El Teatro como inclusión

La directora escénica Ángela Ibáñez Castaño dirige “Grito, boda y sangre”, una obra que reivindica el teatro como espacio inclusivo. Pronto, en el Teatro María Guerrero.

La directora escénica Ángela Ibáñez Castaño dirige “Grito, boa y sangre”, un espectáculo poético que reinterpreta a Lorca para reivindicar la diversidad y el teatro como espacio inclusivo. Un montaje que acoge la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero del 23 de enero al 1 de marzo, de martes a domingos. Todas las funciones son accesibles y cuentan con audio-descripción (AD).

El montaje une palabra y lengua de signos para rendir homenaje a Federico García Lorca y, al mismo tiempo, apoyar la inclusión de la comunidad sorda en el ámbito escénico. La pieza cuenta la historia de dos adolescentes sordas que, al quedarse solas mientras sus compañeros asisten a una función no accesible, improvisan con textos de Bodas de sangre. Lo que comienza como un juego se transforma en un viaje poético y onírico, donde el deseo, la pérdida y la fuerza de la juventud truncada se hacen presentes.

Con un lenguaje visual innovador, la puesta en escena propone mucho más que un ejercicio de accesibilidad: está concebida desde la lengua de signos, lo que impregna la dramaturgia de una energía singular. Teatro, danza signada, máscaras, títeres y música en directo se entrelazan en una experiencia sensorial que invita tanto a oyentes como a personas sordas a compartir la misma emoción, cada cual desde sus códigos.

Así, la producción no solo ofrece una nueva mirada sobre Lorca, sino que también plantea una reflexión urgente sobre el derecho a imaginar posibles futuros desde la diferencia.

Una muy interesante propuesta y de meta-teatro.

La podremos ver, del 23 de enero, al primero de marzo, en el Teatro María Guerrero. 

Los vínculos de la cultura española

La compañía Strad & Cía nos ofrece, en el Teatro Gran Vía, “Raíces”, un espectáculo que utiliza la música y el teatro para explorar los vínculos culturales de España.

La historia del espectáculo “Raíces” comienza en una casa gallega, donde los músicos descubren las cartas y grabaciones de Lucy Bernhardt, una enigmática bióloga que en 1931 viajó por el país estudiando árboles y culturas. De este modo, su voz se convierte en el hilo conductor de una travesía que despierta memorias y paisajes sonoros.

A través de los lugares que Lucy visitó (Galicia, Andalucía, Aragón o el País Vasco), la propuesta despliega una mezcla de géneros que va de los sonidos celtas al flamenco, de ritmos mediterráneos al rock. Cada parada del recorrido se transforma en una escena musical que celebra las diversas identidades del territorio. Incluso el arte y la historia toman presencia, con ecos del surrealismo de Dalí y tradiciones populares como las jotas aragonesas.

Con un fuerte componente emotivo y humorístico, la obra utiliza la metáfora del árbol (sus profundas raíces y ramas abiertas) para recordar la importancia de la conexión entre las personas, los lugares y el folclore. El resultado es un homenaje a la creación y a la esperanza, una invitación a volver al origen y a escuchar a la tierra que habitamos.

La podremos ver, los días 18 y 25 de enero, en el Teatro Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=0aDk-JTQg38

Homenaje al Corral de la Morería

Carlos Rodríguez Madrid Flamenco Company estrena, en Madrid, una obra que homenajea al mítico Corral de la Morería en su 70º aniversario. Es el tablao flamenco más famoso del mundo y se encuentra en Las Vistillas- Madrid. En breve, en los Teatros del Canal. 

Los Teatros del Canal realizarán el estreno absoluto del nuevo proyecto del bailarín y coreógrafo Carlos Rodríguez, que rinde homenaje a uno de los templos más importantes del flamenco, el Corral de la Morería, que, este año, celebra su 70º aniversario.

La propuesta, que supone la segunda producción de su compañía, Carlos Rodríguez Ballet Flamenco Company, reúne a un elenco de destacados bailarines y músicos formados en diferentes disciplinas con el objetivo de mostrar la riqueza y versatilidad de las nuevas generaciones de intérpretes de la danza española y el flamenco.

El montaje, de carácter conceptual, se inspira en la historia del mítico tablao madrileño. A través de coreografías y escenas flamencas recrea momentos icónicos de la casa y evoca la memoria de las grandes figuras que han pasado por su escenario, consolidando al Corral de la Morería como un referente cultural y artístico de alcance mundial. La pieza busca así rendir tributo a una institución que ha marcado el rumbo del flamenco y que continúa siendo un espacio esencial para la creación y la tradición.

Nacido en Madrid, en 1975, Carlos Rodríguez es un bailarín y coreógrafo especializado en danza española y flamenco. Inició su formación desde niño y a los 13 años alcanzó la final en las pruebas de acceso al Ballet Nacional de España, lo que marcó el comienzo de una prolífica carrera. Ha sido solista en destacadas compañías como el Ballet Teatro Español bajo la dirección de Rafael Aguilar, el Ballet Español de Madrid o el Ballet Zambra.

En 1995 cofundó con Ángel Rojas la pionera Nuevo Ballet Español, luego renombrada como Rojas y Rodríguez Compañía, con la que ha explorado un flamenco alejado de la tradición pura, fusionándolo con otras disciplinas contemporáneas. Durante décadas, ha creado y estrenado espectáculos como Infierno S.L., Sangre flamenca, Flamenco Directo, Alma, Cambio de tercio y Romeo y Julieta, entre otros. Su trayectoria ha sido reconocida con prestigiosos premios como la Medalla de las Artes de la Comunidad de Madrid, el Premio Villa de Madrid al Mejor Intérprete de Danza y el Premio Pilar López.

Lo podremos ver, del 16, al 18 de enero, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=A10gM1R9Aw8&list=RDA10gM1R9Aw8&start_radio=1

 

¡Ay, el Ego..!

Juan Ceacero e Isabelle Stoffel representan “Una forma de vida”, una adaptación teatral de la novela de Amélie Nothomb. Ya, en el Teatro de La Abadía.

Juan Ceacero e Isabelle Stoffel representan “Una forma de vida”, en el Teatro de La Abadía. Se trata de una adaptación de la novela homónima de la escritora belga Amélie Nothomb.

Estamos frente a un inquietante diálogo sobre el ego, la obsesión, el cuerpo como campo de batalla y el poder (y peligro) de la ficción. La obra plantea un juego de espejos entre narradora y personaje, entre la realidad y la fabulación.

Todo comienza con una carta: un soldado estadounidense en Irak, Melvin Mapple, escribe a Nothomb para confesarle su particular “adicción de guerra”: comer compulsivamente. Su obesidad no es solo un síntoma, sino una forma de arte, una respuesta radical al horror. A través de esta correspondencia se traza un vínculo intenso y perturbador donde la autora se ve atrapada entre el deseo de entender y el riesgo de ser absorbida por la historia de su interlocutor.

En escena, el cuerpo se transforma en el territorio simbólico y central. La creación de Melvin no es literaria, sino carnal: su grasa como la escultura de su dolor. La propuesta se convierte así en una metáfora acerca del proceso artístico, donde la identidad es un artefacto narrativo y el exceso es una manera de existencia. Como una Sherezade contemporánea, Melvin necesita seguir relatando su historia para no morir y Amélie, como un reflejo de Frankenstein, da vida a una criatura que también la desborda.

De tal modo, la pieza sitúa al espectador ante temas tan actuales como el aislamiento, la obsesión con el cuerpo y la necesidad desesperada de ser escuchado. Una velada literaria, filosófica y emocional que cuestiona la autenticidad, la creación artística y el sufrimiento como modo de resistencia.

La podemos ver, hasta el 25 de enero, en Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=KxG7Hk4bvi0

Versión actual de “La Regenta”

La compañía Aedo Teatro interpreta una adaptación del clásico “La Regenta”, de Leopoldo Alas “Clarín”, acerca de la libertad de la mujer en el siglo XIX. Ya, en el Teatro Serrano.

La compañía Aedo Teatro representa los sábados, en el Teatro Serrano, una adaptación contemporánea del clásico “La Regenta”, de Leopoldo Alas Clarín, para reflexionar sobre cómo y cuánto ha cambiado la condición y el papel de la mujer, tomando como punto de partida su libertad, en el siglo XIX.

La función traslada al espectador al corazón de Vetusta, la ciudad ficticia donde transcurre la novela, mediante una puesta en escena actual, elegante y visualmente impactante. Proyecciones y espacios escenográficos en constante transformación convierten el teatro en un reflejo de esa sociedad dominada por las apariencias, el control moral y la hipocresía colectiva. En este contexto cobran nueva fuerza los grandes temas de la pieza: las pasiones prohibidas, los celos, las tensiones de poder y la asfixia social.

El montaje introduce un elemento especialmente significativo: la voz femenina moderna a través de testimonios reales de mujeres de la tercera edad. Así, la propuesta establece un diálogo directo entre el siglo XIX y nuestro tiempo. Sus recuerdos, vivencias y reflexiones iluminan la figura del personaje de Ana Ozores desde nuevas perspectivas y plantean una pregunta incómoda y necesaria: ¿ha cambiado realmente la condición de la mujer?

Este cruce entre literatura, memoria y presente convierte la producción en una velada conmovedora que conserva la ironía y la profundidad psicológica de la novela original, al tiempo que la acerca al público actual.

¡Imprescindible!

La podremos ver, los sábados, hasta el 7 de febrero, en Teatro Serrano.

https://www.youtube.com/watch?v=6DsxXu5ol80

Nueva versión de “La Celestina”

El Aedo Teatro produce una adaptación contemporánea del clásico “La Celestina”,de Fernando de Rojas, sobre el papel de la mujer en la Edad Media. En breve, en el Teatro Serrano.

La compañía El Aedo Teatro produce una adaptación contemporánea del clásico “La Celestina”, de Fernando de Rojas, que pone el foco en el papel de la mujer en la Edad Media. Pronto, en el Teatro Serrano.

Escrita y dirigida por Jesús Torres, la función parte del respeto a la original, pero introduce un giro significativo: Elicia, criada de la célebre alcahueta, se convierte en la narradora y guía del público. Desde su mirada, se recorre no solo la trágica historia de amor que vertebra la obra, sino también el contexto moral, literario y social que rodea a sus personajes. Esta elección permite un acercamiento más íntimo a un texto fundamental de la literatura española.

Publicada a finales del siglo XV, “La Celestina” narra el amor obsesivo de Calixto, un joven noble, por Melibea, dama de alta posición social. Ante el rechazo inicial de la muchacha, Calixto recurre a Celestina, una vieja alcahueta astuta y manipuladora que, movida por el interés económico, teje una red de engaños con la ayuda de los criados del joven.

La intervención de Celestina desencadena una cadena de pasiones descontroladas, traiciones y ambiciones que desembocan en la muerte de la alcahueta, el castigo de los criados y, finalmente, en el fatal final de los amantes. Así, las obra se erige como una feroz crítica a la corrupción moral, al poder del dinero y a los excesos del deseo humano.

El montaje de El Aedo profundiza en la condición femenina a través de los distintos arquetipos presentes en la pieza: la doncella, la bruja, la criada y la mujer marginal. Con ello, se propone una reflexión sobre la libertad, la pasión y la exclusión social de las mujeres en la Edad Media, estableciendo resonancias claras con problemáticas modernas. Además, la dramaturgia se enriquece con la incorporación de versos de autoras como Sor Juana Inés de la Cruz y María de Zayas, que amplían el marco poético y crean delicados puentes entre épocas, sensibilidades y luchas compartidas.

¡Absolutamente imprescindible..!

La podremos ver, del 17 de enero, al 14 de febrero, en el Teatro Serrano.

https://www.youtube.com/watch?v=GbWOs_vGdJM

¡Llegan los cisnes de Tchaikovsky danzando sin parar!

La compañía Ballet de Kiev representa el ballet clásico “El Lago de los Cisnes”, de Tchaikovsky, considerado uno de los más hermosos e icónicos de todos los tiempos y que cuenta la historia de una leyenda por el que una princesa amada de un príncipe se convierte en cisne por el hechizo de un brujo. Pronto, en el Teatro Lope de Vega.

El Ballet de Kiev recorre los escenarios más prestigiosos de España para representar el ballet clásico más conocido de todos los tiempos, “El Lago de los Cisnes”, de Tchaikovsky, considerado como uno de los más hermosos e icónicos de la Historia de la danza. Lo podremos ver, pronto, en el Teatro Lope de Vega.

Esta producción de alta calidad combina técnica, gracia y emoción. La belleza del escenario, los trajes y la música envuelven a los espectadores en un mundo de fantasía. El ballet de “El Lago de los Cisnes” relata la historia de amor entre el príncipe Sigfrido y la princesa Odette, quien ha sido transformada en cisne por el malvado hechicero Rothbart. La obra presenta una serie de escenas románticas y dramáticas, incluyendo un tercer acto en el que se desata una feroz batalla entre Sigfrido y Rothbart.

La música en vivo es una parte muy importante del espectáculo la cual es interpretada por una orquesta de músicos que llena el teatro con su sonido emocionante. La música cuenta con temas melancólicos y emotivos que se quedan en la mente del espectador.

El Ballet de Kiev tiene su sede en el Centro Internacional de Cultura y Artes de Kiev, Ucrania. A lo largo de los últimos años han visitado gran parte del mundo representando los principales títulos clásicos, así como coreografías originales. Montajes de danza clásica tan relevantes como “El Lago de los Cisnes”, “El Cascanueces”, “La bella Durmiente”, “Don Quixote”, “Giselle”, “Carmen” o “Scheherazade” son parte de su repertorio habitual...

Lo podremos ver los días 2, 7, 8, 16, 21 y 22 de febrero de 2026.

https://www.youtube.com/watch?v=wOklsIcd9hk