Feminismo de principios del siglo XX

La directora escénica Laila Ripoll vuelve con otra importante obra de la escritora Luisa Carnés, en este caso, Natacha, centrada en el complejo ambiente de las mujeres obreras de un taller textil del siglo XX. Ya, en el Teatro Español.

El Teatro Español representa Natacha, una de las escritoras más interesantes del siglo XX español, Luisa Carnés, autora de la también conocida novela Tea Rooms. La obra, protagonizada por Natalia Huarte, ha sido adaptada y dirigida por Laila Ripoll, y podrá verse del 11 de febrero hasta el 30 de marzo con funciones de martes a domingos.

Natacha está basada en las vivencias de la misma autora, que, desde la temprana edad de los 11 años, se vio obligada a dejar la escuela y trabajar en un taller doméstico de confección de sombreros, donde permaneció durante más de 10 años. La protagonista de la obra y, a su vez, seudónimo de la autora conocida en aquellos tiempos como Natalia Valle, nos habla de las condiciones que soportan las mujeres trabajadoras y las dificultades a las que se enfrentan estas en su día a día.

Las extenuantes jornadas, del miedo a ser despedida, del acoso, de la explotación, de la desigualdad, de la ausencia de horizontes, de la enfermedad, del tedio, del matrimonio, de la prostitución, del sexo, del amor y de la muerte son algunos de los temas que se tratan en la obra, y a través de estos, plantea el mundo desde una perspectiva femenina y obrera que aún hoy en día resulta totalmente novedosa y conmovedora.

La podemos ver, hasta el 30 de este mes, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=gyMjPQu1wa4

¡Desmontando a Disney!

No me toques el cuento es una gamberra comedia musical que ofrece la cara más desconocida de las princesas Disney y, sobre todo, critica el machismo imperante en todas esas historias híper-conocidas de nuestro imaginario colectivo infantil...y no tan infantil. En el Teatro Pavón...

La dramaturga Olivia Lara escribe y dirige No me toques el cuento, una gamberra comedia musical que ofrece la cara más desconocida de las princesas Disney. Una función que, desde hace semanas, tiene mucho éxito en el Teatro Pavón. No obstante, está dirigida a un público adulto joven y está puesta en la sesión golfa, la de después de cenar.

El montaje está interpretado por las actrices Masi Rodríguez, Carmen Calle, Isabel Morán y la propia Olivia Lara, quienes dan vida a la empanada Aurora, la cursi Blancanieves, la pasada de vueltas Bella y la chunga Cenicienta.

Las cuatro suelen quedar una vez a la semana desde hace años para ponerse al día y desahogarse hablando sin tapujos de lo que les preocupa: sus miedos, sus traumas, sus dramas, sus conflictos de pareja, sus complejos… Reuniones regadas con alcohol y aderezadas con otras drogas.

Así, narran cómo son sus vidas después de casarse con sus príncipes azules. Y ninguna está siendo lo feliz que decía el cuento, adentrando al público en una montaña rusa de emociones que van desde las risas a los lloros. Sus diálogos se acompañan de escenas de baile y canto con melodías originales y con todo ello destrozan los arquetipos de las mujeres en las películas de dibujos animados de la ultra-conservadora factoría de ficción Disney.

Apuntar que hay demasiados lugares comunes en las bromas de la obra, así como demasiados chistes fáciles y palabras malsonantes innecesarias. No es que esté en contra de este tipo de expresiones, sino que, en toda obra de ficción cada elemento debe estar justificado y aquí, no lo está...Es una lástima porque las actrices-cantantes son estupendas con su desparpajo y boca lenguaraz. Pero está claro que falla el guión. Un guión mejor trabajado, no tan a la ligera, le hubiese dado a este musical muchas más alas y un peso específico que, así, no tiene...No obstante, a los más jóvenes les encanta...

La podemos ver, hasta el 5 de abril, en el Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=k3b_45XW0DQ&t=5s

Ficha artística:

* Dramaturgia y dirección - Olivia Lara

• Reparto variable - Carmen Calle, Isabel Morán,  Olivia Lara  y Masi Rodríguez/Colette Casas

• Ayudante de dirección - Isabel Morán

• Técnico sonido e iluminación - Juan Barahona

• Composición musical - Shadday López, Olivia Lara e Isabel Morán

• Producción musical y arreglos - Gerard Rodríguez y Carlos Clerencia

• Locuciones - Olivia Lara y Juanma Lara

• Vestuario - @Officialdesantiago

• Diseño cartel - Juan Barahona

• Fotografía - Lalodeho

• Producción y distribución - Teatroz

• Distribución y producción gira - MPC Management

 

El lujo también destruye

Los jóvenes actores Susana Abaitua y Félix Gómez protagonizan Neirum Park, una obra del dramaturgo Josep Maria Miró llena de matices, imágenes y silencios con la autodestrucción como telón de fondo. Ya, en Nave 10 Matadero.

Nave 10 Matadero acoge Neirum Park, una obra escrita por el dramaturgo catalán Josep María Miró. Este thriller hiperrealista para dos actores, ha sido traducido a varios idiomas y estrenado en más de una decena de países. Los actores Susana Abaitua y Félix Gómez encabezan el reparto y Jorge Gonzalo es el encargado de dirigirla.

Su argumento nos habla de Carlos y Marta, dos jóvenes con un futuro prometedor que se acaban de mudar a las afueras de la ciudad. Nerium Park es un desértico complejo residencial a más de media hora de la gran ciudad, a la cual, a pesar de que transcurren los meses, nunca llegan los ansiados vecinos. Los dos protagonistas, únicos residentes de la urbanización, enfrentan una serie de crisis y desencuentros que los lleva a considerar que tal vez estén pagando un precio demasiado alto por llevar una vida lejos del núcleo urbano.

En este thriller social, vemos a través de doce escenas, una por cada mes del año, cómo colapsa sobre sí mismo el mundo de estos dos jóvenes, y relaciona la crisis de pareja con la de un sistema económico. El suspense, la tensión y lo desconocido predominan en esta obra que consigue atrapar a los espectadores desde el primer momento y compara la esperanza de futuro de las nuevas generaciones con un caramelo envenenado que nos arrastra al aislamiento y a la autodestrucción.

Desde mi punto de vista, la obra intriga y genera mucho interés, al comienzo, pero, a medida que discurre la acción, se va desinflando, hasta desembocar en un final previsible y exageradamente melodramático y sobre-actuado.

La verdad es que no sé qué final se le podría dar, pero lo cierto es que cuenta con muchos elementos interesantes de suspense y de hacernos reflexionar, como, sobre todo, ese vecino-amigo del marido que nunca aparece y que, parece ser, es una invención suya motivada por su soledad. Yo creo que esto es lo mejor de la obra...

Por lo demás, pasable...

La podemos ver, hasta el próximo día 23 de este mes, en Nave 10 Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=vtflba32pOE

Ficha artística:

Autor - Josep María Miró

• Dirección - Jorge Gonzalo

• Reparto - Susana Abaitua Y Félix Gómez

• Producción - Octubre Producciones

Sara Baras, volando más alto que nunca

El espectáculo Vuela, de la internacionalmente conocida bailarina Sara Baras, amplía tres semanas la venta de entradas para sus representaciones, a partir de septiembre próximo, en el Teatro EDP Gran Vía. Su espectáculo homenaje a Paco de Lucía continua imparable, por toda la geografía nacional...

Tras el éxito del estreno en el Teatro Real y una primera residencia en otoño del año pasado en la se vendieron 24.000 localidades, colgando el cartel de entradas agotadas, noche tras noche, nuestra bailaora más internacional, Sara Baras volverá a hacer temporada en Madrid, a partir de septiembre próximo, con su gran espectáculo Vuela y, ante el gran éxito de ventas hasta el momento, la artista amplía nuevas funciones a tres semanas de ventas de entradas.

De este modo, todos aquellos espectadores que, en su día, se quedaron sin verlo, vuelven a tener la oportunidad de adquirir sus entradas para disfrutar del arte de Sara Baras en el escenario, en este homenaje a Paco de Lucía con el que la bailaora celebra sus 25 años de compañía privada.

Acerca de Vuela

En su espectáculo Vuela Sara Baras rinde homenaje al gran genio por antonomasia de la guitarra, Paco de Lucía, desde el respeto, el cariño y el amor que tanto se profesaban. Creado para ser inolvidable, transportarnos una vez más a ese mágico mundo que sólo la gran bailaora es capaz de crear.

Enfrentándose a la responsabilidad de rendir homenaje al genio de Algeciras, este viaje coreográfico está compuesto por 15 piezas únicas que giran en torno a una palabra; creando así, con nuestro lenguaje flamenco, palabras en movimiento. Un fascinante recorrido dividido en cuatro actos, cada uno de los cuales teje una narrativa poderosa: Madera, que nos recuerda la fuerza de unas raíces y la calidez del ser; Mar, que nos invita a navegar en la pasión y ser como el agua; Muerte, una forma de explorar las emociones humanas desde lo más profundo y Volar, la única forma de huir sin correr, simplemente dejándonos llevar por la celebración y la alegría: una oportunidad que solo la música, el baile y los sentimientos nos pueden brindar.

La podemos ver, durante tres semanas más, en el Teatro EDP Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=k1yXK1Pf83k

¡We will rock you!, never stop!

Esta es la cuarta temporada del musical We will rock you!, producido por Brian May y Roger Taylor, dos de los miembros del mítico grupo Queen, basado en las canciones de dicho grupo. Continua enc el Grant Teatro Príncipe Pío.

We will rock you! es un súper musical inspirado en las canciones de Queen y ésta es su cuarta temporada en el escenario del Gran Teatro Príncipe Pío (evito citar a la entidad bancaria que lo patrocina porque en esta web nunca damos publicidad gratuita). Una obra que ha sido co-producida por los propios miembros de la banda: Brian May y Roger Taylor.

Su historia sitúa al espectador en un futuro distópico donde la individualidad es perseguida. Killer Queen es la responsable de una sociedad autoritaria en la que la música y cualquier otra forma de creación artística está prohibida.

Ante la represión social y artística que existe, solo unos pocos rebeldes se atreven a desafiar al gobierno, mientras esperan ansiosos la llegada del Soñador, Galileo, un líder que hará posible el regreso de la música a través del rock y restablecerá la libertad.

La función cuenta con todos los grandes éxitos del grupo británico como We are the champions, I want to break free, Somebody to love, I want it all, Another one bites the dust, Bohemian rhapsody o el propio We will rock you.

Queen es uno de los conjuntos más célebres de la historia, siendo elegido en diversas encuestas como la mejor formación británica de todos los tiempos. Además, el montaje presenta una coreografía y un vestuario exacto a cada momento de gloria de Freddy Mercury y su banda.

Este grupo mundial nació en 1970, en Londres, y cuenta en su haber quince discos de estudio, siete álbumes en vivo y varias recopilaciones. Y es que se trata de una de las agrupaciones más prestigiosas que jamás hayan existido y una de las más importantes de la historia musical en el Reino Unido y nos atrevemos a decir, de todo el mundo...

Es una producción en la que los protagonistas, aparte de la historia y los actores-cantantes-bailarines, es la tecnología porque está hecho con todo lujo de medios y eso los espectadores lo van a apreciar más que en ningún otro de los grandes musicales de la Gran Vía madrileña...

Lo podemos ver, toda la temporada, en el Gran Teatro Príncipe Pío.

https://www.youtube.com/watch?v=3yrU_Ta4zrM

¡Ultima temporada de Mamma mía!

Esta es la última temporada del musical feel good por excelencia, Mamma mía. Cantamos, bailamos, reimos y nos emocionamos al ritmo de los grandes éxitos de ABBA. Ya, en el Teatro Rialto.

Mamma mía. El musical es una nueva producción de este mundialmente exitoso musical, realizada por SOM Produce, productora de Billy Elliot, Priscilla Reina del Desierto, Grease, West Side Story, Matilda y The Book of Mormon, que cuenta con nuevas coreografías (premio a la mejor Coreografía en los Premios de Teatro Musical de 2023), vestuario, arreglos musicales y escenografía. Más de 600. 000 espectadores ya lo han visto y las entradas de su tercera y última temporada están a la venta con funciones de martes a domingos, en el Teatro Rialto.

Es una divertida comedia amorosa de enredo que ha enamorado a más de 65 millones de espectadores en todo el mundo y cuya versión cinematográfica con Meryl Streep, Pierce Brosnan y Colin Firth fue número uno en más de doce países y recaudó más de 600 millones de dólares.

La función traslada a los asistentes hasta una paradisíaca isla griega, donde Sophie Sheridan prepara su boda en el hotel de su madre. Sophie no sabe quién es su padre porque su progenitora, Donna, nunca se lo ha dicho. Pero todo cambia cuando encuentra el antiguo diario de su madre, descubriendo que en el verano que fue concebida Donna tuvo sendos romances con tres hombres. ¡Cualquiera de ellos podría ser su padre!

Para averiguarlo, Sophie decide invitarlos a su boda sin que Donna se entere.

De este modo, y una vez que Sam Carmichael, Harry Bright y Bill Anderson llegan a la isla y se enteran del verdadero motivo por el que han sido llamados a acudir a la fiesta tratan de resolver el misterio de quién es el padre de Sophie y, por lo tanto, quién la llevará al altar.

Lo podemos ver, toda esta temporada, en el Teatro Rialto.

https://www.youtube.com/watch?v=u8C3yn6vibg

En busca de la verdad y la libertad

El conocido actor, dramaturgo y director escénico Claudio Tolcachir versiona Camino a la Meca, una obra del dramaturgo Athol Fugard sobre la verdad y el arte con un reparto liderado por la veterana actriz Lola Herrera. En breve, en el Teatro Bellas Artes. 

El actor, dramaturgo y director argentino Claudio Tolcachir (Copenhague, La omisión de la familia Coleman o La Mentira) dirige, en el Teatro Bellas Artes, Camino a la Meca, una adaptación de la obra del autor sudafricano Athol Fugard, que celebra la valentía de quienes persiguen su verdad, independientemente de las expectativas externas. Un obra interpretada por por la veterana e inquebrantable actriz Lola Herrera junto su hija, Natalia Dicenta y Carlos Olalla.

La obra fue escrita en 1984 y refleja de manera sutil el contexto del apartheid en Sudáfrica, utilizando la vida real de Helen Martins, una artista sudafricana conocida por transformar su hogar en un espacio lleno de esculturas y creatividad. Con ello se genera una metáfora para cuestionar las restricciones impuestas por la sociedad y las instituciones dominantes.

Su trama se desarrolla en la casa de Miss Helen, una mujer mayor que se enfrenta a la incomprensión de su comunidad conservadora debido a su estilo de vida y su arte. La llegada de dos visitantes: Elsa, una joven maestra progresista, y Marius, un pastor religioso, desencadena una serie de diálogos que inciden en la moral, el compromiso y el derecho a decidir sobre la propia vida.

Fugard utiliza estos personajes para representar las tensiones entre lo nuevo y lo viejo, entre la conformidad y la libertad, mostrando cómo el Arte puede ser un refugio para quienes se sienten excluidos o incomprendidos. Pero, aquí, el mensaje trasciende su contexto sudafricano e invita a reflexionar sobre la determinación personal y el valor que se necesita para abrazar la autenticidad en un mundo que a menudo exige uniformidad y que, por consiguiente, coarta las libertades personales.

La podemos ver, en el Teatro Bellas Artes, del 13 de marzo, al 27 de abril.

https://www.youtube.com/shorts/YcAU4iTGjQY