Lorca en la mirada de Carlos Saura

India Martínez protagoniza el montaje Lorca de Saura, del recientemente fallecido director de cine Carlos Saura, que narra la vida de García Lorca. Lo podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel.

Lorca de Saura es un montaje del recientemente fallecido director de cine y Goya de Honor Carlos Saura, que narra la vida de Federico García Lorca. Es un espectáculo narrado a través de los ojos de una mujer de nuestro tiempo, la cantante India Martínez, recreando los momentos clave de su vida, desde su infancia en la vega de Granada hasta su fusilamiento durante la guerra civil.

El cineasta Carlos Saura, recientemente fallecido y galardonado con el Goya de Honor 2023, es el responsable de este montaje que protagoniza la cantante andaluza India Martínez que recibió el Premio Goya a la Mejor Canción Original en 2015, acompañada en escena por Saturna Barrio y Alberto Amarilla. Antonio Bejarano pondrá el acompañamiento musical.

La obra juega con fragmentos de las obras escritas por Lorca combinados con otros escritos creados por el autor, recreando ese estilo y ese lenguaje poético. El espectáculo incorpora el cine, la música, la fotografía, el baile y la pintura, convirtiéndolo en un montaje artístico impecable y variado.

Y, finalmente, el texto es un compendio de disciplinas artísticas, perfectamente mezcladas, con la habitual destreza que caracteriza al Saura, generando así un entretenimiento que toca directamente los sentimientos del público.

Lo podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel, desde hoy, al 15 de marzo.

 

Una comedia de enredo de Lope de Vega

El director de escena Rodrigo Arribas se pone al frente de esta adaptación de la comedia de enredo de Lope de Vega La dama boba. La podemos ver en el madrileño Corral Cervantes.

La nueva temporada del espacio para el teatro clásico Corral Cervantes ofrece la representación de una adaptación de la comedia de enredo La dama boba escrita por Lope de Vega y que forma parte de uno de los clásicos del Siglo de Oro. Un montaje con dramaturgia y dirección de Rodrigo Arribas y que se centra en la transformación de la boba Finea en dama discreta, gracias al poder educativo del amor.

En esta adaptación se presenta, a partir del juego escénico, un espectáculo con varios niveles de lectura, desde el juego de amores hasta la lucha contra lo establecido, ofreciendo una mirada lúcida y nada obsoleta de lo que amamos y razonamos.

La dama boba terminó de escribirse en el año 1613 y forma parte del género de las comedias de enredo que plantea el recurrente y revisitado juego cómico entre el amor y la razón, propio tanto del Siglo de Oro como de su autor Lope de Vega.

Su historia lleva al espectador hasta la España del siglo XVI, donde dos hermanas, Finea y Nise, son víctimas del machismo imperante en la época. Para combatirlo, Nise decide escribir con el fin de poder expresar su odio, pero Finea prefiere hacerse la tonta. Todo cambia cuando un amor en común les hace enfrentarse entre ellas. Y es que el amor siempre lo puede todo…

La podemos ver en el madrileño Corral Cervantes, del 14 de este mes, al 30 de junio.

 

Conocido experimento científico

La internacionalmente conocida compañía Comédie-Française estrena, en España, su versión de este relato de terror. Su título, La mosca. La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal.

La compañía Comédie-Française estrena en España su versión de la mítica historia La mosca, de George Langelaan. Una obra que se desarrolla en francés con sobretítulos en español.

Tras presentar, en 2020, en estos mismos teatros madrileños, su adaptación de 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne, los franceses Valérie Lesort y Christian Hecq regresan con un espectáculo que incorpora no solo el teatro, sino también el movimiento corporal, efectos especiales y una estética de la época de los inicios de la informática.

Su argumento, donde los genes de un científico se mezclan con los de una mosca, está considerado como uno de los mejores dentro del terror del siglo XX, encontrándose integrado en la antología Relatos del Antimundo. Además, fue llevado al cine por Kurt Neuman en 1958 y David Cronenberg en 1986, mezclando sus vertientes de ciencia ficción y miedo atávico.

Su historia posiciona al público en los años 70 y tiene como protagonista a Robert, un solterón gordo, calvo y malhumorado que vive con su madre en una especie de garaje-habitación donde intenta construir una máquina de teletransporte. Preocupada por la vida tan solitaria de Robert, su madre, Odette, invita a casa a Marie-Pierre, una mujer cohibida y solterona, para ver si ambos hacen buenas migas.

Pero Robert sigue realizando sus experimentos con animales para perfeccionar su máquina, hasta el punto de que convence a Marie-Pierre para que se convierta en el primer humano que jamás haya sido teletransportado…

La podemos disfrutar en los madrileños Teatros del Canal, hasta el próximo día 12 del mes.

 

 

Interpretación del instrumento la leona

Este es el estreno, en Madrid, de la interpretación libre que Olga Pericet, Premio Nacional de Danza 2018, realiza junto a un equipo de músicos. Su título: La Leona. La podemos ver en el madrileño Teatro Conde Duque.

La Leona es una interpretación libre de la bailaora Olga Pericet, inspirada en un instrumento único, La leona, la célebre guitarra de Antonio De Torres y en su proceso de construcción, singular, lleno de matices, misterios y poesía, Pericet se sumerge en los orígenes del cuerpo flamenco, en el preflamenco, en su mitología y misterio ancestral.

La esencia y el origen de Olga Pericet, Premio Nacional de Danza 2018, queda al descubierto en este espectáculo de baile, donde pone a prueba su bravura, desnudándose física y espiritualmente en una experiencia única e íntima con los espectadores.

La bailaora cordobesa estrena en Madrid su última obra basada en la leyenda de la guitarra creada por Antonio Torres en el siglo XIX. Nos propone un diálogo entre el animal y el instrumento en la simbología de La Leona, la célebre guitarra de Antonio De Torres que podría considerarse el primer prototipo de guitarra española y flamenca.

Junto a un equipo de cinco músicos, Pericet realiza una interpretación libre, en la que según sus palabras quiere sumergirse en los orígenes del cuerpo flamenco, del pre-flamenco, en su mitología y misterio ancestral, que es como un animal que ruge poderoso frente a esas cuerdas de las primeras guitarras de sonido destemplado.

 

La podemos ver en el madrileño Teatro Conde Duque, del 9, al 11 de este mes.

 

La avaricia rompe el saco

El dramaturgo Ricardo Iniesta y la compañía Atalaya Teatro presentan una adaptación de la muy conocida obra El avaro, de Molière. La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez.

La Sala Guirau del Teatro Fernán Gómez, de Madrid, acoge la representación de una adaptación de El avaro, de Molière que llega de la mano del dramaturgo Ricardo Iniesta y la compañía Atalaya Teatro.

Este año, se conmemoran los 350 años del fallecimiento de Molière, considerado como uno de los grandes dramaturgos de la literatura universal. Ahora Atalaya Teatro aborda, por vez primera, este texto cuando la compañía cumple 40 años de trayectoria profesional.

Para la ocasión, el director Ricardo Iniesta ha realizado una adaptación manteniendo la esencia de la obra pero suprimiendo aquellas partes que peor han envejecido o que resultan más costumbristas. Además, ha incorporado algunos elementos del guión que Tonino Cervi y Alberto Sordi elaboraron para una recreación cinematográfica de la obra de Molière.

El montaje se representa en clave de musical, lo que unido a que el personaje protagonista lo interprete una actriz suponen dos aportaciones claves en la adaptación de Atalaya, así como la huida de la ambientación clásica.

La temática resulta de actualidad y por ello también se han cambiado algunos de los nombres de los personajes como un guiño al día de hoy.

Una obra absolutamente imprescindible para una sociedad que no ha cambiado un ápice desde la época en que fue escrita…¡No os la perdáis! Además, Atalaya es de las mejores compañías nacionales especializadas en montajes de textos cásicos…

 

 

La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez, del 9, al 19 de febrero.

Los nadadores diurnos (Salón de belleza)

La reputada directora escénica Carlota Ferrer dirige la obra Los nadadores diurnos (Salón de belleza), de José Manuel Mora, que presenta un texto existencialista del dramaturgo José Manuel Mora. La podemos ver en Naves del Español-Matadero Madrid.

El madrileño espacio Naves del Español en Matadero alberga, en la Sala Max Aub, la representación de un montaje dirigido por Carlota Ferrer con texto y dramaturgia de José Manuel Mora.

El montaje se desarrolla en un salón de belleza regentado por el hijo de Jean G., fundador de la Orden de Los Nadadores Nocturnos, que es el niño con el que finalizaba la función de Los nadadores en Matadero y que sobrevivió al ataque final e incendio de la Orden.

En este salón de belleza se encuentran, por un lado, con la intrahistoria de ese niño, con el intento de concepción real de un hijo biológico y natural −con múltiples avatares médico-logísticos propios de una screwball comedy− por parte del autor de la pieza y su traductora al alemán; y, por otro lado, con la vida de todos los personajes que acuden a este decimonónico salón de belleza en busca de la liberación de viejos dolores y para prepararse para cruzar el umbral. Una obra donde destaca el humor negro, los chismes y cotilleos o la prensa del corazón, entre otros temas.

Salón de belleza mantiene, en cierta forma, la idea original de Los nadadores, presenta  fragmentos y trozos de vida de varios personajes que no logran encajar en las exigencias de nuestra sociedad y que, de alguna manera, se muestran como los residuos de nuestro propio sistema. Pero, en este caso, estos personajes se encuentran en un salón de belleza donde estos personajes ajustan cuentas consigo mismos y se preparan física y moralmente para cruzar la orilla.

Este salón de belleza sirve a modo de spa para aquellos que ya están cansados del mundo y saben que no hay nada más importante que los cuidados compartidos y un lugar donde refugiarse.

 

La podemos ver en el madrileño espacio Naves del Español-Matadero Madrid, del 8 de febrero, al 5 de marzo.

 

 

Ella era él

La compañía Teatro Defondo celebra sus veinte años de trayectoria representando la novela Orlando, de Virginia Woolf Orlando. La podemos ver en el madrileño Teatro Quique San Francisco.

La compañía Teatro Defondo celebra su vigésimo aniversario representando uno de sus mayores éxitos: su propia versión de la novela homónima de Virginia Woolf, Orlando. Es un montaje con música en directo que explora los roles de género, la identidad, el amor, la belleza y las convenciones sociales.

Finalista de los Premios Max 2019 a la mejor adaptación teatral y ganadora del XXI Certamen Nacional para Directoras de Escena Ciudad de Torrejón de Ardoz, la obra se fundamenta en una celebración de la vida mediante un juego de atracción, seducción y apertura de los sentimientos del público. Se trata de uno de los trabajos más laureados del siglo XX que narra la triste existencia de Orlando, un aristócrata de la Inglaterra victoriana que se mantiene con vida hasta la Primera Guerra Mundial.

Son cuatrocientos años en los que termina mutando de sexo, el cual se realiza en la función a través de cambios de vestuario. Un hecho que sirve para analizar distintos tabúes de la época como la homosexualidad, el papel de las mujeres o la sexualidad femenina.

El libro fue escrito por Woolf en 1928, siendo exportado a muchos países y versionándose en el teatro y el cine, como la película de Sally Potter protagonizada por Tilda Swinton. El argumento original mantiene un tono dramático, pero este montaje juega con el humor y la intención de brindar un carácter más cercano a las temáticas que se examinan durante la evolución de su protagonista.

Además, el espectáculo cuenta con la coproducción de la Comunidad de Madrid y el apoyo del Centro Dramático Nacional, el Fondo IBERESCENA y el Ayuntamiento de Coslada, entre otras instituciones.

Fundada en Madrid en 2002, Teatro Defondo es una formación escénica que se ha especializado en producciones cómicas y la actualización de clásicos teatrales, tratando de aproximar este arte al público joven y uniendo el texto y la música. Liderada por Vanessa Martínez, ha llevado a cabo títulos como El maestro de danzar, Mucho ruido y pocas nueces, La teatropedia, La ópera del malandro o Los atroces.

La podemos ver en el madrileño Teatro Quique San Francisco, del 8 de febrero, al 19 de marzo.