Fame!

David de Silva una adaptación de la clásica película y serie de TV musical Fama, una versión que regresa con una banda sonora nueva, donde solo permanece el tema Fame, y tramas y personajes diferentes.

David de Silva, uno de los productores del filme original Fame, vuelve a posicionar al público en la prestigiosa High School of Performing Arts de Nueva York (Estados Unidos), donde varios estudiantes aspiran a labrarse un futuro en el mundo de la danza, la música y la actuación, a través de una nueva versión del musical Fama.

La función va desarrollando los problemas de cada uno de los alumnos hasta que al final llega al clímax cuando Carmen retorna de Hollywood muy decepcionada por su fracaso profesional. Además, sus amigos ven como Carmen se ha hecho drogadicta debido a las drogas que ha tomado en las fiestas que se celebran en la ciudad.

Mediante el canto, el baile y el rap se realiza una exploración por los miedos, los amores, los deseos y los aprendizajes vitales de un grupo de jóvenes artistas entusiastas, al tiempo que también se termina llevando a cabo un alegato en contra del consumo de drogas y sus nocivos efectos para la salud.

Por otro lado, su elenco cuenta con más de una veintena de cantantes y bailarines y su coreografía viene diseñada y dirigida por la veterana Coco Comin.

Fama es una película rodada en 1980 dirigida por Alan Parker y escrita por Christopher Gore que obtuvo un notable éxito, siendo galardonada con cuatro Oscar: al Mejor montaje, al Mejor sonido, al Mejor guion original y a la Mejor canción original por Fame. Conjuntamente, consiguió el Premio Grammy al Mejor álbum original escrito para película o televisión.

Lo podemos ver en el madrileño Teatro EDP Gran Vía, toda la temporada.

Crítica a la ignorancia provinciana

La directora de teatro Amelia Ochandiano (La del Soto del Parral o Una gata sobre un tejado de zinc caliente) adapta y dirige una versión de la famosa comedia escrita por Miguel Mihura en 1963 La bella Dorotea, protagonizada por Manuela Velasco. Es una sátira de la sociedad española de la época.

Ambientada en la década de los años 70, La bella Dorotea narra cómo Dorotea es la hija del cacique de un pueblo del Norte de España. Es una mujer que ha viajado y, por lo tanto, entiende otras formas de pensar y de vivir. Su máxima aspiración es contraer matrimonio. Un día conoce a Fermín, un forastero del que se enamora.

Sin embargo, las gentes del lugar empiezan a rumorear y cuchichear acerca de la pareja y sobre la posibilidad de que Fermín solo la quiera por su dinero. Esto provoca que él se sienta tan dolido que deje a Dorotea plantada en el altar el mismo día de su boda.

Dorotea, harta de la mentalidad cerrada y provinciana de sus vecinos, les jura que no se quitará el vestido de novia hasta que encuentre a alguien con quien casarse, con el objetivo de remover sus conciencias. Pero los meses trascurren y Dorotea no halla pretendiente… hasta que aparecen por la localidad Juan y José Rivadavia, un feriante y un barítono en decadencia, respectivamente, dando un giro insospechado a los acontecimientos...

La podemos ver del 30 de marzo, al 1 de mayo, en el madrileño Teatro Español.

 

Flamenco a cuatro manos

El madrileño tablao flamenco Las Tablas estrena Bailes robaos, un espectáculo a cuatro manos con los conocidos bailaores Mariana Collado y Carlos Chamorro.

Bailes robaos es la última propuesta de espectáculo del madrileño tablao flamenco Las Tablas. En ella cuatro artistas en un mismo tiempo y espacio comparten la adrenalina y la frescura de la primera vez que pisaron Las Tablas. La herencia y contemporaneidad definen esta propuesta libre y poética. Los bailaores, Mariana Collado y Carlos Chamorro. A la guitarra, José Almarcha. Cantando: Roberto Lorente.

Los podemos ver en el madrileño tablao Las Tablas, del 31 de marzo, al 3 de abril.

Jeanne Dark

La performer Marion Siéfert y la coreógrafa Helena de Laurens estrenan en España, dentro del festival madrileño Canal Connect 2022, con Jeanne Dark, un espectáculo que profundiza en las redes sociales, el acoso escolar y la sexualidad.

La performancer

Jeanne Dark relata la historia de Jeanne, una adolescente de 16 años de una familia católica de Orleans (Francia). Ella todavía es virgen y por ello en los últimos meses ha tenido que soportar las burlas de sus compañeros de instituto. Un día, cansada de la situación, decide hacer un directo desde su perfil de Instagram describiendo por lo que está pasando y encarnando a cada una de las personas que componen su círculo cercano.

Estrenada el 2 de octubre de 2020, en el Théâtre de la Commune de Aubervilliers (Francia), esta pieza es la segunda colaboración entre Siéfert y de Laurens tras Le Grand Sommeil en 2018. Ahora generan una producción que se desarrolla simultáneamente en el teatro y a través de un canal de redes sociales, ya que es la propia Jeanne, interpretada por Helena, quien realiza la grabación en directo, en dos pantallas que enmarcan el escenario y que van creando una narración diferente y fantástica.

Marion Siéfert es una regidora y dramaturga francesa en cuyas funciones explora el empleo de las redes sociales y pone al espectador en una posición de voyerista por medio del uso juicioso de las pantallas. Ha colaborado en las películas Nocturnes y L'epoch de Matthieu Bareyre, está asociada al Théâtre de la Commune de Aubervilliers desde 2018 y este es su cuarto trabajo como directora y autora.

Helena de Laurens es una actriz y bailarina parisina con un máster en Literatura Moderna por la Sorbona y un máster en Artes y Lenguas por la EHESS (Escuela de Estudios Superiores en Ciencias Sociales). También se formó en Arte Dramático en el Conservatorio de París y en danza contemporánea mediante diversos talleres y pasantías.

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, los días 26 y 27 de marzo.

 

Los entresijos del poder

Antonio Simón (Yo, Feuerbach o Nápoles Millonaria) dirige una adaptación de la tragicomedia de Harold Pinter El cuidador, protagonizada por Joaquín Climent, Álex Barahona y Juan Díaz, que trata sobre las relaciones personales, la comunicación, el poder y la corrupción.

Estructurado en tres actos, este montaje de la obra El cuidador, del dramaturgo norteamericano Harold Pinter fue el sexto de sus principales libretos para teatro y televisión, aunque se convirtió en el primer éxito comercial de Pinter, Premio Nobel de Literatura en 2005. Estrenado en 1960, en el Arts Theatre Club del West End de Londres (Reino Unido), su popularidad hizo que tres años después fuese llevado al cine, siendo dirigido por Clive Donner y protagonizado por Alan Bates, Donald Pleasence y Robert Shaw.

En esta ocasión, la función está interpretada por Joaquín Climent, Álex Barahona y Juan Díaz, quienes narran cómo Aston invita a Davies, un vagabundo, a su apartamento tras rescatarlo de una pelea en un bar. Pronto, Davies muestra su verdadero carácter, revelándose como una persona oportunista, racista y egoísta.

Mick, el hermano menor de Aston y propietario de la casa, se queja por la presencia de Davies y para zanjar el asunto le propone ser el portero de la finca. Sin embargo, no tarda mucho en arrepentirse, cuando Davies trata de convencerle para conspirar contra Aston.

Una obra esencial para entender las ansias de poder del ser humano y un texto fundamental para comprender a este importante dramaturgo del siglo XX, que siempre puso el dedo en la llaga.

La podemos ver en el Teatro Bellas Artes, hasta el 24 de abril.

 

Bailando a la belleza de lo caótico

El Ballet National de Marseille representa (La) Horde, un espectáculo de danza contemporánea y música electrónica que reflexiona sobre la belleza del caos.

La función de (La) Horde, del Ballet Nacional de Marsella, está concebida mediante el trabajo conjunto del DJ y compositor francés Rone y el colectivo coreográfico (LA)HORDE. La obra cuenta con la interpretación de una veintena de bailarines y explora los movimientos clandestinos que impulsan a la población sentimientos que van desde la ira hasta el amor. Así, los pasos de danza y los ritmos dance se unen para plasmar el estado de las generaciones actuales, las cuales buscan un sentido de la vida y un futuro mejor, ya sea a través de la celebración o el combate.

El argumento de este ballet contemporáneo narra cómo en una cantera de mármol varias máquinas cortan y pulen la roca. Mientras, los escultores trabajaban con el mármol para liberar al hombre que se haya dentro de la piedra. Una alegoría que indaga en la necesidad de los protagonistas de escapar de la inmovilidad, quienes escudriñan el desastre inminente a la vez que vislumbran la posibilidad misma de su hermosura.

Erwan Castex, alías Rone, es un músico y DJ galo con siete álbumes de estudio y varios remixes que se ha convertido en un productor de performances teatrales y un experto en la música techno más cinemática y experimental. Recientemente, en 2021, ganó el premio Cesar a la Mejor Música de Película por Night Ride, su primera banda sonora cinematográfica.

Por otro lado, (LA)HORDE es una compañía fundada en 2013 por Marine Brutti, Jonathan Debrouwer y Arthur Harel, quienes cuestionan los códigos artísticos actuales, especialmente aquellos del arte moderno en vivo y las artes escénicas. Desde 2019, se encuentra al frente del Ballet National de Marseille, y ha creado, durante este tiempo, piezas coreográficas, películas, videoinstalaciones y performances.

Lo podemos  ver en los madrileños Teatros del Canal, los días 24 y 25 del presente.

 

Necesito amar…pero no puedo

El dramaturgo argentino Claudio Tolcachir presenta Tercer cuerpo, la tercera parte de la trilogía compuesta por las obras La omisión de la familia Colemán y El viento en un violín. Un montaje estrenado en Buenos Aires, en 2008, y en el Festival de Otoño de Madrid, en 2009, que, ahora, regresa a las tablas con un reparto renovado que se compone de Natalia Verbeke, Carmen Ruiz, Carlos Blanco, Nuria Herrero y Gerardo Otero. 

El montaje titulado Tercer Cuerpo (la historia de un intento absurdo) pone en escena una historia que se desarrolla en una oficina destartalada, la casa de una pareja, un bar y un consultorio médico. Distintos escenarios que se van alternando en un mismo espacio, enlazando la vida de cinco personajes a los que les une la soledad, la incomprensión y la necesidad de amar.

Cinco vidas con distintos deseos de amar, cinco personas incapaces. Mientras tanto, se vive, se trabaja, se intenta con el miedo a no ser y a la incapacidad. Es la historia de un intento absurdo, de querer vivir cada día, a pesar de todo.

A partir de la ruptura del espacio escénico, este montaje se presenta como una propuesta apoyada en las actuaciones. El eje espacio-tiempo entendido como unidad convencional, se rompe dando paso a una homologación de distintas situaciones que conviven en un mismo espacio, un espacio que es uno y muchos a la vez. La puesta en escena, la escenografía y la iluminación acompañan esta obra donde el acento se pone en los personajes y los vínculos que mediante ellos se desarrollan, desatan, explotan.

En definitiva, un texto profundo, existencialista y tan real como la vida misma…

La podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel, desde el próximo día 24, hasta el primero de mayo.