¡Gran homenaje al actor Fernando Fernán Gómez!

El actor José Sacristán da un tributo teatral al actor y director Fernando Fernán Gómez, en la obra “El hijo de la cómica”.  (Teatro Bellas Artes. Martes a domingos. 29 abr a 28 jun).

El veterano actor José Sacristán protagoniza "El hijo de la cómica",  un un homenaje íntimo y emotivo al actor, director y escritor Fernando Fernán Gómez. Una obra con mucho calado cultural del siglo XX, y personal de este actor inigualable que fue Fernando Fernán Gómez. Desde mañana, en el clásico Teatro Bellas Artes.

Si Miguel Delibes enseñó a muchos a mirar el mundo con otros ojos, Fernando Fernán Gómez enseñó a escucharlo. Así, lo recuerda Sacristán, quien tuvo el privilegio de compartir con él conversaciones y confidencias durante varios años, descubriendo en su voz no solo la del gran cómico, escritor y cineasta, sino también la de un hombre que llevaba consigo las memorias de varias generaciones. ¿La obra que nos ocupa..?: El hijo de la cómica, pronto, en el Teatro Bellas Artes.

Entre anécdotas y evocaciones, Sacristán habla en nombre de Fernando de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela de Valdelaguna, y de Carolina Gómez, la costurera que le cuidó en su infancia, igual que Natividad López lo hizo con la del narrador. Historias paralelas, vidas humildes unidas por los mismos sueños de libertad, de superar la pobreza, de “llegar a ser alguien”. En su relato aparecían también ecos de Baroja, Galdós o Barea, como si su memoria fuera un tejido de voces literarias y familiares que dialogaban con la historia de España.

Una recopilación de la vida de un actor que atravesó el siglo XX con una mezcla de melancolía y firmeza. Escucharlo era escuchar también a su abuela, a su madre Carola, a la criada analfabeta que recitaba versos y a todos los personajes reales que poblaron su vida.

¡Imprescindible!

La podremos ver, del 29 de abril, al 28 de junio, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=lDCXbAqNw7I

Profundizar en la vida de Lorca

El tándem artístico del actor Juan Diego Botto / y el actor-director Sergio Peris-Mencheta regresa al Teatro Español con “Una noche sin luna”, un monólogo que profundiza en la vida de García Lorca. Pronto, en el Teatro Español.

El hispano-argentino, Juan Diego Botto, dirigido por Sergio Peris-Mencheta, protagoniza “Una noche sin luna”, un monólogo que profundiza en la vida de Federico García Lorca. Una pieza, pronto para ver en principal escenario del Teatro Español, que acerca los aspectos menos conocidos del poeta andaluz, pero que también busca descubrir, a través de su obra, nuestra propia realidad.

La función viene dirigida por Sergio Peris-Mencheta y está interpretada por Juan Diego Botto. Recoge entrevistas, charlas y conferencias de Lorca, así como fragmentos de sus libretos y algunos de sus poemas. De tal modo, Botto se mete en la piel de Federico García Lorca, relatando su visión del mundo.

Una pieza conmovedora y sorprendente que habla de Lorca desde una sensibilidad del siglo XXI, como si el propio Federico estuviera hoy aquí. Con toques de humor, emoción y tragedia, el montaje recorre sus vivencias en la residencia de estudiantes, sus primeras críticas, sus amores, su relación con la prensa, su viaje a América, sus formas de inspirarse, su lucha por la libertad y, sobre todo, su pasión por la mujer poética e independiente.

La podremos ver, en el Teatro Español, del 30 de abril, al 31 de mayo.

https://www.youtube.com/shorts/M2-Rdlql9WE

Versión teatrera de la conocida película “La escopeta nacional”

“La escopeta nacional” que nos ocupa es una versión de popular actor y también director escénico Juan Echanove de la clásica comedia satírica homónima y cinematográfica del reputado director de cine Luis García-Berlanga. Pronto, en el Teatro Español.

El famoso actor Juan Echanove (desde hace un tiempo, también director escénico) dirige una adaptación del dramaturgo Bernardo Sánchez Salas de la clásica comedia satírica “La escopeta nacional”, de Rafael Azcona y Luis García-Berlanga. Pronto, la podremos ver en el escenario principal del Teatro Español.

Este montaje mantiene la esencia que convirtió la obra original en un referente: una comedia mordaz que reflexiona sobre esa España del poder, las apariencias y la corrupción. La puesta en escena invita al público a reconsiderar cuánto ha evolucionado realmente esa relación en la sociedad española, desde el momento en que se estrenó la película, en 1978, hasta nuestros días. Y lo hace recuperando la maestría berlanguiana para convertir el humor en una herramienta de memoria y crítica.

La trama sigue a un empresario catalán que viaja a Madrid con la intención de cerrar negocios y se incorpora a una cacería organizada por miembros de la élite franquista. Lo que se presenta como una oportunidad estratégica se transforma rápidamente en una sucesión de intereses cruzados, favores encubiertos y situaciones absurdas que ponen al descubierto el funcionamiento interno de un sistema sustentado en privilegios y oportunismo.

Por otro lado, y sobre el escenario, desfilan figuras reconocibles de aquel entramado social: aristócratas tan endeudados como influyentes, promotores en busca del gran pelotazo, ministros aferrados al cargo, banqueros generosos a conveniencia, amantes silenciosas y personajes públicos empeñados en prolongar su momento de gloria. Un mosaico grotesco que, desde la ironía, exhibe una estructura de poder basada en el beneficio personal y el dinero público.

Con todo ello se describen los entresijos de un país deshilachado, en el que, después de cincuenta años, los nombres han cambiado, pero los mecanismos políticos y económicos continúan siendo familiares.

La obra es protagonizada por la mediática y sobresaliente actriz Luisa Martín.

¿Os suena..? A mí sí y mucho. ¡Quizás, demasiado..!

La podremos ver, del 16 de junio, al 26 de julio, en el Teatro Español.

Acerca del abandono

"Yo solo quiero irme a Francia" es la ópera prima de una nueva dramaturga y directora, Elizabet Larena. La obra destaca, pronto en la escena del Teatro Pavón, destaca por su naturalidad, trama conmovedora y dirección de la autora, amén de por el talento de un elenco de lujo, encabezado por la mediática y notable actriz María Galiana.

“Yo solo quiero irme a Francia”, de Elisabet Larena, es una comedia amarga sobre la  identidad, el abandono y la herencia emocional que atraviesa generaciones. Una obra donde lo real y lo mágico conviven con naturalidad y el humor sirve de defensa ante el dolor.
Sinopsis: En un pueblo pequeño de España, durante el velatorio de la anciana Pilar, dos mujeres que no se conocen están a punto de descubrir que comparten mucho más que una habitación incómoda, un bizcocho de limón y una corona de flores firmada por “el vecino Mauro”.

Leo, la nieta de la fallecida, regresa a la casa familiar, después de años de distancia. Inés, una joven desconocida, aparece con una carta notarial y una herencia inesperada. Lo que empieza como un malentendido, va revelando secretos ocultos, identidades entrelazadas y una historia que nos lleva hasta la juventud de la propia Pilar en la España de postguerra. 
Entre muebles cubiertos, un reloj de cuco que interrumpe cada momento incómodo, y los restos de lo que quedó por decir esta obra es una comedia amarga sobre la identidad, el abandono y la herencia emocional que atraviesa generaciones.

En definitiva, una obra donde lo real y lo mágico conviven con naturalidad, donde el humor sirve de defensa ante el dolor y donde a veces, irse a Francia no es una huida… sino un acto de libertad.

La podremos ver, del 29 de este mes, al 24 de mayo, en el Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=G0laPo9iJio

Reinterpretación coreográfica de “Romeo y Julieta”

Reinterpretación coreográfica de “Romeo y Julieta”

El bailarín y coreógrafo sueco Mats Ek lidera el ballet “Julieta y Romeo” con el Real Ballet de Suecia, en una reinterpretación contemporánea del clásico de William Shakespeare.

El Real Ballet de Suecia representa “Julieta y Romeo”, en el Teatro Real, en una reinterpretación contemporánea del drama de William Shakespeare, coreografiada por el bailarín sueco Mats Ek.

Creada en 2013 para celebrar los 240 años de la compañía, esta versión rompe con la tradición al invertir el título clásico y colocar a Julieta en el centro de la historia, resaltando su protagonismo en la narrativa.

En lugar de utilizar la célebre partitura de Prokófiev, Mats Ek recurre a una cuidada selección de piezas de Tchaikovsky, lo que aporta una atmósfera sonora distinta y coherente con su enfoque coreográfico personal. La escenografía y el vestuario, a cargo de Magdalena Åberg, junto con la iluminación de Linus Fellbom, componen un espacio escénico sobrio y minimalista que amplifica la carga emocional de la obra.

Lejos de los símbolos convencionales (el balcón, las espadas o el veneno), la coreografía de Ek se adentra en la intimidad de los personajes, destacando la delicadeza adolescente de los amantes y la complejidad de sus sentimientos. El resultado es una lectura moderna y conmovedora de la tragedia, que pone el foco en los dilemas de la juventud frente a las normas y expectativas sociales.

Lo podremos ver, del 7, al 10 de mayo, en el Teatro Real. 

https://www.youtube.com/watch?v=ynIWouIIEAc&list=RDynIWouIIEAc&start_radio=1

Comedia surrealista sobre lo científico y lo absurdo

Los solventes cómicos Javier Coronas, Javier Cansado y Pepe Colubi protagonizan “Ilustres ignorantes”, una delirante discusión sin sentido a caballo entre el rigor científico y lo absurdo. Ya, en el teatro Alcázar. 

 

Tres personajes se suben al escenario. Son expertos en diferentes materias. O eso es lo que ellos dicen porque, en realidad, son los protagonistas de la comedia surrealista “Ilustres ignorantes”. Es una obra cómica que celebra su décima temporada sobre los escenarios.

Javier Coronas conduce este espectáculo con mano de hierro mientras que Cansado y Colubi, ayudados por el invitado especial de turno, ofrecerán una serie de respuestas a sus cuestiones que oscilarán entre el rigor científico y la absurdidad más plena.

Y es que los temas que se plantearán podrán variar entre la metafísica, la cultura suburbana o las distintas manifestaciones del sexo. Todo ello aderezado con una dosis de humor gigantesca.

La improvisación de la que hacen gala en cada representación hace que cada función sea única, imprevisible y totalmente distinta a las demás.

¡Imprescindible para reír a mandíbula batiente..!

La podemos ver hoy, el 22 de mayo y el 19 de junio, en el Teatro Alcázar.

https://www.youtube.com/watch?v=JU6PwaA20ho

Los límites entre realidad y ficción

El dramaturgo Robert Torres dirige “El veneno del teatro”, una obra escrita por Rodolfo Sirera sobre el límite de la verdad y la locura del mundo teatral. Ya, en sus últimos días, en el Teatro Fernán Gómez.

Robert Torres dirige “El veneno del teatro”, una obra escrita por Rodolfo Sirera que indaga en los límites de la verdad, la ficción y la locura en el teatro. Un montaje protagonizado por Silvia Maya y Marta Sangú que visita la Sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa del 9 de abril al 3 de mayo, con funciones de martes a domingos.

Escrita por Rodolfo Sirera y con la participación de las actrices Silvia Maya y Marta Sangú, la función se adentra en los pliegues más oscuros del ser humano y del propio hecho teatral. El montaje explora la tensión entre la ficción y la autenticidad, invitando al público a cuestionarse hasta qué punto la interpretación en el escenario se acerca a la verdad o la distorsiona.

En el centro de esta búsqueda se encuentra el personaje de la Marquesa, concebida como una figura obsesionada por la interpretación (una especie del personaje cinematográfico de Gloria Swanson, en “El crepúsculo delos dioses”) . Su empeño por alcanzar la autenticidad la conduce a un territorio inquietante, donde la pasión se convierte en psicopatía...

Por otro lado, dicho montaje destaca el componente voyeurista  inherente al teatro: esa relación entre actores y espectadores en la que la representación se convierte en un espejo, revelando verdades incómodas sobre la condición humana. De este modo, abre un espacio de reflexión sobre los límites de la verdad artística y la delgada línea que separa la creatividad de la obsesión.

En definitiva, ¿es la vida puro teatro o viceversa..?

La podemos ver, hasta el 3 de mayo, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=RXpZIDkCoAk

Vuelve el mediático Ángel Martín con un monólogo muy “mono”

El destacado cómico, guionista y presentador Angel Martín estrena “Somos monos”, su nuevo espectáculo para el Teatro Fígaro.

El cómico, actor y presentador barcelonés, Ángel Martín visita el Teatro Fígaro para presentar su nuevo espectáculo,”Somos monos”. Un show que se presenta bajo esta premisa: "El ser humano sólo utiliza un diez por ciento del cerebro".

Hace unos años, Ángel Martín aseguraba que esa frase era falsa pero hoy en día piensa que es cierta. De hecho, hay personas que utilizan el cerebro un 0 por ciento. Igual que hay cervezas 0,0 por ciento, también hay cerebros 0,0 por ciento. ¿Nunca has sacado algo de un armario y, al ir a guardarlo, te has pillado abriendo la nevera? 

El humorista asegura que la culpa de este hecho no es nuestra, sino de internet. Desde que existe, caemos por barrancos a cambio de un selfie, no sabemos hacer un huevo frito sin un tutorial y hasta nos da miedo opinar por si nos insulta alguien que vive a 10 000 km.

Nacido en Barcelona, en 1977, Ángel Martín es un guionista, intérprete, músico, cómico y presentador televisivo conocido sobre todo por su participación en el programa "Sé lo que hicisteis...", que se emitió en La Sexta desde 2006 a 2011. Además de ello, Martín también condujo en 2014 y 2015 el espacio de divulgación científica "Órbita Laika", en La 2.

En 2018 regresó a la televisión junto con Patricia Conde en “WifiLeaks” para #0 de Movistar+. Asimismo, ha colaborado en varios programas como “Noche sin tregua”, de Dani Mateo, o “La noche... con Fuentes y cía”. Y ha sido guionista de la conocida serie “Siete vidas” y ha aparecido en el teatro en montajes de éxito, como “¡Que viene Richi!”, “Nunca es tarde” o “El gran despipote”.

Lo podemos ver los días 24 de este mes, 8 y 22 de mayo y 6 y 12 de junio, en el Teatro Fígaro.

Contra la explotación colonial

“Perra cimarrona” es una obra de la artista uruguaya Lucía Trentini sobre la explotación colonial y actual. Ya, en el Teatro de La Abadía.

La artista uruguaya Lucía Trentini representa “Perra cimarrona”, en el Teatro de La Abadía. Es una propuesta escénica que combina performance, música en vivo y lenguaje audiovisual para ofrecer una lectura crítica y poética de cinco siglos de opresión, violencia colonial y esclavitud sistémica.

A través de la figura mítica de "La Indómita", una princesa indígena convertida en justiciera transhistórica, el montaje plantea una lectura feroz de cinco siglos de sometimiento, desde la llegada de Colón hasta el rider precarizado que pedalea sin papeles por nuestras ciudades.

El viaje de "La Indómita" es tanto físico como político: una venganza coreografiada con la fuerza de una película de Tarantino y la profundidad crítica de un manifiesto descolonial. Así, vislumbra exterminios, violaciones, esclavitud, evangelización, migraciones forzadas y termina (o quizá se reinicia) en Europa. Aquí se transforma en una mestiza indocumentada que trabaja ilegalmente como repartidora de Uber Eats en bicicleta. Otra vez marginada y víctima de la explotación, muere rendida ante la inescrupulosa esclavitud contemporánea.

Lejos de caer en la victimización, la obra convierte el dolor en arma escénica. La belleza estética, la poesía y la rabia se funden en un relato que obliga a repensar nuestras formas de mirar, de narrar y de habitar la historia. Así, Trentini, más allá de su contundencia política, confirma que el teatro también puede ser un acto de justicia, memoria e insumisión.

Lucia Trentini es una actriz, directora, dramaturga y cantante Uruguaya. Ha escrito y dirigido numerosas piezas teatrales obteniendo varios reconocimientos como los Premios de Teatro Nacional Florencio Sánchez. Como intérprete y compositora trabajó activamente en la compañía de teatro La Morena, realizando giras por Chile, Venezuela, Colombia, Brasil, Argentina, Estados Unidos y España, entre otros países.

La podemos ver, hasta el próximo día 26 del presente, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=XUVE_mEETKg

 

El origen de la felicidad

Carles Fernández Giua dirige “Imperio. La nueva ruta de la seda”, un espectáculo metafórico de teatro y danza que indaga en el deseo de encontrar el significado y la felicidad. Pronto, en el Centro Cultural Conde Duque.

El director escénico Carles Fernández Giua (“Raphäelle” o “Claudia”) dirige un espectáculo de teatro y danza que indaga en el deseo humano de encontrar el significado propio y la felicidad. Una obra que ,en breve, se estrenará en el Centro Cultural Conde Duque y que cuenta con las actuaciones de Yan Huang, Chaofeng Wang, Carles F. Giua y Eugenio Szwarcer.

La obra invita al público a acompañar dos recorridos que avanzan en paralelo: por un lado, el viaje documental de una compañía artística a través de la China continental y el Tíbet. Por otro, el recorrido íntimo de Yan Huang, una joven nacida en China que hoy reside en Europa y que busca reconectar con sus raíces culturales.

El proyecto parte de una paradoja llamativa: instalada en Madrid, Yan descubre que comprende más sobre su país natal desde la distancia que cuando vivía en ciudades como Shanghái, Hong Kong o Shenzhen. Esa perspectiva externa se convierte en una herramienta para observar su historia personal, cuestionar su identidad y reformular su vínculo con la cultura china.

La pieza plantea además una pregunta central: ¿pueden una palabra, un gesto o una experiencia cambiar el curso de una vida? El montaje sugiere que el arte puede actuar como un detonante de transformación, capaz de revitalizar el sentido de las palabras, revelar emociones comunes y abrir nuevas formas de mirar la realidad. La propuesta combina documentación, imágenes y poesía, con lo que se apuesta por recuperar otras visiones del ser humano. Asimismo, destaca cómo lo individual se enlaza con lo colectivo y cómo la emoción compartida puede convertirse en parte de la construcción de la identidad. 

¡Muy interesante!

La podremos ver, los próximos días 24 y 25 del presente, en el Centro Cultural Conde Duque.

 Suma y sigue el Festival de Zarzuela y Ópera del Amaya

El Teatro Amaya continúa con su 5º Festival de Zarzuela y Opera, con un programa compuesto de conocidas zarzuelas y óperas románticas.

El 5º Festival de Zarzuela y Opera, del Teatro Amaya, se compone, este año, de muy conocidas zarzuelas, entre las que destacan el apasionado drama “Luisa Fernanda”, obra maestra del renombrado compositor Federco Moreno Torroba; la encantadora “Doña Francisquita”, una de las zarzuelas más queridas por el público e inspirada en la comedia “La discreta enamorada”, de Lope de Vega; “La rosa del azafrán”, que ofrece folclore popular, ambientación rural y un argumento clásico o “El barberillo de Lavapiés”, que presume de una partitura brillante, sofisticada y melodiosa, así como un libreto de Luis Mariano de Larra que es a partes iguales apasionado, ingenioso y bien estructurado.

En cuanto a su programación operística, el festival está programando títulos tan reputados como “La Traviata”, la ópera más representada en el mundo, que toma vida a partir de la novela del escritor Alejandro Dumas, “La dama de las camelias”; “Tosca”, una de las óperas más representativas del repertorio verista italiano por su intensidad dramática y sus bellas arias; y la renombrada ópera “Rigoletto”, que forma parte de la famosa trilogía operística compuesta por Verdi.

¡Absolutamente, imprescindible para los amantes de la zarzuela y la ópera!

Lo podemos seguir, en el Teatro Amaya, hasta el 31 de mayo próximo.

https://www.youtube.com/watch?v=pp9Pgvoby60

PROGRAMA PARA LO QUE QUEDA DEL FESTIVAL:

• Del 21 al 24 de abril - “La rosa del azafrán”

• Del 28 de abril al 3 de mayo - “El barberillo de Lavapiés”

• Del 6 al 10 de mayo - “Luisa Fernanda”

• Del 13 al 17 de mayo - “La Verbena de la Paloma”

• Del 27 al 31 de mayo - “La leyenda del beso”