Vuelve Rigoletto al Real

El prestigioso director escénico Miguel del Arco dirige una nueva versión del clásico melodrama operístico Rigoletto, de Giuseppe Verdi. Lo podremos disfrutar en el Teatro Real, del 2 diciembre, al 2 de enero del año que viene).

El prestigioso director teatral Miguel del Arco, conocido por montajes como Jauría, En el aire o Ricardo III, se pone al frente de una nueva adaptación del clásico melodrama Rigoletto, de Giuseppe Verdi. Una ópera emotiva y melódica que se puede disfrutar del 2 de diciembre al 2 de enero en el Teatro Real.

Estrenada en 1851, en el Teatro La Fenice de Venecia (Italia), su trama está basada en la obra teatral Le Roi s'amuse de Víctor Hugo y ahora regresa bajo una coproducción del Teatro Real con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Su historia se sitúa en el siglo XVI, donde Rigoletto es un bufón jorobado que trabaja en la corte del despiadado duque de Mantua. Es conocido por su ingenio y su actitud sarcástica, pero guarda un oscuro secreto: tiene una hija llamada Gilda, a la cual mantiene oculta y protegida del mundo exterior. Por su parte, el duque de Mantua es un hombre libidinoso cuya afición es seducir a las mujeres de la corte.

Rigoletto se convierte en el blanco de los cortesanos, quienes desean vengarse de él por sus chistes mordaces. Por ello, deciden secuestrar a Gilda creyendo que es su amante y entregársela al duque. Sin embargo, el duque de Mantua y Gilda se enamoran. Rigoletto descubre la traición y planea acabar con el duque contratando a Sparafucile, un asesino a sueldo.

Esta pieza ha sido aclamada como una de las obras maestras de Giuseppe Verdi, ya que contiene algunas de las arias más famosas de la ópera, como La donna è mobile, interpretada por el duque de Mantua, o Bella figlia dell'amore, en la cual varios personajes expresan sus sentimientos de amor y deseo.

Ficha artística:

• Dirección musical - Nicola Luisotti y Christoph Koncz (18, 26, 29 dic; 2 ene)

• Dirección de escena - Miguel del Arco

• Escenografía - Sven Jonke

• Vestuario - Ana Garay

• Iluminación - Juan Gómez-Cornejo

• Coreografía - Luz Arcas

• Dirección del coro - José Luis Basso  

Reparto:

• Duque de Mantua - Javier Camarena  (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 27, 30 dic), Xabier Anduaga (3, 7, 10, 13, 18, 29 dic; 2 ene) y John Osborn (6, 12, 15, 19, 23, 26 dic)

• Rigoletto - Ludovic Tézier (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic), Étienne Dupuis (3, 7, 10, 13, 18, 29 dic) y Quinn Kelsey (6, 12, 15, 19, 26 dic; 2 ene)

• Gilda - Adela Zaharia (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic), Julie Fuchs (3, 7, 10, 13, 18, 29 dic) y Ruth Iniesta (6, 12, 15, 19, 26 dic; 2 ene)

• Sparafucile - Andrea Mastroni (2, 5, 6, 8, 11, 12, 14, 15, 17, 20, 23, 27, 30 dic; 2 ene) y Peixin Chen (3, 7, 10, 13, 18, 19, 26, 29 dic)

• Maddalena - Marina Viotti (2, 5, 6, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic; 2 ene), Ramona Zaharia (3, 7, 10, 13, 18, 26, 29 dic) y Martina Belli (12, 15, 19 dic)

• Giovanna - Cassandre Berthon (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic) y Marifé Nogales (3, 6, 7, 10, 12, 13, 15, 18, 19, 26, 29 dic; 2 ene)

• Conde Monterone - Jordan Shanahan (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 27, 30 dic) y Fernando Radó (3, 6, 7, 10, 12, 13, 15, 18, 19, 26, 29 dic; 2 ene)

• Marullo - César San Martín

• Matteo Borsa - Fabián Lara (2, 5, 8, 11, 14, 17, 20, 23, 27, 30 dic) y Josep Fadó (3, 6, 7, 10, 12, 13, 15, 18, 19, 26, 29 dic; 2 ene)

• Conde Ceprano - Tomeu Bibiloni

• Condesa Ceprano - Sandra Pastrana

• Un paje - Inés Ballesteros

Programa:

• Melodramma en tres actos

• Música de Giuseppe Verdi (1813-1901)

• Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la obra de teatro Le roi s’amuse (1832) de Víctor Hugo

• Estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 11 de marzo de 1851

• Estrenada en el Teatro Real el 18 de octubre de 1853

• Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla

Tratado sobre la alegría

Alegría Station es una pieza dramática de Elena María Sánchez que reflexiona sobre la alegría . La podemos ver en el espacio escénico madrileño Naves del Español.

La compañía colombiana Teatro Azul de Armenia se une a la prestigiosa directora española, Natalia Menéndez, autora de Tebas Land o El vergonzoso en palacio, para presentar un espectáculo dramático que reflexiona sobre la alegría. Un obra que podrá verse Naves del Español en Matadero (Sala Max Aub - Nave 10) del 19 de noviembre al 10 de diciembre, con funciones de martes a domingos.

Con la dramaturgia de Elena María Sánchez e interpretada por Ximena Escobar Mejia y Leonardo Echeverri, la función plantea una experiencia teatral que busca profundizar en la capacidad del ser humano para poder vivir fuera del dolor y probar otras sensaciones, con la alegría como medio de comunicación constante. Y es que la pieza se cuestiona la importancia de esta emoción en el día a día y si es capaz de ser contagiada como si de un virus se tratase.

Por otro lado, el montaje también indaga en la actual situación del proceso de paz colombiano, siguiendo el concepto de que para obtener la reconciliación hay que dejar a un lado la aflicción y centrarse en la necesidad de reconstruir la convivencia.

Este espectáculo ha sido coproducido por el Teatro Español y el Teatro Azul. Teatro Azul es una formación surgida en 1998 en Armenia, capital del departamento del Quindío (Colombia), que, bajo la dirección de Leonardo Echeverri Botina, ha desarrollado más de 15 obras propias. También ha participado en importantes festivales, encuentros y mercados culturales de más de doce países como España, Cuba, Argentina, Alemania, Brasil o Italia.

La podemos ver en el espacio madrileño Naves del Español, del 19 de noviembre, al 10 de diciembre.

A vueltas con Lorca

El conocido y reputado actor Alberto San Juan dirige y protagoniza el conocido drama Lorca en Nueva Yori, on música en vivo con los versos del poeta granadino Federico García Lorca. Lo podemos ver en el madrileño Teatro Bellas Artes.

El famoso actor Alberto San Juan crea el monólogo dramático Lorca en Nueva York. Se trata de un montaje con música en directo basado en las composiciones del libro Poeta en Nueva York de Federico García Lorca, escrito durante su periplo en América.

Este libreto desentraña toda la magia y el lirismo de una obra que explora el vínculo entre el ser humano y la naturaleza, la espiritualidad y la maquinaria urbana moderna. Sus versos fueron escritos en 1929 cuando Lorca dejó atrás España para asentarse durante una temporada en Nueva York, Estados Unidos.

En la ciudad de los rascacielos vivió durante ocho meses, para después visitar la isla de Cuba. Tras ello, decidió escribir una conferencia en la Residencia de Señoritas de Madrid que ofreciera un contexto a sus poemas y explicara mejor su génesis. Así, intercala versos  y prosa ofreciendo una visión realista de la sociedad y el mundo que le rodea. Sin embargo, el poeta granadino nunca pudo ver este trabajo publicado, ya que antes moriría asesinado en 1936.

Alberto San Juan es un intérprete madrileño, hijo del dibujante e ilustrador Máximo San Juan y de la locutora de radio, Pilar Guijarro Ortiz de Zárate. Durante su trayectoria profesional ha participado en largometrajes como Los lobos de Washington o Entre las piernas. En 2002 fue nominado al premio Goya al Mejor actor de reparto por El otro lado de la cama.

Por su parte, sobre las tablas es el creador de Alejandro y Ana, galardonada con el Premio Max 2003 al Mejor espectáculo de teatro y a la Mejor empresa de producción. También es autor de otras obras como Qué te importa que te ame y El fin de los sueños, esta última distinguida con el Premio Max de Teatro Alternativo.

La podemos ver, en el madrileño Teatro Bellas Artes, hasta el 16 de diciembre.

La vuelta de la Carrá

El madrileño teatro Capitol Gran Vía acoge, con funciones de martes a domingos, el estreno mundial del musical adaptado por Federico Bellone a partir de la película Explota Explota dirigida por Nacho Álvarez en 2020. ¿Su título? Bailo, bailo. Es un homenaje a la carrera de la cantante italiana Raffaella Carrá, que cuenta con la presencia de importantes artistas como Lydia Fairén, Natalia Millán, Naím Thomas o Pepa Lucas, entre otros.

Bailo, bailo es una celebración viva del mito de la artista italiana que se ha convertido en un proyecto internacional paneuropeo en el que participan productoras italianas, españolas y holandesas como Tornasol Sl, Sunset Ent Sl, Mas Srl y Dreamcatcher Bv.

El argumento narra la historia de María, una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad a principios de los años setenta que vive en una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Una oportunidad para descubrir cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.

Con seis protagonistas que se buscan a sí mismos, la historia cuenta cómo es su camino, de su crecimiento humano, profesional y de su éxito en tres localizaciones diferentes de donde proceden tres de los personajes principales: Maria de Italia, Pedro y Rosabella

Lo podemos ver, toda la temporada, en el madrileño Teatro Capitol.

Las mujeres luchan contra la violencia cobarde de los machos

La directora escénica Fredeswinda Gijón dirige el texto Francisca, de Borja Rodríguez, que rinde homenaje a Francisca de Pedraza y su lucha contra la violencia de género. La podemos ver en el madrileño Teatro Quique San Francisco.

La directora escénica Fredeswinda Gijón dirige el textodramático Francisca, de Borja Rodríguez que ofrece un homenaje a la figura de Francisca de Pedraza y su lucha contra la violencia de género.

La función recuerda a Francisca de Pedraza, un personaje histórico del Alcalá de Henares (Comunidad de Madrid) del siglo XVII. Francisca fue la primera mujer en obtener una sentencia de separación por violencia dentro del matrimonio, después de una década de litigios. La pieza se basa en testimonios reales y su objetivo es explorar los lazos invisibles que conectan esta narración con la realidad de muchas mujeres que aún, hoy día, padecen dicha lacra.

Por otro lado, el montaje también plantea preguntas esenciales sobre la pérdida de libertad que experimentan las personas que sufren maltratos, abarcando ámbitos como las relaciones, la psicología, la moral y la vida en general. Por eso, es importante resaltar el hito que supuso el caso de Francisca de Pedraza en un momento (el año 1624) en el que las mujeres no contaban con derechos. Con ello se invita al público a reflexionar sobre la sociedad actual y en qué aspectos se podría estar fallando.

Fredeswinda Gijón es una actriz, directora, dramaturga, bailarina y poeta (ha publicado dos libros de poemas) manchega. Ha creado su propia compañía teatral, Plexonía Teatro, junto con Esther Acevedo, cuyo primer espectáculo fue Vaga, una deliberación sobre la soledad, la pérdida y el desamparo de las víctimas de la violencia machista. Además, con esta  ha conseguido el Tercer Premio Nacional de Teatro José María Rodero para Mujeres Directoras.

La podemos ver, hasta el 12 de noviembre, en el madrileño Teatro Quique San Francisco.

Cómo es la Mujer, a través de la danza

El grupo Vivancos representa el espectáculo de danza moderna Woman, sobre la esencia femenina. Lo vemos en el madrileño Teatro Reina Victoria.

Woman es el primer espectáculo producido y dirigido por la productora Aarón Vivancos (del conocido grupo de danza moderna) y es una combinación multidisciplinar que une la danza con el flamenco contemporáneo, el videoarte de gran tamaño, los efectos en 3D y una composición musical original inspirada en grandes bandas sonoras del cine. Además, su relato, escrito por la dramaturga y regidora Pilar G. Almansa (Sombra y realidad, Cama o El buen hijo), se estructura en siete actos protagonizados por siete bailarinas y un bailarín de primer nivel, seleccionados entre más de 250 artistas.

En dicho espectáculo se abordan cuestiones tan importantes, como las discriminaciones históricas a las mujeres, el empoderamiento femenino y la lucha por la equidad para reflexionar y reconfigurar el concepto de mujer desde la pluralidad y la innovación.

Por otro lado, la pieza se basa en situaciones que muchas mujeres han experimentado en diferentes momentos de su vida y se desarrolla mediante una coreografía diseñada por Aarón Vivancos junto con su hermano Elías, en la que se fusiona el baile interpretativo y el flamenco de vanguardia. De tal modo, el montaje termina exponiendo un ideario de libertad que florece del resurgimiento femenino frente a los clásicos imaginarios sociales y los demonios propios y ajenos. 

Los Vivancos es un conjunto formado por siete hermanos nacidos en Reus (Cataluña), hijos del bailarín Pedro Vivancos: Elías, Judah, Josua, Cristo, Israel, Aarón y Josué. Su compañía cuenta con más de quince años de experiencia en la danza moderna y sus producciones, como Vivancos Aeternum o Born to dance, han sido representadas en más de sesenta países, más de trescientas ciudades y disfrutadas por más de dos millones de espectadores.

La podemos ver en el castizo Teatro Reina Victoria, desde mañana, hasta el 26 de noviembre.

Cómo entender la realidad

La directora escénica Cris Blanco dirige un homenaje a la imaginación, que navega entre realidad y ficción. Título: Pequeño cúmulo de abismos. En el madrileño Teatro María Guerrero.

La Sala de la Princesa del madrileño Teatro María Guerrero se convierte en un espacio que alberga un cúmulo de micro-mundos imaginarios, a través del montaje Pequeño cúmulo de abismos. Un conjunto de abismos mezclados que pueden caber juntos en la grieta de la pared de un teatro. Así, la directora escénica Cris Blanco nos ofrece una obra que pretende ayudar a entender la realidad, acercándose a ella desde todos los ángulos posibles, desde todas las fantasías imaginables, desde todos los tiempos.

La imaginación y la fantasía son el filtro que desde siempre ha aplicado Blanco a la realidad para poder transitar por ella. De este modo, la obra es un homenaje a esa imaginación que nos salvó cuando éramos niños. Un intento de entender la realidad desde la fantasía, de rodearla, de disfrazarla, de cambiarla…. Pero, siempre, mostrando los abismos que existen entre realidad y ficción.

Existe una teoría de física cuántica que dice que la realidad no existe hasta que es observada. Según esa teoría cuántica, el gato de Schrödinger, encerrado en la caja, se encuentra, literalmente vivo y muerto a la vez. Solo al abrir la caja pasará a uno solo de los estados; a estar vivo o a estar muerto. En otras palabras: el gato “no existe” hasta que alguien lo observa. ¿Entonces qué hace la realidad cuando no la observamos? ¿Dónde se mete? ¿Cómo se queda?

La creadora de esta obra, de pequeña, ya intuía algo al respecto por eso se daba la vuelta rápido antes de salir de su habitación, para ver si pillaba a sus muñecos y sus cosas cambiándose de sitio o moviéndose. Una especie de Toy Story que nunca sucedió, pero que la llevó a plantearse muchas cuestiones.

En Pequeño cúmulo de abismos aparecen muchas de ellas. En un espacio que parece ser la realidad, digamos en un teatro, digamos en la sala Princesa del María Guerrero, coinciden varios personajes y allí, encuentran un pequeño abismo que contiene todas las realidades desde lo infinitamente pequeño al infinito macrocosmos. Aunque uno de los personajes solo consigue ver los azulejos del baño de su abuela en el barrio de la Coma de Madrid. ¿Qué hay detrás de la pared del María Guerrero..? Descubrámoslo...Una propuesta escénica híper-sugerente...

La podemos ver en el madrileño Teatro María Guerrero, del 18 de octubre, al 12 de noviembre.