Espiritismo y thriller para partirnos de risa

“Por Mis Muertos”, del divertido dramaturgo José Warletta, es una comedia de misterio y con éxito en el Teatro Lara . Su autor y director José Warletta (“Santas y perversas”, “Última planta” o “Los tacones de papá”) y está interpretada por los solventes actores cómicos Goizalde Núñez, Eva Rodríguez, Miguel de Miguel, David Tortosa, Cristina Irala y Julio Bellido. Espiritismo y misterio a partes iguales. Ya, en el Teatro Lara.

En un elegante salón de los años 20, una vidente francesa reúne a cuatro personajes para una sesión de espiritismo por orden del más allá. Lo que empieza como una velada solemne se convierte rápidamente en un caos de secretos, reproches, mentiras, verdades explosivas y sustos. Es un circo donde los muertos están más tranquilos que los vivos. Este es el argumento de “Por Mis Muertos”.

Se trata de una comedia de ritmo vertiginoso que mezcla suspense, vodevil y humor ácido, con giros constantes y personajes al límite.

Ideal para reír y desconfiar de cualquier sesión de espiritismo.

La podemos ver, toda la temporada, en el Teatro Lara.

https://www.youtube.com/watch?v=9P4vHuJNklg

Comedia nostálgica y también actual

“Esperando a Manolo” es una comedia de Carlos Baez. Una comedia que presenta un texto original construido a partir de referencias al costumbrismo español y a la cultura popular. Ya, en Teatros Luchana.

“Esperando a Manolo” es una divertida comedia que rinde homenaje al imaginario colectivo español, a través de múltiples influencias y guiños culturales, desde la comedia del absurdo, hasta la revista española. Una combinación perfecta de humor, parodia y situaciones disparatadas que invita al público a disfrutar de una experiencia llena de risas.

El argumento habla de cómo una señora que va muy mona siempre, tras ser abandonada por su marido Manolo, se muda a la calle Desengaño para vivir con su hermana. Juntas ayudarán a una vecina que está teniendo una relación extra-marital con el portero del edificio… (¡Qué lío..!).

Una comedia que fusiona nostalgia y actualidad, utilizando el humor como herramienta para retratar personajes cercanos y situaciones cotidianas con las que el espectador puede sentirse fácilmente identificado.

La podremos ver, del 25 de septiembre, al 27 de noviembre, en Teatros Luchana.

Sobre la independencia de pensamiento

El director de escena Juan Luis Iborra dirige “El Club de los Poetas Muertos”, una adaptación musical de la famosa película homónima de Tom Schulman sobre la libertad de pensamiento. Ya, en el Teatro La Latina.  

El director escénico Juan Luis Iborra (“Emplátame el corazón”, “Gibraltareña” o “Una noche con ella”) dirige “El club de los poetas muertos”, una esperada adaptación musical de la famosa película de Tom Schulman, ganador de un Oscar en 1989 al Mejor Guion, que cuenta con un reparto liderado por el actor Juanjo Artero. Una obra que ya puede verse en el Teatro La Latina.

Su argumento se ambienta en un estricto internado masculino de Estados Unidos, en 1959. La historia comienza cuando llega un nuevo profesor de literatura, John Keating, -interpretado por Robin Williams en el filme y en esta ocasión por Juanjo Artero-, que rompe con los métodos tradicionales de enseñanza del colegio. En lugar de memorizar y analizar la poesía de forma rígida, anima a sus alumnos a pensar por sí mismos, a cuestionar las normas y a vivir con pasión bajo el lema carpe diem (aprovecha el momento).

A ello se une que un grupo de estudiantes descubre que su profesor, cuando era alumno, pertenecía a una sociedad secreta llamada Dead Poets Society (El Club de los Poetas Muertos). Deciden revivirla reuniéndose por las noches en una cueva para leer poesía, hablar de sus sueños y explorar quiénes quieren ser realmente, lejos de la presión del colegio y de sus familias.

En la obra se tratan temas como la libertad de pensamiento, la creatividad, la presión social y familiar, y la búsqueda de la propia identidad. A través de las experiencias de los estudiantes, se muestra el choque entre los sueños personales y las expectativas impuestas por la sociedad.

El filme continua siendo una película de culto por su mensaje inspirador sobre la importancia de pensar de forma independiente y vivir una vida auténtica.

Lo podemos ver, hasta el próximo 8 de noviembre, en el Teatro La Latina.

https://www.youtube.com/watch?v=f3UtWCjeKLw

Octava temporada de la loca comedia “La función que sale mal”

La comedia clásica contemporánea “La función que sale mal” es un gran espectáculo cómico lleno de enredos y accidentes divertidísimos; una mezcla entre Monty Python y Sherlock Holmes. La tenemos, como reposición, en Teatro Amaya.

Las exitosas productoras ATG (los musicales “Billy Elliot", West Side Story”), NEARCO, Cobre y Olympia Metropolitana (“Taxi, La cena de los idiotas”, “La extraña pareja”) han traído, de nuevo, este espectáculo a Madrid. “¡Una garantía de calidad y comedia de alto nivel!”, según sus productores. Después de su éxito en el West End de Londres y en Broadway, Nueva York, donde ganó el Premio Olivier 2015 a la Mejor Comedia, ahora, llega su octava temporada al Teatro Amaya.

Dicha comedia nos presenta a un grupo de teatro amateur en el estreno de su obra de misterio en la que, como el propio título sugiere, todo lo que puede salir mal, ¡sale mal! Los actores propensos a los accidentes luchan contra todas las adversidades hasta la bajada final del telón, con unas consecuencias divertidísimas y que logran que cualquiera estalle de la risa.

¡Desternillante y muy British!

La podremos ver, desde el 16 de septiembre, al 29 de noviembre, en el Teatro Amaya.

https://www.youtube.com/watch?v=QkVYemSsz7U

Reinterpretando el circo desde la Mujer

Pepa Plana y Clara del Ruste interpretan “Voces que no ves”, un espectáculo de clown que reinventa los clásicos del circo desde una mirada femenina. Pronto, en el Teatro Circo Price.

La compañía circense Pepa Plana pronto, representará “Voces que no ves”, en el Teatro Circo Price, un espectáculo que combina humor, poesía y circo para revisar, desde una nueva perspectiva femenina, algunos de los códigos más reconocibles de la tradición circense.

Sobre las tablas, las artistas Pepa Plana y Clara del Ruste se convierten en dos heroínas dispuestas a enfrentarse, a su particular manera, a las situaciones más inesperadas. A partir de los roles tradicionales de la payasa blanca y la augusta, ambas recuperan y reinventan escenas y recursos que forman parte de la historia del clown para construir un universo propio, en el que cada enredo se convierte en una pequeña historia.

Equilibrios, conflictos cotidianos y circunstancias absurdas sirven de punto de partida para hablar también de un mundo que puede resultar hostil, precario o difícil de comprender. Frente a esas dificultades, las protagonistas responden con imaginación, esperanza y juego, utilizando la risa como herramienta para observar la realidad desde otro ángulo.

Así, se ofrece una doble lectura: por un lado, una función cómica y poética dirigida al público familiar y, por el otro, una reivindicación de otras miradas dentro de una disciplina tradicionalmente asociada a modelos masculinos. Y es que al modificar quién ocupa el centro de la escena, también cambian los personajes, las peripecias y el modo de interpretar unos números que los espectadores creen conocer.

La trayectoria de Pepa Plana, una de las grandes referentes del clown, está estrechamente ligada a la reclamación de la figura de la payasa. A lo largo de su carrera ha construido un lenguaje artístico propio y ha contribuido a visibilizar el papel de las mujeres en un territorio escénico históricamente dominado por hombres.

La podremos ver, el próximo día 26 del presente, en el Teatro Circo Price.

https://www.youtube.com/watch?v=QLDiBXhCRWY

Un musical a flor de piel

“Rincones” es el proyecto musical más ambicioso de Lorena Gómez. En él aúna música e interpretación. Es una obra musical en la que se marca un monólogo con el que demostrar sus habilidades también interpretativas abriendo su corazón rincón a rincón. Un personaje con el que muchos van a poderse sentir identificados en esa búsqueda continua de Lorena de la empatía y de la conexión con quien está al otro lado. Pronto, en el Pequeño Teatro Gran Vía.

La ganadora de Operación Triunfo 2006,Lorena Gómez, y finalista de “Tu Cara me suena 2016”, Lorena Gómez, encarna uno de los retos más importantes de su carrera protagonizando el musical “Rincones”, un musical que, según sus productores, “cala hondo en el bagaje emocional de los espectadores”.

Estamos ante una poética y musical reflexión sobre el amor, la complejidad de las relaciones y la búsqueda de identidad en ellas. Macorina, en el contexto de una mudanza en la que intenta reorganizar su vida, sólo tiene una idea clara: el amor estorba. Acompañada por una vibrante banda sonora, realizará un paseo retrospectivo por sus experiencias vitales a través de las personas que han ido cruzándose por ella. Un viaje en el que desembalar cajas será, para la protagonista, abrir su corazón y desentrañar, rincón a rincón, por qué decidió dejar el amor fuera del camión de la mudanza.

Una obra que te hará reír y llorar. Que hará que te enfrentes a esta experiencia teatral con la sensación de haber subido por un tobogán de revividas emociones.

En definitiva, una historia llena de nostalgia, con indiscutibles éxitos musicales, que en la majestuosa voz de Lorena Gómez nos dejará con las emociones a flor de piel.

Lo podemos ver, hasta el próximo día 26 del presente, en el Pequeño Teatro Gran Vía.

Relación entre el Arte y la Infancia

La compañía Teatro Tyl Tyl pronto, representa “El Flautista de Hamelin”, en el Teatro Fígaro, una versión del célebre cuento de los hermanos Grimm que plantea una visión renovada sobre la infancia, el poder y la relación entre el mundo adulto y los niños.

La historia de “El Flausita de Hamelin” -pronto, en el Teatro Fígaro- parte de una ciudad desbordada por una invasión de ratas que nadie consigue detener. Cuando la situación parece desesperada, un misterioso flautista llega a Hamelín y, con una melodía hipnótica, consigue hacer desaparecer la plaga. Pero el alivio de los habitantes dura poco. Cuando llega el momento de cumplir la promesa y pagar al flautista por su trabajo, la ciudad se niega. Entonces el músico vuelve a tocar su instrumento y, esta vez, quienes siguen su música no son las ratas, sino los niños de Hamelín.

A partir de este conocido episodio, la propuesta, dirigida por Daniel Lovecchio, introduce una pregunta que atraviesa toda la función: ¿fue venganza, justicia o una forma de liberación? La perspectiva se desplaza, así, hacia los niños y hacia aquello que pueden percibir y comprender más allá de las normas establecidas por los adultos.

La separación entre el mundo infantil y el adulto, simbolizada por el confinamiento de los niños en una cueva, sirve como punto de partida para construir un final alternativo y explorar qué ocurre cuando los más pequeños dejan de ser meros espectadores de las decisiones de los adultos.

Más que una adaptación convencional del cuento, la obra propone una reflexión sobre la relación entre el Arte y la Infancia y sobre la necesidad de escuchar la voz de los niños. El montaje busca abrir una grieta en aquellos mecanismos que silencian o limitan su capacidad de expresarse y convertir el teatro en un espacio de encuentro y pensamiento colectivo.

En definitiva, un flautista nada tonto y un musical muy listo...

Lo podremos ver, los fines de semana, del 4 de octubre, al 1 de noviembre, en el Teatro Fígaro.