El teatro dentro del teatro

Se han escrito muchas obras sobre el mundo del espectáculo. Ahora, el dramaturgo y director Pablo Remón ha escrito y dirigido Los farsantes, que estrena, el próximo día 29 del presente, en el madrileño Teatro Valle-Inclán. Es una tragicomedia que reflexiona sobre el éxito y el fracaso en las artes escénicas, con un elenco encabezado por el actor Javier Cámara.

Con un elenco liderado por Javier Cámara, Francesco Carril, Bárbara Lennie y Nuria Mencía, la historia de Los farsantes narra la vida de varios profesionales escénicos a lo largo de los años. Todos son actores, directores, guionistas… que se dedican a la farsa.  

Las décadas van pasando y se vislumbran sus inicios hasta llegar a su madurez. Algunos tienen éxito y otros abandonan. Pero aquellos que han alcanzado la fama se sienten impostores, pues las vidas que han interpretado se entremezclan con las suyas propias acoplándose los problemas ficticios con los personales. Así, la pieza se cuestiona cómo la realidad puede verse influenciada por la ficción y viceversa, al tiempo que delibera si la existencia no es más que un enorme escenario teatral.

Nacido en Madrid en 1977, Pablo Remón es un director, guionista y dramaturgo formado en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM) y que en 2009 amplió sus estudios en Nueva York (Estados Unidos). En 2013 fundó la compañía La Abducción con la que estrenó su primera obra: La abducción de Luis Guzmán. Su segundo texto, desarrollado junto con su hermano Daniel, Muladar, recibió el Lope de Vega de Teatro en 2014. Mientras, 40 años de paz, su tercer montaje, fue nominado a los premios Max y resultó finalista del premio al Mejor autor revelación.

También ha escrito las películas Mundo Fantástico, Casual Day, Cinco metros cuadrados e Intemperie, gracias a la cual en 2020 recibió el premio Goya, junto con Daniel Remon y Benito Zambrano, al Mejor guion adaptado.

Por otro lado, ha dirigido los cortometrajes Circus y Todo un futuro juntos, premiados en el Festival de Medina del Campo, el Concurso de Cortometrajes del programa de RTVE Versión Española y Alcine. Por otro lado, en 2021 obtuvo el Premio Nacional de Literatura Dramática.

La podemos ver, del 29 de abril, al 12 de junio, en el madrileño Teatro Valle-Inclán.

Sobre el comportamiento humano

Julio Manrique (Jerusalem o E.V.A.) dirige Animal negro tristeza, en Naves del Español-Matadero Madrid, una adaptación de este drama escrito por la guionista germana Anja Hilling, que supone un análisis del comportamiento humano en situación extremas.

Animal negro tristeza está interpretada por Joan Amargós, Màrcia Cisteró, Mia Esteve, Norbert Martínez, Jordi Oriol, Mima Riera, David Vert y Ernest Villegas. La traducción del texto original ha sido realizada por María Bosom y ha contado con la colaboración del Goethe Institut.

Su historia describe cómo un grupo de tres parejas acomodadas y exitosas deciden pasar un fin de semana en el bosque. Se conocen desde hace tiempo, pero no se puede decir que sean del todo amigos. A pesar de ello, están predispuestos a pasar unos días de diversión y experiencias al aire libre.

Todos disfrutan de una barbacoa entre comentarios sarcásticos y confesiones ocurrentes para después irse a dormir en unas tiendas de campaña. Pero durante la noche se desata lo peor: un incendio se propaga rápidamente por el bosque. En una situación tan desesperada los protagonistas solo piensan en salvar sus vidas, haciendo que los vínculos que mantenían se destruyan y los miedos atávicos a la muerte, la soledad y las fuerzas de la naturaleza se apoderen de sus instintos más profundos.

Nacida en Lingen (Alemania), en 1975, Anja Hilling estudió teatro y filología alemana en Múnich y Berlín. En 2003 fue galardonada con el Premio Dresdner Bank para jóvenes autores dramáticos por su primer montaje teatral, Sterne, y en 2007 publicó su libreto más famoso hasta la fecha: Animal negro tristeza, que llevó a cabo por encargo del teatro Schauspiel Hannover.

Una obra profunda, que nos hará reflexionar y no nos dejará como meros espectadores pasivos.

La podemos ver, del 26 de abril, al 20 de mayo, en Naves del Español-Matadero Madrid.

  

Los derechos de los refugiados

Dentro del ciclo Teatro y Derechos humanos, Ruth Sánchez y Marta Viera representan, en el madrileño Teatro Gómez una experiencia inmersiva de teatro documental sobre la vida de los refugiados de Lesbos (Grecia). ¿Su título?: Moria.

El texto de Moria ha sido creado por Ruth Sánchez, Marta Viera, Mario Vega, Luis O´Malley, Nicolás Castellano y Valentín Rodríguez a partir de la visita al campamento de refugiados de Moria, en la isla de Lesbos, que realizaron durante una semana el periodista de la Cadena SER Nicolás Castellano, la fotoperiodista de la Revista 5W Anna Surinyach, el productor Valentín Rodríguez y el director del montaje Mario Vega.

Su historia es el reflejo de las entrevistas a las inmigrantes Saleha Ahmadzai (Afganistán), Zohra Amiryar (Afganistán) y Douaa Alhavatem (Irak). Allí, en Moria, antes de que se incendiase, se hacinaban 13.000 personas. Su intención es documentar la realidad migratoria a la que se enfrenta Europa y exponer las penurias de los refugiados. Además, el montaje se ha centrado en las mujeres porque por el mero hecho de serlo su situación se ve agravada. Así, el único elemento ficticio que se muestra es que Saleha, Zohra y Douaa se conozcan.

Por otro lado, la obra combina la interpretación teatral con contenidos audiovisuales filmados en 360º que se exponen dentro de una tienda como la de un campamento de refugiados. Con ello, durante casi una hora los espectadores pueden sentir la esperanza, la celebración, la vergüenza, el miedo y hasta la sombra de la muerte que se cierne sobre los refugiados.

Por otro lado, el espectáculo se completa con diversas actividades paralelas: el 21 de abril a las 17:30 h en la Sala Polivalente se desarrollará una mesa redonda con Anna Surinyach, Nicolás Castellano, Raquel González Juárez (relaciones externas de Médicos Sin Fronteras) y Mario Vega, el 30 de abril a las 19:00 h en la Sala III habrá una charla hasta completar aforo con mujeres periodistas que han cubierto la guerra de Ucrania y los días 5 y 12 de mayo se podrá disfrutar de dos encuentros con el público al término de la función.

La podemos ver, hasta el 14 de mato, en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

 

Reflexión sobre el trabajo turístico precario

Tras el éxito de Elisa y Marcela, la compañía gallega A Panadaría regresa a las tablas escénicas para interpretar del 20 de abril al 15 de mayo, en el Teatro María Guerrero, Las que limpian, un espectáculo dramático que reflexiona sobre la precarización del turismo.

La obra Las que limpian está interpretada por las actrices y dramaturgas Areta Bolado, Noelia Castro y Ailén Kendelman y en ella indagan en la lucha organizada de un grupo de camareras de piso de los hoteles que buscan conseguir una serie de derechos laborales y sociales más justos. Sin embargo, los propietarios de las cadenas hoteleras no se lo pondrán fácil.

Mediante esta premisa, se delibera acerca de los vínculos entre determinados trabajos y el género, la posibilidad de conseguir en el futuro un turismo sostenible y las desigualdades sexuales en la vida laboral.

A Panadaría es un conjunto creado por las artistas Areta Bolado, Noelia Castro y Ailén Kendelman en 2013 en Vigo que con su primer montaje, PAN! PAN!, en 2015 ganó el Premio de la Crítica de Galicia, el Premio Xuventude Crea y el Premio María Casares de interpretación para Areta Bolado. Luego, con Elisa y Marcela ha sido galardonado con los Premios María Casares 2018 al Mejor espectáculo, la Mejor dirección, el Mejor texto original y la Mejor actriz protagonista, además del Premio de Igualdad Luísa Villalta 2017 y el XIV Premio LGBT Marcela e Elisa del Colectivo ALAS.

Se ha organizado un encuentro con el equipo artístico el 26 de abril tras la representación.

La podemos ver, hasta el 15 de mayo, en el madrileño Teatro María Guerrero.

 

Versión moderna de Eneida

 

La compañía LaJoven y el Teatro Circo Price unen sus fuerzas, por vez primera, para crear el espectáculo Eneida, que se podrá ver los días 21 y 22 de abril en el madrileño Teatro Circo Price. Un montaje que une teatro, música y circo para adaptar la clásica epopeya de Virgilio en versión del dramaturgo Paco Gámez.

La Eneida es una obra literaria escrita en el siglo I a. C. que describe la guerra de Troya. Su composición fue un encargo del emperador romano Augusto y narra los acontecimientos del caudillo troyano Eneas que, tras la derrota de la ciudad, escapa junto con su familia y varios compañeros por consejo de la diosa Afrodita, quien era su madre.

Virgilio usó el pasado griego para contar el presente de Roma y ahora esta versión lo utiliza para radiografiar la Europa compleja y difusa de la actualidad. Para ello se transforman los doce cantos del texto en otras tantas canciones repletas de ritmos contemporáneos, las cuales se ven acompañadas por recitaciones de poesía, bailes, cantos, malabares, acrobacias y mucho humor. 

Y es que el elenco está formado por un conglomerado de intérpretes que incluye a los actores de LaJoven: Samy Khalil, Javier Ariano, Jota Haya, Marta G. Velilla, María Heredia y Ana Jara, los artista de circo de la Escuela Carampa: Mónika Wiktoria Budzinska, Sirio Fernández Rubio, Amaya Frías Hernández, Cira Cabases y Juan de las Casas Fegueroso, los músicos de la Escuela de Música Creativa: Vicente Pérez, Javier Lisón, Jorge Henríquez Bermejo, Miriam García Moreno y Emma Weil, y los bailarines del Conservatorio de Danza María de Ávila: Cristina Vigil y Julia Caro.

La Joven Compañía es una agrupación instituida, en 2012, por David R. Peralto y José Luis Arellano con cerca de una treintena de jóvenes de entre 18 y 26 años. Durante las últimas ocho temporadas, ha llevado al teatro 17 montajes que han sido vistos por más de 300.000 espectadores y ha recibido el Premio El Ojo Crítico de Teatro 2014, otorgado por Radio Nacional de España.

La podremos disfrutar los próximos días 21 y 22 del presente, en el madrileño Teatro Circo Price.

 

La habitación de Virginia Wolf

La dramaturga y directora María Ruiz adapta a las tablas escénicas la obra Una habitación propia, de la conocida escritora y dramaturga del siglo pasado Virginia Wolf, que reflexiona sobre la maltratada figura de la mujer en el arte y la literatura. Una obra protagonizada por Clara Sanchís (La lengua en pedazos).

Una habitación propia, escrita por la conocida literata Virginia Wolf e interpretada por la reputada actriz española Clara Sanchís, se articula como un monologo interpretado por la actriz Clara Sanchis, quien representa a una escritora que ofrece una conferencia a un grupo de estudiantes.

Es 1928 y hace tan solo nueve años que se aprobó el sufragio femenino en el Reino Unido. Esto hace que la protagonista analice el papel de la mujer en la sociedad y examine el incipiente movimiento feminista que comienza a vertebrarse.

Actualmente, el ensayo está considerado como uno de los textos más importantes dentro del feminismo al criticar los prejuicios a los que deben enfrentarse las mujeres y repasar las condiciones en las que han tenido que vivir a lo largo de los siglos.

La podemos ver, como última función, el próximo día 19, en el madrileño Teatro Bellas Artes.

Reflexión sobre el sentido del humor

Por vez primera, y juntos sobre un escenario, los actores y humoristas Santiago Segura, Florentino Fernández y José Mota crean el espectáculo cómico El sentido del humor: Dos tontos y yo, donde reflexionan sobre el sentido del humor.

El montaje de El sentido del humor: Dos tontos y yo ofrece monólogos, escenas compartidas por dos de los intérpretes y otras realizadas por este peculiar trío. Todo para brindar una velada llena de risas y deliberaciones acerca de la comicidad antigua y actual que busca hacer entender qué es el humor y por qué nos reímos.

Santiago Segura es un actor, guionista y director madrileño conocido por dar vida a la saga de películas de Torrente. Además de esto ha colaborado en multitud de programas de televisión como Alaska y Segura, Tu cara me suena, Hoy no, mañana o Sabías a lo que venías. Asimismo, ha aparecido en series como Supermax o Petra delicado. También es doblador de películas como Angry Birds: La película, Hotel Transylvania 3, Lluvia de albóndigas 2 o Monstruos S.A.

José Mota es un humorista, actor e imitador manchego conocido por haber sido miembro, junto con Juan Muñoz, del dúo humorístico Cruz y Raya entre 1989 y 2007. A partir de esa fecha lanzó su carrera en solitario con programas como La hora de José Mota, José Mota presenta… o El acabose. Ha puesto su voz a filmes de animación como Mulan, Shrek, Hermano oso o Rugrats: vacaciones salvajes.

Por su parte, Florentino Fernández es un actor y doblador madrileño que saltó a la fama con el programa El informal, junto con Javier Capitán y Patricia Conde. Antes de eso colaboró en espacios nocturnos como Esta noche cruzamos el Mississippi, donde dio vida a personajes tan famosos como Lucas Grijánder y Crispín Klander, ambas imitaciones del humorista Chiquito de la Calzada.

Tras ello, ha intervenido en programas como Tonterías las justas, Otra movida, Sopa de gansos o Dani & Flo. También ha aparecido en series como 7 vidas y Águila roja y en largometrajes como Isi/Disi: Amor a lo bestia, El oro de Moscú o La venganza de Ira Vamp.

Lo podemos ver en el madrileño Teatro Príncipe Pío hasta el próximo 22 de mayo.