Teatro

“Madame Bovary”. Hasta el 25 de marzo. Teatro Bellas Artes, de Madrid.

Ana Torrent, Juan Fernández, Armando del Río y Fernando Ramallo interpretan esta versión escénica de Emilio Hernández de la popularísima y rompedora novela “Madame Bovary”, de Gustave Flaubert.

La versión teatral de la obra, dirigida por la actriz Magüi Mira y producida por Jesús Cimarro, tuvo su estreno nacional en el Teatro Principal de Alicante, el 2 de diciembre de 2011, y ahora, llega a Madrid. La versión escénica de Emilo Hernández está interpretada por Ana Torrent en el papel de Emma Bovary; Juan Fernández como Carlos Bovary; Armando del Río dando vida a Rodolfo; y Fernando Ramallo encarnando a León.

Por otro lado, el diseño de iluminación llega de la mano de José Manuel Guerra; la música original la pondrá David San José; y el diseño de vestuario correrá a cargo de Helena Sanchís.

Emma Bovary, mujer inteligente inmersa en los duros principios morales y sociales de 1850 que obligan a la mujer a vivir sumisa, intenta escapar de ese paisaje en el que se ahoga. Emma, lee, imagina, sueña, desea, se complace con fiestas, compras excesivas, pelea por lo que ella entiende una vida libre. Acepta y disfruta la relación con Rodolfo, su primer amante, y con León, joven estudiante, su niño al que también ama. Se pierde, equivoca la salida, cada vez mas sola, se hunde impotente. El amor incondicional de su marido Carlos Bovary no puede hacer nada por ella... 

“La última cinta de Krapp”. Hasta el primero de abril. Teatro de la Puerta Estrecha, de Madrid.

Krapp, un hombre cuya vida está mediada por sus propias grabaciones. Un diálogo de un hombre consigo mismo, o con sus yos pasados. En su cumpleaños, su último cumpleaños, el viejo Krapp se sienta con su magnetófono, su diccionario y sus plátanos y escucha su propio pasado contado por una voz más joven, a veces con placer, a veces con confusión, irritación o desesperación.
Beckett tiende a lo esencial. La última cinta de Krapp se torna horadante y cada vez más aguzada para penetrar más y más en las capas estratificadas de lo real y llegar a la única verdad que a Beckett le interesa: la verdad sobre la condición humana. No por medio de la verdad intelectual, sino por la verdad sensible. Lo sorprendente es que ese caminar hacia las profundidades no se traduce sino en visiones tenazmente concretas. Esas visiones, esa voz, las reconocemos en nosotros mismos, están mezcladas con nosotros, hombres y mujeres de aquí y de ahora y no perdidas en alguna cómoda abstracción.
“La cinta magnetofónica -dice Beckett- es un truco maravilloso. Resulta raro que no se le haya ocurrido a nadie antes… siendo, sin embargo tan sencillo”. Dicho truco le permite a Beckett un juego del recuerdo y del tiempo; juego teatral donde el espectador está a la vez en la sala y en el escenario.
Tanto en sus novelas, como en sus obras, Beckett centró su atención en la angustia indisociable de la condición humana, que, en última instancia, redujo al yo solitario o a la nada. Asimismo, experimentó con el lenguaje hasta dejar tan sólo su esqueleto, lo que originó una prosa austera y disciplinada, sazonada de un humor corrosivo. Su influencia en dramaturgos posteriores fue tan notable, como el impacto de su prosa.

Teatro

“Grooming”. Hasta el 11 de marzo. Teatro Abadía, de Madrid.

El Teatro de la Abadía acogerá, desde este miércoles, y hasta el 11 de marzo 'Grooming', una obra teatral que sube a escena los abismos del ser humano. El texto, escrito por Paco Bezerra y dirigido por José Luis Gómez, aborda el universo desconocido y confuso de la parafilia a través de los actores Antonio de la Torre y Nausicaa Bonnín."Grooming" es el nombre con el que se conoce el engaño de un adulto a un menor a través de internet para conseguir su confianza y obtener imágenes íntimas del niño o niña e incluso llevar a cabo un encuentro real. Una noticia de un caso real atrapó la curiosidad del dramaturgo Paco Bezerra y decidió escribir esta historia, según ha explicado este martes, durante la presentación de la obra. En su intento por huir de la literatura "rural" en la que se le había intentado encasillar, el autor sintió la "necesidad de indagar en un tema no muy frecuentado en la literatura dramática". El resultado es un thriller del que poco se puede desvelar: un hombre y una chica se conocen por internet y mantienen su primer encuentro físico en un banco de un parque, junto a una farola.
En palabras de José Luis Gómez, esta obra, además de abordar un problema universal, "terrible y temible", abre "grietas sucesivas" en el transcurso de la obra que llenan de sorpresas toda la obra. De esta forma, "bajo la apariencia de las patologías de las que habla, alude a los abismos que existen en el ser humano", indica. El director y los protagonistas han convertido este texto en un "hermoso y turbador cuento negro" porque, explica Gómez, "los personajes son unos ángeles a quienes se les han caído las alas". Las identidades fingidas, la manipulación y los deseos oscuros completan un relato que se desarrolla en plena noche.

Opera

“La clemenza di Tito”. Del 14 de febrero, al 4 de marzo. Teatro Real, de Madrid.

La ópera “La clemenza di Tito”, de Mozart, habla sobre la generosidad y clemencia del emperador romano Tito. El montaje de los hermanos Ursel y Karl-Ernst Herrmann pisa por primera vez el templo de la ópera madrileño con la dirección de Thomas Hengelbrock para poner en escena la última ópera de Mozart.
Para Gerard Mortier, director artístico del Real, esta ópera, con libreto de Metastasio, es totalmente actual y tiene un mensaje político claro: la importancia de la generosidad y el perdón de los gobernantes.
Mozart compuso está obra el mismo año de su muerte, en 1791, y creó una ópera en la que un emperador perdonaba a su amigo íntimo, Sesto, y a su prometida, Vitellia, que habían intentado asesinarle.
Con este argumento que ensalzan las virtudes del perdón y la compasión, los hermanos Ursel y Karl-Ernst Herrmann han creado una puesta en escena simple y pura de la obra de Mozart. Con una arquitectura fuerte, una excelente iluminación e inteligentes ideas originales consiguen transmitir el concepto final que Mozart quería resaltar: la clemencia.
En la parte musical, el director alemán Thomas Hengelbrock se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid y Andrés Máspera será el director de coro. El tenor Yann Beuorn interpretará el papel de Tito y la soprano Measha Brueggergosman encaranará a Vitelia.
Por fin, llega al Real, el único Mozart de la temporada…

Festival de teatro, danza, música, circo y cine

Escena Contemporánea. Diferentes espacios de la Comunidad de Madrid. Hasta el 17 de febrero.

La 12º edición del Festival Escena Contemporánea reflexiona, en esta ocasión, sobre las ideas de memoria y comunidad, a través del trabajo de 28 artistas nacionales e internacionales que mostrarán sus obras en un total de 21 espacios de la Comunidad de Madrid.

El teatro, la danza, el cine, el circo y la performance tendrán cita en los 31 espectáculos que conforman esta edición.

Esta idea responde a la naturaleza abierta y viva de las propias artes escénicas, ante la que se quiere buscar una "comunicación entre distintos lenguajes". Por ello, disciplinas como la literatura o la radio entran en juego en una programación en la que también se apuesta por experiencias vividas, como es el caso de 'Al filo'.

En el ámbito audiovisual y cinematográfico, el cineasta y dramaturgo argentino Federico León presentará dos creaciones de cine, 'Entrenamiento elemental para actores' y 'Estrellas', a los que se suma una pieza teatral catalogada como registro/performance.

Por otro lado, Jesús Rubio, la compañía La Phármaco, Jérôme Bel, Mónica Valenciano, Navaridas & Dutinger, Paz Rojo y Elena Alonso mostrarán sus piezas coreográficas. Además, y en la línea de la performance, se darán a conocer los trabajos de los portugueses Ana Borralho y Joao Galante, la holandesa Falke Pisano y el dramaturgo y pensador Antonio Fernández Lera.

En cuanto al teatro, los alemanes Rimmi Protokoll presentarán 'bLack tie', Javier Moreno llevará su Teatro de acción violenta con 'El ruido y la furia', y el colectivo Teatro Xtremo llevarán ante el público 'San Lorenzo Mártir'.

El Circo Price será testigo de una maratón circense,el 4 de febrero, dirigida por Ronaldo San Martín, en la que varios artistas seleccionados mostrarán su trabajo. Al día siguiente, intercambiarán opiniones sobre el proceso de creación en un encuentro abierto al público.

 ¿Qué sentido tiene hoy hablar de comunidad? El Festival Escena Contemporánea invita a Chantal Maillard, Amador Fernández-Savater y Óscar Cornago a abordar cómo el espacio escénico da lugar a un modo de estar con los demás y frente a los demás, en tres conversaciones que tendrán lugar los días 30 de enero, 6 y 13 de febrero.

 Como novedad, y en su deseo por incluir otras dimensiones artísticas, el festival presenta el proyecto 'Cartografías: libros', que incluirá un espacio de documentación y consulta que se ubicará en la madrileña librería Tipos Infames y permanecerá accesible durante todos los días que se desarrolle el festival.

Teatro

“El Montaplatos”. Naves del Español. Hasta el 11 de marzo.

Los creadores y directores de la célebre y sobresaliente compañía Animalario, Alberto San Juan y Guillermo Toledo, protagonizan la obra teatral “El montaplatos”, una reflexión irónica sobre la servidumbre y el poder con la que su autor, Harold Pinter (“El portero”, “El amante”), se ríe del ser humano y que Andrés Lima dirige en esta ocasión.

La comedia, el histerismo e, incluso, la tragedia se mezclan en este montaje sobre las relaciones entre los seres humanos y la autoridad. Se trata de una "pesadilla cómica" porque aunque Pinter "se ríe de sí mismo y del hombre, la situación no deja de ser terrorífica", según San Juan.

Ambos actores interpretan a Ben y Gus, dos hombres que permanecen en un sótano a la espera de órdenes de la organización para la que trabajan. La posibilidad de la solidaridad y de la rebelión están latentes en este texto, donde se aprecia también, en palabras de Lima, un trasfondo de Caín y Abel, con ofrendas y sentimiento de culpa.  

En este sentido, "El Montaplatos” puede simbolizar el jefe de Gobierno, el jefe de la mafia, Dios, tu padre o tu madre", explica Lima. Lejos de resolver dudas, Pinter plantea una incógnita: "¿Seguirán asumiendo las órdenes del poder o se rebelarán?", se pregunta.

La tensión de la obra roza "el histerismo" y, para ello, el espacio escénico ha sido adaptado para invitar al espectador a "sentarse y sentirse" dentro de un "zulo, un sótano misterioso y mortal, una ratonera en la que también se verá sometido a la tensión y al poder".

Pinter pensaba que la vida era absurda, una visión bastante realista, y esta función se adapta a esa definición, según Lima.

 En este sentido, San Juan, quien repite con una obra de Harold Pinter, tras estrenar la obra “Traición”, destaca la vigencia de este texto. "En estos tiempos que vivimos, en los que hay un asalto del poder contra la ciudadanía, no viene mal una obra así". subraya.

Toledo, por su parte, explica que "los personajes están entregados a su trabajo en beneficio del poder", algo "fundamental para perpetuar en el poder a quienes lo ostentan". A diferencia de otras adaptaciones, en las que hay una preferencia entre la visión más cómica o más trágica, el actor sostiene que "hay que medir bien entre las dos", porque "escoger una de ellas no es hacer bien la obra".

Un texto y montaje más necesarios que nunca…ahora.

Teatro

“José K. Torturado”. Teatro Español. Hasta el 5 de febrero.

“José K. Torturado” -dirigida por Carles Alfaro y protagonizada por Pedro Casablanc- , es una dura obra en la que el periodista y escritor Javier Ortiz analiza la tortura como instrumento de poder.
El argumento relata cómo José K. es un terrorista que ha depositado una bomba en un gran centro comercial y que, en caso de explotar, provocará una catástrofe; el protagonista es detenido y la Policía, sin tiempo para evacuar el centro comercial, decide torturarlo como mal menor para conseguir la información sobre dónde ha colocado el artefacto y como desactivarlo, según ha detallado el festival en nota de prensa.
Ante esta situación, la obra plantea al espectador un verdadero dilema moral: ¿es lícita la tortura en un caso como éste..?
 El texto, que no se ha estrenado nunca como espectáculo teatral, surgió después de una conferencia de Javier Ortiz y fue la actriz Sandra Toral quién le animó a darle forma a la pieza.
Con una hora de duración, la obra es, en palabras de José Saramago, "un alegato impresionante contra las perversiones de espíritu que pueden hacer del hombre, demasiadas veces por desgracia, el más feroz de los animales".
En España, casos de tortura hemos tenido muchos y no muy lejanos, por lo que la obra no nos resultará demasiado alejada ni en espacio ni en tiempo.