Festival de Danza de Madrid

El teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa recupera un año más el festival Danza en la Villa. Una amplia programación que se repartirá en las salas del espacio cultural teniendo a la danza como absoluta protagonista además del flamenco, el teatro, el circo y otros estilos donde no faltará la presencia de coreógrafos y bailarines de primer nivel.

El festival Danza en la Villa pondrá en escena varios espectáculos además de acoger mesas redondas, tertulias, talleres, presentaciones de libros y proyecciones cinematográficas. En esta edición, además de la Sala Guirau, se utilizará de nuevo la Sala III, un espacio expositivo y no convencional que acogerá algunas de las propuestas más originales del programa y también se exhibirán las piezas destinadas a los espectadores más jóvenes.

La programación reúne un total de dieciocho representaciones, a cargo de diez compañías de primer nivel en las disciplinas de danza contemporánea, danza-teatro, circo, urbana, neoclásica y tradicional, entre otras. Espectáculos para todos los gustos y todas las edades entre los que se encuentran Pas a deux de la mano de Chevi Muraday y Miss Beige, donde la danza y la performance se unen en una pieza al ritmo de la melodía de Tchaikovsky. La Compañía Albadulake presenta Serrana, un espectáculo abierto y transversal que profundiza en el Romance de la Serrana de la Vera tanto a nivel antropológico como existencial. 

Por su parte, la compañía de flamenco y danza española Marea Danza pondrá en escena Roda, donde cinco cuerpos se presentan formando uno solo, una sola masa compuesta por tierra, sol y agua. La bailarina, coreógrafa y actriz Mey-Ling traerá el montaje Cómeme otra vez; y la bailarina y coreógrafa Sol Picó presentará Malditas Plumas, un viaje que transita entre la ternura y la decadencia.

La compañía Manuela Barrero dlcAos representa una adaptación para espacio no convencional de su pieza I'll be your mirror donde muestra cómo el ser humano vive en eterna búsqueda de lo verdadero. LaMov Ballet bajo la dirección del coreógrafo Víctor Jiménez presenta una versión contemporánea de El Lago de los Cisnes; el bailarín David Blanco y el dramaturgo Sergio Toyos exponen Gochos; y el artista Oulouy pondrá en escena la pieza escénica de danza Black basada en la improvisación e inspirada en elementos coreográficos de estilos clave de la escena urbana africana. Por último, el 17 de abril Leyendas de México presenta Esencia mexicana, una muestra de las regiones más representativas del folklore mexicano, un trocito de lo que se ha llevado al mundo.

Lo podemos ver, del primero, al 17 de abril, en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

 

Programación:

 

§ 1 y 2 abril, 20:00 h - Malditas Plumas - Sol Picó - Sala Guirau

§ 5 abril, 19:00 y 20:15 h - Roda - Marea Danza - Sala III

§ 6 y 7 abril, 20:00 h - Cómeme otra vez - Mey Ling Bisogno - Sala Guirau

§ 8 abril, 18:00 y 19:30 h - I'll be your mirror - Manuela Barrero dlcAos - Sala III

§ 9 abril, 20:00 h  / 10 abril, 19:00 h - Serrana - Compañía Albadulake - Sala Guirau

§ 12 y 13 abril, 19:00 h - Pas a deux - Chevy Muraday - Sala III

§ 13, 14 y 15 abril, 20:00 h - En el lago - La Mov Ballet - Sala Guirau

§ 15 abril, 18:00 y 19:30 h - Gochos - David Blanco y Sergio Toyos - Sala III

§ 16 abril, 18:00 y 20:00 h - Black - Ouoluy - Sala III

§ 17 abril, 19:00 h - Esencia mexican - Leyendas de México - Sala Guirau

 

Fame!

David de Silva una adaptación de la clásica película y serie de TV musical Fama, una versión que regresa con una banda sonora nueva, donde solo permanece el tema Fame, y tramas y personajes diferentes.

David de Silva, uno de los productores del filme original Fame, vuelve a posicionar al público en la prestigiosa High School of Performing Arts de Nueva York (Estados Unidos), donde varios estudiantes aspiran a labrarse un futuro en el mundo de la danza, la música y la actuación, a través de una nueva versión del musical Fama.

La función va desarrollando los problemas de cada uno de los alumnos hasta que al final llega al clímax cuando Carmen retorna de Hollywood muy decepcionada por su fracaso profesional. Además, sus amigos ven como Carmen se ha hecho drogadicta debido a las drogas que ha tomado en las fiestas que se celebran en la ciudad.

Mediante el canto, el baile y el rap se realiza una exploración por los miedos, los amores, los deseos y los aprendizajes vitales de un grupo de jóvenes artistas entusiastas, al tiempo que también se termina llevando a cabo un alegato en contra del consumo de drogas y sus nocivos efectos para la salud.

Por otro lado, su elenco cuenta con más de una veintena de cantantes y bailarines y su coreografía viene diseñada y dirigida por la veterana Coco Comin.

Fama es una película rodada en 1980 dirigida por Alan Parker y escrita por Christopher Gore que obtuvo un notable éxito, siendo galardonada con cuatro Oscar: al Mejor montaje, al Mejor sonido, al Mejor guion original y a la Mejor canción original por Fame. Conjuntamente, consiguió el Premio Grammy al Mejor álbum original escrito para película o televisión.

Lo podemos ver en el madrileño Teatro EDP Gran Vía, toda la temporada.

Crítica a la ignorancia provinciana

La directora de teatro Amelia Ochandiano (La del Soto del Parral o Una gata sobre un tejado de zinc caliente) adapta y dirige una versión de la famosa comedia escrita por Miguel Mihura en 1963 La bella Dorotea, protagonizada por Manuela Velasco. Es una sátira de la sociedad española de la época.

Ambientada en la década de los años 70, La bella Dorotea narra cómo Dorotea es la hija del cacique de un pueblo del Norte de España. Es una mujer que ha viajado y, por lo tanto, entiende otras formas de pensar y de vivir. Su máxima aspiración es contraer matrimonio. Un día conoce a Fermín, un forastero del que se enamora.

Sin embargo, las gentes del lugar empiezan a rumorear y cuchichear acerca de la pareja y sobre la posibilidad de que Fermín solo la quiera por su dinero. Esto provoca que él se sienta tan dolido que deje a Dorotea plantada en el altar el mismo día de su boda.

Dorotea, harta de la mentalidad cerrada y provinciana de sus vecinos, les jura que no se quitará el vestido de novia hasta que encuentre a alguien con quien casarse, con el objetivo de remover sus conciencias. Pero los meses trascurren y Dorotea no halla pretendiente… hasta que aparecen por la localidad Juan y José Rivadavia, un feriante y un barítono en decadencia, respectivamente, dando un giro insospechado a los acontecimientos...

La podemos ver del 30 de marzo, al 1 de mayo, en el madrileño Teatro Español.

 

Flamenco a cuatro manos

El madrileño tablao flamenco Las Tablas estrena Bailes robaos, un espectáculo a cuatro manos con los conocidos bailaores Mariana Collado y Carlos Chamorro.

Bailes robaos es la última propuesta de espectáculo del madrileño tablao flamenco Las Tablas. En ella cuatro artistas en un mismo tiempo y espacio comparten la adrenalina y la frescura de la primera vez que pisaron Las Tablas. La herencia y contemporaneidad definen esta propuesta libre y poética. Los bailaores, Mariana Collado y Carlos Chamorro. A la guitarra, José Almarcha. Cantando: Roberto Lorente.

Los podemos ver en el madrileño tablao Las Tablas, del 31 de marzo, al 3 de abril.

Jeanne Dark

La performer Marion Siéfert y la coreógrafa Helena de Laurens estrenan en España, dentro del festival madrileño Canal Connect 2022, con Jeanne Dark, un espectáculo que profundiza en las redes sociales, el acoso escolar y la sexualidad.

La performancer

Jeanne Dark relata la historia de Jeanne, una adolescente de 16 años de una familia católica de Orleans (Francia). Ella todavía es virgen y por ello en los últimos meses ha tenido que soportar las burlas de sus compañeros de instituto. Un día, cansada de la situación, decide hacer un directo desde su perfil de Instagram describiendo por lo que está pasando y encarnando a cada una de las personas que componen su círculo cercano.

Estrenada el 2 de octubre de 2020, en el Théâtre de la Commune de Aubervilliers (Francia), esta pieza es la segunda colaboración entre Siéfert y de Laurens tras Le Grand Sommeil en 2018. Ahora generan una producción que se desarrolla simultáneamente en el teatro y a través de un canal de redes sociales, ya que es la propia Jeanne, interpretada por Helena, quien realiza la grabación en directo, en dos pantallas que enmarcan el escenario y que van creando una narración diferente y fantástica.

Marion Siéfert es una regidora y dramaturga francesa en cuyas funciones explora el empleo de las redes sociales y pone al espectador en una posición de voyerista por medio del uso juicioso de las pantallas. Ha colaborado en las películas Nocturnes y L'epoch de Matthieu Bareyre, está asociada al Théâtre de la Commune de Aubervilliers desde 2018 y este es su cuarto trabajo como directora y autora.

Helena de Laurens es una actriz y bailarina parisina con un máster en Literatura Moderna por la Sorbona y un máster en Artes y Lenguas por la EHESS (Escuela de Estudios Superiores en Ciencias Sociales). También se formó en Arte Dramático en el Conservatorio de París y en danza contemporánea mediante diversos talleres y pasantías.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, los días 26 y 27 de marzo.

 

Los entresijos del poder

Antonio Simón (Yo, Feuerbach o Nápoles Millonaria) dirige una adaptación de la tragicomedia de Harold Pinter El cuidador, protagonizada por Joaquín Climent, Álex Barahona y Juan Díaz, que trata sobre las relaciones personales, la comunicación, el poder y la corrupción.

Estructurado en tres actos, este montaje de la obra El cuidador, del dramaturgo norteamericano Harold Pinter fue el sexto de sus principales libretos para teatro y televisión, aunque se convirtió en el primer éxito comercial de Pinter, Premio Nobel de Literatura en 2005. Estrenado en 1960, en el Arts Theatre Club del West End de Londres (Reino Unido), su popularidad hizo que tres años después fuese llevado al cine, siendo dirigido por Clive Donner y protagonizado por Alan Bates, Donald Pleasence y Robert Shaw.

En esta ocasión, la función está interpretada por Joaquín Climent, Álex Barahona y Juan Díaz, quienes narran cómo Aston invita a Davies, un vagabundo, a su apartamento tras rescatarlo de una pelea en un bar. Pronto, Davies muestra su verdadero carácter, revelándose como una persona oportunista, racista y egoísta.

Mick, el hermano menor de Aston y propietario de la casa, se queja por la presencia de Davies y para zanjar el asunto le propone ser el portero de la finca. Sin embargo, no tarda mucho en arrepentirse, cuando Davies trata de convencerle para conspirar contra Aston.

Una obra esencial para entender las ansias de poder del ser humano y un texto fundamental para comprender a este importante dramaturgo del siglo XX, que siempre puso el dedo en la llaga.

La podemos ver en el Teatro Bellas Artes, hasta el 24 de abril.

 

Bailando a la belleza de lo caótico

El Ballet National de Marseille representa (La) Horde, un espectáculo de danza contemporánea y música electrónica que reflexiona sobre la belleza del caos.

La función de (La) Horde, del Ballet Nacional de Marsella, está concebida mediante el trabajo conjunto del DJ y compositor francés Rone y el colectivo coreográfico (LA)HORDE. La obra cuenta con la interpretación de una veintena de bailarines y explora los movimientos clandestinos que impulsan a la población sentimientos que van desde la ira hasta el amor. Así, los pasos de danza y los ritmos dance se unen para plasmar el estado de las generaciones actuales, las cuales buscan un sentido de la vida y un futuro mejor, ya sea a través de la celebración o el combate.

El argumento de este ballet contemporáneo narra cómo en una cantera de mármol varias máquinas cortan y pulen la roca. Mientras, los escultores trabajaban con el mármol para liberar al hombre que se haya dentro de la piedra. Una alegoría que indaga en la necesidad de los protagonistas de escapar de la inmovilidad, quienes escudriñan el desastre inminente a la vez que vislumbran la posibilidad misma de su hermosura.

Erwan Castex, alías Rone, es un músico y DJ galo con siete álbumes de estudio y varios remixes que se ha convertido en un productor de performances teatrales y un experto en la música techno más cinemática y experimental. Recientemente, en 2021, ganó el premio Cesar a la Mejor Música de Película por Night Ride, su primera banda sonora cinematográfica.

Por otro lado, (LA)HORDE es una compañía fundada en 2013 por Marine Brutti, Jonathan Debrouwer y Arthur Harel, quienes cuestionan los códigos artísticos actuales, especialmente aquellos del arte moderno en vivo y las artes escénicas. Desde 2019, se encuentra al frente del Ballet National de Marseille, y ha creado, durante este tiempo, piezas coreográficas, películas, videoinstalaciones y performances.

Lo podemos  ver en los madrileños Teatros del Canal, los días 24 y 25 del presente.

 

Necesito amar…pero no puedo

El dramaturgo argentino Claudio Tolcachir presenta Tercer cuerpo, la tercera parte de la trilogía compuesta por las obras La omisión de la familia Colemán y El viento en un violín. Un montaje estrenado en Buenos Aires, en 2008, y en el Festival de Otoño de Madrid, en 2009, que, ahora, regresa a las tablas con un reparto renovado que se compone de Natalia Verbeke, Carmen Ruiz, Carlos Blanco, Nuria Herrero y Gerardo Otero. 

El montaje titulado Tercer Cuerpo (la historia de un intento absurdo) pone en escena una historia que se desarrolla en una oficina destartalada, la casa de una pareja, un bar y un consultorio médico. Distintos escenarios que se van alternando en un mismo espacio, enlazando la vida de cinco personajes a los que les une la soledad, la incomprensión y la necesidad de amar.

Cinco vidas con distintos deseos de amar, cinco personas incapaces. Mientras tanto, se vive, se trabaja, se intenta con el miedo a no ser y a la incapacidad. Es la historia de un intento absurdo, de querer vivir cada día, a pesar de todo.

A partir de la ruptura del espacio escénico, este montaje se presenta como una propuesta apoyada en las actuaciones. El eje espacio-tiempo entendido como unidad convencional, se rompe dando paso a una homologación de distintas situaciones que conviven en un mismo espacio, un espacio que es uno y muchos a la vez. La puesta en escena, la escenografía y la iluminación acompañan esta obra donde el acento se pone en los personajes y los vínculos que mediante ellos se desarrollan, desatan, explotan.

En definitiva, un texto profundo, existencialista y tan real como la vida misma…

La podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel, desde el próximo día 24, hasta el primero de mayo.

 

Una opereta de Albéniz

Antonio Fauró (Los gavilanes, La tempestad o Maruxa) recupera la opereta The Magic Opal, de Isaac Albéniz, con libreto de Arthur Law. Que, en breve, se podrá disfrutar en el madrileño Teatro de la Zarzuela.

The Magic Opal es la primera obra compuesta para Inglaterra por Isaac Albéniz, quien la diseñó en 1892, partiendo de las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan. Un recital que fue representado por primera vez en España en 2010, 117 años después de su estreno en Londres.

Esta versión es una producción del Teatro de la Zarzuela y ha sido traducida por Javier Ibarz y Pachi Turmo. Además, la dirección escénica depende de Paco Azorín (Nápoles Millonaria, Tosca o Siempreviva) y la musical de Guillermo García Calvo (Las Calatravas, Farinelli o Circe). El montaje cuenta con la participación de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, el Coro del Teatro de la Zarzuela e importantes solistas como Ruth Iniesta, Luis Cansino y Santiago Ballerini.

Su historia adentra al público en un enredo amoroso protagonizado por unos piratas que hallan en Grecia un anillo con poderes mágicos. Y es que quien lo toca se enamora inmediatamente de la persona que lo lleva.

Las funciones son accesibles al disponer de audiodescripción Visita táctil (Touch Tour).

Ficha artística:

§ Música - Isaac Albéniz

§ Libreto - Arthur Law

§ Traducción - Javier Ibarz y Pachi Turmo

§ Dirección - Antonio Fauró

§ Dirección musical - Guillermo García Calvo

§ Dirección de escena y escenografía - Paco Azorín

§ Vestuario - Juan Sebastián Domínguez

§ Iluminación - Pedro Yagüe

§ Diseño de audiovisuales - Pedro Chamizo

§ Movimiento escénico - Carlos Martos

§ Orquesta - Orquesta de la Comunidad de Madrid

§ Coro - Coro del Teatro de la Zarzuela

§ Producción - Teatro de la Zarzuela

La podemos ver, del 1, al 10 de abril, en el madrileño Teatro de la Zarzuela

Una joya de Purcell

El próximo 27 de marzo, El teatro Real, de Madrid, ofrecerá, por vez primera, la obra de Henry Purcell (1659-1695) Rey Arturo, semi ópera inglesa que contará con la presencia de la formación belga Vox Luminis, bajo la dirección artística y musical de Lionel Meunier, en la versión dramatúrgica de Isaline Claeys en colaboración con Simon Robson, con la participación del actor José Luis Martínez.

La rareza musical Rey Arturo, del compositor barroco Henry Purcell, poco frecuente en los escenarios, perteneciente al género dramático-musical, nos cuenta la pugna entre Arturo –rey cristiano de los britones– y Oswald –rey pagano de los sajones– por hacerse con la mano de la princesa Emmeline y, con ella, del reino de Inglaterra. La historia emana de la leyenda y en ella se citan personajes literarios, deidades griegas y mitología germánica, construyendo un relato que, por su extensión y la relación entre las partes cantadas y las habladas, dificulta enormemente su representación escénica.

 

La partitura contiene, sin embargo, bellos y conmovedores momentos en los que las voces solistas apenas toman protagonismo –este recae sobre la declamación de los actores- dando a las partes corales, o de conjunto, una presencia muy cercana a las composiciones de carácter religioso. La evocadora parte musical de Purcell refuerza o resalta el contenido dramático del texto de John Dryden, estableciendo una fructífera relación entre ambos.

En el Teatro Real se presenta la versión dramatúrgica creada por Isaline Claeys, en colaboración con  Simon Robson, estrenada en el Théatre Hardelot de Condette, Francia. Los textos hablados se han traducido al castellano y serán declamados por el actor José Luis Martínez en el papel de narrador. La parte musical estará interpretada por la formación Vox Luminis, dirigida por el bajo Lionel Meunier, especializada en el repertorio inglés, italiano y alemán del siglo XVII y principios del XVIII, reconocida en el panorama internacional por su sonido único y su capacidad de dar vida tanto a reconocidas obras maestras, como a joyas raras de la composición de los mencionados periodos.

  

Vox Luminis, con residencia en el Concertgebouw de Brujas, ha sido galardonada con el Gramophone Awards (2012), el Diapason d'Or (2015), el BBC Music Magazine Choral Award (2018) y varios Preis der Deutschen Schalplattenkritik, por citar algunos.

 

Reflexión sobre las críticas hacia los retrasados mentales

Iñaki Rikarte dirige Supernormales, un texto de Esther F. Carrodeguas que reflexiona, mediante el humor negro sobre los prejuicios alrededor de las personas con diversidad funcional. Una obra que se puede ver del 16 de marzo al 24 de abril, de martes a domingos, en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán.

Supernormales, del dramaturgo Iñaki Iriarte, fue escrita en el marco del programa de Residencias Dramáticas del Centro Dramático Nacional durante la temporada 2020-2021 y Carrodeguas busca indagar en la concepción de la sexualidad de estas personas, la cual ha sido históricamente negada.

También vislumbra las dificultades para eliminar las barreras existentes para la entrada, comprensión o disfrute de su deseo sexual, así como su estatus dentro de una sociedad neoliberal, patriarcal y 100% capacitista, donde no pueden producir al ritmo que viene impuesto.

Nacida en Rianxo (La Coruña) en 1979, Esther F. Carrodeguas es una actriz, directora, perfomer y escritora. Está graduada en Dirección y Dramaturgia por la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) de Galicia y es licenciada en Periodismo entre Santiago de Compostela y Turín (Italia). Fue la directora de la compañía gallega Teatro Airiños, pero tras el Premio Abrente para textos teatrales 2015 decidió crear la plataforma profesional ButacaZero junto con Xavier Castiñeira, quien suele asumir la dirección de sus proyectos comunes.

Mientras, Iñaki Rikarte es un licenciado por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) en Interpretación Textual que ha trabajado como actor en más de diez producciones del Centro Dramático Nacional y de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Nacido en Vitoria en 1981, ha dirigido una docena de espectáculos para distintas agrupaciones como: El desdén con el desdén de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, Andre y Dorine de Kulunka Teatro, Pulgarcito de Teatro Paraíso o Ildebrando Biribó de El gato negro.

La podemos ver en el madrileño Teatro Valle-Inclán, hasta el 24 de abril.