La lucha de clases en la América de mediados del XX

Camino al zoo es una obra del premiado dramaturgo estadounidense Edward Albee (¿Quién teme a Virginia Wolf ?”), que habla de las pocas ganas de vivir de los “sin nada” y también de los que lo tienen “todo”. Ya, en el Teatro Bellas Artes.

El popular actor televisivo Fernando Tejero (“La que se avecina”) y ya, también, todo un líder en el mundo de la escena (“Los dos lados de la cama”), lidera el reparto de la adaptación de Camino al zoo, una comedia sobre las barreras sociales con profundos tintes existencialistas.

Junto con los estupendos y solventes actores Dani Muriel y Ana Labordeta, estamos frente a una adaptación de la exitosa comedia del estadounidense Edward Albee. Ya la podemos disfrutar -y de hecho, lo hemos hecho- en el Teatro Bellas Artes.

Bajo la dirección de Juan Carlos Rubio (La isla, El perdón o Le plancher), su historia presenta a Peter y Ann, una pareja cuya vida en común está marcada por la incomunicación y la independencia del uno con el otro. Rehuyendo de la situación, Peter decide pasar el día en el zoológico de Central Park. Allí conoce a Jerry, un personaje excéntrico y solitario que vive al margen de la sociedad.

Ambos comienzan una conversación aparentemente inofensiva, pero poco a poco esta se torna en un intercambio cargado de tensiones psicológicas y emocionales. Y es que Jerry comparte los acontecimientos de su vida sin pelos en la lengua, llevando el diálogo hacia un desenlace totalmente inesperado.

Con ello la pieza explora temas como la soledad, la alienación, la comunicación y la violencia latente en las relaciones humanas. Escrita en 1958, está considerada como un clásico del teatro del absurdo y fue un éxito inmediato tras su estreno.

Pero...desde mi punto de vista, el desenlace está muy forzado. Le falta una transición lógica hacia el final. No voy a desvelar detalles (spoiler, que se dice para el cine), pero todos nos quedamos chafados cuando el mendigo prostituto desenlaza lo que desenlaza...

En cuanto a las interpretaciones, la mejor y soberbia es la de Fernando Tejero (el marido burgués que disfruta leyendo libros en el banco del parque). Es uno de los pocos actores naturalistas. En este país, siempre, se ha dicho que las mujeres son mejores intérpretes que los hombres. Pues, ésta es una clara excepción que confirma la regla. ¡Pedazo de actor, a quien no se le nota ni un ápice que está actuando..!

En cuanto a Dani Muriel, es otro muy buen actor que apunta a ser una estrella: ¿Por qué no lo es ya? Tiene todos los condimentos para serlo, todos...

Y Ana Labordeta, una de nuestras actrices ya clásicas del teatro, pues...Que no declame tanto e interprete más...Que viva más sus personajes y no se pegue tanto al texto...

En fin, una de cal y otra de arena...como casi siempre porque encontrar un montaje redondo qué difícil es...

La podemos ver, hasta el 9 de marzo, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=4QEzYP_YTt8

 

Un enorme musical americano

Gypsy. El Musical, es uno de los musicales de mayor éxito en la Historia de Broadway basado en las memorias de la artista de burlesque Gypsy Rose Lee.Ahora, nuestro Antonio Banderas, en calidad de director, lo estrena en Madrid. Ya, en el Teatro Apolo.

Gypsy, el Musical es uno de los musicales más aclamados de la Historia de Broadway, galardonado con premios internacionales como el Tony, Olivier, Drama Desk o Grammy, y ya se ha se estrenado, en el Teatro Apolo, de Madrid.

Esta nueva super producción, basada en las memorias de la artista de burlesque Gypsy Rose Lee, cuenta con la dirección de Antonio Banderas y las actuaciones de la gran actriz de musicales Marta Ribera, acompañada de Lydia Fairén y Laia Prats. 

Este es el cuarto musical dirigido por Antonio Banderas y, el año pasado, fue estrenado en el Teatro del Soho CaixaBank de Málaga. La trama gira en torno a la madre de la artista de burlesque Gypsy Rose Lee, Rose, una mujer que quiere convertir a sus hijas en estrellas del vodevil a cualquier precio; una mujer ambiciosa que en el fondo solo busca su propio éxito.

Convertido en todo un clásico de Broadway, este montaje explora el mundo del espectáculo con humor, corazón y sofisticación, y es considerado uno de los mayores exponentes del teatro musical americano del siglo XX. Cuenta con libreto de Arthur Laurents, música de Jule Styne y letras de Stephen Sondheim. Se estrenó por primera vez en el año 1959 y, desde entonces, se ha representado en países como Alemania, Argentina, Brasil, Australia, Canadá, Estonia, Italia, Japón, México, Reino Unido o Sudáfrica.

En 1962 Rosalind Rusell, Natalie Wood y Karld Malden protagonizaron la película, que tuvo, en 1993, un remake para televisión, protagonizada por Bette Midler. En el ámbito teatral, el personaje de Rose fue interpretado por estrellas como Ethel Merman, Angela Lansbury, Imelda Staunton o Audra McDonald, quien actualmente interpreta a Rose en Broadway.

Decir que la factura de esta producción -como todas las de los musicales de Antonio Banderas es impecable, tanto a nivel técnico, como artístico. Pero...-y también como el resto de los otros musicales producidos por nuestro actor más internacional, junto a Penélope Cruz- , como Godspell o A Chorus Line- están hechos para un público americano, solo que traducidos al español. Es decir, son un copia y pega de los originales y aquí, lamentablemente, no llegan como deberían llegar títulos tan grandes. ¿Por qué no realiza adaptaciones..? Banderas se tiene que dar cuenta de que el público español, por muy globalizados que todos ya estemos, guarda unas características especiales, como el francés o el alemán o el inglés. De modo que, desde mi humilde opinión, este nuevo musical producido por él, no llega porque la historia es demasiado americana y su estilo, también demasiado americano. Sin embargo, otros grandes musicales anglosajones, como El fantasma de la ópera o Los Miserables sí llegan porque su argumento es universal. Ese es el quid de la cuestión. Una madre que quiere que sus hijas sean estrellas porque ella también lo quiere ser no es un tema universal, sino local.

Respecto a las interpretaciones, todas impecables. Todas mejores que la de Marta Ribera -me van a matar. La he visto en casi todo lo que ha hecho y como cantante, es fabulosa, pero como intérprete, no es buena actriz porque declama, pero no interpreta...

No obstante, el conjunto se deja ver...

https://www.youtube.com/watch?v=1ESY7ybM6mc

Lo podemos ver, durante toda esta temporada, en el Teatro Apolo.

Lo importante de la conversación

El dramaturgo y poeta Pablo Rosal escribe y dirige A la fresca, una fábula poética centrada en la conversación y la comunidad social. Ya, en Nave 10 Matadero.

Pablo Rosal escribe y dirige A la fresca, una fábula poética que reflexiona sobre el poder de la conversación y las relaciones personales. Protagonizada por los actores Alberto Berzal, Israel Frías y Luis Rallo, la obra ya puede verse en Nave 10 Matadero.

Con la interpretación de los actores Alberto Berzal, Israel Frías y Luis Rallo, su historia está protagonizada por tres desconocidos que comienzan una charla improvisada. De este modo, Eusebio es un escritor que regresa a la casa de campo de sus abuelos después de 20 años en busca de inspiración. Sin embargo, la casa ahora corrompida por la dinámica familiar y los alquileres vacacionales, no es el lugar de paz que él esperaba. Ante esta situación, Eusebio decide construir una cabaña donde pueda reencontrarse con su creatividad. En su camino se cruzan Matilde, la cocinera, y Manolo, un albañil. Juntos, y casi sin pretenderlo, forman una comunidad inesperada mientras conversan al aire libre.

Rosal teje una obra que encuentra en el diálogo cotidiano su principal sustento, dotándola de una riqueza metafórica que delibera sobre la importancia de las palabras, capaces de establecer vínculos y generar momentos de intimidad, incluso entre desconocidos. Con un tono poético y tierno, se invita al espectador a valorar esos momentos simples que, a menudo, pasamos por alto. Y es que en un mundo hiperconectado se recuerda el valor, ahora más que nunca, de detenernos y celebrar lo común.

Nacido en la Ciudad Condal en 1983, Pablo Rosal es un poeta, dramaturgo, intérprete y director que primeramente se licenció en Humanidades para luego estudiar Dirección y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona. Ha colaborado con la Agrupación Señor Serrano y ha creado funciones como Anita Coliflor, Yo inacabo, Asesinato de un fotógrafo o Los que hablan. Además, en el 2020 estrenó su primera película como guionista, productor y actor: Un trabajo y una película, seleccionada en festivales internacionales como Shanghái, Bogotá y El Cairo.

La podremos ver, en Nave 10 Matadero, hasta este próximo día 23 del presente.

https://www.youtube.com/watch?v=pshIYYxvRN8

Sobre la tradición judía

La dramaturga y directora Lucía Carballal presenta Los nuestros, un drama que explora el duelo y las relaciones personales en la tradición judía. De inmediato, en el Teatro Valle-Inclán.

La dramaturga y directora Lucía Carballal pronto presentará Los nuestros, en el Teatro Valle-Inclán, un drama que explora el duelo familiar y las relaciones personales en la tradición judía. Una obra que cuenta con un reparto integrado por actores como Miki Esparbé, Marina Fantini, Mona Martínez, Manuela Paso y Ana Polvorosa, entre otros.

La historia comienza con la muerte de Dinorah, lo que convoca a sus familiares a participar en el Abelut, un ritual judío de duelo de siete días en el que los más cercanos a la persona fallecida se retiran del mundo para vivir su dolor en conjunto y procesarlo colectivamente.

Reina, la hija mayor, organiza la reunión, a la cual asisten varios miembros de la familia, cada uno con sus propias complejidades. Entre los asistentes están su hijo Pablo y su prometida Marina, que viajan desde Londres, Yael, su hermana, que asiste con sus hijos a pesar de su reticencia, y Tamar, una prima lejana. Durante este período de aislamiento, los personajes se ven obligados a convivir y a enfrentarse no solo a la muerte de Dinorah, sino también a las dudas e inquietudes que tienen sobre su propio futuro y sus lazos familiares.

Con ello se reflexiona acerca de temas como el sentido de pertenencia, el miedo al futuro, las decisiones sobre tener hijos y las tensiones entre la familia y la independencia personal. La convivencia forzada durante el duelo saca a la luz las dificultades que tienen para hallar puntos en común y los empuja a entender el significado de su herencia familiar y su propio porvenir.

Nacida en Madrid en 1984, Lucía Carballal es una dramaturga y guionista formada en Dramaturgia en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD) y el Institut del Teatre de Barcelona, para después cursar el Máster en Guion de Cine y Televisión de la Universidad Carlos III de la capital española.

Finalmente, Carballal ha firmado más de una decena de textos teatrales, entre los que destacan Las bárbaras, La resistencia (candidato a los Premios Max 2020 en la categoría de mejor autoría teatral), A España no la va a conocer ni la madre que la parió (ganador del Premio EURODRAM) o Mejor historia que la nuestra (merecedor de un accésit del Premio Marqués de Bradomín 2012). Además, ha trabajado para la televisión como guionista en la serie Vis a vis y su secuela Vis a vis: el oasis,

La podemos ver, del 21 de febrero, al 6 de abril, en el Teatro Valle-Inclán. 

Homenaje a Chavela Vargas

Chavela, la última chamana es un espectáculo musical que rinde homenaje a Chavela Vargas de la mano de artistas como la cantante Rozalén y la actriz Luisa Gavasa. Pronto, en el Teatro Marquina.

El Teatro Marquina en breve nos ofrecerá la representación del espectáculo musical Chavela, la última chamana, un espectáculo musical que rinde homenaje a la vocalista mexicana de origen costarricense Chavela Vargas. Y es un montaje que cuenta con la participación de grandes artistas como la cantante Rozalén y la actriz Luisa Gavasa, además de Paula Iwasaki, Raquel Varela, Laura Porras y Nita, junto con la música en directo de Alejandro Pelayo (Marlango).

La obra está dirigida por la prestigiosa regidora Carolina Román (Juguetes rotos, Río seguro, Adentro o Luciérnagas). La puesta en escena evoca un realismo mágico, donde los personajes y los recuerdos de la cantante se funden en un espacio onírico. Chavela, en su tránsito final, se convierte en un símbolo de rebeldía y sinceridad, enseñando al público a mirarse en su espejo y a vivir con pasión y libertad.

Este montaje promete una conexión íntima y emocional con "el Mito", que canta y guía a los asistentes a través de su universo, dejando un mensaje sobre la inmortalidad de aquellos que, como ella, viven y mueren con autenticidad.

Chavela Vargas, nacida como Isabel Vargas Lizano en Costa Rica en 1919, fue una cantante de rancheras y música tradicional mexicana. Desde joven, mostró un espíritu independiente y rompió convenciones sociales, mudándose a México en su adolescencia en busca de libertad. Con una voz profunda y desgarradora, interpretaba melodías de amor y desamor con una intensidad que resonaba en su propia vida.

Se hizo famosa en la década de 1950, en un mundo artístico dominado por hombres, y se convirtió en amiga de figuras como Frida Kahlo, Diego Rivera y José Alfredo Jiménez. Sus representaciones de canciones como La Llorona y Paloma Negra la consagraron como una leyenda de la música mexicana. Falleció en 2012 en México a los 93 años.

La podremos ver, en el Teatro Marquina, del 22 de febrero,al 4 de mayo.

https://www.youtube.com/watch?v=J0STQi68Wcg

¿Qué sería el mundo sin fantasía..?

El súper-director escénico español Lluís Pasqual versiona y dirige la obra La gran ilusión de Eduardo de Filippo sobre el arte y la fantasía. Desde hoy, en los Teatros del Canal.

Uno de nuestros directores escénicos y dramaturgos más potentes,Lluís Pasqual, versiona y dirige La gran magia de Eduardo de Filippo junto con el Teatro San Martín / Complejo Teatral de Buenos Aires para explorar los límites entre la realidad y la ilusión. Desde hoy mismo, en los Teatros del Canal.

La trama transcurre en la Mar del Plata de los años 50, en el elegante entorno de un hotel de lujo. Allí, un mago realiza su espectáculo, pero su intervención va más allá del escenario: altera de manera inesperada el desenlace de una historia de amor. A través de esta interacción mágica, se examinan las fronteras entre lo que es real y lo que no lo es, mientras los personajes se enfrentan a sus decisiones, emociones y deseos.

Con ello se invita al público a reflexionar sobre la naturaleza de la verdad, la importancia de las ilusiones y el papel del arte y la magia como formas de encontrar sentido y consuelo en un mundo caótico. Y es que la figura del mago es una metáfora de la capacidad del arte para transformar nuestra percepción y darnos un respiro en la complejidad de la vida. Así, se cuestiona si es justo juzgar a quienes buscan refugio en una fantasía que les permita enfrentar la vida con esperanza.

Lluís Pasqual es un reconocido actor y director que en 1976 fue uno de los fundadores del Teatre Lliure en Barcelona, una institución clave para el teatro independiente en España. También fue director del prestigioso Odéon-Théâtre de l'Europe en París y el Centro Dramático Nacional en Madrid. Además, ha recibido diversos galardones como el Premio Nacional de Teatro en 1996, otorgado por el Ministerio de Cultura de España, o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 1999.

La podemos ver los días 15,16,19,20,21,22 y 23 de este mes, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/shorts/T79cRtlPzhc

Cartas entre Carmen Conde y Katherine Mansfield

La conocida actriz Manuela Velasco (sobrina de nuestro mito ya desaparecido Concha Velasco) protagoniza Cartas desde el olvido: Carmen Conde y Katherine Mansfield, un monólogo epistolar que combina teatro y danza para homenajear a Carmen Conde. Ya, en el Teatro de La Abadía.

La actriz Manuela Velasco protagoniza Cartas desde el olvido: Carmen Conde y Katherine Mansfield, un monólogo epistolar sobre la amistad y la literatura escrita y dirigida por Paula Paz que combina teatro y danza para homenajear a la poeta, prosista, dramaturga y ensayista Carmen Conde. Un montaje que se representa en español y que contiene textos en inglés y que ha comenzado su andadura en el escenario del ilustre Teatro de La Abadía.

El montaje se centra en la correspondencia imaginaria y unidireccional que Carmen Conde escribió en 1935 a la escritora neozelandesa Katherine Mansfield, fallecida 12 años antes. Estas cartas, cargadas de intimidad y admiración, difuminan los límites entre la vida y la muerte, explorando una conexión atemporal entre ambas figuras literarias. Con ello, la pieza ahonda en temas como las dudas existenciales, la muerte, las pulsiones suicidas y el misterio de la creación artística.

Carmen Conde (Cartagena, 1907 - Majadahonda, 1996) fue una poetisa, dramaturga y ensayista de la Generación del 27. Hizo Magisterio en la Escuela Normal de Murcia y más tarde Filosofía y Letras en la Universidad de Valencia. En 1967 ganó el Premio Nacional de Poesía y en 1980 el Premio Ateneo de Sevilla con Soy la madre. Además, colaboró con la revista La Estafeta Literaria y RNE bajo el seudónimo de Florentina del Mar. En 1979 ingresó en la RAE ocupando el sillón K, siendo la primera mujer en hacerlo desde su creación. Entre sus obras se pueden resaltar Canciones de nana y desvelo, Brocal y poemas a María, Once grandes poetisas américo-hispanas o La noche oscura del tiempo.

La podemos ver, hasta el 2 de marzo, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=BtBto6rZlyE