lunes, 28 de septiembre de 2026

 Rompedora versión de “Las bacantes”, de Eurípides

“Baco polaco” es una reinvención contemporánea de la obra greco-latina “Las bacantes”, de Eurípides, en la Argentina rural. Está gran obra clásica combina el imaginario mitológico con la cultura popular y el folclore rioplatense para construir un relato donde la celebración y la tragedia avanzan de la mano. Pronto, en Teatros del Canal.



Dentro del ciclo “Canal Hispanidad”, de Teatros del Canal, el director y dramaturgo argentino Mauricio Kartun estrena, en dichos teatros, “Baco polaco”, una reinterpretación de la conocida obra de teatro greco-latino “Las bacantes”, de Eurípides, en este caso, en la Argentina rural.

La pieza combina el imaginario mitológico con la cultura popular y el folclore rioplatense para construir un relato donde la celebración y la tragedia avanzan de la mano.



La historia se sitúa en un pequeño pueblo de la Argentina profunda, durante la década de 1930. La protagonista es Reina Esther, conocida como la "virgen vitrolera", una singular figura que recorre la llanura llevando la música en discos de pasta. Convertida en una suerte de DJ legendaria, su llegada desencadena la fiesta y la bacanal, despertando un impulso colectivo que altera el orden establecido.

Junto con ella viajan su hermana Sarita, el empresario Silenio y Dionisio, un personaje enamorado de Reina Esther que la acompaña fielmente desde siempre. Cuando la troupe llega a un pequeño pueblo en plena celebración del carnaval, el equilibrio se rompe con la aparición de Penteo, heredero del poder local, cuya obsesión por la protagonista precipita el trágico desenlace.



De este modo el director revisita uno de los grandes mitos del teatro clásico desde una perspectiva argentina, fusionando humor, música, tradición popular y tragedia para reflexionar acerca del deseo, el poder y las fuerzas irracionales que desafían cualquier intento de control.

La podremos ver, del 2, al 11 de octubre, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=803GMuI52iM





¡Lorca críticamente surrealista!

El director Alfonso Zurro versiona “El público”, la obra de García Lorca donde la realidad se mezcla con las alucinaciones de los personajes. Ha sido producida por el Teatro Clásico de Sevilla. Pronto, en el Teatro Fernán Gómez.



El director Alfonso Zurro (“El ascensor”, “Las bragas” o “La estrella de Sevilla”) versiona y dirige “El Público” una de las obras más destacadas de Federico García Lorca. Pronto, en el Teatro Fernán Gómez.

Escrita hacia 1930, en Cuba, tras su viaje a Nueva York (Estados Unidos), este texto forma parte del llamado “teatro imposible” de Lorca, junto con “Así que pasen cinco años” y “Comedia sin título”. Una representación surrealista donde la realidad argumental se entremezcla con las alucinaciones de los personajes. Uno de los grandes símbolos del teatro moderno nacional que examina los deseos homosexuales reprimidos, mientras defiende la libertad amorosa y artística.



En dicha pieza el protagonista es el mismo público, al cual sumerge en el interior de la conciencia humana cuestionando la noción de individualidad y criticando cómo la sociedad transforma la voluntad propia.



Para dar vida al montaje, Zurro cuenta con la participación de los actores Juan Motilla, Lorena Ávila, Luis Alberto Domínguez, Santi Rivera, Raquel de Sola, Iñigo Núñez, Piermario Salerno, José María del Castillo y Silvia Beaterio.

La podremos ver, del primero, al 18 de octubre, en el Teatro Fernán Gómez.


¡Resistir al paso del tiempo desde los márgenes!

Javier Cámara, Israel Elejalde, Marta Nieto y Emilio Tomé protagonizan “Verborrea”, un estreno absoluto del director Pablo Remón. Trata del paso del tiempo, los sueños incumplidos y la marginalidad y la amistad. Pronto, en Nave 10 Matadero.



Nave 10 Matadero pronto, acogerá el estreno absoluto de “Verborrea”, el nuevo proyecto de Pablo Remón, director invitado de la temporada 2026/27 de Nave 10 Matadero. Protagonizada por Javier Cámara, Israel Elejalde, Marta Nieto y Emilio Tomé, podrá desde el primer día de octubre.

La obra reconstruye el universo de una ficticia banda punk de los años ochent para reflexionar sobre el paso del tiempo, los sueños incumplidos y la resistencia en los márgenes y la amistad. 



En palabras de Pilar G. Almansa (Dramaturgista de la temporada 26/27 de Nave 10 Matadero): "En Verborrea, Pablo Remón nos confirma que lo punk es resistir. Tomando como punto de inflexión una noticia tan ochentera como la inundación de un cámping, el autor nos cuenta la historia de un ficticio grupo de rock inspirado en numerosas bandas reales que seguro le vienen a usted, lector, a la cabeza. Los que quedan viven refugiados en una casa destartalada de la Sierra Norte de Madrid. Segismundo Tóxico, su cantante, vende chapas en las colas de Taylor Swift y pequeñas cantidades de droga. Su familia quiere echarlo para reformar la casa y convertirla en un Airbnb. Él solo piensa salir con los pies por delante."



Pablo Remón es dramaturgo, guionista y director. Ha escrito y dirigido las obras “La abducción de Luis Guzmán, “40 años de paz”, “Barbados” y “El entusiasmo”, entre los montajes más relevantes. Sus obras se han estrenado en teatros como el Pavón Kamikaze, el teatro Valle-Inclán o los Teatros del Canal de Madrid, además de participar en el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, en el Grec de Barcelona o en el FIBA de Buenos Aires.

La podremos ver del primero de octubre, al primero de noviembre próximos, en Nave 10 Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=Qm_NSAMNJ3Y



domingo, 27 de septiembre de 2026

Danza sobre el cuerpo, el movimiento y el paso del tiempo

La Compañía Nacional de Danza presenta “AIÓN”, en el Teatro de la Zarzuela, un programa que reúne tres piezas muy diferentes para recorrer distintas formas de entender el movimiento. Así, el ballet clásico de Paquita, la intensidad de Petite Mort y la energía contemporánea de The Second Detail forman un espectáculo que explora la relación entre el cuerpo, el movimiento y el paso del tiempo.



La propuesta de las coreografías de “AIÓN” contará, además, con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, que , en directo, la música de Petite Mort, bajo la dirección musical de Daniel Capps.

Tres piezas, tres formas de entender la danza

El programa comienza con Paquita – Grand pas classique, una pieza vinculada al gran repertorio clásico. En la que contaremos con la coreografía de Marius Petipa y Joseph Mazilier y música de Édouard Deldevez y Ludwig Minkus.



La precisión técnica y el virtuosismo del ballet clásico darán paso a Petite Mort, de Jiří Kylián, una de las obras más conocidas del coreógrafo. La pieza utiliza dos movimientos de conciertos para piano de Wolfgang Amadeus Mozart —el Adagio del Concierto para piano n.º 23 y el Andante del n.º 21— para construir una coreografía en la que el movimiento, la tensión y el equilibrio adquieren especial protagonismo.

Cerrará el programa The Second Detail, de William Forsythe, con música original de Thom Willems. La obra se adentra en un lenguaje más contemporáneo y físico, basado en la precisión, la velocidad y la energía del movimiento colectivo.




El resultado es un recorrido que no plantea el tiempo como una sucesión lineal, sino como algo que permanece y se transforma. Tradición y danza contemporánea conviven así dentro de un mismo espectáculo.


Una experiencia también detrás del escenario

Algunas de las funciones incluirán Los pasos invisibles, una actividad divulgativa gratuita que permite descubrir qué ocurre detrás del telón y conocer algunas de las claves de AIÓN de la mano de sus propios intérpretes.

La actividad tiene una duración aproximada de 30 minutos y propone un acercamiento al proceso que hay detrás de una representación. En ella se descubre desde el trabajo de los bailarines hasta los elementos que intervienen en la puesta en escena.



Los pasos invisibles estará disponible en las funciones de los días 23, 24, 25, 30 y 31 de octubre y 1 de noviembre.

La podremos disfrutar, del 23 de octubre, al primero de noviembre próximos, en el Teatro de la Zarzuela.

https://www.youtube.com/watch?v=ETdYXMdIyhE





Adaptando un famoso poema de Lorca sobre la amistad

Iván López-Ortega adapta el poema de Lorca “Llanto por Ignacio Sánchez Mejías” sobre el recuerdo, la amistad perdida, el duelo y el olvido. Pronto, en el Teatro Español.



El notable dramaturgo Iván López-Ortega (“Tormenta”, “Taxidermia de una alondra”) pronto, representará una adaptación del poema de Federico García Lorca en el Salón de los balcones - Andrea D'Odorico, del Teatro Español .

Pocas imágenes han quedado grabadas con tanta fuerza en la memoria cultural española como ese repetido y estremecedor “a las cinco de la tarde”. Era el 13 de agosto de 1934 cuando el torero, escritor y mecenas Ignacio Sánchez Mejías fue corneado en la plaza de Manzanares. Días después moriría a consecuencia de las heridas. Lorca transformó esa pérdida en uno de los poemas más conmovedores de la literatura del siglo XX.



Pero esta propuesta teatral de Iván López-Ortega va más allá del tributo biográfico o de la recreación histórica. La obra se adentra en un territorio más complejo y fascinante: el de la memoria, la construcción del mito y la relación entre el artista y aquellos a quienes convierte en materia de creación.

¿Qué ocurre cuando una persona real pasa a formar parte de la literatura? ¿Dónde termina el recuerdo y comienza la narración? ¿Está Lorca evocando al amigo que perdió o está creando al Ignacio que necesita recordar? Estas preguntas atraviesan una pieza que utiliza los textos lorquianos como punto de partida para explorar los mecanismos de la memoria y la manera en que construimos a nuestros héroes, nuestros referentes y nuestros muertos.



La figura de Ignacio Sánchez Mejías emerge así no solo como personaje histórico, sino también como símbolo de todos aquellos cuya existencia acaba transformada por la mirada de quienes sobreviven.

Con todo y con eso la función reflexiona sobre la fragilidad del recuerdo, el duelo, la fina línea que separa el homenaje de la apropiación y la necesidad humana de contar relatos para combatir el olvido.

¡Absolutamente, imprescindible!

La podremos ver, del 12, al 29 de noviembre, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=Zp9w4jfCaKs&list=RDZp9w4jfCaKs&start_radio=1



sábado, 26 de septiembre de 2026

Nace un festival internacional de microteatro

"MÍNIMA"    es el primer festival internacional de microteatro de Madrid, con dieciocho montajes de quince minutos cada uno para quince espectadores en salas de quince metros cuadrados. Pronto, en Microteatro Por Dinero.



El festival internacional de microteatro, "MÍNIMA", está impulsado por Microteatro por Dinero, la sala madrileña ubicada en el barrio de Malasaña que creó el formato en 2009 y desde donde se expandió al resto de España y otros países

El festival celebra además la incorporación en 2026 del término microteatro al Diccionario de la lengua española de la RAE, un reconocimiento a la consolidación del formato como género teatral con identidad propia

El festival programa dos ciclos, uno dedicado a Argentina y otro a España, más dos aportaciones de Portugal y Ecuador, con algunas de las mejores obras que se han creado para este formato

 Las obras transitan por la comedia, el drama, la sátira, el thriller, la danza o la experimentación escénica para abordar temas tan actuales como las dificultades de acceso a la vivienda, la burocracia, la corrupción, la identidad y los prejuicios, la dependencia tecnológica, el embarazo, la soledad o el dolor.







De este modo, y durante 15 días se representarán 18 obras agrupadas en dos ciclos, uno dedicado a la vibrante escena argentina y otro a la rica y diversa creación española, con grupos de distintas comunidades del país, como Canarias, Cataluña, Valencia y Andalucía, más dos propuestas de Portugal y Ecuador.

La madrileña sala de microteatro, que, en 2009, creó el formato, reivindica un género que se ha convertido en una de las principales vías de creación, innovación y experimentación en las artes escénicas contemporáneas. Sin cuarta pared, con el público situado en la propia escena, separado apenas a centímetros de la actuación, las funciones del festival discurren con una intensidad y expectación máximas.

Lejos de entenderse como un formato menor, el microteatro se ha consolidado como un auténtico laboratorio de investigación escénica capaz de generar nuevas narrativas, explorar lenguajes contemporáneos y acercar las artes escénicas a públicos diversos. De este modo, el festival busca impulsar y poner en valor el formato breve. Y para ello ha seleccionado algunas de las mejores obras de esta dimensión, creadas, estrenadas y aplaudidas en otros países y en otros lugares de España distintos a la capital.

Esa consolidación ha recibido precisamente en 2026 un reconocimiento especialmente significativo con la incorporación del término microteatro al Diccionario de la lengua española de la Real Academia Española (RAE). La inclusión de la palabra certifica la implantación de un formato que, desde aquella primera experiencia surgida en Madrid en 2009, ha desarrollado una identidad propia y se ha extendido por España y numerosos países.

La programación de MÍNIMA convierte también sus pequeñas salas en un observatorio de asuntos muy presentes en la sociedad contemporánea. Las obras hablan de las dificultades de acceso a la vivienda, la burocracia y la corrupción, la identidad y los prejuicios, la dependencia tecnológica, el embarazo, la soledad, el amor y las relaciones de pareja o los dilemas morales que atraviesan nuestra vida cotidiana. Todo ello desde registros muy diferentes —del humor absurdo y la sátira social al drama, el thriller, la danza o la comedia musical— que muestran hasta qué punto quince minutos y unos pocos metros cuadrados pueden albergar universos escénicos muy distintos.

 




Primera semana

La primera semana de “MÍNIMA”, que se celebra en la sala Microteatro del barrio de Malasaña ubicada en el número 9 de la calle Loreto y Chicote, la ocuparán los montajes argentinos. El país austral posee una de las tradiciones teatrales más prestigiosas del mundo, con una escena independiente extraordinariamente rica, innovadora y reconocida por su capacidad para impulsar nuevas dramaturgias, lenguajes y formas de creación. Esa vocación experimental convierte al microteatro en un formato especialmente afín a su tejido cultural, favoreciendo el nacimiento de propuestas originales, arriesgadas y de enorme calidad artística.

El ciclo reúne por primera vez en Madrid una selección de espectáculos procedentes de Microteatro Rosario, uno de los espacios de referencia del formato en Latinoamérica. Son obras de algunos de los dramaturgos y creadores más representativos del panorama argentino del microteatro contemporáneo, entre ellas Eifel y jugada de VAR, de Sebastián Villar Rojas; Drágcula, de Nicolás Terzagui; El trato, de Bruno Cesán; Miniaturas, de Federico Rathge; Latente, de Liza Carrillo; El último deseo, de Mumo Oviedo; y Looking for Eva, de Matías Tamburri.  Podrán verse del 9 al 18 de otubre, incluido el día festivo, lunes 12 de octubre.

El segundo ciclo

El segundo ciclo constituye el gran escaparate del microteatro que se crea hoy en España. Compañías, dramaturgos y creadores de diferentes puntos del país reflejarán en MÍNIMA la extraordinaria riqueza, diversidad y vitalidad que caracteriza actualmente este género. La programación nacional reunirá obras llegadas desde Canarias, Andalucía, Cataluña, Castilla-La Mancha, Comunidad Valenciana, además de Madrid. En ellas se alternan la comedia, el drama, la sátira, el teatro social, el humor, la experimentación y las nuevas dramaturgias, lo que pone de manifiesto la enorme libertad creativa del formato y su capacidad para abordar cualquier género, lenguaje o temática desde la cercanía y la intensidad que lo caracterizan.

Las obras de este segundo ciclo son: Gracias por llamar a la Seguridad Social, de Sebastián Bravo (Ecuador); Última llamada, de Pepa de los Mares (Canarias); Manual para no perder el acento, de Eduardo Ibrahim (Portugal); La última pirámide, de Julián Salguero (Andalucía); No soy un robot, de Francesca Pelizzola (Cataluña); Taquito de jamón, de María Gómez-Comino (Castilla-La Mancha); Coloving, de Alberto Fonseca y Paul Alcaide (Madrid); Dilema de un tranvía, de Adam Enrique, y  La Hija de Chuso Puig, ambas de la Comunidad Valenciana; e Impurezas, de Chete Guzmán (Madrid).

La programación del festival se organiza en distintas sesiones, compuestas de modo general por cuatro microobras que se representan de forma simultánea en diferentes salas de Microteatro. De cada espectáculo se harán hasta ocho pases consecutivos en sesión continua a lo largo de la tarde y la noche.

Las funciones del festival se desarrollarán, de martes a viernes, entre las 19.00 y las 00.00 horas; mientras que los sábados y domingos, se celebrarán entre las 18.00 y las 00.00. La información concreta sobre los pases de cada obra y cada día puede consultarse en la página web de Microteatro (Microteatro.es).

 




Proyección internacional

La historia de Microteatro comenzó en 2009, cuando un grupo de autores, directores y actores, liderados por Miguel Alcantud, ocuparon un antiguo prostíbulo abandonado de la calle Ballesta, en el centro de Madrid, para representar trece microobras de menos de quince minutos bajo un mismo tema: Por dinero.

Aquella iniciativa artística, concebida inicialmente como una experiencia efímera, despertó un enorme interés entre el público y la crítica, dando origen pocos meses después a Microteatro por Dinero, la primera sala del mundo dedicada íntegramente al formato.

Ubicada desde entonces en Malasaña, en la calle Loreto y Chicote 9, Microteatro se ha convertido en un referente de innovación escénica y en uno de los proyectos culturales independientes con mayor proyección internacional nacidos en España. Entre sus socios fundadores figuran reconocidos profesionales del teatro, el cine y la televisión, como Verónica Larios, Lola Baldrich, Ana Risueño, Miguel Alcantud, Pablo Blanco y Carlo D'Ursi.

Dieciséis años después, el proyecto ha superado las 3.500 microobras producidas en Madrid y las 5.000 representadas en todo el mundo, consolidando el microteatro como un lenguaje escénico propio y una plataforma de creación para miles de dramaturgos, directores, intérpretes y compañías por la que han pasado en estos cinco lustros grandes nombres de la escena de hoy, como los aclamados directores Los Javi, María Hervás, Ana Rujas, Juan Carlos Pérez de la Fuente, Belén Cuesta, Álvaro Morte, Daniel Sánchez Arévalo, David Trueba, entre muchos otros.

Lo podremos seguir, del 9 de octubre, al primero de noviembre, en las diferentes salas de Microteatro Por Dinero.

 



REPORTAJE ARTE

¡“Vivir” en la Grecia Antigua!

“La Odisea. El viaje inmersivo” es una nueva experiencia inmersiva que nos transporta a la antigua Grecia del periodo micénico para revivir, junto al héroe Odiseo, las pruebas y aventuras de su largo regreso a Ítaca. Ya, en MAD-Madrid Artes Digitales.




Uno de los grandes clásicos de la literatura universal, la Odisea de Homero, para explorar una de las civilizaciones más fascinantes de la historia de Occidente.

Concebida como una experiencia para toda la familia, la producción propone una nueva forma de vivir la historia y de acercarse al poema de Homero, invitando a grandes y pequeños a descubrir juntos, y en primera persona, las aventuras de Odiseo.

Desde el campo de batalla ante las murallas de Troya y el ingenio del caballo de madera, hasta el encuentro con el cíclope Polifemo, la seducción de las Sirenas, el descenso al Hades, el temido paso entre la Escila de las seis cabezas y el remolino de Caribdis, y el ansiado regreso junto a su familia en Ítaca.



Tras el éxito internacional de sus producciones anteriores, como “Tutankamón” o “Los últimos días de Pompeya” o “Cleopatra”, las propuestas de MAD han recorrido 24 ciudades en cuatro continentes y han superado los 5 millones de visitantes en todo el mundo.

Más allá de su ambición tecnológica, esta exposición nace con una vocación clara: disfrutarse en familia. Padres e hijos recorren juntos el regreso de Odiseo y comparten el descubrimiento de uno de los grandes relatos fundacionales de Occidente, en una propuesta que convierte la mitología en una vivencia común, accesible para todas las edades, donde aprender y emocionarse forman parte de la experiencia.

Sucesora directa de Cleopatra, la “expo” lleva el compromiso de MAD con la narración espectacular y didáctica un paso más allá.



Guiado por la voz de Homero, el autor al que la tradición atribuye el poema y que ejerce de narrador a lo largo de toda la experiencia, el visitante avanza a través de recreaciones escénicas, proyecciones envolventes en 360°, un espacio de metaverso, realidad virtual multisensorial y una instalación holográfica, para adentrarse en la Grecia de los héroes y seguir el viaje de Odiseo, el de mil ardides, en su regreso a Ítaca tras los sucesos de la Guerra de Troya.

El viaje arranca ahora en el metaverso. Provistos de auriculares con cancelación de ruido, los visitantes se adentran en un mundo virtual plenamente interactivo, donde pueden abrir puertas y tomar una antorcha para iluminar su camino, guiados desde el primer instante por la voz de Homero, que presenta cada sala y los acompaña a lo largo de toda la experiencia.

Por vez primera, el corazón de la experiencia, la película inmersiva no se concibe como una única secuencia, sino como ocho historias independientes.

Cada una de las grandes pruebas de Odiseo se convierte en un cortometraje con entidad propia, con su propio lenguaje visual, su atmósfera y su banda sonora original, de modo que el relato central se acerca más a ocho producciones reunidas bajo un mismo techo que a un espectáculo lineal.

Un mito fascinante y épico que, casi tres mil años después, sigue resonando con enorme fuerza en el imaginario colectivo.



Los visitantes vivirán cada aventura en primera persona y, al mismo tiempo, comprenderán en profundidad el mundo que las hizo posibles: la civilización micénica, sus dioses, sus palacios y los valores que sentaron las bases de la antigua Grecia. Una historia que interpela, con singular vigor, los dilemas del tiempo presente.

Un hito

“La Odisea” marca, además, un hito para MAD: por primera vez, toda la experiencia está disponible también en inglés, incluida la sala inmersiva principal. Desde el metaverso y la instalación holográfica hasta las salas interactivas y los paneles de la exposición, el público internacional podrá seguir cada momento de la historia en su totalidad. Esto la convierte en la producción más accesible creada por el estudio hasta la fecha para los visitantes que llegan a Madrid desde todo el mundo.



Yo la vi recientemente y lo que más impresiona son las escenas con las gafas de realidad virtual, a través de las cuales te ves inmerso en la batalla de Troya y otros momentos de la vida diaria de aquella importante época para la Humanidad. Realmente, sientes que estás allí, y eso es lo que, en el fondo importa, la experiencia cuasi real.



La podemos experimentar, toda la temporada, en MAD- Madrid Artes Digitales.

https://www.youtube.com/watch?v=M7eiFdXmXCk