El mito de La Bella Otero, en versión ballet

El Ballet Nacional de España representa La Bella Otero, bajo la dirección de Rubén Olmo. Es un espectáculo de ballet inspirado en la vida y obra de la bailarina española de la Belle Époque parisina, Carolina Otero. Lo podemos ver en los Teatros del Canal.

El Ballet Nacional de España, bajo la dirección del conocido coreógrafo Rubén Olmo, representa un espectáculo de ballet inspirado en la vida y obra de la célebre bailarina española de la Belle Époque parisina, Carolina Otero: La Bella Otero.

Agustina Carolina del Carmen Otero Iglesias, más conocida como Carolina Otero o la Bella Otero, fue una coreógrafa, cantante y actriz nacida en Valga (Pontevedra), en 1868. Tras ser violada siendo solo una niña, huyó de su pueblo natal y a los 13 años, tuvo a su primer amante, quien le enseñó flamenco y el oficio de comediante.

Más tarde, se apuntó a una compañía ambulante portuguesa para acabar en Barcelona, donde, en 1888, conoció a un banquero que quiso promocionarla como bailarina, en Francia.

Ella siempre se presentaba como andaluza de origen gitano para dar más énfasis a sus actuaciones y pronto, se hizo muy famosa en el país vecino. También interpretó sus montajes en Estados Unidos, Argentina, Cuba y Rusia, donde conoció al cnocido espía ruso Rasputín.

A parte de su carrera artística, Carolina fue amante de varios monarcas, como Guillermo II de Alemania, Nicolás II de Rusia, Leopoldo II de Bélgica, Alfonso XIII de España y Eduardo VII del Reino Unido. Sin embargo, a pesar de su éxito, era ludópata y terminó sola y arruinada en Niza (Francia), donde murió en 1910 a causa de un infarto.

La función no solo repasa los momentos más importantes de la biografía de Carolina, sino que termina siendo una reflexión sobre el maltrato, la ambición, el éxito, la incapacidad de amar y la soledad.

Las diferentes coreografías están acompañadas de la música de Manuel Busto, Alejandro Cruz, Agustín Diassera, Rarefolk, Diego Losada, Víctor Márquez, Enrique Bermúdez y Pau Vallet y la intervención de varios músicos flamencos del Ballet Nacional de España.

En definitiva, un ballet muy español, que retrata una interesante parte de nuestra historia, a través de este irrepetible y estrambóticamente artístico personaje, ya mito.

Lo podemos ver, del 14, al 16, del mes, ambos inclusive, en los Teatros del Canal.

• Dirección y coreografía - Rubén Olmo

• Dirección musical - Manuel Busto

• Música - Manuel Busto, Alejandro Cruz, Agustín Diassera, Rarefolk, Diego Losada, Víctor Márquez, Enrique Bermúdez y Pau Vallet

• Dramaturgia - Gregor Acuña-Pohl

• Diseño de escenografía - Eduardo Moreno

• Diseño de vestuario - Yaiza Pinillos

• Diseño de iluminación - Juan Gómez-Cornejo

• Imaginería - Manuel Martín Nieto

• Diseño de sonido - Luis Castro

• Diseño de cartel - Manu Toro

• Realización de vestuario - Cornejo

• Calzado - Gallardo

• Utilería de accesorios - Beatriz Nieto

• Peluquería y posticería - Carmela Cristóbal

• Diseño de maquillaje - Otilia Ortiz

• Grabación musical - Fundación Barenboim-Said dirigida por Manuel Busto

• Músicos - Músicos flamencos del BNE

• Artista invitada - Patricia Guerrero

• Colaboración especial - Maribel Gallardo

Ballet romántico por antonomasia

La Sylphide es un estreno absoluto de la adaptación de este ballet romántico por parte de la Compañía Nacional de Danza con la dirección artística de Joaquín de Luz. Lo podemos ver en el castizo Teatro de la Zarzuela.

La ya clásica Compañía Nacional de Danza estrena una adaptación del ballet romántico en dos actos La Sylphide, que, en su día, fue coreografiado por August Bournonville con música de Herman Severin Løvenskiold. Ahora, estamos frente a una nueva versión con la dirección artística del reconocido bailarín y coreógrafo español Joaquín de Luz, a su vez, también director de dicha compañía.

Originalmente, la obra fue creada por Filippo Taglioni con música de Jean Schneitzhoeffer, basándose en el libreto de Adolphe Nourrit, y se estrenó, en 1832, en la Ópera de París. Pero, en 1836, Bournonville versionó una nueva coreografía con música de Løvenskiold sobre el mismo libreto para el Teatro Real de Copenhague, que es la que ahora se representa.

Su trama gira en torno a James, un joven escocés a punto de casarse con Effie. Sin embargo, su vida se complica cuando se enamora de una sylphide, un espíritu del aire. A lo largo de la historia, James persigue a la sylphide, pero nunca logra capturarla, ya que es un ser etéreo que representa la libertad y las metas imposibles. Además, James bebe un filtro mágico dado por la sylphide que lo hace dormir profundamente y cuando despierta, descubre que Effie se ha casado con su amigo Gurn y que la sylphide sigue siendo inalcanzable.

De este modo, y a medida que el relato se desarrolla, los protagonistas se enfrentan a diversos peligros, incluido un hechizo de la bruja Madge, quien ha jurado vengarse de James por haberla rechazado.

Nos recuerda, un tanto, a El lago de los cisnes, tanto por su romanticismo, como por su temática...

Ficha artística

• Compañía - Compañía Nacional de Danza

• Director artístico - Joaquín de Luz

• Música - Herman Severin Løvenskiold

• Libreto - Adolphe Nourrit

• Coreografía - August Bournonville

• Puesta en escena - Petrusjka Broholm

• Diseño de vestuario - Tania Bakunova

• Orquesta - Orquesta de la Comunidad de Madrid

Una comedia ligera sobre la pareja

El mítico madrileño Teatro Bellas Artes ofrece la comedia La ilusión conyugal, comedia interpretada por tres conocidos actores: el guaperas (que no tanto) Alejo Sauras, Alex Barahona y Ángela Cremonte. Dirigida por Antonio Hortelano (el rebelde Quimi en la serie Compañeros), esta pieza teatral habla de las mentiras, el amor, las infidelidades.

Las relaciones de pareja, el amor, la amistad y la mentira son temas recurrentes utilizados por muchos autores para sus obras, pero pocos consiguen ofrecer un texto con un diálogo tan directo y ágil, tan lleno de sorpresas y revelaciones, como el que Eric Assous ha logrado con La ilusión conyugal. Una obra como la vida misma, con un sentido del humor único que cuenta verdades absolutas sobre la condición humana.

Una graciosa obra donde las apariencias engañan y no es oro todo lo que reluce, donde el espectador no sabe bien distinguir la verdad de la mentira. Una comedia trágica repleta de una ambigüedad que fortalece la profundidad de cada uno de los personajes, seres de carne y hueso, con sus virtudes y defectos, enfrentándose a su propia y cruda realidad.

¿Es realmente necesario saber todo sobre nuestra pareja? ¿Hasta dónde debemos conocer sus secretos más íntimos? ¿Es la verdad un requisito importante y necesario para la felicidad? ¿Dónde empieza y termina una mentira? El amor, la pasión, ¿son realmente más fuertes que la razón? ¿Qué pasa cuando un ser humano se siente sobrepasado por la situación? ¿Y cuándo decide enfrentarse a sus miedos y a los de los demás?

Con estas premisas, me enfrenté a la obra lleno de expectativas, que, poco a poco, se fueron desinflando, pues, ni el texto es tan brillante como se anuncia, ni la dirección de actores es notable y ni la interpretación de éstos es sobresaliente. Estos recitan, no interpretan y esto es lo peor que puede hacer un actor en el escenario, frente ca un público que espera creerse los personajes. ¿Pero por qué recitan estos actores, cuando todos ellos son solventes..? No se nos ocurre otra cosa que decir que porque están mal dirigidos...Una pena para una comedia, que no es la repera, pero que podía estar mejor...

La podemos ver, hasta el 7 de enero, en el Teatro Bellas Artes.

¡OMG, vuelve la Carrá!

El teatro Capitol Gran Vía ofrece el musical Bailo Bailo, con canciones de la popular showwoman italiana Raffaella Carrà. La producción corre a cargo de Federico Bellone, a partir de la película Explota Explota, dirigida por Nacho Álvarez, en 2020. Lo podemos ver en el excelso Teatro Capitol.

Bailo Bailo es todo un homenaje a la carrera de la cantante y presentadora de TV italiana Raffaella Carrá, que cuenta con la presencia de artistas tan importantes como Lydia Fairén, Natalia Millán, Naím Thomas o Pepa Lucas, entre otros. Es una celebración viva del mito de la artista italiana que se ha convertido en un proyecto internacional paneuropeo en el que participan productoras italianas, españolas y holandesas, como Tornasol Sl, Sunset Ent Sl, Mas Srl y Dreamcatcher Bv.

El argumento narra la historia de María, una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad, a principios de los años setenta, que vive en una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Es una oportunidad para descubrir cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad, a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà, quien, pese a ser requerida en Hollywood por su temprano talento, prefirió quedarse en “casa” y, desde ella, consiguió un éxito mundial, especialmente, europeo.

Con seis protagonistas que se buscan a sí mismos, la historia cuenta cómo es su camino, de su crecimiento humano, profesional y de su éxito en tres localizaciones diferentes de donde proceden tres de los personajes principales: María de Italia, Pedro y Rosabella.

He de reconocer que entré al musical sin grandes esperanzas de ver algo de calidad. Pero, sorpresa, salí encantados. En primer lugar, porque se trata de una gran producción, de un gran proyecto. En segundo, porque particularmente, me encanta el baile y las buenas coreografías. Y en tercer y último lugar, porque la historia me parece encantadora y porque los artistas lo son como la copa de un pino. Y no soy precisamente fan de la Carrá, aunque reconozco su gran mérito...¡Queda dicho..!

Lo podemos ver, durante toda la temporada, en el Teatro Capitol.

Los primeros Ron Lalá

La formación Ron Lalá presenta el espectáculo Ron Lalá 4x4, en el realiza un resumen-compendio de sus cuatro primeras obras. Lo podemos ver en el Teatro Fernán Gómez Centro-Cultural de la Villa.

La prestigiosa formación Ron Lalá presenta el espectáculo Ron Lalá 4x4,en el que resume sus cuatro primeras obras: Mi misterio del interior, Mundo y final, Time al tiempo y Siglo de Oro, siglo de ahora.

Se trata de un recorrido por las mejores escenas de los montajes que la consolidaron como una de las compañías más premiadas y aclamadas por la crítica y el público. Además, el día 21 de diciembre cuenta con un encuentro con los espectadores al término de la representación y los días 19 de diciembre y 11 de enero se han organizado funciones matinales y de campaña escolar.

Ron Lalá es un grupo que se ha destacado por su originalidad y creatividad en la escena teatral. Fue fundado en Madrid en 1996 por Álvaro Tato y Cristian Garma con la intención de fusionar la poesía, la música, el teatro y la sátira social. Su nombre proviene de un juego de palabras con la expresión "rondalla", que es un conjunto musical típico de España.

Así, sus producciones suelen abordar temas sociales, políticos y culturales de la actualidad española y global de manera irónica y crítica y buscando un enfoque ingenioso y reflexivo. Algo a lo que se une música en vivo, que va desde el rock y el pop hasta ritmos folclóricos españoles. Entre sus piezas más conocidas se hallan En un lugar del Quijote, ¡Shhh! La reina del silencio o Cervantina.

Lo podemos ver en el Teatro Fernán Gómez, del 14 de este mes, hasta el 14 de enero próximo.

Escenas de ¿Matrimonio?

Los conocidos y laureados actores Ricardo Darín y Andrea Pietra dan vida a los personajes de la comedia Escenas de la vida conyugal, que vuelve nuestros escenarios por enésima vez, una comedia sobre el matrimonio bajo la dirección de la directora escénica y popular actriz argentina Norma Aleandro. La podemos ver en el castizo Teatro Infanta Isabel.

Los actores Ricardo Darín y Andrea Pietra dan vida a una comedia sobre el matrimonio. Una comedia escrita por el ya desaparecido director de cine Ingmar Bergman (Fresas salvajes, Fanny y Alexander) que cambió para siempre la concepción de la palabra matrimonio y que cuenta con la dirección de la conocida  dramaturga, directora escénica y popular actriz argentina Norma Aleandro.

Dentro de un marco intemporal, Juan y Mariana narran a los espectadores sus relaciones personales durante su matrimonio y después una vez divorciados. Una secuencia de escenas en la que muchos asistentes se verán reflejados por la cercanía de los hechos. Además, su ironía y la acidez de sus diálogos aportan un toque humorístico a los siempre difíciles problemas del corazón.

El director sueco concibió Escenas de la vida conyugal como una miniserie para la televisión sueca con Liv Ullman y Earlan Josephson como protagonistas. Su versión, de unas cinco horas de duración, fue presentada en seis capítulos en 1973, cosechando una audiencia espectacular.

Gracias a ello, importantes productores pidieron a Bergman reducir la miniserie a una película que, una vez estrenada, obtuvo varios premios como el Globo de Oro y un premio BAFTA. Tiempo después, el propio Bergman adaptó el guion cinematográfico al formato teatral.

Por su parte, Norma Aleandro, primera dama de la escena argentina y directora de esta versión, se encargó de protagonizar la obra en el año 1992 junto a Alfredo Alcó marcando uno de los hitos teatrales de la cartelera porteña.

La podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel, hasta el día 17 de este mes.

Cómo liberarse de las emociones familiares

El prestigioso director escénico Mario Gas dirige un drama sobre la confrontación y liberación emocional con un reparto liderado por la mítica actriz Nuria Espert . ¿Su título?: La isla del aire. (La Celestina, Quién teme a Virginia Wolf). La podemos ver en el madrileño (Teatro Español.

El prestigioso director Mario Gas dirige un drama escrito por Alejandro Palomas que profundiza en el descubrimiento, la confrontación y la liberación emocional dentro de la familia: La isla del aire. Una obra que cuenta con un reparto liderado por la actriz Nuria Espert y que que se puede ver del 8 de diciembre al 14 de enero en el Teatro Español con funciones de martes a domingos.

Su historia está ambientada en Menorca y narra cómo una familia compuesta por cinco mujeres se aventura en un viaje en barca a la isla del aire. La figura central y líder de la familia es Mencía, una anciana que aún no ha podido pasar página de la desaparición de Helena, su nieta mayor.

Durante esta excursión a la isla del aire, Mencía asume un papel activo y guía a sus hijas y nietas a enfrentarse a la verdad y los secretos que han estado ocultando. La trama se centra en cómo esta experiencia en la isla se convierte en un catalizador para revelar y medir los conflictos y las emociones reprimidas que han afectado a la familia.

Así, a medida que avanza la trama, los personajes se ven obligados a desafiar a sus propios fantasmas interiores y a liberar las tensiones acumuladas, conduciéndolas a un proceso de sanación y reconciliación. Además, el elenco del montaje está capitaneado por la veterana actriz Nuria Espert (Premio Princesa de Asturias de las Artes 2016), quien se ve acompañada por Vicky Peña, Teresa Vallicrosa, Candela Serrat y Claudia Benito.

Mario Gas es un dramaturgo, director e intérprete nacido en Montevideo (Uruguay) pero criado en España. Es conocido por ser el doblador de actores como Ben Kingsley, Bill Nighy, Geoffrey Rush y John Malkovich y ha desarrollado una extensa carrera teatral que le llevó a ser el director del Teatro Español de Madrid desde 2004 a 2012.

También ha sido galardonado con diversas distinciones como el Premio Nacional de Teatro de Cataluña 1996, el Premio Ciudad de Barcelona 1998 o los Premios Max al Mejor director de escena 1998 por Sweeney Todd y 2013 por Follies.

Lo podemos disfrutar, del 8 de diciembre, al 14 de enero, en el madrileño Teatro Español.