De catarsis y otras cosas dolorosas

"Taxidermia de una alondra" es una obra que nos habla de la catarsis y de lo necesaria que resulta para nuestras vidas. También habla de cuándo una historia deja de doler y, entonces, puede representarse. Creada y dirigida por Iván López-Ortega. Ya, en la sala El Umbral de Primavera.

¿Por qué disfrutamos tanto consumiendo tragedias? ¿Porque nos parece hermoso? ¿Porque se erige como herramienta útil para alcanzar nuestros deseos? ¿Qué hay en las ficciones catastróficas que nos resulta apasionante? La taxidermia es el oficio de conservar animales muertos con apariencia de vida. Un recuerdo de lo que fue, ahora embalsamado tras un cristal. La comodidad del museo. Acercarse sin implicarse, conmoverse sin ensuciarse. Mirar lo muerto para sentirse a salvo, observar el desastre para confirmar que seguimos intactos. Pero, ¿nos basta vivirlo desde la distancia? ¿Nos sigue saciando la catarsis?

“Taxidermia de una alondra” es una historia real disecada, revivida en escena. ¿Quién decide cuándo una historia deja de doler y puede representarse? ¿Dónde termina la empatía y comienza el placer de mirar? ¿Sentimos el dolor tan ajeno que nos atrae? ¿Qué revela de nosotros el deseo de ser testigos o protagonistas de lo trágico? ¿Necesitamos una gran debacle que nos transforme? Con Macarena Sanz e Iván López-Ortega, en la sala El Umbral de Primavera.

La crítica ha dicho de esta obra lo siguiente: "Lúdicos, vacilones e insensatos, se toman todo tan en serio como para no  poder evitar que les supuren y desborden todo tipo de humores, tan contagiosos como irresistibles, que no queda nadie en la sala que no se  apunte a participar del festín como cómplice, camarada o simple secuaz, mientras la función se vuelve  elástica y audaz, febril y honrada, exacta y ceremonial, tan importante y tan verdadera como solo son, como solo pueden serlo, los juegos porqué si , los amores a ciegas y todas esas cosas que son exclusivas de niños y niñas y hacen que el escenario se convierta en el patio del recreo o en el patio de mi casa ( que es particular)." (Luis de Luis. Prensa social).

La podemos ver, hasta el 12 de diciembre, en Umbral de Primavera.

Los Morancos vuelven con su ¿sentido común?

El mundo atraviesa uno de sus momentos más críticos y ¡alguien tiene q tomar las riendas!... ¿imaginamos que fuera Antonia? Los Morancos vuelven a las tablas, ahora, con su nuevo show, “Bota Antonia”, otro divertido despropósito de nuestro dúo cómico más popular. Pronto, en el Teatro Capitol.

Los pilares de la política internacional se tambalean al descubrir la creación por parte de Antonia (el conocido personaje del dúo cómico mega-conocido Los Moreancos, de un nuevo partido político: El “SC” (Sentido Común), creado desde el enfado de nuestra protagonista con los gobernantes actuales y que cala de forma inminente en la sociedad global con un mensaje claro y contundente: “Viviremos en la gloria cuando gobierne la Antonia”.

 Los principales líderes mundiales y nacionales (Trump, Putin, Pedro Sánchez, María Jesús Montero, Milei, Ayuso etc…) harán lo imposible para frustrar las intenciones de nuestra nueva líder política, la cual ingeniará junto a Omaita nuevas fórmulas para salvar todos esos escollos y perfilarse, así, como una seria candidata a gobernar el país.

Cerca de dos horas de espectáculo con “Bota Antonia”, donde la música y el baile de sus nuevas parodias servirán de banda sonora a esta original trama en la que Los Morancos, encarnando nuevos personajes junto a sus personajes de siempre, volverán a conseguir la mayoría absoluta en risas y diversión.

¿Logrará Antonia salvarnos de esta debacle mundial?… De momento y mientras conocemos el desenlace no olviden su esperanzador lema: “Viviremos en la gloria cuando gobierne la Antonia”

Lo podremos ver, desde el próximo 20 de febrero, en el Teatro Capitol.

Comedia familiar con el fútbol de fondo

Los muy conocidos y solventes actores Amparo Larrañaga, Iñaki Miramón, Mar Abascal y Juli Fàbregas protagonizan “Victoria”, una comedia moderna que explora los conflictos familiares a través del fútbol. Ya, a tope en el Teatro Fígaro. 

Los dramaturgos Cristina Clemente y Marc Angelet han escrito y dirigido “Victora”, una comedia contemporánea que explora los conflictos familiares utilizando el fútbol como metáfora de la vida. Protagonizada por Amparo Larrañaga, Iñaki Miramón, Mar Abascal y Juli Fàbregas, la obra ya puede disfrutarse en el Teatro Fígaro.

La función cuenta con un reparto de lujo: los ya clásicos actores de teatro Amparo Larrañagae Iñaki Miramón, junto a Mar Abascal y Juli Fàbregas. Todos ellos narran cómo, durante la final de la Eurocopa entre España y Finlandia, una familia madrileña se reúne frente al televisor para animar a la selección. Sin embargo, el verdadero gol no ocurre en el campo, sino en el salón de la casa: Martín, el hijo adolescente y prometedora figura del fútbol, anuncia que quiere dejar el deporte. Su declaración estalla como una bomba en medio del partido y desencadena un terremoto emocional en sus padres, incapaces de aceptar que su hijo renuncie a una carrera brillante.

Así arranca Victoria, la nueva comedia de los autores de Laponia, que regresan al universo familiar de aquella exitosa pieza para explorar otro tipo de conflicto: el momento en que los hijos comienzan a tomar sus propias decisiones y los padres deben aprender a soltarlos. Si en Laponia la trama giraba en torno a la ilusión infantil y la figura de Papá Noel, aquí el eje es mucho más delicado: el futuro, las expectativas y el miedo a fracasar.

Con la Eurocopa de fondo, el montaje utiliza el fútbol como alegoría de la vida familiar: el juego de las presiones, los reproches y los sueños heredados. Entre el humor y la emoción, la obra plantea una pregunta universal: ¿qué significa realmente triunfar?

Aceptar los errores de nuestros seres queridos es la moraleja de esta comedia, que pude ver, el otro día, invitado por un amigo, y me sorprendió gratamente. Al principio, pensé que sería una “nadería”, pero, poco a poco, la obra va tomando cuerpo y termina muy bien. Y de los actores, ni que decir tiene. Pero, claro, están bien dirigidos.

En cuanto al texto, comercial y bueno: No todo lo comercial ha de ser malo por antonomasia...

La podemos ver, hasta el 21 de diciembre, en el Teatro Fígaro.

https://www.youtube.com/watch?v=uF0mUoOuux8

Ficha artística:

• Autoría y dirección - Cristina Clemente y Marc Angelet

• Reparto - Amparo Larrañaga, Iñaki Miramón, Mar Abascal y Juli Fàbregas

• Colaboración especial - Juanma Cueto e Israel Herraiz

• Producción ejecutiva - Verteatro

• Dirección de producción - Carlos Larrañaga

• Diseño escenografía - Anna Tusell

• Diseño iluminación - David González

• Diseño sonido - Manuel Solís

• Diseño vestuario - Ángel Plana

• Ayudante de dirección - Elena Mateo

• Ayudante de producción - Beatriz Díaz

• Dirección técnica - David González

• Construcción escenografía - Mambo Decorados

• Prensa - La Cultura a Escena – Ángel Galán

• Fotografía - David Ruano

• Vídeo y fotografía de escena - Nacho Peña

• Diseño gráfico - Hawork Studio

• Gerencia y regiduría - Ángel Plana

• Agradecimientos - A.D.

Los cómicos de Yllana y la gastronomía

La compañía Yllana ofrece, a través de su conocido espectáculo “Chefs”, una divertida mirada sobre el fascinante mundo de la gastronomía. Desde mañana, en el nuevo Teatro Serrano.

La compañía cómico-gestual Yllana vuelve con su espectáculo cómico-gastronómico “Chefs”, una producción hilarante donde los gags y el humor absurdo completan una obra que, en esta ocasión, se ríe de la gastronomía y la llamada “nui cuisin”. Un montaje que ahora llega al relativamente nuevo Teatro Serrano.

Argumento: Un cocinero de gran prestigio pierde su inspiración y se ve en la necesidad de respaldarse en su estrafalario equipo de cocina para que diseñe una nueva y revolucionaria receta con la que mantener intactas las estrellas de su restaurante.

Estructurada en varios esketches, el grupo cómico repasa de forma disparatada los diferentes sabores del mundo, los egos de los nuevos profesionales de la cocina moderna y las diferentes etapas de la comida que llega a las mesas.

Lo podemos ver, los días 22 de noviembre, 19, 20 y 26 de diciembre y 3, 10 y 31 de enero, en el Teatro Serrano.

https://www.youtube.com/watch?v=o62TxFlJCB4

Recordando a nuestras maestras de antaño

La directora Raquel Alarcón dirige, “Historia de una maestra”, una versión de la obra de la escritora y pedagoga española Josefina Aldecoa que homenajea a las antiguas maestras. En breve, en el Teatro Valle-Inclán.

Raquel Alarcón (“Daniela Astor y la caja negra” o “Sueños y visiones de Rodrigo Rato”) dirige, en el Teatro Valle-Inclán, un homenaje a las maestras de la Segunda República y sus años previos adaptando a las tablas la novela homónima de Josefina Aldecoa. ¿La obra en cuestión..?: “Historia de una maestra”.

Con la versión de Aurora Parrilla, la pieza recorre la vida de Gabriela, una maestra que llevó la pasión por el aprendizaje a escuelas rurales y a Guinea Ecuatorial, que soñó con una España más libre durante la Segunda República y que sufrió después la represión de la Guerra Civil. Ese testigo lo recogió su hija Josefina, quien en plena dictadura franquista fundó el Colegio Estilo en Madrid, inspirado en la Institución Libre de Enseñanza, como un gesto de resistencia cultural y pedagógica.

Más allá de la biografía familiar, el montaje se convierte en un relato coral sobre miles de niños, profesoras y escuelas que lucharon contra la ignorancia con libros, música, poesía y cultura. Un pasado que interpela al presente: en un mundo donde aún persisten conflictos armados, la educación sigue siendo una alternativa real frente a la violencia.

El espectáculo se construye sobre una frase que atraviesa toda la obra: “Solo a través de la educación se puede transformar una sociedad”. Ese eco, nacido en la voz de una maestra republicana, llega hoy como un grito de esperanza, invitando al público a creer de nuevo en el poder transformador de la enseñanza.

En definitiva, una original e interesante obra que homenajea a un colectivo fundamental en nuestra educación del que, casi nunca, nadie, por desgracia, se acuerda...

La podemos ver, desde el próximo día 21 del presente, hasta el primero de enero, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=N9-XIm2y0Rc

Homenaje a la España rural

La directora escénica Ana Contreras dirige “Aromas de soledad”, un texto de Raúl Losánez basado en la poesía de José María Gabriel y Galán sobre el mundo rural. Desde mañana, en el Teatro Fernán Gómez.  

La reputada directora escénica Ana Contreras (“Esta divina prisión”) dirige “Aromas de soledad”, un texto de Raúl Losánez basado en la poesía de José María Gabriel y Galán como homenaje a la España vaciada y al mundo rural. Desde mañana, podemos disfrutar de esta justa e interesante obra en el Teatro Fernán Gómez.

Con la participación de los actores Lola Casamayor, Jesús Noguero y Nacho Vera, la función convierte esos poemas en un viaje escénico que, más allá de su valor literario, se erige en un discurso sobre la vida sencilla, espiritual y en comunión con la tierra. Desde Castilla y Extremadura hasta los escenarios de hoy, el montaje rescata la memoria de un autor que supo captar como pocos el alma del campo y lo proyecta hacia una reflexión actual sobre el abandono de lo rural en el presente.

José María Gabriel y Galán (1870-1905) fue uno de los poetas más leídos por las clases humildes de su tiempo y cuya obra sigue resonando como un reflejo de la vida campesina y la relación íntima con la naturaleza. Nacido en Frades de la Sierra (Salamanca), en el seno de una familia de labradores y ganaderos, Gabriel y Galán alcanzó gran popularidad antes de fallecer prematuramente a los 34 años. Escritores como Miguel de Unamuno y Emilia Pardo Bazán reconocieron su talento, destacando la capacidad de su poesía para conmover al pueblo llano y dar voz a quienes, a menudo analfabetos, memorizaban y recitaban sus versos durante décadas.

La podemos ver, del 20 de noviembre, al 7 de diciembre, en el Teatro Fernán Gómez.

Un “Lago de los cisnes” alternativo

Uno de los coreógrafos más respetados del Reino Unido, Matthew Bourne, propone una versión alternativa del clásico ballet de Chaikovski “ El lago de los cisnes”. Ya, en el Teatro Real.

Matthew Bourne, uno de los coreógrafos más respetados del Reino Unido, representa, “El lago de los cisnes. La nueva generación”, en el Teatro Real, y en una versión alternativa del clásico ballet de Piotr Ilich Chaikovski.

Con su compañía de danza, New Adventures, Bourne actualiza esta función con la intención de conectar con una nueva generación de bailarines y público. Así, representa a los cisnes con un cuerpo masculino de ballet con el torso desnudo, lo que subvierte uno de los iconos del ballet blanc, al tiempo que reescribe el mito en clave de deseo y liberación.

En esta adaptación el protagonista es un príncipe reprimido y solitario, atrapado en un ambiente frío y controlado por una madre distante, la reina. En lugar de enamorarse de una princesa cisne, se ve fascinado por un cisne masculino, símbolo de libertad y autodescubrimiento. El cisne tiene un doble rol: también es el Cisne Negro/Seducción, una figura oscura y ambigua que lo confronta emocional y sexualmente. Al final, la historia no va sobre romper un hechizo mágico, sino sobre un viaje psicológico interno. Con ello se genera una tragedia acerca de la represión sentimental, la búsqueda del amor auténtico y la imposibilidad de escapar del propio dolor.

Nacido en Londres (Reino Unido) en 1960, Matthew Bourne es un coreógrafo y director conocido por reinventar clásicos del ballet y el teatro musical con un enfoque contemporáneo y provocador. Comenzó su formación en la danza a los 22 años en el Laban Centre y en 1987 fundó su propia agrupación: Adventures in Motion Pictures, más tarde renombrada como New Adventures. Alcanzó la fama internacional con su versión de El lago de los cisnes en 1995. Desde entonces ha desarrollado adaptaciones innovadoras de obras como La Bella Durmiente, Cenicienta, El Cascanueces y Romeo y Julieta, siempre con una mirada original y psicológica.

Lo podemos ver, hasta el próximo día 22 de este mes, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=VZnHrmrLa-Q