¡Qué locura de amigas!

Eva Ugarte, Angy Fernández y Marta Poveda interpretan la alocada comedia “Las irresponsables”,  escrita por Javier Daulte y dirigida por Marta Póveda. Tres amigas, en un pedazo de chalet prestado para el fin de semana y el perro de un vecino asesinado. Con esta premisa, preparaos para moriros de risa. Ya, en el Teatro Maravillas.

El Teatro Maravillas acoge ”Las irresponsables” una alocada comedia llena de ritmo y humor inteligente escrita por Javier Daulte y dirigida por Marta Póveda. Una obra en la que una simple pregunta inocente desatará el caos total con las protagonistas Eva Ugarte, Angy Fernández y Marta Póveda.

Tras haber visitado Buenos Aires y Barcelona con un gran éxito de crítica y público, este ingenioso montaje llega a Madrid. Escrita la obra por el dramaturgo argentino Javier Daulte, en 2025, fue adaptada y estrenada en cines, dirigida por Laura Mañá y protagonizada por Laia Marull, Betsy Túrnez y Àgata Roca.

En esta comedia, tres amigas pasan un fin de semana en una casa fuera de la ciudad para ayudar a una de ellas a superar una ruptura sentimental. Una simple pregunta inocente desencadenará el caos sacando a relucir crisis personales y emociones a flor de piel, en una lucha entre las apariencias de la corrección y la necesidad de bajar al barro. 

Lo que prometía ser una tranquila escapada para acompañar a Lila durante el duelo por su ruptura emocional, pronto se convierte en una sucesión de decisiones imprevisibles, de imprudencias y disparates que conducen al caos.  Porque, aunque vivamos en el escaparate de lo políticamente correcto, basta una crisis para convertirnos en animales heridos y cruzar la línea entre lo que está bien y está mal. Y, a veces, es el golpe bajo que necesitamos para sentirnos con la impunidad necesaria para dejar de reprimir los deseos más oscuros y meterse en el barro.

Con un argumento simple y lleno de gags, la obra aparentemente, no cuenta nada relevante, pero, vista entre líneas, nos habla de la amistad, de la necesidad de “soltarse la melena” y de lo importante de no “encajonarse” en uno mismo.

Tres grandes actrices para una enorme comedia.

A mí me encantó: fue una sesión de risoterapia.

La podemos ver, toda la temporada, en el Teatro Maravillas.

https://www.youtube.com/watch?v=AJnIX7fAu50

Ficha artística:

• Autor - Javier Daulte

• Dirección - Marta Poveda

• Intérpretes - Eva Ugarte Nuria, Angy Fernández Lila, Marta Poveda Fabi

• Producción ejecutiva - Verteatro

• Dirección de producción - Carlos Larrañaga

• Diseño de escenografía - Enric Planas Con la colaboración de Bulthaup

• Diseño de iluminación - David González

• Diseño de vestuario - Pablo Alcándara

• Ayudante de dirección - Rocío Peláez

• Ayudante de producción - Beatriz Díaz

• Dirección técnica - David González

• Gerencia y regiduría - Sabela Alvarado

• Construcción de escenografía - Mambo Decorados

• Diseño gráfico - Hawork Studio

• Comunicación y prensa - La Cultura a Escena – Ángel Galán

• Producción - VERTEATRO · SMEDIA · FOCUS · BITÓ PRODUCCIONES · SECUENCIA 3

Acerca del mal trabajo y la soledad

Victoria Szpunberg representa “El imperativo categórico”, una comedia negra sobre la precariedad laboral y la soledad, tan de actualidad, hoy día. Ya, en el Teatro de La Abadía.

Victoria Szpunberg representa en castellano y en Teatro de La Abadía, “El imperativo categórico”, una comedia negra con tintes sociales y filosóficos que reflexiona sobre la precariedad laboral, la crisis de la vivienda y la soledad moderna. Una obra protagonizada por Sandra Monclús y Xavi Sáez bajo la dirección de la propia Victoria Szpunberg.

La protagonista es Clara G., una profesora asociada de ética que, pasados los 50 años, atraviesa una tormenta vital: se ha separado, no logra una plaza fija en la universidad y está a punto de perder su casa. A medida que se hunde en la precariedad, empieza a sufrir extraños desmayos y pensamientos oscuros. Su brújula moral se tambalea hasta que un hallazgo tan cotidiano como inquietante, un cuchillo de cocina afilado, abre un giro inesperado: ¿cómo se sostiene la ética cuando el sistema te abandona?

La obra, cargada de humor negro y sensibilidad, ofrece un retrato de la soledad, la degradación laboral y las tensiones entre principios morales y supervivencia. Szpunberg consigue poner en jaque el supuesto confort del espectador con una propuesta que mezcla ternura, ironía y una crítica feroz al sistema.

La pieza ha sido ganadora de múltiples premios y reconocimientos entre los que destacan: el Premio de Teatro Memorial Margarida Xirgu a la Mejor actriz para Ágata Roca, el Premio especial del jurado Teatre Barcelona 2024, el Premio Butaca 2024 al Mejor texto, el Premio de la Crítica 2024 al Mejor texto, Mejor actriz y Mejor escenografía o el Premio Ciudad de Barcelona 2024 de Artes Escénicas para Victoria Szpunberg.

Nacida en Buenos Aires (Argentina) en 1973, Victoria Szpunberg es una licenciada en Dramaturgia y Dirección en el Institut del Teatre de Barcelona con un Máster en Estudios Teatrales de la Universidad Autónoma de Barcelona. Es hija del poeta argentino Alberto Szpunberg, exiliado en España tras el golpe de estado en Argentina de 1976. En sus montajes suele tratar temas políticos y sociales contemporáneos y entre sus producciones destacan “Amor mundi”, “Balena blava”, “Boys don’t cry” o “La marca preferida de les germanes Clausman”.

¡De gran interés...!

La podemos ver, hasta el 4 de octubre, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=LKX4f0ym5k4

Una comedia para olvidar los problemas

La gran actriz cómica española Marisol Ayuso participa en la alocada comedia “La madre que me parió”, del solvente dramaturgo y director escénico Gabriel Olivares sobre las relaciones madre-hija y que, ahora, celebra su ¡novena temporada en cartel! Ya, en el Teatro Lara. 

La divertida comedia escrita por Ana Rivas y Helen Morales sobre las relaciones madre-hija, “La madre que me parió”, regresa a la Sala Cándido Lara del Teatro Lara. Una obra dirigida por Gabriel Olivares que examina el mayor temor de las mujeres y que ahora celebra su novena y última temporada en cartel después de haber reúnido a más de 600 000 espectadores.

Una comedia de enredo, donde madres e hijas se ven reflejadas. Tres mujeres acuden a la boda de una amiga de la infancia acompañadas de sus madres y se desvelan secretos, ya que no hay nada que sane más que compartirlos con tus amigas. La peor pesadilla no es la aparición de arrugas, la retención de líquidos o el descolgamiento… sino acabar pareciéndose cada vez más a su propia madre.

Ver cómo poco a poco se van adaptando sin quererlo las manías, las formas de hablar y la apariencia de su progenitora es una idea aterradora, sobre todo para la protagonista de la obra.  

La ví la temporada pasada y he de decir que, pese a que, en general, es una obra con un humor ramplón y muy de los sesenta y setenta, tiene escenas que me hicieron desternillarme, sobre todo, en las que participa la gran Ayuso. El resto del elenco, también bien.

Para olvidar penas...que no es poco...

La podemos ver, hasta el 10 de enero del año que viene, en el Teatro Lara.

https://www.youtube.com/shorts/tQwBC0xUWHo

Performance sobre la contradicción actual

El dramaturgo Rodrigo García estrena, en el Centro Cultural Conde Duque, “Están jodidos. Dicen que se alegra”, una performance sobre un mundo desbordado por la contradicción.

El dramaturgo Rodrigo García (“Rey Lear”, “Jardinería humana”) estrena “Están jodidos. Dicen que se alegra” en el centro cultural Conde Duque una performance de carácter poético y fragmentario con música en directo, vídeos y esculturas que retrata un mundo desbordado por la saturación, el ruido y la contradicción.

Nacido en Buenos Aires (Argentina), en 1964, García es uno de los dramaturgos y directores más influyentes del cambio de siglo en la escena contemporánea española e internacional. Afincado desde joven en Madrid, su trayectoria artística se caracteriza por una constante búsqueda de nuevos lenguajes escénicos que desbordan los límites del teatro tradicional.

Entre sus obras iniciales destacan “Acera Derecha” (1989), “Prometeo” (1992) y “Notas de cocina” (1995), piezas en las que comienza a perfilarse su interés por una escritura escénica no convencional, marcada por la ironía y la crítica a la sociedad moderna. En esta etapa funda su propia compañía, La Carnicería, con la que dirige personalmente sus montajes, consolidando un estilo autoral muy definido.

Desde sus primeras puestas en escena evidencia su conexión con otras disciplinas artísticas, especialmente las artes visuales y la instalación, así como su interés por la música, la canción y la gestualidad como elementos fundamentales de la composición teatral. Además, el texto no funciona como único eje narrativo, sino como parte de una “partitura” física y sensorial construida a partir del cuerpo del actor y la energía del escenario.

Después llegaron producciones también relevantes, pero de otro cariz, como “Aftersun”, “Compré una pala en Ikea para cavar mi tumba” o “La historia de Ronald MacDonald’s”.

Su teatro, incómodo y poético a la vez, se caracteriza por la mezcla de humor negro, crítica social, desbordamiento formal y una fuerte carga visual y física, que lo sitúan como un referente imprescindible del teatro europeo actual.

¡Imprescindible!

La podremos ver, del 24, al 27 del presente, en el Centro Cultural Conde Duque.

Novedosa versión de “El Caballero de Olmedo”

“El Caballero de Olmedo”, de Lope de Vega, es, ahora, una adaptación de la actriz-directora Laila Ripoll de uno de los textos más hermosamente poéticos de nuestro Siglo de Oro. La fatalidad es la protagonista de esta trágica y poética obra. En breve, en el Teatro de la Comedia.

La nueva temporada del Teatro de la Comedia nos ofrece, en primer lugar, una adaptación de “El Caballero de Olmedo”, de Lope de Vega, en una adaptación de la actriz-directora Laila Ripoll. Se trata de uno de los textos más hermosamente poéticos de nuestro Siglo de Oro.

Estrenada en 1620, los espectadores acudían a una especie de crónica de una muerte anunciada en la que, desde el inicio, conocían más que los personajes mismos, por lo que esa suerte de fatalidad, de destino terrible e inexorable, generaba una profunda inquietud.

Lo que se inicia como un cuento amable, una aparentemente previsible historia de amor, con sus lances, su criado gracioso, sus divertidos engaños y disfraces, poco a poco se va enturbiando hasta convertirse en un angustioso y siniestro cuento de miedo. Pero nosotros, el público, eso ya lo sabíamos.

Más de cuatrocientos años después los espectadores continuamos siendo cómplices, continuamos compartiendo un secreto en el que está encerrado el destino de los personajes, pero también conocemos muchas más cosas que en 1620 estaban por suceder. ¿Cómo no volver a Olmedo con todo ese arsenal de conocimiento contemporáneo?

La podremos ver, desde el próximo día 24 del presente, hasta el 22 de noviembre, en el Teatro de la Comedia.

https://www.youtube.com/watch?v=FzJqbNB4vHk

¡Recuperarse de una enfermedad!

El director Pablo Messiez “Las criadas”) adapta “Personas, lugares y cosas”, una obra de Duncan Macmillan sobre un viaje emocional y físico acerca de la recuperación, el dolor y el deseo de sanar. Ya, en el Teatro Español.

La adaptación de la obra del dramaturgo británico Duncan Macmillan por parte del prestigioso director Pablo Messiez regresa de nuevo al Teatro Españoll de la mano de la obra “Personas, lugares y cosas”. Un montaje donde se vislumbra un viaje emocional y físico hacia la recuperación, en el que el dolor, la responsabilidad y el deseo de sanar conviven constantemente.

Conocido por otros espectáculos de tanto éxito, como “Las criadas”, “La verbena de la paloma”, “Los días felices” o “La voluntad de creer”, Messiez propone una puesta en escena mediante una inmersión sensorial en la subjetividad de Emma, una actriz que colapsa durante una función de “La gaviota”, mientras está bajo los efectos de las drogas.

Este desvanecimiento marca el inicio de su proceso de desintoxicación en una clínica, donde se enfrenta no solo a su adicción, sino también a sus traumas, las heridas del pasado y la necesidad de reconstruirse. De este modo, se brinda una producción dramatúrgica que sumerge al público en la percepción alterada y vulnerable de Emma.

Pero el montaje no juzga ni simplifica la experiencia de la adicción, ya que plantea preguntas sobre cómo gestionamos el dolor, el placer y el deseo de vivir. Con referencias a la tragedia griega, el teatro como metáfora de la existencia y un enfoque ético más que moralista, la obra apuesta por la escucha, el acompañamiento y la posibilidad de elegir la vida, aún en medio del caos.

¡Absolutamente, imprescindible”...

La podremos ver, hasta el 18 de octubre, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/shorts/67H_JfR0Ln0

Un espectáculo de clown especial

La compañía Julián y Pendorcho representa “El Circo del Señor Julián”, un espectáculo de clown y magia cómica para toda la familia, que combina teatro, circo, clown y magia cómica. Pronto, en el Teatro Circo Price.

Dentro del ciclo del “Mes del payaso”, el Teatro Circo Price nos ofrece dos funciones de un espectáculo familiar que combina teatro, circo, clown y magia cómica del conjunto Julián y Pendorcho.

La historia arranca el día de la gran función. Pendorcho, un payaso en prácticas, ultima los preparativos para que todo salga según lo previsto. Sin embargo, cuando el Señor Julián está listo para levantar el telón, recibe una inesperada noticia: todos los artistas de la compañía, incluida Beba, la gran estrella del espectáculo, se han marchado.

A partir de ese momento, ambos tendrán que improvisar y enfrentarse al reto de sacar adelante la obra ellos solos, dando lugar a una sucesión de situaciones disparatadas que harán reír tanto a pequeños como a mayores.

Detrás de la propuesta se encuentra la agrupación de Julián y Pendorcho, fundada en 2020. Con raíces argentinas y afincada en España, está integrada por dos artistas que acumulan más de tres décadas de formación y experiencia en teatro, circo y clown. Su sello distintivo es la creación de montajes que fusionan las disciplinas circenses, la magia y una narrativa cercana y dinámica, capaz de mantener la atención del público de principio a fin.

Inspirados en la estética de los payasos clásicos, sus personajes rinden homenaje a la tradición del circo de toda la vida, incorporando al mismo tiempo un lenguaje escénico actual, con referencias contemporáneas y un ritmo ágil que convierte cada representación en una propuesta fresca, participativa y cargada de emoción.

Lo podremos ver, los días 26 y 27 de este mes, en el Teatro Circo Price.

https://www.youtube.com/watch?v=lUnaX0mE6VY