Teatro-Drama

 Días deprimentes

 

El prestigioso director Pablo Messiez lidera una adaptación de este drama simbólico del absurdo escrito por el dramaturgo irlandés, Samuel Beckett. Una obra en el Teatro Valle-Inclán, de Madrid, que reflexiona sobre el deterioro físico y mental.

 

La protagonista de Días felices es Winnie, una señora de mediana edad que aparece en escena semienterrada en un montículo calcinado, bajo una luz cegadora que nunca cesa de brillar. Pese a ello, empieza cada día con una voluntad optimista casi carente de sentido. Así, realiza una serie de acciones cotidianas y siempre llega a encontrar motivos, por insignificantes que sean, para considerar que sus días son felices.

Pero a pesar de sus intentos por vivir felizmente, ella no deja de hundirse en el montículo de arena, hasta el punto de que en el segundo acto está enterrada hasta la cabeza. Además, hace tiempo que no sabe nada de su marido Willie y como no puede ver detrás del montículo, no sabe si aun estará allí, pero quiere creer que sí. De esta manera, Beckett quiso exponer la interminable repetición de momentos de muerte, los cuales se alargan hasta la extenuación antes de que llegue a completarse. También encontramos el tema del desamor ante la imposibilidad de ella de retomar su relación con su marido, un personaje totalmente atrofiado mentalmente y que solo la responde, cuando quiere (o puede) con monosílabos…

Pablo Messiez es un actor, dramaturgo y director bonaerense que se formó con maestros de la talla de Ricardo Bartís, Juan Carlos Gené y Rubén Szuchmacher. Además, ha actuado para directores argentinos como Leonor Manso, Cristián Drut o Daniel Suárez Marsal. En 2007, debutó como dramaturgo y director y, desde entonces, ha liderado espectáculos tan relevantes y variados como La verbena de la Paloma, Todo el tiempo del mundo, o Bodas de sangre.

El montaje está muy pegado al texto original. La actriz es argentina, lo que le da un toque diferente (en España) al texto porque es un texto absurdo y su acento y tono le imprimen aún más dramatismo existencial. Ella actúa sobresalientemente en un espectáculo que nos hace pensar sobre el devenir de la vida y para el que hemos de estar moralmente preparados porque resulta muy duro. Hace años, pudimos ver otra soberbia producción de esta obra en el lamentablemente desaparecido teatro madrileño El Canto de la Cabra. La presente no la desmerece en nada…

Teatro-Drama

La sanidad, al microteatro

Imaginémonos un mundo donde en muchas latitudes la salud tiene un precio que sólo algunos pueden pagar. Donde la sanidad es un artículo de lujo ¿Se lo imaginan? Bienvenidos al planeta Tierra. Nuestro mundo. Y a la obra Bendita Sanidad, de Microteatro Madrid.

Esta obra se ha creado en colaboración con la ONG Anesvad. La recaudación de su emisión será donada íntegramente a la organización para dotar de material sanitario a países de África Subsahariana en su lucha contra la COVID-19.

La podemos ver hasta mediados de octubre en Microteatro por Dinero, de Madrid.

Conoce más sobre su campaña www.sanidadporbandera.org

El texto y la dirección son del conocido actor Nancho Novo y los actores, Ana Batuecas y Julián Salguero.

Opera

Verdi reabre la nueva temporada del Real

El Teatro Real abre la temporada 2020-2021 con una ópera dramática dirigida por Gianmaria Aliverta para el Teatro La Fenice de Venecia (Un ballo in maschera) quien reivindica la ambientación estadounidense ideada por los libretistas del conocido compositor Giuseppe Verdi (1813-1901) (La Traviata) para sortear la antigua censura. Una obra interpretada en italiano con subtítulos en español e inglés que acogerá la Sala Principal del Teatro Real, de Madrid, hasta el 14 de octubre.

 

Un ballo in maschera se basa vagamente en el asesinato del rey Gustavo III de Suecia, quien fue disparado durante un baile de máscaras y murió trece días más tarde a causa de las heridas. Hecho que había sido llevado a las tablas mediante un libreto de Eugène Scribe que derivó en la ópera Gustave III de Daniel-François Auber.

Sin embargo, la intentona de asesinato que varios nacionalistas italianos habían perpetrado contra Napoleón III, en 1858, cuando se dirigía a presenciar Guillaume Tell de Rossini hizo que se mantuviera en un cajón de los censores. Así, tuvo que cambiar de nombre pasando de Gustave III a Una vendetta in domino y después, a Un ballo in maschera en 1859. Además, se transformó el contexto y la situación, emplazando la acción en los incipientes Estados Unidos. Y ahora, la nueva producción se centra en la figura de Abraham Lincoln, arrojando a su vez concepciones políticas mucho más profundas, como las tensiones raciales y el idealismo político.

 

Teatro-Drama

 Un otoño en el mes de abril

El Centro Dramático Nacional inicia temporada en el Teatro María Guerrero, de Madrid, recuperando la obra de La Belloch Teatro, Otoño en abril, segunda parte de su tragicomedia Verano en diciembre, Premio Calderón de la Barca 2012.

Otoño en abril es una tragicomedia donde varias mujeres de distintas generaciones buscan la felicidad y su lugar en el mundo.

Si en la anterior obra eran cuatro generaciones de mujeres las que profundizaban en sus cotidianos conflictos existenciales, donde la ironía, las risas, el dolor o los reproches eran los que marcaban sus diferencias y sus sentimientos, ahora son cinco las que se miran en el espejo interior y exterior para comprobar que sus vidas están conectadas para siempre.

Este montaje fue fruto de la II Beca de Dramaturgia Contemporánea El Pavón Teatro Kamikaze que Carolina África recibió cuando se encontraba embarazada. Este hecho le hizo replantearse su propia existencia, haciéndola reflexionar sobre la nueva familia que estaba a punto de crear.

La Belloch Teatro es una formación nacida en 2012, como resultado de la unión de las compañías Arte-Sanas y Despiece Teatro. Su equipo está compuesto por Laura Cortón, Carolina África y Almudena Mestre, además de diversos colaboradores externos. Además, en 2013 fundaron en Madrid el Centro de Investigación y Creación Escénica La Belloch, un lugar de ensayo e investigación que abre sus puertas a otros conjuntos y grupos.

 

Zarzuela y Opera

 Zarzuela y ópera en la reapertura del Teatro de la Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela acoge- del primero, al 18 de octubre- una función doble con la representación de dos obras clásicas de la zarzuela y la dramaturgia lírica española cuyos relatos suceden en Granada: La Tempranica y La vida breve.

Los dos nuevos montajes con que el madrileño Teatro de la Zarzuela abre su nueva temporada (La Tempranica y La vida breve) son dos producciones que dirigidas por el italiano Giancarlo del Monaco y Miguel Ángel Gómez-Martínez.

La Tempranica es una zarzuela en un acto que se estrenó, en 1900, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid y que se basa en el amor imposible entre una gitana y un señorito andaluz. Con una corta duración, se expone cómo en las cercanías de Granada, a finales del siglo XIX, Don Luis llega a un cortijo después de una partida de caza. Mr. Jones, un inglés que ha participado en la batida, pide escuchar algunas canciones típicas de la zona y van a buscar a un chiquillo que vive cerca del lugar. Don Luis reconoce en él al hermano de María, la Tempranica, una joven gitana que le cuidó años atrás, cuando tuvo un accidente de caballo y a la que rompió el corazón con su marcha.

Por su parte, La Vida Breve es un famoso drama operístico estrenado en el Casino Municipal de Niza (Francia), en 1913. Su música está compuesta por Manuel de Falla y, en esta ocasión, está protagonizado por las prestigiosas sopranos Ainhoa Arteta y Virginia Tola. Su historia narra cómo Salud, una gitana que vive cerca de una fragua, a las afueras de Granada, espera la llegada de su amado Paco. Sin embargo, su tío Sarvaó, un hombre tosco y cejijunto, desea matarlo porque se ha enterado de que, al día siguiente, se casará con otra mujer. Durante la fiesta en la que Paco se casa con Carmela, Salud se entera de lo ocurrido y se debate entre hacer frente a Paco o dejarlo marchar. Decisión nada fácil…

 

OPERA

Vuelve Verdi al Real

 

El Teatro Real ha inaugurado la temporada 2020-2021 con una ópera dramática dirigida por Gianmaria Aliverta para el Teatro La Fenice de Venecia, quien reivindica la ambientación estadounidense ideada por los libretistas de Giuseppe Verdi para sortear la antigua censura: Un ballo in maschera. Una obra interpretada en italiano con subtítulos en español e inglés que acogerá la Sala Principal del Teatro Real hasta el 14 de octubre.

 

Y es que la pieza se basa vagamente en el asesinato del rey Gustavo III de Suecia, quien fue disparado durante un baile de máscaras, muriendo 13 días más tarde a causa de las heridas. Hecho que había sido llevado a las tablas mediante un libreto de Eugène Scribe que derivó en la ópera Gustave III de Daniel-François Auber.

Sin embargo, la intentona de asesinato que varios nacionalistas italianos habían perpetrado contra Napoleón III en 1858 cuando se dirigía a presenciar Guillaume Tell de Rossini hizo que se mantuviera en un cajón de los censores. Así, tuvo que cambiar de nombre pasando de Gustave III a Una vendetta in domino y después a Un ballo in maschera en 1859. Además, se transformó el contexto y la situación, emplazando la acción en los incipientes Estados Unidos. Y ahora la nueva producción se centra en la figura de Abraham Lincoln, arrojando a su vez concepciones políticas mucho más profundas, como las tensiones raciales y el idealismo político.

 

TEATRO-DRAMA

Una performance de Chèjov

Tras Heartbreak Hotel, una versión libre del drama de Anton Chéjov, Tío Vania, el director Àlex Rigola regresa con una nueva adaptación del reconocido autor ruso. En esta ocasión, La gaviota, una obra que reflexiona sobre el amor y el arte, podrá verse en el Teatro de la Abadía (Madrid) hasta el 4 de octubre.

 

Muy influenciado por Hamlet, de Shakespeare, la obra narra cómo cuatro artistas se reúnen en una casa de campo para descansar. Allí, se encuentra Irina Nikolaievna Arkádina, una actriz tacaña y orgullosa, Boris Trigorin, un escritor famoso y pareja de Irina, Konstantin Treplyov, hijo de Irina y aspirante a escritor, y Nina Zarechnaya, hija de un terrateniente de la zona, enamorada de Konstantin y aspirante a intérprete.

Para esta ocasión, los actores Nao Albet, Pau Miró, Xavi Sáez, Mónica López, Irene Escolar y Roser Vilajosana se suben al escenario con las mismas ropas con la que llegan al teatro y sin la voluntad de aparentar ser rusos del siglo XIX. Aunque sí mantienen la trama, los conflictos principales y la estructura de la obra, pero hacen de sí mismos con lo que el dramaturgo pretende transmitir una gran sensación de cercanía con el espectador. Y lo consigue hasta cierto punto porque nos llegamos a cansar con tanto discurso de cada personaje-actor sobre ellos mismos. Realmente, no nos interesan los líos amorosos de Irene Escolar o de Roser Vilajosana -por poner dos ejemplos- o si han tenido mucho o poco éxito en sus respectivas carreras profesionales porque para eso ya nos servimos de nuestra propia cultura teatral o, si no, acudimos a Google...

No obstante, dado que se trata de tan buenos actores, el espectáculo nos resulta aceptable e incluso, llega a emocionarnos en determinados momentos, pocos, pero determinados…

El espectáculo habla del amor no correspondido, el existencialismo, la dificultad de la profesión de artista y la ligereza del ser.

Àlex Rigola es un actor y director nacido en Barcelona en 1969 que se ha convertido en uno de los dramaturgos más innovadores del siglo XXI. Entre 2003 y 2011 fue director del Teatro Lliure, entre 2010 y 2016 dirigió la sección de teatro de la Biennale di Venezia y durante los años 2017 y2018 también fue codirector de los Teatros del Canal. Entre sus producciones destacan Largo viaje hacia la noche, Woyzeck, El policía de las ratas o El público.