La primera ópera cómica de Händel

El director estadounidense Christopher Alden, Premio Olivier a la Mejor Producción Operística en 2009, dirige una versión de la primera ópera cómica de Georg Friedrich Händel, Parténope. Un montaje que también cuenta con la dirección musical del inglés Ivor Bolton.

La ópera cómica barroca Parténope, de Händel, es una de las piezas menos interpretadas de las últimas décadas y se representa en italiano con subtítulos en inglés y español. Su libreto conjuga el carácter antiheroico y satírico de la antigua ópera veneciana y el enredo sentimental de la opera buffa. Dicho espectáculo fue rechazado en 1726 por la Royal Academy of Music por su naturaleza frívola, su travestismo y sus confusiones de género.

Adaptada su historia a un entorno urbanita, inspirado en la mansión de la escritora y periodista Nancy Cunard, cuenta cómo la reina de Nápoles, Parténope, pide ayuda a Apolo ante el avance del ejército de Emilio. Eurimene, un príncipe armenio, solicita audiencia al haber naufragado en sus costas. Acompañada por el príncipe Arsace y el príncipe de Rodas, Armindo, lo recibe.

Pero Arsace duda acerca de la identidad de Eurimene, ya que le recuerda a Rosmira, la princesa de Chipre que abandonó por seguir a Parténope. Rosmira le confiesa que es ella y que ha llegado buscándolo porque aún le ama.

Mientras tanto, Armindo le declara su amor a Parténope, pero esta le dice que su relación no es posible porque está prendada de Arsace. De pronto aparece Emilio y pide la mano y el reino a Parténope. Al negarse, Emilio declara la guerra…Y el conflicto está, entonces, servido.

Ficha artística:

§ Dirección musical - Ivor Bolton

§ Dirección de escena - Christopher Alden

§ Escenografía - Andrew Lieberman

§ Figurines - Jon Morrell

§ Iluminación - Adam Silverman

§ Orquesta - Orquesta Sinfónica de Madrid

Reparto:

§ Parténope - Brenda Rae (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Sabina Puértolas (14, 16, 20 nov)

§ Rosmira - Teresa Iervolino (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Daniela Mack (14, 16, 20 nov)

§ Arsace - Iestyn Davies (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Franco Fagioli (14, 16, 20 nov)

§ Armindo - Anthony Roth Costanzo (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Christopher Lowrey (14, 16, 20 nov)

§ Emilio - Jeremy Ovenden (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Juan Sancho (14, 16, 20 nov)

§ Ormonte - Nikolay Borchev (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Gabriel Bermúdez (14, 16, 20 nov)

La podemos ver del 13, al 23 de noviembre, en el Teatro Real.

 

La obsesión por estar delgado

La dieta es una obra de teatro acerca de cómo la sociedad actual penaliza la obesidad y ensalza la figura estilizada. El protagonista, un gordo gordo, a modo de terapia, organiza sesiones públicas…

El dramaturgo madrileño Javier García Mauriño escribió en su día La dieta, sobre cómo nuestra sociedad prioriza la buena figura físita, en detrimento de los obesos. Demetrio, el protagonista, asegura pesar 150 kilos. Le obsesionan las dietas, los complejos vitamínicos, la sana alimentación. En su afán por lograr un equilibrio anímico, alquila salas donde reúne a grupos de personas a quienes hace partícipes de sus obsesiones e inquietudes a modo de terapia.

Por su parte, Carlos, su hermano gemelo, es su antítesis. Se considera ejemplo de perfección. Sigue a su hermano por las salas y advierte a los públicos que reúne, de lo que se pueden encontrar escuchándolo. Carlos no cree en las dietas ni en el equilibrio. Su medida para llevar una vida saludable es el placer desmedido y el exceso en todo.

El organizador nos hace ver que nos encontramos ante un hecho teatral. Los tres personajes hacen un recorrido por lo que significa la alimentación.

La necesidad de comer es lo único que iguala a todos los seres humanos. Repasan las dietas de grandes figuras históricas y reflexionan acerca de las consecuencias positivas y negativas que el hecho de comer ha tenido a lo largo de la historia de la humanidad.

El montaje está dirigido por Jorge V. García Ramos.

Lo podemos disfrutar en la madrileña Sala Plot Point, hoy,5, y mañana, 6 de octubre.

 

El éxodo rural, a examen

Se adapta al teatro la popular novela del escritor leonés Julio Llamazares, La lluvia amarilla. Un testimonio del último habitante de una localidad abandonada llamada Ainielle que reflexiona sobre la posguerra y el abandono de las zonas rurales.

La lluvia amarilla está representada por Pedro Rebollo y Alicia Montesquiu, y tiene como protagonista a un hombre a las puertas de la muerte que relata cómo su pueblo, Ainielle, en el Pirineo aragonés, se ha ido vaciando. Así, va recordando a otros vecinos del municipio, quienes lo abandonaron o fallecieron, al tiempo que se enfrenta a los desvaríos de su mente y su percepción imaginativa del lugar fantasmal en el que vive.

Julio Llamazares se inspiró en Sarnago, un pueblo deshabitado de las Tierras Altas de Soria que, tras la marcha de sus ciudadanos por una expropiación forestal, una asociación logró rehabilitar y crear un programa cultural de verano con el fin de luchar contra el éxodo rural.

Jesús Arbués es un titulado superior en Arte Dramático por el Institut del Teatre de Barcelona. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Terror y miseria del Tercer Reich, Un día, una hora, Habibi / Amado o Ligeros de equipaje.

La podemos ver en el madrileño Teatro Español, hasta el 12 de diciembre.

 

Jugar siendo niño

La compañía de teatro guadalajareña Ultramarinos de Lucas representa la obra “¿Cuándo viene Samuel?”, un espectáculo familiar que reflexiona sobre la importancia del juego en la infancia.

La obra para toda la familia “¿Cuándo viene Samuel?” está dirigida por Juan Berzal, quien también la interpreta acompañado por Juan Monedero y Jorge Padín. Su historia comienza con dos hombres en un columpio, quienes juegan mientras esperan la llegada de Samuel.

Los protagonistas del espectáculo tratan de descubrir cómo son los primeros años de la infancia a través del juego, una actividad fundamental en la sociedad tanto a nivel cultural como de enseñanza. Y es que con el juego los niños conocen a otras personas, descubren conocimientos, se relacionan y crecen. Con ello el espectáculo genera una fiesta teatral que a su vez celebra otra como es la vida en la infancia.

Ultramarinos De Lucas es un conjunto fundado en Guadalajara en 1994 cuya formación proviene de escuelas como la École International de Jacques Lecoq de París (Francia) o el Teatro de La Abadía de Madrid. Con más de 25 años de trayectoria, ha creado más de una veintena de montajes para público adulto y familiar.

Esta compañía ha sido galardonada con el Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud en dos ocasiones, en 2015 y 2020. Además, es miembro de la Asociación Nacional de Teatro para Niños y Jóvenes TE VEO y de la Asociación de Compañías Profesionales de Artes Escénicas de Castilla-La Mancha (ESCENOCAM).

La podemos ver en Naves del Español (Madrid), hasta el 21 de noviembre.

 

El musical sobre Tina Turner

Tras triunfar en Broadway y el West End londinense, la producción musical de Stage Entertainment que rinde homenaje a la carrera de Tina Turner llega al madrileño Teatro Coliseum con gran expectación.

El espectáculo Tina Turner está escrito por Katori Hall, ganadora de un premio Olivier, y dirigido por Phyllida Lloyd, siendo la propia Tina la coproductora de la obra. El montaje recorre la biografía de la conocida como Reina del Rock a través de algunas de sus canciones más famosas como What´s love got to do with it, Proud Mary, Private dancer, River Deep - Mountain High o Simply The Best. Así, vislumbra cómo Tina pudo superar todos los prejuicios de sexo, raza o edad y convertirse en una de las mayores estrellas de la música de la historia.

Su éxito ha sido tal que en la 74ª edición de los Premios Tony que se celebrará este año cuenta con doce nominaciones, incluida la de Mejor Musical.

Nacida en Brownsville (Estados Unidos) en 1939, Anna Mae Bullock, cuyo alter ego es Tina Turner, es una compositora, bailarina, actriz y coreógrafa de nacionalidad suiza y origen estadounidense. Comenzó su carrera a mediados de los años 50 como vocalista junto con su esposo Ike Turner en Kings of Rhythm. Con éxitos notables pronto le llegó la fama y en 1984 editó su primer disco en solitario, Private Dancer. Tras ello desarrolló una extensa trayectoria de medio siglo hasta su retirada en 2009 con 70 años.

La Turner se caracterizó por sus explosivas actuaciones en directo, sus extravagantes atuendos y su poderosa voz. Se estima que vendió más de 200 millones de álbumes en todo el mundo y también apareció en algunas películas como El último gran héroe y Mad Max: más allá de la cúpula del trueno. Su vida fue trasladada al cine en 1993 con el filme What's Love Got to Do with It (Tina en España), siendo personificada por Angela Bassett.

Lo podemos ver, de miércoles, a domingos, en el Teatro Coliseum, de Madrid.

 

The Full Monty, ahora en Madrid

 

David Ottone, de la prestigiosa compañía de humor Yllana, dirige una adaptación teatral de la popular película británica The Full Monty, premiada con un Óscar a la Mejor banda sonora en 1997. Una comedia musical en la que un grupo de parados se meten a streapers para ganarse la vida…

Producido por Planeta Fama Producciones, Theatre Properties y American Broadway Entertainment, el musical The Full Monty (homónimo de la película) llega a España tras arrasar durante el 2018 y el 2019, en Italia, Alemania y Holanda y triunfar en Broadway, tras años de cartel récord de taquilla. 

Un grupo de trabajadores siderúrgicos desempleados de Buffalo espía a sus esposas en su noche de chicas viendo como disfrutan de una actuación de strippers masculinos. Celosos por la situación y en paro, se les ocurre una forma atrevida y desnuda para ganar dinero de manera rápida. Mientras preparan el plan se encuentran muy expuestos, no solo a nivel físico, sino emocional. A medida que van superando su timidez, miedos y prejuicios, descubren que son más fuertes en equipo y encuentran apoyo los unos en los otros.

The Full Monty, musical nominado diez veces al premio Tony, cuenta una historia llena de corazón con melodías atractivas y un esperado número de cierre por todo lo alto. Con una mezcla de humor negro y dinamismo, es una comedia optimista que logra conmover al público.

La película en la que se basa el musical se estrenó en 1997 y fue dirigida por Peter Cattaneo y protagonizada por reconocidos actores como Robert Carlyle, Mark Addy y Tom Wilkinson. Fue todo un éxito mundial e incluso llegó a ser nominada a los premios Óscar a la Mejor película, aunque finalmente Titanic se llevó el galardón. En 2007 fue catalogada como la segunda mejor comedia británica de todos los tiempos. 

El show tiene un aire alternativo que encanta. Los actores están que se salen. No cantan ni bailan de maravilla, pero lo compensan con sus interpretaciones. Las coreografías, muy divertidas y el resultado final, despampanante, apabullante, increíble. El mejor musical en bastante tiempo, en mi opinión.

Lo podemos disfrutar en el madrileño Teatro Rialto, de martes, a domingos, toda la temporada.

 

¿Qué es ser español?

La compañía Club Caníbal representa su Trilogía Crónicas Ibéricas, que radiografía la esencia de lo español. Una serie repleta de humor negro que indaga en la corrupción, la política y el poder y ofrece un pequeño homenaje a Gila y Berlanga, dos de los grandes cómicos de la historia de España.

El ciclo Trilogía Crónicas Ibéricas ciclo comienza con Desde aquí veo sucia la plaza, una ácida crítica a la identidad española y las tradiciones más arraigadas en la España profunda. Su historia se posiciona en Villanueva de la Faca. Es junio y ya queda poco para la “volá del chivo”, una costumbre típica del pueblo que consiste en lanzar una cabra desde lo alto del campanario.

En segundo lugar, viene Herederos del ocaso, una comedia que satiriza la corrupción en el deporte de élite. De esta forma se presenta a Juan Alegría, un deportista fracasado que ha sido elegido por la Federación Española de Tenis de Mesa para Disminuidos Psíquicos para que dispute los Juegos Paralímpicos de Sídney y consiga una medalla que sitúe a España en lo alto del deporte internacional.

Finalmente, en Algún día todo esto será tuyo se ahonda en el prisma de poder en España por medio de la figura del expresidente de El Corte Inglés, Ramón Areces. La obra crea una metáfora basada en los últimos días de vida de Areces. Los recuerdos de sus andanzas en Cuba y los anuncios de Navidad se mezclan en la cabeza de un hombre que busca un último anhelo antes de expiar.

La podemos ver en el madrileño Matadero Madrid, hasta el próximo día 31 de este mes.