domingo, 1 de junio de 2025

Dani Rovira merece la pena

El cómico andaluz Dani Rovira repone con Vale la pena un espectáculo unipersonal de stand up comedy donde, conceptos como la tristeza, el duelo, la pena, se pondrán encima de la mesa, Desde principios de septiembre, en el Teatro La Latina.



El popular actor y humorista Dani Rovira regresa a los escenarios con un espectáculo unipersonal de stand up comedy donde, conceptos como la tristeza, el duelo, la pena, se ponen encima de la mesa para dignificarlos y darles la importancia que tienen en la vida. La nueva temporada podrá verse en el Teatro La Latina del 3 al 21 de septiembre, con funciones de miércoles a domingos.

Rovira es un intérprete malagueño que, en 2015, ganó el Premio Goya al Mejor Actor Revelación por su papel en Ocho apellidos vascos. Dani logró hacerse un hueco en la comedia mediante su participación en el programa Nuevos cómicos de Paramount Comedy​.



De ahí pasó a otros espacios como Estas no son las noticiasEl club de la comediaNo le digas a mamá que trabajo en la tele junto con Goyo Jiménez, David Perdomo y Iñaki Urrutia, o Alguien tenía que decirlo junto con Txabi Franquesa y David Broncano. Además, giró por España con los montajes teatrales Monólogos 10 y Las noches de El club de la comedia.



Pero su gran salto a la fama fue la película Ocho apellidos vascos, que continuó con su secuela Ocho apellidos catalanes. Asimismo, hace poco protagonizó la adaptación cinematográfica de Superlópez. Por otra parte, en 2017 creó junto con Clara Lago la Fundación Ochotumbao con el fin de mejorar la vida de las personas más desfavorecidas, la conservación del medio ambiente y la defensa de los animales.

Realmente, este actor cómico es uno de los mejores de nuestro panorama interpretativo nacional.

Lo podremos ver, del 3, al 21 de septiembre, en el Teatro de La Latina. 

https://www.youtube.com/watch?v=3qb0pUF59zA



miércoles, 28 de mayo de 2025

El poder del tambor japonés

Del 18 al 28 de junio, el Teatro EDP Gran Vía De Madrid recibe a Yamato, un imponente grupo japonés formado por 40 tambores taiko que desde 1993 ha ofrecido más de 4.000 espectáculos en los 54 países en los que se han presentado fieles a su vocación de llevar la alegría por todo el mundo, haciendo cada año una gira internacional.




Uno de los aspectos más impresionantes del espectáculo de Yamato es el uso de los tambores taiko, instrumentos que forman una parte fundamental de la tradición japonesa. El tambor más grande de la agrupación pesa 500 kilos y es fabricado a partir de un árbol de más de 400 años, lo que refleja el compromiso de Yamato con la preservación de la cultura japonesa. Los artistas deben tener una formación física rigurosa para poder tocar estos tambores de tamaño y peso tan imponentes, creando una paleta de sonidos que es incomparable en su variedad y potencia.

La perfección en la ejecución y la destreza física de los músicos se hacen evidentes durante el espectáculo. A través de sus movimientos precisos y su sincronización perfecta, los miembros de Yamato son capaces de extraer una gama asombrosa de sonidos, lo que hace de su propuesta un evento memorable para todos los asistentes.

Yamato busca lograr una estrecha conexión con el público en un juego de percusión que va desde los tambores sagrados al patio de butacas y desde las palmas del público a los artistas, dejando fluir un torrente de energía que viaja por toda la sala en un pálpito que hace sudar, llorar y reír a todos los asistentes porque, como dicen ellos “con nuestra percusión queremos transmitir el ritmo del latido del corazón, la sonora esencia de todos los seres vivos”.



La razón por la que Yamato toca el Wadaiko (el tambor japonés) no se trata solo de técnica.

El sonido creado por las manos humanas lleva consigo el corazón y la vida. Resuena en el oyente, transmitiendo valor, inspiración y fortaleza.

No importa cuán avanzada sea la tecnología, el "sonido del corazón" que resuena y se conecta con el pulso humano no puede ser reproducido por la IA.

Yamato continuará transmitiendo el "poder humano" a través del Wadaiko. Creando momentos donde los corazones se conectan entre sí. Ese es el desafío de Yamato y nuestra respuesta al futuro.

Lo podemos ver, hoy, como último día, en el Teatro EDP Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=UFCW1RxbeiM



Sobre Miguel Mihura

La directora escénica Beatriz Jaén dirige Mihura, el último comediógrafo, una obra de Adrián Perea que rinde un claro homenaje a los cómicos, especialmente al dramaturgo de primera mitad del siglo pasado Miguel Mihura (Tres sombreros de copa). Ya, en Nave 10 Matadero.



Nave 10 Matadero acoge, en la sala Sala Max Aub, Mihura, el último comediógrafo, una obra de Adrián Perea dirigida por Beatriz Jaén​ que rinde un claro homenaje a los cómicos, especialmente a Miguel Mihura. ​​​​​​

En esta obra tiene un papel importante Miguel Mihura pero, ¿quién fue este autor de una de las obras más representativas del teatro español del siglo XX? ¿Qué sabemos de él y qué conexión existe con los dramaturgos actuales? Adrián Perea intenta respondes a todas estas cuestiones en tono de comedia. Al igual que Tom Stoppard, Perea crea una suerte de Shakespeare in Love dentro del humor absurdo, mezclando risas, amor, cabaret y sueños frustrados.



La obra explora la escritura como forma de resistencia y nos permite comprender mejor el antiguo oficio de aquellos que nos hacen reír. Se presenta como una biografía sentimental en la que la vida, la ficción y la auto-ficción se entrelazan de manera reveladora.

La podemos ver, hasta el 15 de junio, en Nave 10 Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=QD78En-gwkg




martes, 27 de mayo de 2025

Lo último de la Martha Graham Dance Company

Como parte de la celebración de su centenario, la compañía Martha Graham Dance Company representa una combinación de piezas clásicas y modernas. En breve, en Centro Dance Matadero.



Como parte de la celebración de su centenario, la compañía Martha Graham Dance Company representa, en Centro Danza Matadero, una combinación de piezas clásicas y modernas, como la obra más lírica y apasionada de Graham, Diversion of Angels.

El programa es una mezcla de lo mejor de su legado y la originalidad contemporánea. Así, la función expone la lírica Diversion of Angels (1948), un ensayo abstracto sobre el amor, y el poderoso solo Immediate Tragedy (1937), inspirado en la Guerra Civil española.



Además, presenta la energética We the People, de Jamar Roberts, que festeja la fuerza de la comunidad, y termina con CAVE, la obra catártica de Hofesh Shechter que desata la euforia del público. Con estos cuatro montajes se brinda un recorrido por nueve décadas de danza con algunos de los bailarines más consumados del mundo.

La Martha Graham Dance Company es un conjunto fundado en 1926 por la icónica bailarina y coreógrafa Martha Graham. Con sede en Nueva York (Estados Unidos), ha sido pionero en el desarrollo del lenguaje de la danza moderna, influyendo profundamente en el arte del movimiento y en la creación coreográfica del siglo XX. Graham revolucionó el baile con un enfoque que fusionaba el simbolismo con una narrativa innovadora. Bajo su dirección, la compañía produjo obras maestras como Appalachian Spring, Lamentation, Diversion of Angels Chronicle.



Tras la muerte de Graham en 1991, la agrupación continuó su misión de preservar y reinterpretar su repertorio, al tiempo que colaboraba con coreógrafos contemporáneos para expandir su plantel. A día de hoy es una de las formaciones de danza moderna más laureadas del planeta y ha sido reconocida como Patrimonio Cultural Nacional en los Estados Unidos.

Lo podemos ver, del 29 de este mes, al 1 de junio, en el Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/shorts/aAbPygYsibU



Circo clásico con propuesta moderna

La familia circense Circo Raluy Legacy presenta Cyborg, una obra que fusiona el circo clásico con nuevas formas de expresión artística. Pronto, en el Teatro Circo Price.



La familia circense Raluy, conocida por su larga tradición en este mundo de la expresión artística, presenta Cyborg, una obra que fusiona el circo clásico con nuevas formas de expresión artística. Un espectáculo que podrá verse en el Teatro Circo Price del 30 de mayo al 28 de junio, con funciones de miércoles a domingo.

Esta compañía ha desarrollado en éste un espectáculo que trasciende lo puramente circense para convertirse en una experiencia sensorial, futurista e innovadora. La pieza transporta al público a un universo más allá de lo humano, donde la tecnología y la creatividad se mezclan para expandir los sentidos y romper los límites tradicionales del arte.



En escena aparecen criaturas irreales, personajes casi robóticos, máquinas rugientes y números de alto riesgo, combinados con humor y una fuerte carga visual, gracias a un vestuario y una coreografía especialmente impactantes. Con todo ello se genera una obra inmersiva que lleva el circo a otro nivel, mezclando pasado, presente y futuro en un mismo montaje.

Con más de cien años de historia y seis generaciones, Raluy está considerado como uno de los principales circos del mundo. Fundado en Cataluña, combina el encanto de los antiguos circos europeos con una puesta en escena moderna.



Entre sus múltiples galardones destacan el Premio Nacional de Circo del Ministerio de Cultura de España, en 1996, y la Creu de Sant Jordi, en 2006.

Todo un espectáculo circense a tener en cuenta...

Lo podemos ver, del 30 de este mes, al 28 de junio, en el Teatro Circo Price. 

https://www.youtube.com/shorts/jCHzz1QU74c




lunes, 26 de mayo de 2025

¿Realidad o ficción?

El solvente actor Carlos Chamarro protagoniza Magia, una adaptación de Emilio Ruiz Barrachina de la obra de C. K. Chesterton. Trata de lo que es real y de lo ficticio. Ya, en el Teatro Pavón. 



El Teatro Pavón nos ofrece su nueva producción, Magia, una adaptación de Emilio Ruiz Barrachina de la obra de C. K. Chesterton. Con un elenco de actores liderado por Carlos Chamarro, esta obra promete emocionar a los espectadores gracias a una combinación de comedia, drama e intriga.

Motivado por su archi-enemigo George Bernard Shaw, quien lo criticaba por desperdiciar su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir su primera obra como dramaturgo: Magia, que se estrenó en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres. La obra fue todo un exponente de éxito, con 165 representaciones consecutivas antes de estrenarse en Nueva York, donde también cosechó el mismo éxito.



En esta obra, Chesterton mezcla, de manera sutil, tanto la comedia, como el drama, el romance, la intriga y las paradojas, abordando muchos de los temas que más le apasionaban, como la relación entre la realidad y la racionalidad, lo fantástico y la locura.

Este texto dramático está repleto de simbolismo, con personajes que representan conceptos como la ciencia, la religión, la fantasía, el amor y la política. A pesar de los más de cien años transcurridos desde su estreno, sigue estando en boca de todos ya que ni la realidad ni la sociedad han experimentado grandes cambios...aparentes. Aunque, habría que decir, que en esta Cuarta Revolución, la tecnológica, todo comienza a ser diferente, en especial, desde la llegada, a finales de los años noventa, de Internet, y ahora, con la Inteligencia Artificial invadiéndolo todo...



Esta pieza considerada un pilar fundamental del teatro británico, destacada por su humor y crítica social. Curiosamente, nunca antes había sido representada en España. Además, Ingmar Bergman se inspiró en ella para su película El Rostro.

Pero...(siempre, hay un pero, porque el Hombre y lo que hace no son perfectos), ¿qué difícil es versionar el teatro inglés..? ¿Por qué será...? Creo que por que la cultura inglesa es única e irrepetible. Lo mismo es su idioma, lleno de matices, que traducido, no tienen sentido o son difíciles de interpretar. Y la forma de interpretar de los actores ingleses, con esa flema inigualable, no puede trasladarse a los escenarios de ninguna otra cultura. Por eso, este montaje se nos antoja un tanto pretencioso...que no malo...

https://www.youtube.com/watch?v=cohrr4432xw


    Ficha artística:

  • Dramaturgia - C. K. Chesterton

  • Adaptación y dirección - Emilio Ruiz Barrachina

  • Reparto - Carlos Chamarro, Juanma Díez Diego, Valentín Paredes, Ángel Héctor Sánchez y Rebecca Arrosse

  • Director de Producción - Jesús Aguilar

  • Estilismo - Helena Truébano

  • Diseño de Vestuario - Rebecca Arrosse

  • Escenografía - Pablo Camuñas

  • Director técnico e Iluminación - Rafael Echeverz

  • Producción - Hemisphere Teatro

Duración aproximada: 90 minutos


¡La primera obra feminista!

Los populares y premiados actores María León, Santi Marín y Pepa Gracia lideran el reparto de Casa de muñecas, una gran adaptación de Eduardo Galán de la obra de Ibsen. Trata de la libertad femenina para dirigir su destino.



El prestigioso dramaturgo Eduardo Galán (BlablacocheLa curva de la felicidad o Mercado de amores) revisiona la gran obra Casa de muñecas, de Henrik Ibsen 146 años después de su estreno. Un montaje dirigido por Lautaro Perotti y que cuenta con un reparto liderado por María León, Santi Marín, Patxi Freytez, Alejandro Bruni y Pepa Gracia. Ya la podemos ver en el Teatro Fernán Gómez.

La historia de la obra -la primera obra feminista del teatro occidental, relata las circunstancias familiares que vive Nora Helmer. Ella no está conforme con la condición en la que se encuentra, por lo que trata de mejorar el carácter y la mentalidad de su marido. Sin embargo, al no conseguirlo se da cuenta de que para su esposo ella solo es un mero objeto de su propiedad. Llegado el momento, Nora decide dejar a su marido e hijos, cerrando la puerta de su casa con un portazo que simboliza su emancipación y rechazo a los roles tradicionales de la mujer.



Partiendo de la trama original, Eduardo Galán plantea cómo sería esa decisión de Nora en la actualidad. Así, se cuestiona si la sociedad ha avanzado lo suficiente en cuanto a igualdad de género y cómo se enfrentarían hoy los mismos dilemas de independencia personal y ruptura con los mandatos sociales. Con ello se invita a reflexionar sobre la situación de las mujeres en nuestros días, aún influenciadas por determinadas expectativas socioculturales.

El montaje que anteayer vi fue conmovedor. ¿Por qué..? Primeramente, por los actores no actúan, sino que viven sus personajes. Son muy buenos y están, por otro lado, muy bien dirigidos. Y esto no es muy habitual de encontrar en nuestro teatro...por desgracia. En segundo lugar, porque es un drama que va in crescendo: comienza mostrándonos situaciones amables de la vida cotidiana, para terminar en el “madre el drama padre”. Y en tercer lugar, porque es la primera obra teatral feminista y eso, que yo intento serlo, pues me llega al alma.



Y, con todo y con eso, como antes se decía, qué buena actriz María León, ¡coño..!

Lo mismo que he dicho de “Orlando”, esta versión-adaptación de “Casa de muñecas” es, asimismo, una imprescindible...Quien no vaya a verla, que no me vuelva a dirigir la palabra...

La podemos ver, hasta el 22 de junio, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=MfFtZBuWouE

Ficha artística:

Ubicación: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Guirau

  • Autor - Henrik Ibsen

  • Adaptador - Eduardo Galán

  • Director - Lautaro Perotti

  • Diseño de escenografía y vestuario - Lua Quiroga

  • Diseño de iluminación - Luis García

  • Música original y espacio sonoro - Manu Solís

  • Ayudante de dirección - Juan Diego Vela

  • Diseño gráfico - Hawork Studio (Alberto Valle, Raquel Lobo y Sara Ruiz)

  • Fotografía de estudio - Juan Carlos Arévalo

  • Peluquería y maquillaje - Roberto Palacios

  • Créditos imágenes - © Pedro Gato / © Juan Carlos Arévalo

Reparto:

  • Nora Helmer - María León

  • Osvaldo Helmer - Santi Marín

  • Oscar - Patxi Freytez

  • Cristina Linde - Pepa Gracia

  • Doctor Rank - Alejandro Bruni

Duración aproximada: 90 minutos