Un podcast teatrero sobre Julio César

“Roma Aeterna: Cësar, el hombre que desafió a Roma” es el estreno de un programa especial del podcast de Iban Martín sobre la figura de Julio César. Pronto, en el Teatro Alcázar.

El podcast “Roma Aeterna”, presentado por Iban Martín, pronto, estrenará, en el Teatro Alcázar, un programa especial basado en la figura de Julio César, desmontando el mito y haciéndolo humano mediante una clase magistral de historia camuflada de comedia.

La obra sitúa al espectador en un momento clave de la historia: los instantes posteriores al asesinato de César durante los Idus de Marzo. La acción transcurre en la Curia de Pompeyo, donde el dictador ha sido apuñalado por los conspiradores. Sin embargo, el protagonista no es uno de los asesinos, sino un senador que llega tarde al complot. Daga en mano y dispuesto a participar en el magnicidio, descubre que todo ha terminado. Desde ese punto de partida, el personaje reflexiona sobre César, la política romana y la condición humana en un relato que mezcla los pasajes históricos con situaciones humorísticas.

El espectáculo mantiene el sello divulgativo característico de Iban Martín, historiador y podcaster especializado en la Antigua Roma. Licenciado en Historia por la Universitat de Barcelona, Martín se ha convertido en una de las voces más populares de la comunicación histórica en español gracias a su proyecto Roma Aeterna, iniciado en 2020.

“Roma Aeterna Podcast” es un programa que recorre la historia de Roma desde sus orígenes míticos hasta el desarrollo del Imperio, combinando explicación histórica, análisis de fuentes clásicas y episodios temáticos sobre la sociedad, la cultura y la política romanas. El podcast se ha consolidado como una referencia en la divulgación histórica en formato audio, con más de diez millones de escuchas, destacando por su rigor académico y su narrativa entretenida.

Curioso...

La podremos ver, desde el día 19 del presente, toda la temporada, en el Teatro Alcázar.

https://www.youtube.com/watch?v=HanCyOtIt5Q&list=PLl4KJtUW7dz2aZL80dYxQRuw2ctg1Ok4-

Opera bufa inspirada en Cervantes

La Ópera Estudio de Málaga - Teatro Cervantes produce “El gitano por amor”- “Le gitan par amour”, una ópera bufa en dos actos inspirada en “La gitanilla”, de Miguel de Cervantes. Pronto, en el Teatro de la Zarzuela.

La Ópera Estudio de Málaga - Teatro Cervantes produce “El gitano por amor”- “Le gitan par amour”, una ópera bufa en dos actos basada en “La gitanilla”, de Miguel de Cervantes. Pronto, la tendremos en el Teatro de la Zarzuela.

La obra cuenta con la música y libreto de Manuel García y está dirigida en el plano musical por Carlos Aragón y en la escena por Emilio Sagi ("Katiuska", "I puritani" o "Le nozze di Figaro"). Además, tiene la participación de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro de la Zarzuela.

Su historia tiene como protagonista a Preciosa, una joven gitana bellísima, inteligente y virtuosa, criada en una comunidad de gitanos que viajan cantando y bailando por las ciudades de España. Un joven noble llamado don Juan de Cárcamo la ve un día y se enamora perdidamente de ella. Para poder acercarse a Preciosa, decide renunciar a su vida de privilegios y convertirse en gitano, bajo el nombre de Andrés Caballero.

Preciosa, que también se siente atraída por él, pone una condición: no podrá casarse con ella hasta haber vivido dos años entre los gitanos, cumpliendo su modo de vida, para probar su constancia y humildad. Durante ese tiempo, Andrés vive diversas aventuras y aprende las costumbres del grupo, enfrentándose a las injusticias que los gitanos sufren por su reputación. Sin embargo, un malentendido y una falsa acusación de robo hacen que Andrés sea encarcelado.

Finalmente, la verdad sale a la luz: se descubre que Preciosa no era gitana de nacimiento, sino una niña robada a una familia noble. Al revelarse su origen, ella y Andrés pueden casarse, recuperando su honor y su posición sin renunciar del todo a su libertad interior. Con ello Cervantes reflexiona sobre el amor verdadero, la libertad, el honor y los prejuicios sociales, concluyendo que la nobleza auténtica está en el corazón y no en la sangre.

¡Interesante!

La podremos ver, del 22, al 26 de este mes, en el Teatro de la Zarzuela.

https://www.youtube.com/watch?v=F8LRO4FkdLY

Una de las óperas checas más reputadas

El director operístico francés Laurent Pelly presenta “La novia vendida” una de las óperas más emblemáticas del repertorio checo de la ópera. Una historia de enredos amorosos y tradiciones rurales.

El prestigioso director operístico galo Laurent Pelly (“Viva la mamma”, “Falstaff” o “l turco in Italia”) presenta, en nuestro Teatro Real, la ópera checa “La novia vendida”. Se trata de una de las obras líricas más emblemáticas del repertorio operístico de la República Checa. Una versión fresca y humorística de esta historia de enredos amorosos y tradiciones rurales.

Ambientada en una aldea checa, la trama sigue a Mařenka, una joven campesina enamorada de Jeník. Sin embargo, sus padres han acordado casarla con Vašek, el hijo tartamudo y algo ingenuo de un rico terrateniente, siguiendo las costumbres del lugar. Para evitar este matrimonio forzado, Jeník idea un plan: finge aceptar vender su derecho a casarse con Mařenka por 300 florines, estipulando que ella solo podrá casarse con un hijo de Mícha, el terrateniente.

Dado que Jeník es, en realidad, hijo de Mícha de un matrimonio anterior, su estratagema asegura que él mismo será el esposo legítimo de Mařenka. Aunque inicialmente ella se siente traicionada, la verdad sale a la luz y el amor triunfa sobre las convenciones sociales.

El montaje es una celebración de la música folclórica checa y una sátira de las prácticas matrimoniales de la época. Esta nueva producción es una colaboración entre la Opéra National de Lyon, la Oper Köln y el Théâtre Royal de La Monnaie de Bruselas. Laurent Pelly, reconocido por su habilidad para combinar humor y crítica social, dirige esta versión que cuenta con la regiduría musical de Gustavo Gimeno, quien asumirá el cargo de director musical del Teatro Real a partir de septiembre de 2025.

La podremos ver, hasta el próximo día 30 del presente, en el Teatro Real, de Madrid.

https://www.youtube.com/watch?v=YRuL-RnCwfE

 

¡La soledad, ay, la soledad!

El director Iván López-Ortega presenta “Tormenta”, una versión de la obra del dramaturgo sueco August Strindberg (“El padre”, “La señorita Julia”, “El sueño”, “El pelícano”) sobre la soledad y el arrepentimiento. Desde mañana, en el Teatro Español.

El director Iván López-Ortega adapta “Tormenta”, la obra del inigualable y muy reconocido dramaturgo sueco August Strindberg (“La señorita Julia”, “El padre”), entre muchas otras obras sobresalientes), donde se profundiza en temas como la soledad, la memoria y el arrepentimiento.

En un silencioso apartamento que da a un patio interior, un anciano ex-magistrado vive apartado del mundo, refugiado en una rutina tan rígida como su carácter. La calma se rompe cuando recibe la inesperada visita de su hermana, portadora de noticias sobre figuras clave de su pasado: su ex-esposa, su hija y un joven músico que ha irrumpido en sus vidas.

A través de un diálogo íntimo y cargado de tensión, salen a la luz viejas heridas, reproches y afectos no resueltos. El anciano se ve obligado a enfrentarse a su soledad, a la fragilidad de los lazos familiares y a la inevitabilidad del tiempo que pasa.

En este espacio cerrado la “tormenta” no se libra en el cielo, sino en el interior de los personajes: un estallido de emociones, recuerdos y confesiones que arrastra a todos hacia un terreno incierto, entre la amargura y la posibilidad de redención.

¡Absolutamente, imprescindible!

La podremos ver, del 16 de este mes, al 3 de mayo, en el Teatro Español.

Arremetiendo contra la trata de mujeres

Concha Delgado y Sandra Ferrús dirigen “Utopía en llamas”, un drama-denuncia poético-social sobre la trata de mujeres. Ya, en el Teatro Mª Guerrero. 

Las directoras escénicas Concha Delgado y Sandra Ferrús dirigen “Utopía en llamas”, un “dramón” escrito por Alda Lozano (“Post-Stella”) que denuncia, con un estilo poético y minimalisrta la trata de mujeres con fines de explotación sexual.

España es el tercer país del mundo con mayor demanda de sexo de pago y lidera el ránking europeo. A ello se suma que el 80 por ciento de las mujeres y niñas que se prostituyen son víctimas de trata, una manera contemporánea de esclavitud que vulnera los derechos fundamentales. Aun así, entre el 20 por ciento y el 40 por ciento de los hombres españoles han pagado alguna vez por sexo.

La obra mezcla la crónica, la fotografía y la literatura para contar una dura verdad: ese espejo oscuro de una sociedad que consume sin mirar la tragedia. Con ello se construye una fábula de terror en el que la realidad se desdibuja y la falacia se instala como norma. Desde su título, el proyecto invita a pensar en el contraste entre el sueño de libertad y el infierno de la esclavitud moderna. El montaje lanza una pregunta incómoda: ¿qué papel juega el azar (el lugar donde nacemos, el color de nuestra piel, el género o el acento) en el destino de cada vida?

De tal modo se señala la complicidad estructural que sostiene este sistema. Mientras el estigma y la mirada recaen sobre las mujeres, la pieza apunta hacia quienes lo normalizan: clientes, instituciones y una sociedad indiferente.

De estilo minimalista con una interpretación “heavy” y una dirección dura, donde casi todos los personajes son puteros y tan solo una actriz representa a las prostitutas, la obra no deja títere con cabeza en este negocio y, sobre todo, critica a esos clientes “bienpensantes”, al tiempo que cínicos, que tanto daño hacen a estas pobres mujeres y niñas secuestradas para la trata de blancas y convertidas, a la fuerza, en prostitutas de por vida.

¡Bravo!

Salí de la representación con los pelos de punta...

La podemos ver, hasta el día 26 del presente, en el Teatro Mª Guerrero.

https://www.youtube.com/watch?v=woVu56fYDg0

Ficha artística:

Lugar: Teatro María Guerrero - Sala de la Princesa

• Texto y dramaturgia - Alda Lozano

• Dirección - Concha Delgado y Sandra Ferrús

• Reparto - Alda Lozano, Jorge Machín y otros por confirmar

• Escenografía y videoescena - Javi Burgos

• Iluminación - Paloma Parra

• Sonido - Sandra Vicente

• Coreografía - Dácil González

• Producción - Centro Dramático Nacional

Gran teatro de sentimientos

“La última noche con mi hermano” es un texto de Alfredo Sanzol. Se ha representado, hasta hace poco, en el Teatro María Guerrero y, en estos momentos, está de gira por toda España. Habla de la entereza de una enferma de cáncer, quien lo lleva mejor que su familia más cercana.

“La última noche con mi hermano”, la última obra escrita y dirigida por Alfredo Sanzol (“Fundamentalmente, fantasías para la resistencia”, “Ensimismada”) tiene como temas centrales la muerte y la enfermedad, dando protagonismo al duelo por la pérdida de la hermana o el hermano, con la intención de visibilizar la fraternidad en la sociedad actual.El montaje cuenta la historia de tres parejas de hermanos y sus formas de comprender la fraternidad y el amor

“Teatro hecho por los muertos para dar fuerza a los vivos”, según se dice al comienzo de la obra. Durante una cena con su familia, Nagore –interpretada por Nuria Mencía– revela que está enferma. Sentados a la mesa, su hermano, su cuñada y sus sobrinos sienten cómo se resquebraja uno de los pilares fundamentales de su vida.

Con esta obra, Sanzol pretende visibilizar uno de los duelos que socialmente está menos acompañado, que es el que se atraviesa tras la pérdida de una hermana o hermano. En sus propias palabras: "Esta historia nace de una conversación que tuve con una amiga que había perdido a su hermano en diciembre de 2024. Hablando con ella, me contó cómo había sido la última noche que había pasado con su hermano y se me ocurrió este título".

La historia está atravesada por tres relaciones de hermanos, que representan formas muy diferentes de comprender la fraternidad. Jesús Noguero interpreta a Alberto, el hermano al que Nagore está muy unida y que, tras la noticia, comienza un proceso muy complejo. En palabras del intérprete, “podemos decir que el duelo es lo que ocurre después, pero se intuye que en todo el viaje hay una dificultad para aceptar lo que está ocurriendo” .

“La última noche con mi hermano” es una historia en la que el amor está presente en muchas de sus formas, pero donde destacan las relaciones fraternales. La importancia del lazo que existe entre hermanos, sean del tipo que sean, puesto que serán nuestros compañeros desde el comienzo hasta el final del viaje. Tal como recoge el texto: “Si has tenido un hermano al lado, cuando falta, la sensación de vacío es muy extraña, no es como cuando faltan los padres, o como cuando falta una pareja o un amigo, es… como si faltara algo de mí misma, una prolongación o yo diría… como un reflejo”.

A pesar de la delicadeza del tema que se trata, el humor, una de las señas de identidad de Alfredo Sanzol, se cuela por las grietas de esta obra. La creación de esta pieza supuso un exhaustivo proceso de investigación por parte del dramaturgo, que incluyó numerosas entrevistas a personas que habían atravesado procesos semejantes.

En definitiva, una tragicomedia larga, de personajes y de sentimientos, magistralmente dirigida e interpretada, pero, también y por otro lado, dura, que particularmente a mí, en determinados momentos, me costó seguir por motivos personales. Y es que estamos frente al mejor “teatro verdad”, teatro de sentimientos.

Después de haber estado varias semanas en el Teatro María Guerrero, de Madrid, ahora, se podrá ver ,los días 17 y 18 de este mes, en el Teatro Victorai Eugenia, de San Sebastián. Los días 25 y 26 de abril en el Teatre Principal, de Valencia. Los días 1 y 2d e mayo en el Teatro Central, de Sevilla y los días 16 y 17 de mayo en el Teatro Cuyás, de las Palmas de Gran Canaria y en fechas aún, por confirmar, en el Teatre Nacional de Catalunya, de Barcelona.

https://www.youtube.com/watch?v=wFUVnaqqzR0

Sobre el origen del amor

Alicia Borrachero, Elena Rivera, Itzan Escamilla y Fran Perea protagonizan “El efecto de Lucy Prebble”, una adaptación teatral que reflexiona acerca del origen del amor y las emociones. Desde mañana, en el Teatro Marquina.

Alicia Borrachero, Elena Rivera, Itzan Escamilla y Fran Perea protagonizan “El efecto de Lucy Prebble”, una adaptación de la tragicomedia de Lucy Prebble, también guionista de la aclamada serie “Succession”, que reflexiona sobre el origen del amor y la relación entre la ciencia y los sentimientos. Desde mañana, en el Teatro Marquina.

Perea está acompañado sobre las tablas por Alicia Borrachero, Elena Rivera e Itzan Escamilla. Todos ellos son dirigidos por Juan Carlos Fisher en un montaje que sigue a Connie y Tristán, dos voluntarios que participan en el ensayo clínico de un nuevo antidepresivo y que, en medio del experimento, descubren que están enamorados.

Sin embargo, su relación nace bajo sospecha: ninguno de los dos sabe si lo que sienten es real o si se trata de una descarga de dopamina inducida por el fármaco. La duda no solo sacude a la pareja, sino que provoca una creciente tensión ética entre los médicos que supervisan el estudio, obligados a decidir hasta dónde pueden o deben intervenir cuando la ciencia empieza a alterar la experiencia humana más íntima.

Con inteligencia y humor, la obra aborda cuestiones de plena actualidad como la medicalización de las emociones, la identidad personal y los límites morales de la investigación farmacológica. ¿Somos algo más que un conjunto de procesos neuroquímicos? ¿Puede la ciencia explicar o controlar el amor? Con ello se genera un compendio incómodo sobre nuestra dependencia de la ciencia y nuestra necesidad de creer que, incluso en un mundo dominado por la química, algunos sentimientos siguen siendo auténticos.

¡Interesante..!

La podemos ver, del 15 de este mes, hasta el 24 de mayo, en el Teatro Marquina.

https://www.youtube.com/watch?v=fak6v3A8i3c