¡Ay, la vida en pareja..!

Los archi-populares actores Imanol Arias y María Barranco protagonizan “Mejor, no decirlo”, una comedia que explora los secretos y las verdades dentro de la vida en pareja. Ya, en el Teatro Bellas Artes.

Los mega-populares y mediáticos actores Imanol Arias y María Barranco protagonizan “Mejor, no decirlo”,  una comedia de Salomé Lelouch bajo la dirección de Claudio Tolcachir, que explora los secretos y las verdades dentro de la vida en pareja. Ya lo podemos ver en el Teatro Bellas Artes.

Tras su éxito en Buenos Aires (Argentina) y su gira con funciones agotadas en Uruguay, Chile y Paraguay, ya tenemos, en Madrid, “Mejor, no decirlo”, una obra escrita por la guionista francesa Salomé Lelouch (“Políticamente correcto”) y bajo la dirección de Claudio Tolcachir (“Copenhague”, “La omisión de la familia Coleman” o “La Mentira”).

La trama presenta a un matrimonio con muchos años de convivencia a sus espaldas, cuya fórmula de éxito ha sido siempre saber cuándo hablar y cuándo callar. Pero la situación da un giro en el momento en que ambos deciden plantearse qué ocurriría si, por una vez, se dijeran todo... absolutamente todo. El resultado es una comedia irónica en la que el público puede verse reflejado con facilidad. Así, se abren de par en par las puertas de lo que siempre pensamos que es mejor no mencionar.

De este modo,el texto propone un juego escénico estimulante y dinámico, donde el humor es el elemento catalizador para cuestionar los silencios, las verdades a medias y los secretos que sostienen la vida en pareja.

Tengo que decir que la obra me encantó, no sólo por el solvente e inteligente, texto, sino también por las magníficas y naturales interpretaciones de ambos actores, en especial, la de María Barranco, siempre tan veraz y, por ende, buena actriz.

Pero, claro, es que están dirigidos por el matrícula de honor Claudio Tolchair, ese pedazo de dramaturgo, actor y director argentino que es alguien fuera de serie, uno de esos genios que solo da cada generación...

Finalmente, la escenografía, puro minimalismo y eso a mí casi nunca me ha gustado...

https://www.youtube.com/watch?v=W-XjyveHBC0

Ficha artística:

• Autora - Salomé Lelouch

• Traducción - Fernando Masllorens y Federico González del Pino

• Dirección - Claudio Tolcachir

• Diseño de escenografía - Mariana Tirantte

• Diseño de iluminación - Matías Sendón

• Diseño de vestuario - Mariana Seropian

• Diseño de sonido - Guido Berenblum

• Reparto - Imanol Arias y María Barranco

• Diseño de cartel y fotografía - Javier Naval

• Jefe de producción - Juan Pedro Campoy

• Jefe técnico - Nacho Huerta

• Ayudante de producción - Estela Ferrandiz

• Distribución - Pentación Espectáculos

• Producción - Pablo Kompel y Pentación Espectáculos

La mujer-zombie

La popular actriz Anabel Alonso (“La Celestina”) protagoniza “La mujer rota”, un monólogo basado en la obra de Simone de Beauvoir “La invitada”, “La sangre de los otros”). El argumento trata de una mujer absolutamente sola rayando en la locura, debido a los dramas por los que está pasando. Ya, en el Teatro Infanta Isabel. 

La famosa actriz Anabel Alonso, conocida por sus papeles en series televisivas de gran éxito, como “7 vidas” o “Los ladrones van a la oficina”, protagoniza un monólogo basado en “La mujer rota”, la conocida obra de Simone de Beauvoir “La invitada”, “La sangre de los otros”, “El segundo sexo”). Ya está apunto de finalizar en el Teatro Infanta Isabel.

Con la dirección de la bonaerense Heidi Steinhardt (El sepelio o El trompo metálico), la función narra cómo una mujer de mediana edad cuenta la manera en la que su vida se derrumba tras descubrir que su marido tiene una amante más joven. La protagonista, que se ha definido siempre por medio de su rol de esposa y madre, empieza a perder el control emocional y a enfrentarse a una dolorosa conciencia de su soledad, su dependencia y su invisibilidad.

Mediante un crudo soliloquio se muestra cómo una mujer, educada para vivir a través de los otros, puede quedar emocionalmente devastada cuando esos vínculos se rompen. Es una denuncia feroz al modelo tradicional de feminidad, bajo un mundo dominado por expectativas sociales, maternidad, matrimonio y abandono.

El texto, en ocasiones, repetitivo para incidir en el drama, no deja títere con cabeza, en especial, al sexo masculino. La dirección e interpretación son impecables y en cuanto a la escenografía, agradezco que no sea minimalista, algo tan habitual en nuestro teatro, desde hace años...

La podemos ver, en el Teatro Infanta Isabel, hasta el día 16 de este mes.

https://www.youtube.com/watch?v=kRFq7fU9xQM

FICHA ARTÍSTICA:

• Autoría - Simone de Beauvoir

• Dirección - Heidi Steinhardt

• Reparto - Anabel Alonso

• Ayudante de dirección - Ana Barceló

• Escenografía y vestuario - Alessio Meloni

• Diseño de iluminación - Rodrigo Ortega

• Diseño de sonido - Luis Miguel Cobo

• Producción ejecutiva - Jair Souza – Ferreira

• Diseño gráfico - Javier Naval

• Distribución - Julio Municio

• Dirección de producción - Miguel Cuerdo

• Producción - LAZONA

!La crisis de los 40!

Pablo Remón dirige “El entusiasmo”, una obra sobre la crisis de la mediana edad y el cambio de rumbo en la vida. En breve, en el Teatro Mª Guerrero. 

El director escénico Pablo Remón (“Los farsantes”, “Barbados en 2022” o “Vania x Vania”) dirige “El entusiasmo”, en el Teatro María Guerrero. Se trata de una obra que reflexiona sobre la crisis de la mediana edad, el azar y la posibilidad (o imposibilidad) de cambiar el rumbo de la propia vida.

La propuesta parte de preguntas existenciales como: ¿Podemos transformar lo que somos o estamos determinados por lo que ya hemos vivido? ¿A medida que envejecemos, tenemos menos opciones o más capacidad de decisión? ¿Qué papel juega el azar? ¿Somos autores de nuestra vida o solo personajes en ella?

Inspirada en un diálogo de una versión de Tío Vania y en una cita de John Cheever, la pìeza imagina a personajes que, a diferencia de la apatía de los de Chéjov, se lanzan a realizar cambios radicales: dejar un trabajo, divorciarse, empezar a escribir, unirse a una secta… todos movidos por el deseo de recuperar el entusiasmo perdido.

La estructura se compone de cuatro secciones independientes pero conectadas, donde las vidas de los personajes cambian en cada una, explorando vías alternativas según las decisiones o la suerte. El juego narrativo es constante: los protagonistas se convierten a veces en narradores o autores de otras partes y lo que parece real puede revelarse como ficción creada dentro de la obra.

El resultado es un caleidoscopio narrativo que combina humor e ironía para hablar de cuestiones como las relaciones de pareja, la paternidad y la maternidad, mientras experimenta con formatos que van del documental a la ficción desbordada, con una ambición creativa cercana a la novela postmoderna.

¡Una muy interesante propuesta...!

La podremos ver, del 7 de este mes, y hasta el 28 de diciembre, en el Teatro Mª Guerrero. 

https://www.youtube.com/watch?v=qJCMfSxdwuA

Flamenco por todo lo alto

Gran Gala Flamenco supone viaje por todo lo que ofrece este arte: castañuelas, batas de cola, abanicos y bellos vestuarios junto con música original. Ya, y en días alternados, en el teatro Gran Vía Capitol.

Con más de veinte años de programación ininterrumpida y aclamado por miles de espectadores, el espectáculo Gran Gala Flamenco llega al Teatro Gran Vía Capitol con varias funciones previstas para los 7, 19 y 26 de noviembre. Un viaje por todo lo que ofrece el flamenco: castañuelas, batas de cola, abanicos, bellos vestuarios, además de una música original.

Gran Gala Flamenco es considerado como el espectáculo flamenco más visto de España. Un evento lleno de fuerza y emoción en el que los acordes de la guitarra se unen con la percusión del cajón y el sonido elegante del violín, mientras las castañuelas marcan el compás.

Un elenco de bailaoras y bailaores brillan sobre el escenario con su energía, su entrega y la elegancia de las tradicionales batas de cola que dibujan en el aire la esencia más pura del flamenco. Acompañados por las mejores voces del flamenco, cada función es todo un homenaje a la raíz y al presente de esta expresión artística que cautiva al mundo.

Ahora Madrid se convierte en escenario de un viaje sensorial en el que la música en directo, la danza y la interpretación de artistas de prestigio internacional convierten cada noche en un ritual de arte y emoción.

La podremos ver, los días 19 y 26 de este mes, en el Teatro Capitol Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=smqIQ1KTNZY

Una nueva e inmersiva versión del mítico musical “Cabaret”

“Cabaret, el musical en el Kit Kat Club”, es una nueva producción del clásico musical de 1973 con la grandiosa cantante, actriz y bailarina Liza Minnelli, pero, ahora, con un enfoque moderno e inmersivo. Ya, en el UMusic Hotel Teatro Albéniz.

La compañía LETSGO produce “Cabaret, el musical en el Kit Kat Club” es un nuevo espectáculo inmersivo del clásico musical Cabaret, adaptando el Kit Kat Klub con un enfoque contemporáneo. Un montaje que ya podemos ver verse en el UMusic Hotel Teatro Albéniz.

Bajo la dirección del prestigioso director Federico Bellone (“Ghost”, “El fantasma de la ópera” o “Bailo, bailo”), la obra cuenta con un elenco encabezado por Abril Zamora, Amanda Digón y Pepe Nufrio, entre otros artistas, y se basa en el libreto original de Joe Masteroff, con música de John Kander y letras de Fred Ebb.

La escenografía de Cabaret redefine por completo la experiencia teatral transformando el teatro en un auténtico cabaret y transportando al público a otra época a través de una ambientación envolvente.

Su trama se sitúa en el Berlín (Alemania) de los años 30, justo en el auge del nazismo, donde Sally Bowles es una cantante inglesa que trabaja en el cabaret Kit Kat Klub y vive una vida hedonista, tratando de evadir la creciente amenaza política. Sally se enamora de Cliff Bradshaw, un novelista estadounidense que llega a Berlín para escribir un libro. A su vez Fraülein Schneider tiene un romance con Herr Schultz, un propietario judío que tiene una tienda de frutas, pero sus vidas se ven amenazadas por los eventos políticos.

La obra muestra cómo los personajes intentan sobrevivir emocionalmente en un mundo que se desmorona a su alrededor, con un tono de ironía y a menudo con una atmósfera de pesimismo. Mientras tanto, el Kit Kat Klub se convierte en un espacio donde los protagonistas se entregan a la diversión como una forma de escapar de la opresión, al tiempo que el nazismo comienza a tomar el poder y a cambiar la vida de todos irreversiblemente.

Estrenada en Broadway en 1966 y llevada al cine en 1972 con Liza Minnelli como protagonista, Cabaret ha dejado una huella indeleble en el teatro musical y esta nueva versión promete ofrecer una experiencia única que invita al público a vivir la historia de una manera más cercana.

Cabe destacar que el artista malagueño José Pastor, que ha destacado en series como Bosé y El marqués, ejercerá de maestro de ceremonias del Kit Kat Klub, del 4 al 30 de octubre... 

¡A quienes os lo perdáis, no os lo perdonaré...NUNCA..!

Lo podremos ver, hasta el primero de febrero, en el UMusic Hotel Teatro Albéniz.

https://www.youtube.com/watch?v=VItwUNs59qk

El musical de las reinas, “SIX”, tendrá su versión española

El éxito internacional “SIX”, el musical que reescribe la historia de las seis esposas de Enrique VIII con estilo, energía y un desbordante sentido del humor, continúa su imparable recorrido y anuncia su desembarco en Madrid en 2026, por primera vez en español. Después de conquistar al público y la crítica, este año, en Barcelona, durante tres semanas, con la producción original en inglés, el musical llegará, el próximo otoño, al Teatro Gran Vía, gracias a Julia Gómez Cora, mejor conocida como la Reina de los musicales -artífice detrás de éxitos como “El Rey León”, “Los Miserables”, “La Bella y La Bestia”, “Rent” o “Cabaret” (versión delconocido cineasta Sam Mendes), entre muchos otros- y Stellar Theatre, la compañía teatral de Dmitry Bogachev, con la colaboración del Grupo Smedia.

Convertido en un fenómeno global y digital, “SIX” ha revolucionado el teatro musical con su innovadora visión de la historia y poderosa representación de empoderamiento femenino. Toby Marlow y Lucy Moss, que escribieron la obra con tan solo 22 años, mientras estudiaban en la Universidad de Cambridge, dieron vida a esta moderna explosión que reimagina la historia de las seis esposas de Enrique VIII —Catalina de Aragón, Ana Bolena, Jane Seymour, Ana de Cleves, Catalina Howard y Catalina Parr—, quienes se suben al escenario para reescribir su propio destino, en clave pop con una puesta en escena que mezcla agudamente energía, humor y música contemporánea.

Con una narrativa moderna y un tono irreverente, las seis reinas se enfrentan al público decididas a contar su versión de la historia con canciones inspiradas en el estilo de grandes estrellas de la música actual, como Beyoncé, Adele, Rihanna, Ariana Grande, Avril Lavigne y Alicia Keys; y una banda femenina en directo.

Fruto de su éxito ha nacido el Queendom, una legión de fans que ha hecho del musical un fenómeno viral global que entona sin parar el clásico: "beheaded, divorced, died, beheaded, divorced, live!" ("decapitada, divorciada, fallecida, decapitada, divorciada, superviviente"), una consigna afincada entre los seguidores del musical.

"En cuanto vi 'SIX', volví a sentir esa chispa de los primeros musicales que vi en mi vida. Me contagié de su energía, su sentido del humor y me sorprendí al ver la entrega y explosión que causa en el publico cada noche. Ya cuando leí la historia de sus creadoras, que lo escribieron con tan solo 22 años mientras estudiaban en Cambridge decidí que este era el musical que quería traer a España, porque da voz a jóvenes talentos y a su vez conecta y emociona a un público muy joven al que no solemos ver en las salas", afirma Julia Gómez Cora.

Desde su estreno, en el Festival Fringe, de Edimburgo, en 2017, dicho musical ha recibido un entusiasmo sin precedentes, cosechando elogios de crítica y público por su energía arrolladora y su sentido del humor. Tras convertirse en el segundo álbum más reproducido en plataformas, su éxito le catapultó al West End londinense donde el boca-oreja propició que las entradas se agotaran rápidamente A partir de allí, se convirtió en una sensación teatral, para luego conquistar Broadway, Australia, Canadá y más de 15 países.

A través de relatos de amor, pérdida y del ex que todas comparten, SIX - definido por la crítica como "único en su categoría"- reivindica la historia y celebra la fuerza y la resiliencia. Lo que recuerda que la historia no solo pertenece a los reyes, sino también a las reinas que se atrevieron a desafiar el poder.

Lo podremos ver, desde el próximo otoño, en el Teatro Gran Vía. Queda tiempo...

https://www.youtube.com/watch?v=egqqtAo8WSI&list=RDegqqtAo8WSI&start_radio=1

Prejuicios ancestrales mexicanos hacia lo gai

El artista mexicano Lukas Avedaño presenta Réquiem para un alcavarán, una obra que reivindica la identidad muxe zapoteca y explora los prejuicios sociales. Pronto, en el Centro Cultural Conde Duque.

Dentro de la nueva edición del Festival de Otoño, el artista mexicano Lukas Avedaño nos ofrecerá una coreografía performativa que explora la identidad muxe en la cultura zapoteca y la confronta con los prejuicios hacia lo homosexual e indígena: Réquiem para un alcaraván. La podremos ver, en breve, en el Centro Cultural Conde Duque.

Procedente del Istmo de Tehuantepec y criado en condiciones de pobreza, sin agua ni electricidad, Lukas Avendaño estudió Antropología y se formó como coreógrafo. Ahora ha configurado una propuesta provocadora que lleva al escenario la muxheidad (identidad de hombres que asumen roles culturales femeninos dentro de la tradición zapoteca) para explorar sus contradicciones: una aceptación social velada que, al mismo tiempo, se percibe como transgresión.

El performance se articula desde el cuerpo en movimiento, el ritual y la interacción con el público. Vestido de novia, con enagua blanca y un ramo de flores, Avendaño remite tanto a una boda como a una fiesta religiosa y en ese cruce despliega un manifiesto político que denuncia los prejuicios hacia la comunidad homosexual e indígena. La obra combina elementos autobiográficos con la memoria colectiva de su sociedad, resituando las raíces mesoamericanas como fuente de resistencia y orgullo.

Su montaje bebe de los rituales, danzas y músicas del Istmo, pero los transforma en un lenguaje contemporáneo que desdibuja los límites entre la escena y los espectadores. Colores, cantos y gestualidad se entrelazan para resignificar la muxheidad, no como marginalidad, sino como celebración de la diversidad.

Con todo ello se genera una función que trasciende la estética para convertirse en un acto político y poético: un llamado a reconocer la fuerza de los orígenes, a cuestionar los estereotipos y a festejar lo que alguna vez fue considerado rebeldía.

La podremos ver los días 8 y 9 de noviembre, en el Centro Cultural Conde Duque.