Un musical a flor de piel

“Rincones” es el proyecto musical más ambicioso de Lorena Gómez. En él aúna música e interpretación. Es una obra musical en la que se marca un monólogo con el que demostrar sus habilidades también interpretativas abriendo su corazón rincón a rincón. Un personaje con el que muchos van a poderse sentir identificados en esa búsqueda continua de Lorena de la empatía y de la conexión con quien está al otro lado. Pronto, en el Pequeño Teatro Gran Vía.

La ganadora de Operación Triunfo 2006,Lorena Gómez, y finalista de “Tu Cara me suena 2016”, Lorena Gómez, encarna uno de los retos más importantes de su carrera protagonizando el musical “Rincones”, un musical que, según sus productores, “cala hondo en el bagaje emocional de los espectadores”.

Estamos ante una poética y musical reflexión sobre el amor, la complejidad de las relaciones y la búsqueda de identidad en ellas. Macorina, en el contexto de una mudanza en la que intenta reorganizar su vida, sólo tiene una idea clara: el amor estorba. Acompañada por una vibrante banda sonora, realizará un paseo retrospectivo por sus experiencias vitales a través de las personas que han ido cruzándose por ella. Un viaje en el que desembalar cajas será, para la protagonista, abrir su corazón y desentrañar, rincón a rincón, por qué decidió dejar el amor fuera del camión de la mudanza.

Una obra que te hará reír y llorar. Que hará que te enfrentes a esta experiencia teatral con la sensación de haber subido por un tobogán de revividas emociones.

En definitiva, una historia llena de nostalgia, con indiscutibles éxitos musicales, que en la majestuosa voz de Lorena Gómez nos dejará con las emociones a flor de piel.

Lo podemos ver, hasta el próximo día 26 del presente, en el Pequeño Teatro Gran Vía.

Relación entre el Arte y la Infancia

La compañía Teatro Tyl Tyl pronto, representa “El Flautista de Hamelin”, en el Teatro Fígaro, una versión del célebre cuento de los hermanos Grimm que plantea una visión renovada sobre la infancia, el poder y la relación entre el mundo adulto y los niños.

La historia de “El Flausita de Hamelin” -pronto, en el Teatro Fígaro- parte de una ciudad desbordada por una invasión de ratas que nadie consigue detener. Cuando la situación parece desesperada, un misterioso flautista llega a Hamelín y, con una melodía hipnótica, consigue hacer desaparecer la plaga. Pero el alivio de los habitantes dura poco. Cuando llega el momento de cumplir la promesa y pagar al flautista por su trabajo, la ciudad se niega. Entonces el músico vuelve a tocar su instrumento y, esta vez, quienes siguen su música no son las ratas, sino los niños de Hamelín.

A partir de este conocido episodio, la propuesta, dirigida por Daniel Lovecchio, introduce una pregunta que atraviesa toda la función: ¿fue venganza, justicia o una forma de liberación? La perspectiva se desplaza, así, hacia los niños y hacia aquello que pueden percibir y comprender más allá de las normas establecidas por los adultos.

La separación entre el mundo infantil y el adulto, simbolizada por el confinamiento de los niños en una cueva, sirve como punto de partida para construir un final alternativo y explorar qué ocurre cuando los más pequeños dejan de ser meros espectadores de las decisiones de los adultos.

Más que una adaptación convencional del cuento, la obra propone una reflexión sobre la relación entre el Arte y la Infancia y sobre la necesidad de escuchar la voz de los niños. El montaje busca abrir una grieta en aquellos mecanismos que silencian o limitan su capacidad de expresarse y convertir el teatro en un espacio de encuentro y pensamiento colectivo.

En definitiva, un flautista nada tonto y un musical muy listo...

Lo podremos ver, los fines de semana, del 4 de octubre, al 1 de noviembre, en el Teatro Fígaro.

El Ballet Español de la Comunidad de Madrid recrea el mito del Ave Fénix

El Ballet Español  de la Comunidad de Madrid (BECM) presenta, en la Sala Roja Concha Velasco de los Teatros del Canal, sede oficial de la compañía, “Nascencia”, una creación dirigida y coreografiada por Mónica Fernández que propone un viaje emocional alrededor de la capacidad humana de reconstruirse y volver a empezar.

Concebida como un poema en movimiento sobre la capacidad humana de renacer, “Nascencia”-la última creación coreográfica del Ballet Español de la Comunidad de Madrid (BECM)  es una suite de danza española contemporánea que transita de la herida a la reconstrucción. La obra entrelaza la fuerza de las raíces folclóricas, la emoción del flamenco y la libertad de la creación contemporánea para construir una historia universal sobre la caída, la transformación y el renacimiento.

El espectáculo convierte la resiliencia en experiencia escénica a través de una propuesta en la que movimiento, música, luz, vestuario y color participan de una misma dramaturgia. Sobre el escenario, la oscuridad inicial va dejando paso progresivamente a la luz, haciendo visible ese proceso de transformación que constituye el corazón conceptual de la obra. Asimismo,  reivindica al mismo tiempo la capacidad de la danza española para dialogar con el presente. Sus diferentes lenguajes aparecen no como elementos aislados, sino como materiales vivos desde los que investigar y construir una expresión contemporánea sin perder la conexión con la tradición.

Al frente de la propuesta se encuentra Mónica Fernández, directora artística del Ballet Español de la Comunidad de Madrid desde diciembre de 2024. Formada en flamenco, danza española, ballet clásico, escuela bolera, folclore y danza contemporánea, Fernández desarrolló durante más de dos décadas una parte fundamental de su trayectoria en el Ballet Flamenco Antonio Canales como primera bailarina, repetidora y ayudante de dirección. Su carrera como intérprete, coreógrafa y directora se ha desarrollado tanto en España como en importantes escenarios y festivales internacionales.

 En “Nascencia”, Fernández firma la coreografía junto a coreografías cedidas por Rubén Olmo, Premio Nacional de Danza 2015 y director del Ballet Nacional de España, desde 2019. El encuentro entre ambas miradas contribuye a articular una propuesta que parte de los códigos de la danza española y el flamenco para explorar nuevas posibilidades escénicas.

 La dirección escénica corresponde a Mónica Fernández y Raúl Alonso, mientras que Pedro Yagüe firma el diseño de iluminación. El vestuario ha sido diseñado por Mónica Fernández y Jasanzo, responsable también de los figurines.

En otro orden de cosas, la dimensión musical ocupa un lugar fundamental en Nascencia. Bajo la dirección musical de Lucky Losada, la propuesta incorpora música de Agustín Diassera, Jesús Calluela, Padre Soler, Lucky Losada, Vaqui Losada, Iván Losada y David Cerreduela, además de la adaptación musical de la sonata realizada por Lucky Losada y Bato Hangonyi.

Y en cuanto al elenco, está integrado por Aaron Miguel Beltrán García, Borja Lebron, Fermín Astrain Cía, Rodrigo García Martínez, Carmen Alonso, Nuria Diez, Alejandro Cerdá, Andrea Antó Hernández, Carmen Segura, Aarón Beltrán, Jan Galvez, Lucía Cardeñoso, Candela Molina, Ainara Cardoso, Iván Fernández Salazar, Isamel Gómez Atienzar, Lourdes Sevilla, Úrsula Mazuelos López, Marina Madiedo, Yeray Fonseca Cadiz, Mario Mingueza y Alejandro Marmol Riquelme.

“Nascencia” invita, así, al público a reconocerse en una experiencia que trasciende el lenguaje estrictamente coreográfico: la posibilidad de caer, transformarse y comenzar de nuevo.

Lo podremos ver, del 24 de septiembre, al 4 de octubre, en los Teatros del Canal.

¡El humorista Abián Díaz vuelve como un huracán!

“Show patético”. Así, ha bautizado Abián Díaz a su nuevo espectáculo de comedia con el que está recorriendo teatros de toda España. Tras colgar el cartel de entradas agotadas en numerosas ciudades, el humorista canario aterriza ahora en Madrid con su show más delirante, musical y desternillante hasta la fecha. Ya, en el Teatro Alcázar.

“Show patético” es un espectáculo donde el público entra en un bucle de carcajadas que amenaza con dejarlo sin aliento literalmente y que ya ha conquistado a miles de espectadores en todo el país.

“Hola, soy Abián Díaz y en en este show haré todo lo posible para que te rías de tal manera que tengas que verte con la necesidad de abandonar en mitad del espectáculo la función si no quieres desfallecer por la falta de aire. Y que, quizás, cuando estés ya fuera, tengas que pensar dos veces si volver o no a tu butaca, porque sabes que dentro, tu risa te volverá a dificultar aquello del respirar.”, dice el autor-actor.

Y en esa dualidad en la que te encontrarás en el hall del teatro, de si debes o no regresar a tu asiento, te darás cuenta de la buena idea que fue venir a este show. Algo así será, más o menos...

Lo podemos ver, desde hoy mismo, toda la temporada, en el Teatro Alcázar.

https://www.youtube.com/shorts/_H92j62IraQ

Cómo fabricar un escritor famoso en las redes

Gabriel Olivares dirige “Bestseller. La obra que Lorca nunca escribió”, una sátira sobre cómo las redes sociales pueden producir un éxito cultural. Ya, en el Gran teatro Pavón. 

El prestigioso director Gabriel Olivares (“Our Town (Nuestro pueblo)”, “La cuenta” o “Proyecto Edipo”) dirige “Bestseller. La obra que Lorca nunca escribió”, una sátira sobre cómo las redes sociales pueden fabricar un éxito cultural, incluso a costa de la verdad. Ya la podemos disfrutar en el Gran Teatro Pavón.

Escrita por Ozkar Galán y con la participación de los actores Nacho Guerreros, Ana Arias, Rebeca Sala y Andrea Alvarado, la función presenta a Paco, un talentoso escritor cuya última novela pasa desapercibida porque no tiene presencia en las redes sociales. Su mujer, Begoña, convencida de que el problema no es la calidad del libro, sino la falta de promoción, decide contratar a una community manager llamada María.

Esta última aplica una serie de estrategias muy agresivas del márketing digital para convertir a Paco en un fenómeno viral. Para lograrlo manipula su imagen pública y reinventa su historia hasta el punto de cambiar su identidad y presentar la novela como un libro completamente distinto, supuestamente relacionado con Federico García Lorca, algo que Paco nunca escribió...

Pero la estrategia funciona demasiado bien, las redes sociales estallan con la noticia y Paco acaba convertido en un fenómeno cultural prefabricado, atrapado en una identidad falsa que él mismo no reconoce. Con ello se reflexiona, a la vez que se critica mordazmente, sobre cuestiones como la actual obsesión por la viralidad, la manipulación mediática, el márketing cultural y la mercantilización de la literatura.

Todo, muy actual. ¡Recomendable!

La podremos ver, hasta el 27 de septiembre, en el Gran Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=O31l92Aggv0

En defensa de la independencia de la mujer

La Joven Compañía estrena “Un señor cualquiera”, un estreno absoluto, en la versión de Raúl Losánez y con la dirección de José Luis Arellano García y Mabel del Pozo. Ya, en el Teatro Fernán Gómez. 

La nueva temporada del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa levanta el telón de la Sala Jardiel Poncela con el estreno absoluto de “Un señor cualquiera”, una obra de Mercedes Pinto. La compañía LaJoven rescata una de las obras más representativas de esta escritora exiliada y perteneciente a la Generación del 27, en la versión de Raúl Losánez y con dirección de José Luis Arellano García y Mabel del Pozo, que reivindica el legado de las mujeres creadoras que contribuyeron a la renovación de la literatura y el teatro españoles.

Escrita con una sorprendente modernidad, la pieza destaca por su tono incisivo, irónico y combativo. Mercedes Pinto cuestiona sin concesiones las convenciones sociales de su tiempo, denuncia las relaciones tóxicas dentro del matrimonio y defiende la independencia de la mujer frente a un modelo de sociedad dominado por la hipocresía y el conformismo burgués.

La autora despliega además una notable riqueza de recursos escénicos. Personajes simbólicos, elementos de teatro de títeres y un lenguaje cargado de fuerza dramática convierten la obra en un alegato artístico que apunta directamente al corazón de los valores establecidos. Más que una crítica social, la pieza se presenta como una llamada a transformar la realidad desde la libertad individual.

Con esta producción, LaJoven invita al público a re-descubrir la figura de una artista excepcional y a acercarse a un texto que, pese a haber sido escrito hace casi un siglo, mantiene una extraordinaria vigencia. Y es que la historia interpela al espectador sobre el riesgo de abandonar los propios ideales, de aceptar las imposiciones sociales y de renunciar a aquello que da sentido a la vida.

La podemos ver desde hoy, hasta el próximo 4 de octubre, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/results?search_query=Un+se%C3%B1or+cualquiera%2C+teatro+fern%C3%A1n+g%C3%B3mez%2C+mercedes+pinto

Las canteras del circo del futuro

“Lo que el cuerpo sabe. Crece 2026” es un festival enmarcado dentro del “Proyecto CRECE”, que el Teatro Circo Price programa estos días. Se trata de espectáculo colectivo dirigido por Marilén Ribot e interpretado por jóvenes artistas recién graduados en algunas de las principales escuelas de circo del mundo.

La propuesta de “Lo que el cuerpo sabe. Crece 2026” parte de los elementos más reconocibles del circo (acrobacias, equilibrios y disciplinas aéreas) para llevarlos hacia un territorio más íntimo. Y es que el teatro, la danza y la creación escénica se incorporan al lenguaje circense en un montaje visual y poético que utiliza el cuerpo como principal herramienta de expresión.

La idea central parte de una premisa: el cuerpo sabe cosas que la mente todavía no ha comprendido. Gestos, movimientos, respiraciones o incluso un simple abrazo pueden contener recuerdos y emociones que no siempre somos capaces de expresar verbalmente. A partir de esta idea, los intérpretes han incorporado sus propias experiencias al proceso creativo, convirtiendo alegrías, miedos, deseos e inquietudes en materia escénica.

El resultado es una pieza en la que la habilidad física no constituye un fin en sí mismo, sino una forma de relatar algo. Cada equilibrio, salto o movimiento contribuye a construir una dramaturgia colectiva sobre las emociones y sobre la manera en que cada persona habita su propio cuerpo.

El “Proyecto CRECE” es un laboratorio internacional de creación de circo contemporáneo impulsado por la Escuela de Circo Carampa. El programa reúne cada año a jóvenes artistas de diferentes escuelas nacionales e internacionales para trabajar durante varias semanas junto con profesionales de reconocido prestigio.

El objetivo de CRECE es favorecer la investigación y la experimentación dentro del circo contemporáneo, fomentando además el encuentro con otras disciplinas escénicas. El proceso culmina con la creación de una función original que permite a los nuevos autores trasladar al escenario todo lo aprendido durante el laboratorio.

Lo podremos seguir, desde hoy, hasta pasado mañana, en el Teatro Circo Price.

https://www.youtube.com/shorts/HVoaiTGkGk8