¡Yerma, en versión vasca!

La compañía vasca Dramática Errante presenta en el Teatro Fernán Gómez- Centro Cultural de la Villa, su adapatación de la clásica obra de Federico García Lorca Yerma.

Ane Pikaza y María Goiricelaya, las dos creadoras que forman la compañía Dramática Errante, que este proyecto ofrecen una mirada singular y única sobre el universo de la Yerma de Federico García Lorca.

Ella se presenta como una reputada artista bilbaína y su marido, un exitoso hombre de negocios. Su hermana, una mujer atropellada por la vida, y su madre esa persona que nunca la abrazó...Y su ex alguien con quien ser madre fue una posibilidad. Este es el escenario de Ella, nuestra Yerma, donde esta joven mujer fluye como un tequila en Puerto Escondido, como un bhang lassi en Goa, como una cerveza fría en Alexanderplatz.

En este montaje se plantea una Yerma sin una palabra de Lorca, pero contiene las palabras de todas aquellas mujeres que en la actualidad se enfrentan a la imposibilidad de tener descendencia de forma biológica.

La Dramática Errante es el nombre que adoptan Ane Pikaza y María Goiricelaya para nombrar a su sello artístico. Miembros de Kabia Teatro, donde trabajan desde 2007 como actrices e investigadoras, hace tres años dan el salto a la creación de sus propios espectáculos. Estas creadoras vascas apuestan por la creación total de sus piezas, siempre volcadas en aspectos de carácter social. 

La podemos ver, hasta el próximo día 25, en el Teatro Fernán Gómez.

Monólogo contra la guerra

El director escénico Alberto Conejero estrena un alegato contra la guerra y un canto al amor. Su título, En mitad de tanto fuego. ¿El teatro?: Teatros del Canal.

El prestigioso director Alberto Conejero estrena un monólogo dramático que supone un alegato contra la guerra y un canto a la libertad, al amor y al deseo. Su título, En mitad de tanto fuego.           

La obra está interpretada por Rubén de Eguía, quien encarna a Patroclo, amigo, amante y guerrero de los Mirmidones de Aquiles. Y es que la pieza se basa en la famosa Ilíada de Homero para generar un poema obscuro donde reflexionar acerca de la violencia del campo de batalla, pero también de la violencia del deseo.

Con todo ello se arma un discurso antibelicista y un ejemplo de confrontación del arte ante la guerra por medio de un oratorio por las víctimas que trata sobre temáticas como el poder, la pasión, el crimen o la patria. Además, el montaje es también un intento de contar la historia de otro modo, de imaginar el futuro de otra manera. Un espectáculo que ha sido tildado como el más personal de Alberto Conejero y que resultó ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática 2019.

Nacido en Jaén, en 1978, Alberto Conejero es un dramaturgo, director y poeta licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y doctor en Ciencias de las Religiones ​por la Universidad Complutense de Madrid. Entre sus funciones más destacadas se encuentran Húngaros, por la que recibió el Premio Nacional de Teatro Universitario 2000, Ushuaia, por la que obtuvo el Premio Ricardo López Aranda 2013, y La piedra oscura, ganadora del Premio Max a la mejor creación original 2016.

La podemos ver, hasta el 4 de febrero, en Teatros del Canal.

 Ni más ni menos, Karina

La famosa cantante de los años 60 y 70 Karina ofrece una función donde recuerda su carrera con humor y música. Podemos ver este original espectáculo en el Teatro Bellas Artes.

La famosa cantante Karina representa, junto con Carlos Manuel Díaz, representa un espectáculo donde recuerda su carrera musical, con sus luces y sombras, mediante toques de comedia y grandes canciones.

María Isabel Llaudes Santiago, más conocida como Karina, es una vocalista nacida en Jaén en 1945 que se aupó al estrellato en la década de los 60. Ganó mucha popularidad gracias a su voz suave y melódica y por temas como El baúl de los recuerdos, Las flechas del amor o En un mundo nuevo, que destacaron por un estilo que abarcaba géneros como la balada, el pop y la música romántica.

En 1971 quedó en segunda posición en el festival de Eurovisión, lo que le permitió rodar su primera película como protagonista: En un mundo nuevo. A lo largo de su trayectoria, Karina lanzó numerosos álbumes y participó en prestigiosos certámenes de música. Aunque su fama disminuyó después de los 80, continuó actuando y manteniendo una buena base de fans, como demuestran sus más de 75 000 seguidores en Instagram. Por ello, está considerada como una de las mayores solistas de la historia de España.

La podemos ver, hasta el próximo 26 de febrero, en el Teatro Bellas Artes.

El caso de Emily Dawson

El caso de la desaparición de la niña Emily Dawson dio la vuelta al mundo y estuvo presente, a diario, en los noticieros y periódicos, inaugurando, así, la que se conocería como la “década de las desapariciones”.  Ahora, Teatros Luchana nos ofrece una versión teatral de aquel conocido suceso e híper explotado mediáticamente.

“I´m here! Help!”, fue el grito que despertó al tranquilo barrio de White Roses, en Ohio, una mañana de febrero. Martin Risk, el vecino que escuchó aquellos gritos comenzó a buscar hasta encontrar de dónde procedían. Llegó hasta el 2107 de la avenida principal, donde encontró a una joven que pedía ayuda. Martin no daba crédito a lo que veían sus ojos: aquella joven era Emily, la joven maestra de escuela secuestrada casi un año atrás. Harry Coleman, un conductor de autobús escolar, la había sometido a toda clase de abusos, torturas y violaciones en el sótano de su casa. Harry fue conocido como el Monstruo de White Roses. 

El caso de la desaparición de Emily Dawson dio la vuelta al mundo y estuvo presente día tras día en los noticieros y periódicos inaugurando la que se conocería como la “década de las desapariciones”. 

El texto, escrito y dirigido por Jesús Torres (Premio Teatro 2019 Autor Exprés por Fundación SGAE por “Puños de harina”) y protagonizado por Lucía Diez (“La noche más larga”, Netflix) y Víctor Palmero («La que se avecina», «The Hole») presenta la relación entre Emily y Harry a través de los meses de cautiverio. Una relación que se ve afectada por el papel que juega la prensa sensacionalista en el secuestro, que inventa datos y da voz a falsos testigos para alimentar la curiosidad de los telespectadores de este caso que, a pesar de no ser real, juega con la verosimilitud y la ficción para reflexionar sobre la actitud que tomamos ante estas noticias. 

La podemos ver, toda la temporada, en Teatros Luchana.

De monjas cómicas asesinas

Con dirección y dramaturgia a cargo de Jose Warletta, la desbaratada comedia Santas y perversas, del Teatro Lara, es un thriller cómico con muertos y monjas y detectives estúpidos o no tanto...

La comedia loca Santas y perversas es un relato protagonizado por los actores Joseba Priego, Miguel de Miguel, Eva Rodríguez, David Ortega y Fernando Bodega. Presenta en escena a cuatro monjas como protagonistas, todas ellas las únicas sospechosas en un caso de asesinato, al Inspector Jefferson y a su ayudante, el alguacil Bob.

La hermana Catherine Wellstone es asesinada en el convento de las Hermanas del Pie Diestro. Un inspector y su ayudante investigan a cuatro religiosas sospechosas: una ciega, otra sorda, una vasca y la Madre Abadesa, que no se lo van a poner fácil a los representantes de la ley.

Muy al estilo de las películas del detective Hercules Poirot, de la archi-popular escritora británica Agatha Christie, la obra va presentando a los personajes del convento (esas montajas tan extravagantes) , a medida que son entrevistadas por el detective. Cada una es de su padre y de su madre y....todas esconden un secreto.

¿Quién será la asesina de la monjita...? ¿Todas o ninguna? ¿O alguna..?

La obra está muy bien escrtita, dirigida e interpretada. Se basa en la astracanada humorística y el el slapstick (patochada) inglés. Un humor surrealista que tanto agradecemos los españoles, cuyo humorística suele ser muy de este estilo.

No os la perdáis: Humor blanco asegurado.

La podemos ver en el Teatro Lara, todos los sábados, hasta fin de temporada.

Padre e hija, hija y padre

El Teatro Pavón ofrece el montaje de la obra Roca Negra, escrita por el conocido dramaturgo, al tiempo que popular actor y cantante de cine, televisión, teatro y musicales. Los actores Juanjo Puigcorbé y María Adamuz son los encargados de dar vida a los protagonistas de la obra: un padre y una hija, ambos escritores, que entablan una conversación existencial, profunda y franca.

El veterano actor Juanjo Puigcorbé interpreta el papel de un padre escritor, Nando, que se ve confrontado a su hija, Olivia, también escritora. Ambos mantienen un encuentro existencial y sincero, y experimentan todo un vaivén emocional durante el desarrollo del cual, cada uno dirá al otro aquello que no se atrevió nunca a confesarse en el pasado.

A lo largo de la obra, Nando y Olivia, padre e hija, se replantean el sentido de su existencia y comprobarán como el indomable instinto de libertad y el obstinado deseo de proteger su respectiva independencia son armas de doble filo.

La obra teatral comienza el día en que Olivia va a casa de su padre a anunciarle su vuelta a la ciudad que la vio nacer. En ese momento se inicia entre ellos una conversación sincera y abierta, que por momentos es dura y amarga, o tierna y cariñosa. Ambos personajes se dirán, el uno al otro, todo aquello que nunca se atrevieron a decirse hasta entonces.

La ví el primer día de su representación frente a un público y, pese a que siempre, siempre, los actores están nerviosos, en esta ocasión, no se les notaba un ápice. Juanjo Puigorbé, como siempre, comedido y soberbio. Y María Adarmuz,su contrapunto, más dinámica, más en su papel de hija nerviosa y preocupada.

En cuanto al texto, no presenta novedad alguna y el tema está harto manido. El hecho de que el protagonista de sea escritor cuya última novela relata su propia vida y situaciones iguales ya está muy visto: el autor podía haber elegido otro.

Por lo demás, la obra entretiene y Puigorbé siempre enamora, a ellas y a ellos...Sus años pasan, pero su encanto permanece.

La podemos ver, hasta el próximo 3 de marzo, en el Teatro Pavón.

El extravagante papel del macho en la Historia

Macho grita es un monólogo contemporáneo escrito, dirigido e interpretado por el reputado actor Alberto San Juan, que profundiza en la complejidad de la identidad En breve, la podremos disfrutar en el Teatro Pavón.

El conocido actor Alberto San Juan representa los martes, miércoles, jueves, sábados y domingos del 16 al 31 de enero; y los lunes del 5 al 26 de febrero en el Teatro Pavón una comedia musical que parte del mito de Don Juan para indagar en la relación entre el presente y el ciclo que inaugura el año 1492.

Acompañado en directo por los músicos Claudio De Casas, Miguel Malla, Gabriel Marijuan y Pablo Navarro, utiliza el mito de Don Juan para abordar asuntos vinculados con la generación de la idiosincrasia y el colonialismo. De tal modo, la obra plantea preguntas sobre la identidad personal y colectiva, cuestionando cómo se construyen ambas y quién tiene el poder para hacerlo.

Un acercamiento personal a la Reconquista, la expulsión de los judíos o la llegada a América, para pensar, con humor, cómo se construye lo macho en este territorio. Así, se hace referencia a la caída del último territorio musulmán en la península, el Reino de Granada, en 1492 y la conquista de América con el fin de profundizar y reflexionar acerca de la opresión, la resistencia y la esquizofrénica experiencia de ser “uno de los nuestros”.

Alberto San Juan, actor, director, autor,  es fundador de la compañía Animalario e impulsor del proyecto Teatro del Barrio. Entre sus últimos montajes teatrales, destacan: Lorca en Nueva York, Lectura fácil’(director), Mundo obrero, Masacre, El rey, o Autorretrato de un joven capitalista español.

En cine, es ganador de dos premios goya como mejor actor y ha trabajado con directores como Álex de la Iglesia, Dani de la Orden, Cesc Gay o Emilio Martínez Lázaro.

La podemos ver, del 5, l 26 de febrero, en el Teatro Pavón.