Nace un festival internacional de microteatro

"MÍNIMA"    es el primer festival internacional de microteatro de Madrid, con dieciocho montajes de quince minutos cada uno para quince espectadores en salas de quince metros cuadrados. Pronto, en Microteatro Por Dinero. El festival internacional de microteatro, "MÍNIMA", está impulsado por Microteatro por Dinero, la sala madrileña ubicada en el barrio de Malasaña que creó el formato en 2009 y desde donde se expandió al resto de España y otros países El festival celebra además la incorporación en 2026 del término microteatro al Diccionario de la lengua española de la RAE, un reconocimiento a la consolidación del formato como género teatral con identidad propia El festival programa dos ciclos, uno dedicado a Argentina y otro a España, más dos aportaciones de Portugal y Ecuador, con algunas de las mejores obras que se han creado para este formato  Las obras transitan por la comedia, el drama, la sátira, el thriller, la danza o la experimentación escénica para abordar temas tan actuales como las dificultades de acceso a la vivienda, la burocracia, la corrupción, la identidad y los prejuicios, la dependencia tecnológica, el embarazo, la soledad o el dolor.

De este modo, y durante 15 días se representarán 18 obras agrupadas en dos ciclos, uno dedicado a la vibrante escena argentina y otro a la rica y diversa creación española, con grupos de distintas comunidades del país, como Canarias, Cataluña, Valencia y Andalucía, más dos propuestas de Portugal y Ecuador. La madrileña sala de microteatro, que, en 2009, creó el formato, reivindica un género que se ha convertido en una de las principales vías de creación, innovación y experimentación en las artes escénicas contemporáneas. Sin cuarta pared, con el público situado en la propia escena, separado apenas a centímetros de la actuación, las funciones del festival discurren con una intensidad y expectación máximas. Lejos de entenderse como un formato menor, el microteatro se ha consolidado como un auténtico laboratorio de investigación escénica capaz de generar nuevas narrativas, explorar lenguajes contemporáneos y acercar las artes escénicas a públicos diversos. De este modo, el festival busca impulsar y poner en valor el formato breve. Y para ello ha seleccionado algunas de las mejores obras de esta dimensión, creadas, estrenadas y aplaudidas en otros países y en otros lugares de España distintos a la capital. Esa consolidación ha recibido precisamente en 2026 un reconocimiento especialmente significativo con la incorporación del término microteatro al Diccionario de la lengua española de la Real Academia Española (RAE). La inclusión de la palabra certifica la implantación de un formato que, desde aquella primera experiencia surgida en Madrid en 2009, ha desarrollado una identidad propia y se ha extendido por España y numerosos países. La programación de MÍNIMA convierte también sus pequeñas salas en un observatorio de asuntos muy presentes en la sociedad contemporánea. Las obras hablan de las dificultades de acceso a la vivienda, la burocracia y la corrupción, la identidad y los prejuicios, la dependencia tecnológica, el embarazo, la soledad, el amor y las relaciones de pareja o los dilemas morales que atraviesan nuestra vida cotidiana. Todo ello desde registros muy diferentes —del humor absurdo y la sátira social al drama, el thriller, la danza o la comedia musical— que muestran hasta qué punto quince minutos y unos pocos metros cuadrados pueden albergar universos escénicos muy distintos.

Primera semana La primera semana de “MÍNIMA”, que se celebra en la sala Microteatro del barrio de Malasaña ubicada en el número 9 de la calle Loreto y Chicote, la ocuparán los montajes argentinos. El país austral posee una de las tradiciones teatrales más prestigiosas del mundo, con una escena independiente extraordinariamente rica, innovadora y reconocida por su capacidad para impulsar nuevas dramaturgias, lenguajes y formas de creación. Esa vocación experimental convierte al microteatro en un formato especialmente afín a su tejido cultural, favoreciendo el nacimiento de propuestas originales, arriesgadas y de enorme calidad artística. El ciclo reúne por primera vez en Madrid una selección de espectáculos procedentes de Microteatro Rosario, uno de los espacios de referencia del formato en Latinoamérica. Son obras de algunos de los dramaturgos y creadores más representativos del panorama argentino del microteatro contemporáneo, entre ellas Eifel y jugada de VAR, de Sebastián Villar Rojas; Drágcula, de Nicolás Terzagui; El trato, de Bruno Cesán; Miniaturas, de Federico Rathge; Latente, de Liza Carrillo; El último deseo, de Mumo Oviedo; y Looking for Eva, de Matías Tamburri.  Podrán verse del 9 al 18 de otubre, incluido el día festivo, lunes 12 de octubre. El segundo ciclo El segundo ciclo constituye el gran escaparate del microteatro que se crea hoy en España. Compañías, dramaturgos y creadores de diferentes puntos del país reflejarán en MÍNIMA la extraordinaria riqueza, diversidad y vitalidad que caracteriza actualmente este género. La programación nacional reunirá obras llegadas desde Canarias, Andalucía, Cataluña, Castilla-La Mancha, Comunidad Valenciana, además de Madrid. En ellas se alternan la comedia, el drama, la sátira, el teatro social, el humor, la experimentación y las nuevas dramaturgias, lo que pone de manifiesto la enorme libertad creativa del formato y su capacidad para abordar cualquier género, lenguaje o temática desde la cercanía y la intensidad que lo caracterizan. Las obras de este segundo ciclo son: Gracias por llamar a la Seguridad Social, de Sebastián Bravo (Ecuador); Última llamada, de Pepa de los Mares (Canarias); Manual para no perder el acento, de Eduardo Ibrahim (Portugal); La última pirámide, de Julián Salguero (Andalucía); No soy un robot, de Francesca Pelizzola (Cataluña); Taquito de jamón, de María Gómez-Comino (Castilla-La Mancha); Coloving, de Alberto Fonseca y Paul Alcaide (Madrid); Dilema de un tranvía, de Adam Enrique, y  La Hija de Chuso Puig, ambas de la Comunidad Valenciana; e Impurezas, de Chete Guzmán (Madrid). La programación del festival se organiza en distintas sesiones, compuestas de modo general por cuatro microobras que se representan de forma simultánea en diferentes salas de Microteatro. De cada espectáculo se harán hasta ocho pases consecutivos en sesión continua a lo largo de la tarde y la noche. Las funciones del festival se desarrollarán, de martes a viernes, entre las 19.00 y las 00.00 horas; mientras que los sábados y domingos, se celebrarán entre las 18.00 y las 00.00. La información concreta sobre los pases de cada obra y cada día puede consultarse en la página web de Microteatro (Microteatro.es).

Proyección internacional La historia de Microteatro comenzó en 2009, cuando un grupo de autores, directores y actores, liderados por Miguel Alcantud, ocuparon un antiguo prostíbulo abandonado de la calle Ballesta, en el centro de Madrid, para representar trece microobras de menos de quince minutos bajo un mismo tema: Por dinero. Aquella iniciativa artística, concebida inicialmente como una experiencia efímera, despertó un enorme interés entre el público y la crítica, dando origen pocos meses después a Microteatro por Dinero, la primera sala del mundo dedicada íntegramente al formato. Ubicada desde entonces en Malasaña, en la calle Loreto y Chicote 9, Microteatro se ha convertido en un referente de innovación escénica y en uno de los proyectos culturales independientes con mayor proyección internacional nacidos en España. Entre sus socios fundadores figuran reconocidos profesionales del teatro, el cine y la televisión, como Verónica Larios, Lola Baldrich, Ana Risueño, Miguel Alcantud, Pablo Blanco y Carlo D'Ursi. Dieciséis años después, el proyecto ha superado las 3.500 microobras producidas en Madrid y las 5.000 representadas en todo el mundo, consolidando el microteatro como un lenguaje escénico propio y una plataforma de creación para miles de dramaturgos, directores, intérpretes y compañías por la que han pasado en estos cinco lustros grandes nombres de la escena de hoy, como los aclamados directores Los Javi, María Hervás, Ana Rujas, Juan Carlos Pérez de la Fuente, Belén Cuesta, Álvaro Morte, Daniel Sánchez Arévalo, David Trueba, entre muchos otros. Lo podremos seguir, del 9 de octubre, al primero de noviembre, en las diferentes salas de Microteatro Por Dinero.

REPORTAJE ARTE

¡“Vivir” en la Grecia Antigua!

“La Odisea. El viaje inmersivo” es una nueva experiencia inmersiva que nos transporta a la antigua Grecia del periodo micénico para revivir, junto al héroe Odiseo, las pruebas y aventuras de su largo regreso a Ítaca. Ya, en MAD-Madrid Artes Digitales.

Uno de los grandes clásicos de la literatura universal, la Odisea de Homero, para explorar una de las civilizaciones más fascinantes de la historia de Occidente.

Concebida como una experiencia para toda la familia, la producción propone una nueva forma de vivir la historia y de acercarse al poema de Homero, invitando a grandes y pequeños a descubrir juntos, y en primera persona, las aventuras de Odiseo.

Desde el campo de batalla ante las murallas de Troya y el ingenio del caballo de madera, hasta el encuentro con el cíclope Polifemo, la seducción de las Sirenas, el descenso al Hades, el temido paso entre la Escila de las seis cabezas y el remolino de Caribdis, y el ansiado regreso junto a su familia en Ítaca.

Tras el éxito internacional de sus producciones anteriores, como “Tutankamón” o “Los últimos días de Pompeya” o “Cleopatra”, las propuestas de MAD han recorrido 24 ciudades en cuatro continentes y han superado los 5 millones de visitantes en todo el mundo.

Más allá de su ambición tecnológica, esta exposición nace con una vocación clara: disfrutarse en familia. Padres e hijos recorren juntos el regreso de Odiseo y comparten el descubrimiento de uno de los grandes relatos fundacionales de Occidente, en una propuesta que convierte la mitología en una vivencia común, accesible para todas las edades, donde aprender y emocionarse forman parte de la experiencia.

Sucesora directa de Cleopatra, la “expo” lleva el compromiso de MAD con la narración espectacular y didáctica un paso más allá.

Guiado por la voz de Homero, el autor al que la tradición atribuye el poema y que ejerce de narrador a lo largo de toda la experiencia, el visitante avanza a través de recreaciones escénicas, proyecciones envolventes en 360°, un espacio de metaverso, realidad virtual multisensorial y una instalación holográfica, para adentrarse en la Grecia de los héroes y seguir el viaje de Odiseo, el de mil ardides, en su regreso a Ítaca tras los sucesos de la Guerra de Troya.

El viaje arranca ahora en el metaverso. Provistos de auriculares con cancelación de ruido, los visitantes se adentran en un mundo virtual plenamente interactivo, donde pueden abrir puertas y tomar una antorcha para iluminar su camino, guiados desde el primer instante por la voz de Homero, que presenta cada sala y los acompaña a lo largo de toda la experiencia.

Por vez primera, el corazón de la experiencia, la película inmersiva no se concibe como una única secuencia, sino como ocho historias independientes.

Cada una de las grandes pruebas de Odiseo se convierte en un cortometraje con entidad propia, con su propio lenguaje visual, su atmósfera y su banda sonora original, de modo que el relato central se acerca más a ocho producciones reunidas bajo un mismo techo que a un espectáculo lineal.

Un mito fascinante y épico que, casi tres mil años después, sigue resonando con enorme fuerza en el imaginario colectivo.

Los visitantes vivirán cada aventura en primera persona y, al mismo tiempo, comprenderán en profundidad el mundo que las hizo posibles: la civilización micénica, sus dioses, sus palacios y los valores que sentaron las bases de la antigua Grecia. Una historia que interpela, con singular vigor, los dilemas del tiempo presente.

Un hito

“La Odisea” marca, además, un hito para MAD: por primera vez, toda la experiencia está disponible también en inglés, incluida la sala inmersiva principal. Desde el metaverso y la instalación holográfica hasta las salas interactivas y los paneles de la exposición, el público internacional podrá seguir cada momento de la historia en su totalidad. Esto la convierte en la producción más accesible creada por el estudio hasta la fecha para los visitantes que llegan a Madrid desde todo el mundo.

Yo la vi recientemente y lo que más impresiona son las escenas con las gafas de realidad virtual, a través de las cuales te ves inmerso en la batalla de Troya y otros momentos de la vida diaria de aquella importante época para la Humanidad. Realmente, sientes que estás allí, y eso es lo que, en el fondo importa, la experiencia cuasi real.

La podemos experimentar, toda la temporada, en MAD- Madrid Artes Digitales.

https://www.youtube.com/watch?v=M7eiFdXmXCk

¡La vuelta musical de Morticia!

Las conocidas productoras teatrales beon. Entertainment y LETSGO presentan “La Familia Addams. El Musical”, una comedia musical basada en la divertida familia gótica en la que (¡tachñan, tachán!) la mediática actriz Natalia Millán interpreta el papel de Morticia. Ya, en el Teatro Calderón.

La comedia musical basada en la divertida familia gótica, La Familia Addams, regresa a Madrid de la mano de beon. Entertainment y la productora LETSGO. Así, el Teatro Calderón nos ofrece el correspondiente musical. Se trata de un espectáculo basado en las famosas caricaturas de Charles Addams y sus adaptaciones televisivas, primero como serie de televisión y después como película. Un musical que contará con la presencia de la reconocida actriz Natalia Millán dando vida al personaje de Morticia, la elegante, misteriosa y sofisticada madre de la familia.

Después del éxito obtenido con “Houdini, el musical”, LETSGO y beon.Entertainment vuelven a colaborar en esta nueva producción musical de La Familia Addams, con adaptación y dirección de Federico Bellone (“El fantasma de la ópera”, “Cabaret”). 

La excéntrica familia Addams ha cautivado a sus seguidores desde hace cerca de cien años. Su primera aparición tuvo lugar a finales de los años treinta, de la mano del caricaturista Charles Addams en “The New Yorker”. La familia está formada por Morticia (una madre elegante, misteriosa y muy sofisticada), Gómez (un padre excéntrico, apasionado y millonario que ama profundamente a su esposa), Miércoles (la hija inteligente, sarcástica y amante de lo oscuro), Pugsley (el hijo travieso que disfruta de experimentos peligrosos y de que su hermana le mortifique), el Tío Fétido (calvo y divertido), la Abuela (experta en pociones), Lurch (el mayordomo alto y silencioso), y los ancestros….sin olvidarte de Cosa (una mano viva que ayuda en las tareas de la casa).  

En 1964, la cadena ABC los llevó a la televisión obteniendo un gran éxito. Más tarde llegaron adaptaciones cinematográficas como la de 1991 protagonizada por Raúl Juliá, Anjelica Huston y Christina Ricci, musicales de Broadway y producciones contemporáneas de renombre, como la serie “Wednesday”, del premiado cineasta Tim Burton (“Eduardo Manostijeras”), en la plataforma de TV digital Netflix.

La podemos ver, hasta el 29 de noviembre, en el Teatro Calderón.

https://www.youtube.com/watch?v=XDDxpjr4vW4

¡Vuelven los sofocos de la menopausia!

La saga teatral española “Sofocos” una franquicia de musicales sobre la menopausia que lleva más de una década en cartel, con varios montajes, repartos y títulos, vuelve, ahora, al Teatro Arlequín Gran Vía. El hilo conductor es el mismo: desdramatizar sofocos, cambios de humor, el cuerpo a partir de los cincuenta y los tópicos sobre las mujeres, con sketches, canciones y mucho humor directo.

Ahora llega, al Teatro Arlequín Gran Vía, la comedia “A.I. Sofocos”, la quinta entrega de la popular saga teatral Sofocos, Protagonizada por Mónica Pont, Mar Regueras, Diana Peñalver y Amor Romeira, la obra cuenta también con la presencia virtual de Fernando Esteso, en el que fue su último trabajo.

Esta nueva entrega presenta un espectáculo completamente renovado: nuevo guion, nuevas historias, nuevas canciones, nueva puesta en escena y nuevo vestuario, pero conserva intacta la esencia que convirtió a Sofocos en un éxito: humor, complicidad y muchas risas.

La inteligencia artificial se cruza ahora con la vida de cuatro mujeres que afrontan la madurez, la menopausia, el deseo, el amor y sus propias contradicciones con libertad y mucho sentido del humor. La comedia, la música y las canciones acompañan sus historias y convierten el espectáculo en una celebración de la vida.

Protagonizada por Mónica Pont, Mar Regueras, Diana Peñalver y Amor Romeira, la obra cuenta también con la presencia virtual de Fernando Esteso, en el que fue su último trabajo.Su participación constituye un emotivo homenaje a una de las figuras más queridas de la comedia española.

Dirigida por Jesús Amate, con Fabiola Toledo como cover/swing y escenografía y vestuario de Ágatha Ruiz de la Prada, A.I. SOFOCOS combina comedia, emoción, música, canciones y tecnología para hablar de una generación de mujeres que se niega a volverse invisible.

Porque la inteligencia artificial puede tener muchas respuestas, pero todavía no sabe cómo controlar un sofoco.

Protagonizada por Mónica Pont, Mar Regueras, Diana Peñalver y Amor Romeira, la obra cuenta también con la presencia virtual de Fernando Esteso, en el que fue su último trabajo. Destacamos la gran vuelta a los escenarios, después de varios años, de la maravillosa actriz, cantante y bailarina Mar Regueras, especializada en musicales de éxito, como “Chicago” o “Cabaret”.

La podemos ver, toda la temporada, en el Teatro Arlequín Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=t_iX5VQXwig&list=RDt_iX5VQXwig&start_radio=1

¡Qué locura de amigas!

Eva Ugarte, Angy Fernández y Marta Poveda interpretan la alocada comedia “Las irresponsables”,  escrita por Javier Daulte y dirigida por Marta Póveda. Tres amigas, en un pedazo de chalet prestado para el fin de semana y el perro de un vecino asesinado. Con esta premisa, preparaos para moriros de risa. Ya, en el Teatro Maravillas.

El Teatro Maravillas acoge ”Las irresponsables” una alocada comedia llena de ritmo y humor inteligente escrita por Javier Daulte y dirigida por Marta Póveda. Una obra en la que una simple pregunta inocente desatará el caos total con las protagonistas Eva Ugarte, Angy Fernández y Marta Póveda.

Tras haber visitado Buenos Aires y Barcelona con un gran éxito de crítica y público, este ingenioso montaje llega a Madrid. Escrita la obra por el dramaturgo argentino Javier Daulte, en 2025, fue adaptada y estrenada en cines, dirigida por Laura Mañá y protagonizada por Laia Marull, Betsy Túrnez y Àgata Roca.

En esta comedia, tres amigas pasan un fin de semana en una casa fuera de la ciudad para ayudar a una de ellas a superar una ruptura sentimental. Una simple pregunta inocente desencadenará el caos sacando a relucir crisis personales y emociones a flor de piel, en una lucha entre las apariencias de la corrección y la necesidad de bajar al barro. 

Lo que prometía ser una tranquila escapada para acompañar a Lila durante el duelo por su ruptura emocional, pronto se convierte en una sucesión de decisiones imprevisibles, de imprudencias y disparates que conducen al caos.  Porque, aunque vivamos en el escaparate de lo políticamente correcto, basta una crisis para convertirnos en animales heridos y cruzar la línea entre lo que está bien y está mal. Y, a veces, es el golpe bajo que necesitamos para sentirnos con la impunidad necesaria para dejar de reprimir los deseos más oscuros y meterse en el barro.

Con un argumento simple y lleno de gags, la obra aparentemente, no cuenta nada relevante, pero, vista entre líneas, nos habla de la amistad, de la necesidad de “soltarse la melena” y de lo importante de no “encajonarse” en uno mismo.

Tres grandes actrices para una enorme comedia.

A mí me encantó: fue una sesión de risoterapia.

La podemos ver, toda la temporada, en el Teatro Maravillas.

https://www.youtube.com/watch?v=AJnIX7fAu50

Ficha artística:

• Autor - Javier Daulte

• Dirección - Marta Poveda

• Intérpretes - Eva Ugarte Nuria, Angy Fernández Lila, Marta Poveda Fabi

• Producción ejecutiva - Verteatro

• Dirección de producción - Carlos Larrañaga

• Diseño de escenografía - Enric Planas Con la colaboración de Bulthaup

• Diseño de iluminación - David González

• Diseño de vestuario - Pablo Alcándara

• Ayudante de dirección - Rocío Peláez

• Ayudante de producción - Beatriz Díaz

• Dirección técnica - David González

• Gerencia y regiduría - Sabela Alvarado

• Construcción de escenografía - Mambo Decorados

• Diseño gráfico - Hawork Studio

• Comunicación y prensa - La Cultura a Escena – Ángel Galán

• Producción - VERTEATRO · SMEDIA · FOCUS · BITÓ PRODUCCIONES · SECUENCIA 3

Acerca del mal trabajo y la soledad

Victoria Szpunberg representa “El imperativo categórico”, una comedia negra sobre la precariedad laboral y la soledad, tan de actualidad, hoy día. Ya, en el Teatro de La Abadía.

Victoria Szpunberg representa en castellano y en Teatro de La Abadía, “El imperativo categórico”, una comedia negra con tintes sociales y filosóficos que reflexiona sobre la precariedad laboral, la crisis de la vivienda y la soledad moderna. Una obra protagonizada por Sandra Monclús y Xavi Sáez bajo la dirección de la propia Victoria Szpunberg.

La protagonista es Clara G., una profesora asociada de ética que, pasados los 50 años, atraviesa una tormenta vital: se ha separado, no logra una plaza fija en la universidad y está a punto de perder su casa. A medida que se hunde en la precariedad, empieza a sufrir extraños desmayos y pensamientos oscuros. Su brújula moral se tambalea hasta que un hallazgo tan cotidiano como inquietante, un cuchillo de cocina afilado, abre un giro inesperado: ¿cómo se sostiene la ética cuando el sistema te abandona?

La obra, cargada de humor negro y sensibilidad, ofrece un retrato de la soledad, la degradación laboral y las tensiones entre principios morales y supervivencia. Szpunberg consigue poner en jaque el supuesto confort del espectador con una propuesta que mezcla ternura, ironía y una crítica feroz al sistema.

La pieza ha sido ganadora de múltiples premios y reconocimientos entre los que destacan: el Premio de Teatro Memorial Margarida Xirgu a la Mejor actriz para Ágata Roca, el Premio especial del jurado Teatre Barcelona 2024, el Premio Butaca 2024 al Mejor texto, el Premio de la Crítica 2024 al Mejor texto, Mejor actriz y Mejor escenografía o el Premio Ciudad de Barcelona 2024 de Artes Escénicas para Victoria Szpunberg.

Nacida en Buenos Aires (Argentina) en 1973, Victoria Szpunberg es una licenciada en Dramaturgia y Dirección en el Institut del Teatre de Barcelona con un Máster en Estudios Teatrales de la Universidad Autónoma de Barcelona. Es hija del poeta argentino Alberto Szpunberg, exiliado en España tras el golpe de estado en Argentina de 1976. En sus montajes suele tratar temas políticos y sociales contemporáneos y entre sus producciones destacan “Amor mundi”, “Balena blava”, “Boys don’t cry” o “La marca preferida de les germanes Clausman”.

¡De gran interés...!

La podemos ver, hasta el 4 de octubre, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=LKX4f0ym5k4