El teatro también puede ser peligroso

El director croata Bobo Jelčić estrena en España una obra sobre los peligros y el teatro, titulada Sorry (lo siento). La podremos ver en los madrileños Teatros del Canal. 

El director croata Bobo Jelčić estrena, en España, una obra que investiga los peligros de la vida diaria y su vínculo con el teatro: Sorry (Lo siento). Dos únicas funciones que se representan en croata con sobretítulos en español.

Con un libreto escrito por la dramaturga Mirna Rustemović, el montaje ofrece una nueva perspectiva acerca de los peligros de hoy día, especialmente aquellos resultantes del mundo pos-pandémico. Jelčić se centra en las cuestiones emocionales y sociales, reflexionando sobre las nuevas reglas que rigen al individuo. Sus personajes parten de luchas cotidianas que se contraponen con el poder de la imaginación y la inocencia del arte.

De tal modo, hace un ejercicio meta-teatral para explorar la vida en el teatro y el teatro en la vida, utilizando un enfoque muy específico durante el trabajo con los actores. Además, para dar forma a la pieza, Bobo se ha basado en las películas Two Woman Who Ran de Sang-Soo Hong y Sorry We Missed You de Ken Loach.

Así, inspirándose en los marcos de estilo de las primeras telenovelas estadounidenses, una madre soltera vive en un pueblo conservador donde todos saben todo sobre todos y donde todos llevan una vida adecuada. Ella trata de mantener una apariencia normal cargándose de dignidad y buenos modales, pero, en realidad, esconde un doloroso secreto que ha determinado su existencia. Ahora, teme que su hija cometa el mismo error y maniobra para alejarla de los peligros sociales, aunque lo que está haciendo es empujarla sin quererlo hacia el mismo destino.

Bobo Jelčić es un dramaturgo y director nacido en 1964, en Mostar (Bosnia-Herzegovina), y graduado en dirección escénica por la Academia de Artes Dramáticas de Zagreb (Croacia). Es uno de los directores croatas más destacados de las últimas décadas y ha ganado numerosos premios por sus proyectos teatrales, incluidos los premios en el Festival de Verano de Dubrovnik, el Wiener Festwochen y el Festival Internacional de Teatro de Sarajevo. También trabaja como profesor de interpretación en la Academia de Artes Dramáticas de Zagreb.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, los próximos días 24 y 25 del mes.

Contra la guerra y la violencia militares

El reconocido dramaturgo y director Alfredo Sanzol La valentía, La ternura) crea en Fundamentalmente, fantasías para la resistencia, un alegato contra la violencia y la guerra, a través del humor. En breve, la podremos ver en el madrileño Teatro Valle-Inclán.

El reconocido dramaturgo y director Alfredo Sanzol (Premio Nacional de Literatura Dramática 2016 por La Respiración y XII Premio Valle-Inclán de Teatro 2017 por La ternura) nos trae, a través de su última obra (Fundamentalmente, fantasías para la resistencia) un alegato contra la violencia y la guerra a través del humor.

La obra tiene como protagonista a Patricia, una autora y directora de teatro que vive y trabaja en Kiev (Ucrania), cuando se encuentra con la invasión rusa del país. Ante los bombardeos y las escaramuzas militares, Patricia convierte su sala de ensayos en un refugio para los actores y sus familias. Pero, mientras esperan que la guerra termine, Patricia decide seguir produciendo arte, por lo que comienza a diseñar un nuevo montaje: Pim, Pam, Putin.

Con ello no solo desea seguir dotando al teatro de su carácter social, sino que también quiere mantener unidos a sus seres queridos y alejar a su hija Olena de las consecuencias de la contienda. Sin embargo, a partir del momento en el que muere el personaje de Putin, todo se transforma en un gran caos. De tal modo, Sanzol crea un homenaje a la imaginación como herramienta para salvar vidas dentro del contexto actual geopolítico, que, además, ha contado con la colaboración de Anabell Sotelo del ProEnglish Theatre de Kiev. Con su ayuda se ha confeccionado una tragicomedia capaz de expresar el dolor frente al mal y la destrucción, así como la reivindicación de la inocencia como una manera para resistir los envites más amargos de la vida.

La podemos ver en el madrileño Teatro Valle-Inclán, del 24 de febrero, al 16 de abril.

 

Pura filosofía clásica

Atalaya Teatro presenta la obra de Peter Weiss Marat-Sade con la dirección, adaptación y dramaturgia de Ricardo Iniesta. La podemos ver, hasta el próximo día 26 del presente, en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

Atalaya Teatro – compañía teatral española especializada en versiones de textos clásicos- presenta en su 40º aniversario, dentro de la iniciativa  Teatro Dentro del Teatro, la tragicomedia en dos actos: Persecución y muerte de Jean Paul Marat, representada por el grupo teatral del hospital de Chareton bajo la dirección del señor de Sade. Una referencia indiscutible en el teatro contemporáneo que puede verse del 22 al 26 de febrero en la Sala Guirau del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

Muestra un choque entre diferentes posiciones ideológicas que se dieron durante la revolución francesa, encarnadas en cinco personajes reales: el revolucionario Jean Paul Marat, líder de los jacobinos; el Marqués de Sade, partidario de la transformación del individuo más que de lo colectivo; Jacobo Roux, revolucionario precursor de la Comuna de París; Carlota Corday, aristócrata girondina y Coulmier, director del hospital y representante del orden napoleónico.

La obra se desarrolla en tres tiempos: 1793, año que fue asesinado Marat, a los cinco años del triunfo de la Revolución Francesa, que es la época en que sitúan la acción los internos del hospital; 1808, el momento en el que acontece la representación en el hospital y, por último, la época actual en que los actores reales la llevan a cabo.

Aunque no es real que llegaran a encontrarse Marat y Sade, pero sí lo es la estancia del Marqués en el hospital de Charenton, donde se dedicó a dirigir obras de teatro que alcanzaron notoriedad entre los parisinos. La trama se basa en las tres visitas de Carlota Corday hizo a la casa de Marat, en la última de las cuales logra su propósito: asesinarlo.

La representación es interrumpida por los ataques de los locos o por el director del hospital que recuerda al director la censura sobre el texto. Los actores encarnan un doble rol: son enfermos en un hospital psiquiátrico y a la vez son los actores que interpretan su papel en la función que Sade dirige en la sala de baños del manicomio.

La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez, hasta el próximo día 26 del presente.

Una ópera barroca greco-latina

El Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU) ha recuperado la obra lírica Aquiles en Esciros, estrenada para la Corte en el Real Coliseo del Buen Retiro de Madrid, en 1744, siendo la primera vez que ve la luz pública desde entonces. La podemos ver, con la participación de la Orquesta Barroca de Sevilla, en el madrileño Teatro Real de Madrid.

Dirigida por el prestigioso director Ivor Bolton, la ópera barroca Aquiles en Esciros narra cómo Tetis, la madre de Aquiles, esconde a su hijo vistiéndolo de mujer en la isla de Esciros, temerosa de que el poderoso ejército griego se lo lleve a la guerra contra Troya. Pero los griegos no cejan en su búsqueda ya que una profecía dicta que sin este invencible guerrero heleno no habrá victoria en Troya.

Bajo el nombre de Pirra consigue introducirse en la corte del rey Licomedes y hacerse un hueco entre las siervas de la princesa Deidamía, hija del monarca. Pero Aquiles termina enamorándose de ella, complicando con ello su enmascaramiento. Por si fuera poco, la situación se enreda aún más cuando los griegos acuerdan enviar a un diestro embajador a la corte de Licomedes para encontrar a Aquiles: Ulises.

La podemos ver, hasta el 25 de este mes, en el madrileño Teatro Real.

Ficha artística

§ Director musical - Ivor Bolton

§ Director de escena - Mariame Clement

§ Escenógrafa y figurinista - Julia Hansen

§ Coreógrafo - Mathieu Guilhaumon

§ Iluminador - Ulrik Gad

§ Créditos imágenes - © Javier del Real Teatro Real

Orquesta Barroca de Sevilla

Coro Titular del Teatro Real 

 

Reparto

 

§ Licomede - Andrea Mastroni / José Coca (21 febrero)

§ Ulisse - Tim Mead 

§ Deidamia - Francesca Aspromonte 

§ Teagene - Sabina Puértolas

§ Achille / Pirra - Franco Fagioli

§ Arcade - Kryzstian Adam

§ Nearco - Juan Sancho

 

Programa

 

Ópera dramática en tres actos

§ Música de Francesco Corselli (1705-1778)

§ Libreto de Pietro Metastasio

 

Lorca en la mirada de Carlos Saura

India Martínez protagoniza el montaje Lorca de Saura, del recientemente fallecido director de cine Carlos Saura, que narra la vida de García Lorca. Lo podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel.

Lorca de Saura es un montaje del recientemente fallecido director de cine y Goya de Honor Carlos Saura, que narra la vida de Federico García Lorca. Es un espectáculo narrado a través de los ojos de una mujer de nuestro tiempo, la cantante India Martínez, recreando los momentos clave de su vida, desde su infancia en la vega de Granada hasta su fusilamiento durante la guerra civil.

El cineasta Carlos Saura, recientemente fallecido y galardonado con el Goya de Honor 2023, es el responsable de este montaje que protagoniza la cantante andaluza India Martínez que recibió el Premio Goya a la Mejor Canción Original en 2015, acompañada en escena por Saturna Barrio y Alberto Amarilla. Antonio Bejarano pondrá el acompañamiento musical.

La obra juega con fragmentos de las obras escritas por Lorca combinados con otros escritos creados por el autor, recreando ese estilo y ese lenguaje poético. El espectáculo incorpora el cine, la música, la fotografía, el baile y la pintura, convirtiéndolo en un montaje artístico impecable y variado.

Y, finalmente, el texto es un compendio de disciplinas artísticas, perfectamente mezcladas, con la habitual destreza que caracteriza al Saura, generando así un entretenimiento que toca directamente los sentimientos del público.

Lo podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel, desde hoy, al 15 de marzo.

 

Una comedia de enredo de Lope de Vega

El director de escena Rodrigo Arribas se pone al frente de esta adaptación de la comedia de enredo de Lope de Vega La dama boba. La podemos ver en el madrileño Corral Cervantes.

La nueva temporada del espacio para el teatro clásico Corral Cervantes ofrece la representación de una adaptación de la comedia de enredo La dama boba escrita por Lope de Vega y que forma parte de uno de los clásicos del Siglo de Oro. Un montaje con dramaturgia y dirección de Rodrigo Arribas y que se centra en la transformación de la boba Finea en dama discreta, gracias al poder educativo del amor.

En esta adaptación se presenta, a partir del juego escénico, un espectáculo con varios niveles de lectura, desde el juego de amores hasta la lucha contra lo establecido, ofreciendo una mirada lúcida y nada obsoleta de lo que amamos y razonamos.

La dama boba terminó de escribirse en el año 1613 y forma parte del género de las comedias de enredo que plantea el recurrente y revisitado juego cómico entre el amor y la razón, propio tanto del Siglo de Oro como de su autor Lope de Vega.

Su historia lleva al espectador hasta la España del siglo XVI, donde dos hermanas, Finea y Nise, son víctimas del machismo imperante en la época. Para combatirlo, Nise decide escribir con el fin de poder expresar su odio, pero Finea prefiere hacerse la tonta. Todo cambia cuando un amor en común les hace enfrentarse entre ellas. Y es que el amor siempre lo puede todo…

La podemos ver en el madrileño Corral Cervantes, del 14 de este mes, al 30 de junio.

 

Conocido experimento científico

La internacionalmente conocida compañía Comédie-Française estrena, en España, su versión de este relato de terror. Su título, La mosca. La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal.

La compañía Comédie-Française estrena en España su versión de la mítica historia La mosca, de George Langelaan. Una obra que se desarrolla en francés con sobretítulos en español.

Tras presentar, en 2020, en estos mismos teatros madrileños, su adaptación de 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne, los franceses Valérie Lesort y Christian Hecq regresan con un espectáculo que incorpora no solo el teatro, sino también el movimiento corporal, efectos especiales y una estética de la época de los inicios de la informática.

Su argumento, donde los genes de un científico se mezclan con los de una mosca, está considerado como uno de los mejores dentro del terror del siglo XX, encontrándose integrado en la antología Relatos del Antimundo. Además, fue llevado al cine por Kurt Neuman en 1958 y David Cronenberg en 1986, mezclando sus vertientes de ciencia ficción y miedo atávico.

Su historia posiciona al público en los años 70 y tiene como protagonista a Robert, un solterón gordo, calvo y malhumorado que vive con su madre en una especie de garaje-habitación donde intenta construir una máquina de teletransporte. Preocupada por la vida tan solitaria de Robert, su madre, Odette, invita a casa a Marie-Pierre, una mujer cohibida y solterona, para ver si ambos hacen buenas migas.

Pero Robert sigue realizando sus experimentos con animales para perfeccionar su máquina, hasta el punto de que convence a Marie-Pierre para que se convierta en el primer humano que jamás haya sido teletransportado…

La podemos disfrutar en los madrileños Teatros del Canal, hasta el próximo día 12 del mes.