Comedia reflexiva sobre el consumismo

Los actores Carlos Chamarro, Veki Velilla y Víctor Palmero protagonizan Un buen colchón, una comedia sobre el valor del descanso y los deseos consumistas. La podemos ver en el Teatro Quique San Francisco.

El director escénico Israel Solà (Las aves o El éxito de la temporada) dirige un texto de Paula Llorens (Lluvia o Historia de una maestra) que reflexiona sobre la importancia del descanso como un símbolo de las tentaciones y los deseos consumistas. Una divertida función protagonizada por Carlos Chamarro, Veki Velilla y Víctor Palmero que podemos ver en el Teatro Quique San Francisco, antiguo Teatro Galileo, en pleno centro del castizo barrio de Cahmberí.

El montaje está protagonizado por Carlos Chamarro (famoso por su papel de Julián Palacios en Camera Café y Julio Sarasola en Gym Tony), Veki Velilla y Víctor Palmero. Los tres narran cómo Bárbara y Andrés, una pareja de treintañeros que recientemente ha decidido dar el paso de convivir juntos, se ven envueltos en una peculiar situación tras leer una noticia sobre un futbolista que duerme en un colchón valorado en 45 000 euros. Este simple hecho despierta en Andrés una especie de epifanía, convenciéndolo de que ese colchón debe ser suyo.

A pesar de la inicial negativa de Bárbara, una mujer con los pies en la tierra y enfocada en sus estudios para unas oposiciones, su resistencia comienza a desvanecerse cuando visita la tienda y ve el colchón en persona. Así, la pareja se sumerge en un torbellino de deseo compartido por el colchón, haciéndoles que estén dispuestos a cualquier cosa para obtenerlo, incluso sacrificando sus propios sueños y aspiraciones.

Con ello se profundiza en los peligros del consumismo desenfrenado y en cómo los objetos materiales pueden ejercer un poderoso influjo sobre nuestras vidas y relaciones hasta el punto de perder la cabeza y desviar la atención de lo que realmente importa.

En definitiva, una comedia que nos hace reflexionar, lo cual nunca está de más...

La podemos ver, hasta el próximo día 31 del presente, en el Teatro Quique San Francisco.

https://www.youtube.com/watch?v=7EwsahG9cvI

Una buena zarzuela de Sorozábal

Juan José es un drama lírico al estilo de la zarzuela en tres actos con música de Pablo Solozábal, basado en la obra de Joaquín Dicenta. En breve, la podremos ver en el Teatro de la Zarzuela.

El Teatro de la Zarzuela ofrecerá, en breve, un drama lírico en tres actos con música de Pablo Solozábal basado en la obra de Joaquín Dicenta, que, en febrero de 2009, fue estrenada en el Teatro Kursaal de San Sebastián, en versión de concierto. Sorozábal terminó la obra en 1968 y tuvo un intento de estreno en 1979 que no resultó. No fue hasta febrero de 2016, 48 años después de ser terminada, cuando se estrenó su versión escénica en el Teatro de la Zarzuela.

La historia se desarrolla en los barrios bajos de Madrid. Juan José y Rosa viven desde hace tiempo juntos. Ella es para él el único sentido de su vida. Los acontecimientos que van surgiendo llevarán inevitablemente a un fatal desenlace.

Cuatro clientes disfrutan de bebidas y juegan a las cartas en una taberna. Mientras Andrés y Perico observan el juego en primer plano, Perico, con dificultad evidente, lee en voz alta un periódico. Después de discutir las noticias, la conversación gira hacia Juan José, un antiguo cliente de la taberna. Los presentes recuerdan cómo Juan José conoció a Rosa, defendiéndola de unos señoritos borrachos, y ahora viven juntos. Comentan que Juan José está pasando por momentos difíciles.

Entra Juan José, cansado de trabajar como peón, quejándose de no encontrar a Rosa esperándolo. Explica que ella es el único sentido de su vida y le ha dado cariño, algo que nunca había experimentado antes. Juan José sale acompañado por Andrés, y entra Isidra, una mujer mayor a la que todos toman a broma y consideran una alcahueta. Parece tener influencia sobre Rosa.

En ese momento, un grupo de amigos, liderados por Paco, entra en la taberna con algarabía. Paco se acerca a Isidra, la invita a beber y hablan de Rosa y del interés de Paco en ella. Con una generosa propina, Paco asegura la ayuda de Isidra y ordena que les sirvan una cena en el reservado.

Rosa y Toñuela, despedidas de su trabajo, entran en escena. La tristeza de Rosa contrasta con la alegría de su amiga. Isidra aprovecha para culpar a Juan José de la situación y presenta a Paco como la salvación para Rosa. Se escuchan a lo lejos alegres coplas, cantadas por Paco y sus amigos en el reservado. Paco sale y elogia a Rosa, persuadiéndola para que se una a ellos y cante.

Juan José regresa a la taberna, reconoce la voz de Rosa y la hace salir. Se enfrenta violentamente a Paco, revelando que este último es su capataz. Andrés sujeta a Juan José mientras otros clientes hacen lo mismo con Paco, evitando una confrontación física. Juan José ordena a Rosa que se vaya sola a casa y desafía a Paco desde la puerta, sostenido por Andrés, retándolo a seguirla...

El drama está servido...Y la buena música, también. No me la perderé...

La podemos ver, del 4, al 12 de abril, en el Teatro de la Zarzuela.

https://www.youtube.com/watch?v=eQrpJULhnrw

Ficha artística:

. Dirección musical: Miguel Ángel Gómez-Martínez

• Dirección de escena: José Carlos Plaza

• Escenografía e iluminación: Paco Leal

• Vestuario: Pedro Moreno

• Dirección de reposición: Jorge Torres

• Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro de La Zarzuela

Reparto: 

• Juan José - Juan Jesús Rodríguez (días 4, 6, 10 y 12) / Luis Cansino (días 5, 7, 9 y 11)

• Rosa - Saioa Hernández (días 4, 6, 10 y 12) / Carmen Solís (días 5, 7, 9 y 11)

• Toñuela - Vanessa Goikoetxea (días 4, 6, 10 y 12) / Alba Chantar (días 5, 7, 9 y 11)

• Isidra - María Luisa Corbacho (días 4, 6, 10 y 12) / Belem Rodríguez Mora (días 5, 7, 9 y 11)

• Paco - Alejandro Del Cerro (días 4, 6, 10 y 12) / Francesco Pio Galasso (días 5, 7, 9 y 11)

• Andrés - Simón Orfila

• Cano - Luis López

• Perico - César Arrieta

• Presidiario - Santiago Vidal

Gran y sentido homenaje a Shoenberg

La voz humana/La espera es una función doble en conmemoración del 150º aniversario del nacimiento del compositor norteamericano Arnold Schoenberg. Ya la podemos disfrutar en el Teatro Real.

El director musical francés Jérémie Rhorer y el prestigioso regidor alemán Christof Loy (Arabella, Rusalka o Capriccio) dirigen, en el Teatro Real, una función doble de ópera que conmemora el 150º aniversario del nacimiento del compositor Arnold Schoenberg. El título del espectáculo: La voz humana/La espera.      

La primera obra que se representa es La voz humana (La voix humaine), de Jean Cocteau, con música de Francis Poulenc. La soprano albanesa Ermonela Jaho es la encargada de protagonizar este monólogo que reflexiona sobre el amor como una enfermedad del corazón. Así, se muestra a una mujer que espera junto al teléfono la llamada de su amante durante cinco interminables años. Cuando por fin se produce, la conversación que mantienen será muy diferente a la que había imaginado, ya que se enfrenta a la ruptura de la relación.

Como nexo entre ambas óperas, Rossy de Palma estrena el monólogo Silencio, creado por ella y el director de escena, Christof Loy. Es una invitación poética a recorrer los diferentes estados del amor y el desamor. Un momento de silencio y, al mismo tiempo, un impulso para romperlo.

Tras ello es el turno de La espera (Erwartung op. 17), de Marie Pappenheim, con música de Arnold Schoenberg. Aquí, la soprano sueca Malin Byström personifica a una mujer que está buscando a su amante en medio de un oscuro bosque. La protagonista pasa por una gama de emociones que incluyen la ansiedad, el miedo, la confusión y la desesperación. Y, a medida que avanza la trama, se revelan los detalles acerca de la relación de la mujer con su amante y las circunstancias que la llevaron al bosque. Un montaje que se sumerge en la psicología de una crisis emocional, explorando pensamientos y sentimientos a través de la música.

En cualquier caso, ambos montajes suponen el éxtasis de la pura emoción del ser humano.

Las podemos ver, hasta el día 28 del presente, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=ZLvvQei2EmQ

Ficha artística:

• Director musical - Jérémie Rhorer

• Director de escena - Christof Loy

• Escenografía - Christof Loy y Guadalupe Holguera

• Vestuario - Barbara Drosihn

• Iluminación - Fabrice Kebour

Reparto:

La voz humana (La voix humaine)

• La mujer - Ermonela Jaho

• Marthe - Rossy de Palma

Silencio:

• La mujer - Rossy de Palma

• La voz - Christof Loy

La espera (Erwartung op. 17)

• La mujer - Malin Byström

• El hombre - Gorka Culebras

• Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

La voz humana (La voix humaine)

• Tragedia lírica en un acto

• Música -Francis Poulenc (1899-1963)

• Libreto - Jean Cocteau

• Estrenada en la Opéra-Comique (Salle Favart) de Paris el 6 de febrero de 1959.

Silencio

• Una exploración poética y teatral

• Creación - Rossy de Palma y Christof Loy sobre textos de Oscar Wilde, Bertolt Brecht, Rossy de Palma, entre otros autores.

• La mujer - Rossy de Palma

• La voz - Christof Loy

La espera (Erwartung op. 17)

• Monodram en un acto

• Música - Arnold Schoenberg (1874-1951)

• Libreto - Marie Pappenheim

• Estrenada en Neues Deutsches Theater de Praga, en el marco del International Gesellschaft fur Neue Musik el 6 de junio de 1924.

• Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Teatr Wielki de Varsovia (Ópera Nacional Polaca)

 

Los pormenores de un duelo

Zoé (Y ahora, los vivos) es un montaje formado por varias lecturas francesas dramatizadas de Théo Askolovitch. Está dirigido por Gena Baamonde y lo podemos ver en Naves del Español.

Dentro del ciclo Lecturas dramatizadas, dedicado, en esta ocasión, a la dramaturgia francesa contemporánea y organizado en colaboración con el Institut Français, acoge la pieza dirigida por Gena Baamonde. Se trata del tercero de los cuatro títulos que nos acercan al universo francófono de nuestro tiempo y que se fundamenta en el texto de Théo Askolovitch.

Con este nuevo ciclo de lecturas dramatizadas se pretende dar descubrir y conocer las novedades en la autoría teatral francesa más joven, así como las tendencias más interesantes del país vecino entre las que hay humor, drama, misterio y temas sociales de actualidad como la identidad de género. Como viene siendo habitual, en estos ciclos, la dirección corre a cargo de cuatro directoras: Cristina Rojas, Beatriz Jaén, Paula Amor y Gena Baamonde.

En esta tercera lectura dramatizada, la directora Gena Baamonde nos presenta un texto de Théo Askolovitch. Es un homenaje al amor y al humor, vibrante, directo, divertido y honesto. Una obra cargada de ironía que nos sitúa ante el dilema de cuánto dura un duelo, qué formas tiene, cómo vivirlo y cómo seguir viviendo.

Durante un viaje reparador, un padre, un hermano y una hermana reviven las diferentes trayectorias de su duelo, mientras realizan una memoria de su pérdida. Son personajes a veces sinceros, a veces caricaturizados que, entre lágrimas, palabras, risas, bailes, canciones, burlas, intentan reconstruir la confianza de unos lazos familiares trastocados por la repentina muerte de uno de sus principales pilares: la madre, amada de forma incondicional.

Tras su muerte ¿qué van a hacer ahora los vivos? Se las tendrán que apañar, como siempre ocurre en estos casos...

La podemos ver, los días 23 y 24 de marzo, en Naves del Español.

Cambio radical personal

Paraíso es un monólogo poético-dramático donde el actor Chema Ruiz delibera sobre las transformaciones personales de su vida. Lo podemos ver en el Teatro Fernán Gómez.

El actor Chema Ruiz interpreta un monólogo poético-dramático que reflexiona sobre la transformación emocional y personal de los individuos, incluso de los más desalmados. Su título, Paraíso.

La obra ha sido escrita por Inmaculada Alvear, Accésit al Premio María Teresa León para autoras dramáticas por Mi vida gira alrededor de quinientos metros y Premio Nacional Calderón de la Barca del Ministerio de Cultura de España por El sonido de tu boca. Su historia narra cómo Juan es un alto directivo de una compañía hotelera muy importante, a nivel mundial. Juan es duro, trabajador, tacaño y muy competitivo, pero de pronto ve cómo va cambiando poco a poco tras someterse a un trasplante de corazón.

Y es que sin razón aparente se conmueve más a menudo, empieza a probarse ropa interior sexy, tiene deseos de acostarse con hombres, empieza a comer platos que nada tienen que ver con sus costumbres y ha perdido la garra y la exigencia personal en los negocios. Así, paulatinamente siente, piensa y se comporta como la anterior dueña de su corazón: una prostituta dominicana. Esta mujer emigró a España para ganar dinero y poder mandárselo a su hijo para que comprara una medicación muy cara por una enfermedad que contrajo por las aguas contaminadas vertidas por una empresa del sector turístico en la localidad de Paraíso de Dios. Esto provoca en Juan una conmoción psicológica que le hace derrumbarse en todos los ámbitos de su vida: la familia, el amor y el trabajo.

¿Un cambio de 360 grados? Posiblemente, sí...y para siempre...

La podemos ver, del 21 de marzo, al 7 de abril, en el Teatro Fernán Gómez.

Baroja y Brecht, puro teatro

El veterano actor Ramón Barea nos invita a un juego barojiano y brechtiano, multiforme, que pretende divertir y entretener, a través de la obra La lucha por la vida. En breve, la podremos ver en el Teatro Español.

En breve, el Teatro Español acogerá La lucha por la vida, una obra adaptada por José Ramón Fernández y dirigida e interpretada por Ramón Barea, que se basa en las novelas de Pío Baroja y contiene visos de Bertolt Brecht. Un montaje habitado por multitud de seres en un trepidante juego de actores .

Ritmo cinematográfico para una narración teatral nada maniquea, que no nos deja empatizar con el héroe, porque el héroe no es ejemplar, ni dueño de su destino y tiene que tomar decisiones que no siempre son las políticamente correctas. Aquí, el espectador se coloca en el brete de observar activamente a los personajes.

Una mezcla de estilos no naturalistas —vodevilescos, zarzueleros, melodramáticos, esperpénticos— sirven de presentación para analizar con la distancia suficiente a los personajes y sus peripecias

Tres novelas barojianas para un espectáculo. Diez intérpretes para casi cien personajes. En la trilogía se quedan no menos que otros tantos para quien quiera conocerlos. No nos cabían en el escenario.

En la novela barojiana caben muchas capas: “La novela, hoy por hoy, es un género multiforme, proteico, es formación, en fermentación; lo abarca todo: el libro filosófico, el libro psicológico, la aventura, la utopía, lo épico; todo absolutamente”., decía el escritor vasco.

El teatro contemporáneo, un siglo después, se construye con estos mimbres. Una de las funciones del teatro desde que el mundo es mundo (Baroja/Brecht) es la de divertir. Es pues, este espectáculo, un juego barojiano, multiforme, de una compleja sencillez, que se nos enfrenta desde el escenario.

Estamos, pues, ante teatro, puro teatro.

La podemos ver, del 21de marzo, al 14 de abril, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=JwgsL_dzNjQ

Rey amado, rey odiado

Los genios españoles de la escena Albert Boadella y Ramon Fonstserè y la compañía Els Joglars presentan un espectáculo poliédrico acerca de la figura del rey emérito: El rey que fue. Lo podemos ver, hasta el 31 de marzo, en el Teatro Infanta Isabel.

Els Joglars, la compañía teatral privada más longeva de Europa, representa, en el Teatro Infanta Isabel, su nuevo espectáculo en el que abandona la sátira para retomar la figura del comediante que pone el dedo en la llaga: El rey que fue. Un comediante que sitúa al espectador frente a la evolución política y social de su país. Una reflexión sobre la naturaleza y la condición existencial de Juan Carlos I, un rey que, por un lado, hizo mucho por este país y, por otro, corrupto hasta la médula. De modo que la duda nos viene de si lo que hizo lo hizo por su país o por las comisiones que recibía y que, por cierto, nunca ha devuelto. ¡Tiene collons la cosa..!

La vida del rey emérito es una vida repleta de contrastes. Momentos trágicos, sacrificados, esperpénticos, enloquecidos, magnánimos, divertidos, funestos y osados. Una vida discordante que provoca en sus contemporáneos los más antagónicos juicios.

De este modo, Els Joglars escoge algunos fragmentos de esa vida tan ajetreada (Su infancia y juventud, separado de sus padres y entregado a la tutela de un dictador. La muerte del hermano por un disparo ¿fortuito? de su pistola. La corona arrebatada al padre. Su poder absoluto heredado de la dictadura y entregado a la democracia. El golpe militar frustrado en el último momento. Los manejos económicos. Su incesante inclinación por las amantes, y finalmente, la abdicación en favor de su hijo y el exilio) y articula con ellos un espectáculo que va de lo humorístico a lo trágico.

Un viaje a ninguna parte durante el cual el rey emérito rememora esos momentos y las situaciones que, a lo largo de los años, le han llevado al exilio y la soledad. Una tragedia shakespeariana sobre un rey en el ostracismo que trae al escenario fantasmas del pasado, decisiones, arrepentimientos y orgullos.

La acción se sitúa en 2023, en el Golfo Pérsico. Un rey emérito, anciano y exiliado quiere sentir el sabor de su lejana y querida patria. Dispone una fiesta en un lujoso velero para degustar una deliciosa paella en alta mar. Periodistas, amigos, amigas, jeques y familiares están invitados. ¿Qué puede salir mal? Puede salir todo mal, fruto de la avaricia de ese rey tan amado, antes, y tan odiado ahora. Cada uno tiene lo que en la vida se merece... Y quien siembra vientos, recoge tempestades...

La podemos ver, hasta el 31 de marzo, en el Teatro Infanta Isabel.

https://www.youtube.com/watch?v=uXY3OpN4sVU