebbels fue la esposa del jerarca nazi Joseph Goebbels y la responsable del asesinato de sus seis hijos en un búnker de Berlín, en 1945, poco antes del final de la Segunda Guerra Mundial. El espectáculo presenta a esta dura y psicopática madre de familia como un personaje que habita simultáneamente el pasado y el presente. Mientras el régimen nazi se desmorona a su alrededor, ella contempla cómo desaparece el universo que había dado sentido a su existencia: sus códigos culturales, su concepción de la familia, su idea de belleza y su visión del orden. Frente a ese colapso, se aferra a una ideología que convierte el miedo y el rechazo al otro en una forma de interpretar la realidad.

Uno de los elementos centrales de la puesta en escena son los seis hijos de Magda, representados mediante títeres de inquietante realismo. Los muñecos son manipulados por actores inmigrantes que, aunque permanecen invisibles para la protagonista, son precisamente los cuerpos procedentes de ese mundo diverso que ella percibe como una amenaza los que dan vida a sus hijos.

La autora y directora plantea el espectáculo desde la voluntad de comprender y no justificar los mecanismos que llevaron a Magda Goebbels hasta ese extremo. La mirada parte de la pregunta por el miedo y por la capacidad del fanatismo para transformar la protección, el amor o la pertenencia en argumentos para la violencia.

La obra establece, así, un paralelismo entre la Europa de 1945, devastada tras la caída del nazismo, y la Europa actual, marcada por crisis económicas, políticas, sociales y culturales. Y también, por supuesto, racistas con el problema de la emigración como fondo...

La podremos ver, desde el día 13 del presente, al 27 de diciembre, en el Teatro Mª Guerrero.

El José Zorrilla de los difuntos

La compañía teatral La Otra Arcadia trae el estreno absoluto de la obra de Raúl Losánez “Leyendas nuevas de Zorrilla”,  a partir de textos de José Zorrilla, con Ana Contreras en la dirección. Pronto, en el Teatro Fernán Gómez.

Con motivo de las fiestas de Santos y Difuntos, la compañía teatral La Otra Arcadia presenta el estreno absoluto de “Leyendas nuevas de Zorrilla”, de Raúl Losánez, a partir de textos de José Zorrilla y con Ana Contreras en la dirección. Pronto, la podremos ver en el Teatro Fernán Gómez.

En estos relatos el autor vallisoletano ofrece un dominio excepcional de la versificación, una cuidada ambientación novelesca, un fino sentido de la ironía y una notable capacidad para mantener la tensión narrativa, anticipando recursos propios del thriller contemporáneo.

El montaje recupera ese universo legendario desde una perspectiva actual. Partiendo de algunos de los personajes, escenarios y argumentos creados por Zorrilla, el espectáculo reinterpreta sus historias para acercarlas al público de hoy, respetando la belleza de los textos originales y explorando el carácter cambiante de la propia leyenda, un género que siempre ha evolucionado con cada nueva narración.

El resultado son unas "nuevas leyendas" que dialogan con las originales del escritor, del mismo modo que él hizo en su día al reelaborar relatos procedentes de la tradición popular. Sobre las tablas, la puesta en escena apuesta por potenciar el placer de contar historias. Tres intérpretes, acompañados por música en directo, construyen un juego teatral dinámico y desenfadado en el que encarnan a múltiples personajes, apelando constantemente a la imaginación del espectador.

En definitiva, una obra lírica, que constantemente, nos mantiene en suspense y cuya interpretación y dirección son cuasi perfectas.

La podemos ver, del 13 de noviembre, al 6 de diciembre, en el Teatro Fernán Gómez.

¡Bailar la inmortalidad!

La compañía belga de danza Peeping Tom presenta “Chroniques”, un espectáculo de danza-teatro sobre la existencia y la inmortalidad. Pronto, en Centro Danza Matadero.

La compañía belga de danza Peeping Tom (“Moeder, S 62° 58’, W 60’ 39” o “Kind”), reconocida por su estilo hiperrealista y dramático, pronto, representará, en el Centro Danza Matadero – CDM, “Chroniques”, una obra de danza-teatro sobre la existencia y la inmortalidad.

Se trata de una función que invita al espectador a sumergirse en un universo oscuro y poético, donde cinco figuras se encuentran atrapadas en un laberinto temporal, enfrentándose a leyes físicas distintas mientras buscan desafiar la inmortalidad.

El espectáculo se desarrolla a través de una serie de crónicas o capítulos breves, en los que los cuerpos de los intérpretes revelan nuevas posibilidades de ser. La pregunta que subyace en toda la pieza es si este paisaje sulfúrico es un terreno para nuevas creaciones o los restos de lo que alguna vez existió.

Fundada por Gabriela Carrizo y Franck Chartier, Peeping Tom combina técnicas virtuosas, un lenguaje coreográfico extremo y poderosas interpretaciones dramáticas, consolidándose como una de los conjuntos más innovadores de la danza-teatro contemporánea. A lo largo de más de dos décadas, la agrupación ha presentado sus producciones en teatros y festivales de todo el mundo, recibiendo reconocimientos importantes como el Olivier Award en el Reino Unido por 32 rue Vandenbranden y el Premio Fedora Van Cleef & Arpels, entre otros.

¡Muy interesante propuesta..!

La podemos ver, del 12, al 15 de noviembre, en Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=uHEUUXl9080&list=RDuHEUUXl9080&start_radio=1