Danza y arte marcial

La bailarina china Chun Zang estrena “Eclipse-Yibu”, en Madrid. Es un espectáculo de danza basado en el arte marcial krabi krabong. En breve, en los Teatros del Canal.

La bailarina china Chun Zang estrena “Eclipse-Yibu”, en los Teatros del Canal un espectáculo que fusiona coreografía, sonido y espacios visuales teatrales para construir un universo en el que el movimiento se convierte en un vehículo de transformación y reflexión.

La pieza toma como punto de partida el krabi krabong, el arte marcial tailandés del doble bastón, y lo traduce a un lenguaje coreográfico contemporáneo que trasciende la técnica para adentrarse en cuestiones como la identidad, la resiliencia y el empoderamiento femenino.

La producción plantea una pregunta central que guía todo el desarrollo escénico: ¿cómo puede el cuerpo seguir danzando en momentos de fractura, expresando fuerza, confianza y resistencia sin renunciar a la ternura ni a la posibilidad de una transformación compartida? A partir de esta premisa, la obra explora el movimiento como un espacio de encuentro entre la vulnerabilidad y la fortaleza. Con este planteamiento, el montaje reivindica la danza como un lenguaje capaz de tender puentes entre culturas y de convertir la experiencia individual en una fuerza creativa compartida.

Nacida en 1988 en Shanghái (China), Chun Zhang es una coreógrafa, directora, bailarina y fundadora de la compañía Yibu. Galardonada con el Premio Kurt Jooss en 2019, ha desarrollado una trayectoria internacional marcada por el diálogo entre distintas culturas y disciplinas artísticas.

Inició su carrera como bailarina con apenas 15 años, realizando giras por Europa, África y Asia junto con compañías vinculadas al Shanghai Culture Bureau y a la Academia de Danza de Pekín. En 2011 comenzó su trabajo como coreógrafa mientras impartía clases en el Conservatorio de Macao y, cuatro años más tarde, se trasladó a Alemania para estudiar Coreografía en la Universidad de las Artes de Folkwang, donde empezó su carrera como artista independiente.

La podremos ver, los días 17 y 18 de este mes, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=Y4CM6c90Ydg&list=RDY4CM6c90Ydg&start_radio=1

Circo multi-artístico

La compañía francesa Bêtes de Foire pronto, nos ofrecerá “Décrochez-moi ça” -“Desabróchame eso”), un espectáculo que combina teatro visual, circo y música. En breve, en el Teatro Circo Price.

La compañía francesa Bêtes de Foire pronto, representará “Décrochez-moi ça- “Desabróchame eso”)”, en el Teatro Circo Price, como parte del “Mes del payaso”. Estamos frente a un espectáculo que difumina las fronteras entre el teatro visual, la música en directo, el teatro de objetos, la manipulación y el movimiento para construir una experiencia escénica tan delicada como sorprendente. Recomendada a partir de 8 años

La acción transcurre en una pequeña pista circular, rodeada por el público y presidida por una escenografía suspendida que transforma el espacio en un universo onírico. Allí, los intérpretes convierten los objetos cotidianos en protagonistas de un lenguaje poético donde sombreros que parecen tener vida propia, montañas de abrigos animadas, telas en movimiento y cuerpos suspendidos en el aire desafían constantemente la percepción del espectador.

Sin apenas recurrir a la palabra, el montaje propone un viaje emocional sustentado en la fuerza de la imagen, el gesto y la música interpretada en directo. Y es que violines, guitarras, teclados, percusión e instrumentos poco convencionales acompañan cada escena como un personaje más, creando una atmósfera que oscila entre el humor, la melancolía y el asombro.

La velada reivindica la capacidad del circo para emocionar desde la sencillez, además de recuperar la esencia del circo tradicional desde una mirada contemporánea, donde la belleza surge de la imperfección y los pequeños gestos adquieren una dimensión extraordinaria.

Bêtes de Foire es una agrupación fundada por el artista circense Laurent Cabrol y la actriz y figurinista Elsa De Witte. Ambos autores comparten una apuesta por el circo artesanal. Por ello, Cabrol, formado en la escuela de Annie Fratellini y con experiencia en compañías como Convoi Exceptionnel y Cirque Trottola, une su trayectoria a la de De Witte, procedente del teatro de calle y especializada en la creación de universos escénicos construidos a partir de materiales reutilizados y una narrativa visual de gran sensibilidad.

Lo podremos ver, del 17, al 19 de septiembre, en el Teatro Circo Price.

https://www.youtube.com/watch?v=1v2y6nJJgRY

La educación de los jóvenes, a debate

El reputado actor-director Israel Elejalde dirige “El nudo gordiano”, una versión de la obra de Johnna Adams sobre la niñez y las decisiones difíciles. En breve, en el Teatro Español.

La nueva temporada 26/27 del Teatro Español da comienzo con el regreso del potente duelo escénico que se estrenó la temporada pasada: “El nudo gordiano”. Una obra que podrá verse en el Teatro Español con dirección de Israel Elejalde y producción de Teatro Kamikaze. Interpretada por María Morales y Eva Rufo, la obra enfrenta a una madre y a una profesora semanas después de un trágico suceso, explorando con crudeza los límites de la educación, la culpa y el amor materno.

Se trata de un duelo dramático entre una madre devastada y una profesora bajo presión, con el que la autora estadounidense construye un thriller verbal que escarba en los silencios, las dudas y los grises morales de una situación que nadie parece saber cómo manejar con el pequeño Gidion. 

Desde el siglo XIX, la infancia se ha convertido en un campo de batalla ideológico, donde chocan ideas sobre educación, normas, libertad y diferencia. ¿Cómo educar a nuestros hijos? ¿Quién los educa? ¿Qué hacer con aquéllos que no encajan en los moldes establecidos? Son preguntas que laten en la pieza de Adams...

La obra, concebida para dos actrices (María Morales y Eva Rufo) y enclavada en el entorno aséptico de una sala de profesores, expone con precisión los claroscuros de un conflicto que incomoda: el de una sociedad que busca respuestas rápidas a los problemas diarios. Así, la producción enfrenta al espectador con un dilema tan actual como atemporal: el de mirar de frente a la complejidad humana sin caer en soluciones fáciles.

¡Imprescindible!

La podemos ver, del 17 de septiembre, al 25 de octubre, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=3hA1mD0OWUw

Espiritismo y thriller para partirnos de risa

“Por Mis Muertos”, del divertido dramaturgo José Warletta, es una comedia de misterio y con éxito en el Teatro Lara . Su autor y director José Warletta (“Santas y perversas”, “Última planta” o “Los tacones de papá”) y está interpretada por los solventes actores cómicos Goizalde Núñez, Eva Rodríguez, Miguel de Miguel, David Tortosa, Cristina Irala y Julio Bellido. Espiritismo y misterio a partes iguales. Ya, en el Teatro Lara.

En un elegante salón de los años 20, una vidente francesa reúne a cuatro personajes para una sesión de espiritismo por orden del más allá. Lo que empieza como una velada solemne se convierte rápidamente en un caos de secretos, reproches, mentiras, verdades explosivas y sustos. Es un circo donde los muertos están más tranquilos que los vivos. Este es el argumento de “Por Mis Muertos”.

Se trata de una comedia de ritmo vertiginoso que mezcla suspense, vodevil y humor ácido, con giros constantes y personajes al límite.

Ideal para reír y desconfiar de cualquier sesión de espiritismo.

La podemos ver, toda la temporada, en el Teatro Lara.

https://www.youtube.com/watch?v=9P4vHuJNklg

Comedia nostálgica y también actual

“Esperando a Manolo” es una comedia de Carlos Baez. Una comedia que presenta un texto original construido a partir de referencias al costumbrismo español y a la cultura popular. Ya, en Teatros Luchana.

“Esperando a Manolo” es una divertida comedia que rinde homenaje al imaginario colectivo español, a través de múltiples influencias y guiños culturales, desde la comedia del absurdo, hasta la revista española. Una combinación perfecta de humor, parodia y situaciones disparatadas que invita al público a disfrutar de una experiencia llena de risas.

El argumento habla de cómo una señora que va muy mona siempre, tras ser abandonada por su marido Manolo, se muda a la calle Desengaño para vivir con su hermana. Juntas ayudarán a una vecina que está teniendo una relación extra-marital con el portero del edificio… (¡Qué lío..!).

Una comedia que fusiona nostalgia y actualidad, utilizando el humor como herramienta para retratar personajes cercanos y situaciones cotidianas con las que el espectador puede sentirse fácilmente identificado.

La podremos ver, del 25 de septiembre, al 27 de noviembre, en Teatros Luchana.

Sobre la independencia de pensamiento

El director de escena Juan Luis Iborra dirige “El Club de los Poetas Muertos”, una adaptación musical de la famosa película homónima de Tom Schulman sobre la libertad de pensamiento. Ya, en el Teatro La Latina.  

El director escénico Juan Luis Iborra (“Emplátame el corazón”, “Gibraltareña” o “Una noche con ella”) dirige “El club de los poetas muertos”, una esperada adaptación musical de la famosa película de Tom Schulman, ganador de un Oscar en 1989 al Mejor Guion, que cuenta con un reparto liderado por el actor Juanjo Artero. Una obra que ya puede verse en el Teatro La Latina.

Su argumento se ambienta en un estricto internado masculino de Estados Unidos, en 1959. La historia comienza cuando llega un nuevo profesor de literatura, John Keating, -interpretado por Robin Williams en el filme y en esta ocasión por Juanjo Artero-, que rompe con los métodos tradicionales de enseñanza del colegio. En lugar de memorizar y analizar la poesía de forma rígida, anima a sus alumnos a pensar por sí mismos, a cuestionar las normas y a vivir con pasión bajo el lema carpe diem (aprovecha el momento).

A ello se une que un grupo de estudiantes descubre que su profesor, cuando era alumno, pertenecía a una sociedad secreta llamada Dead Poets Society (El Club de los Poetas Muertos). Deciden revivirla reuniéndose por las noches en una cueva para leer poesía, hablar de sus sueños y explorar quiénes quieren ser realmente, lejos de la presión del colegio y de sus familias.

En la obra se tratan temas como la libertad de pensamiento, la creatividad, la presión social y familiar, y la búsqueda de la propia identidad. A través de las experiencias de los estudiantes, se muestra el choque entre los sueños personales y las expectativas impuestas por la sociedad.

El filme continua siendo una película de culto por su mensaje inspirador sobre la importancia de pensar de forma independiente y vivir una vida auténtica.

Lo podemos ver, hasta el próximo 8 de noviembre, en el Teatro La Latina.

https://www.youtube.com/watch?v=f3UtWCjeKLw

Octava temporada de la loca comedia “La función que sale mal”

La comedia clásica contemporánea “La función que sale mal” es un gran espectáculo cómico lleno de enredos y accidentes divertidísimos; una mezcla entre Monty Python y Sherlock Holmes. La tenemos, como reposición, en Teatro Amaya.

Las exitosas productoras ATG (los musicales “Billy Elliot", West Side Story”), NEARCO, Cobre y Olympia Metropolitana (“Taxi, La cena de los idiotas”, “La extraña pareja”) han traído, de nuevo, este espectáculo a Madrid. “¡Una garantía de calidad y comedia de alto nivel!”, según sus productores. Después de su éxito en el West End de Londres y en Broadway, Nueva York, donde ganó el Premio Olivier 2015 a la Mejor Comedia, ahora, llega su octava temporada al Teatro Amaya.

Dicha comedia nos presenta a un grupo de teatro amateur en el estreno de su obra de misterio en la que, como el propio título sugiere, todo lo que puede salir mal, ¡sale mal! Los actores propensos a los accidentes luchan contra todas las adversidades hasta la bajada final del telón, con unas consecuencias divertidísimas y que logran que cualquiera estalle de la risa.

¡Desternillante y muy British!

La podremos ver, desde el 16 de septiembre, al 29 de noviembre, en el Teatro Amaya.

https://www.youtube.com/watch?v=QkVYemSsz7U

Reinterpretando el circo desde la Mujer

Pepa Plana y Clara del Ruste interpretan “Voces que no ves”, un espectáculo de clown que reinventa los clásicos del circo desde una mirada femenina. Pronto, en el Teatro Circo Price.

La compañía circense Pepa Plana pronto, representará “Voces que no ves”, en el Teatro Circo Price, un espectáculo que combina humor, poesía y circo para revisar, desde una nueva perspectiva femenina, algunos de los códigos más reconocibles de la tradición circense.

Sobre las tablas, las artistas Pepa Plana y Clara del Ruste se convierten en dos heroínas dispuestas a enfrentarse, a su particular manera, a las situaciones más inesperadas. A partir de los roles tradicionales de la payasa blanca y la augusta, ambas recuperan y reinventan escenas y recursos que forman parte de la historia del clown para construir un universo propio, en el que cada enredo se convierte en una pequeña historia.

Equilibrios, conflictos cotidianos y circunstancias absurdas sirven de punto de partida para hablar también de un mundo que puede resultar hostil, precario o difícil de comprender. Frente a esas dificultades, las protagonistas responden con imaginación, esperanza y juego, utilizando la risa como herramienta para observar la realidad desde otro ángulo.

Así, se ofrece una doble lectura: por un lado, una función cómica y poética dirigida al público familiar y, por el otro, una reivindicación de otras miradas dentro de una disciplina tradicionalmente asociada a modelos masculinos. Y es que al modificar quién ocupa el centro de la escena, también cambian los personajes, las peripecias y el modo de interpretar unos números que los espectadores creen conocer.

La trayectoria de Pepa Plana, una de las grandes referentes del clown, está estrechamente ligada a la reclamación de la figura de la payasa. A lo largo de su carrera ha construido un lenguaje artístico propio y ha contribuido a visibilizar el papel de las mujeres en un territorio escénico históricamente dominado por hombres.

La podremos ver, el próximo día 26 del presente, en el Teatro Circo Price.

https://www.youtube.com/watch?v=QLDiBXhCRWY

Un musical a flor de piel

“Rincones” es el proyecto musical más ambicioso de Lorena Gómez. En él aúna música e interpretación. Es una obra musical en la que se marca un monólogo con el que demostrar sus habilidades también interpretativas abriendo su corazón rincón a rincón. Un personaje con el que muchos van a poderse sentir identificados en esa búsqueda continua de Lorena de la empatía y de la conexión con quien está al otro lado. Pronto, en el Pequeño Teatro Gran Vía.

La ganadora de Operación Triunfo 2006,Lorena Gómez, y finalista de “Tu Cara me suena 2016”, Lorena Gómez, encarna uno de los retos más importantes de su carrera protagonizando el musical “Rincones”, un musical que, según sus productores, “cala hondo en el bagaje emocional de los espectadores”.

Estamos ante una poética y musical reflexión sobre el amor, la complejidad de las relaciones y la búsqueda de identidad en ellas. Macorina, en el contexto de una mudanza en la que intenta reorganizar su vida, sólo tiene una idea clara: el amor estorba. Acompañada por una vibrante banda sonora, realizará un paseo retrospectivo por sus experiencias vitales a través de las personas que han ido cruzándose por ella. Un viaje en el que desembalar cajas será, para la protagonista, abrir su corazón y desentrañar, rincón a rincón, por qué decidió dejar el amor fuera del camión de la mudanza.

Una obra que te hará reír y llorar. Que hará que te enfrentes a esta experiencia teatral con la sensación de haber subido por un tobogán de revividas emociones.

En definitiva, una historia llena de nostalgia, con indiscutibles éxitos musicales, que en la majestuosa voz de Lorena Gómez nos dejará con las emociones a flor de piel.

Lo podemos ver, hasta el próximo día 26 del presente, en el Pequeño Teatro Gran Vía.

Relación entre el Arte y la Infancia

La compañía Teatro Tyl Tyl pronto, representa “El Flautista de Hamelin”, en el Teatro Fígaro, una versión del célebre cuento de los hermanos Grimm que plantea una visión renovada sobre la infancia, el poder y la relación entre el mundo adulto y los niños.

La historia de “El Flausita de Hamelin” -pronto, en el Teatro Fígaro- parte de una ciudad desbordada por una invasión de ratas que nadie consigue detener. Cuando la situación parece desesperada, un misterioso flautista llega a Hamelín y, con una melodía hipnótica, consigue hacer desaparecer la plaga. Pero el alivio de los habitantes dura poco. Cuando llega el momento de cumplir la promesa y pagar al flautista por su trabajo, la ciudad se niega. Entonces el músico vuelve a tocar su instrumento y, esta vez, quienes siguen su música no son las ratas, sino los niños de Hamelín.

A partir de este conocido episodio, la propuesta, dirigida por Daniel Lovecchio, introduce una pregunta que atraviesa toda la función: ¿fue venganza, justicia o una forma de liberación? La perspectiva se desplaza, así, hacia los niños y hacia aquello que pueden percibir y comprender más allá de las normas establecidas por los adultos.

La separación entre el mundo infantil y el adulto, simbolizada por el confinamiento de los niños en una cueva, sirve como punto de partida para construir un final alternativo y explorar qué ocurre cuando los más pequeños dejan de ser meros espectadores de las decisiones de los adultos.

Más que una adaptación convencional del cuento, la obra propone una reflexión sobre la relación entre el Arte y la Infancia y sobre la necesidad de escuchar la voz de los niños. El montaje busca abrir una grieta en aquellos mecanismos que silencian o limitan su capacidad de expresarse y convertir el teatro en un espacio de encuentro y pensamiento colectivo.

En definitiva, un flautista nada tonto y un musical muy listo...

Lo podremos ver, los fines de semana, del 4 de octubre, al 1 de noviembre, en el Teatro Fígaro.

El Ballet Español de la Comunidad de Madrid recrea el mito del Ave Fénix

El Ballet Español  de la Comunidad de Madrid (BECM) presenta, en la Sala Roja Concha Velasco de los Teatros del Canal, sede oficial de la compañía, “Nascencia”, una creación dirigida y coreografiada por Mónica Fernández que propone un viaje emocional alrededor de la capacidad humana de reconstruirse y volver a empezar.

Concebida como un poema en movimiento sobre la capacidad humana de renacer, “Nascencia”-la última creación coreográfica del Ballet Español de la Comunidad de Madrid (BECM)  es una suite de danza española contemporánea que transita de la herida a la reconstrucción. La obra entrelaza la fuerza de las raíces folclóricas, la emoción del flamenco y la libertad de la creación contemporánea para construir una historia universal sobre la caída, la transformación y el renacimiento.

El espectáculo convierte la resiliencia en experiencia escénica a través de una propuesta en la que movimiento, música, luz, vestuario y color participan de una misma dramaturgia. Sobre el escenario, la oscuridad inicial va dejando paso progresivamente a la luz, haciendo visible ese proceso de transformación que constituye el corazón conceptual de la obra. Asimismo,  reivindica al mismo tiempo la capacidad de la danza española para dialogar con el presente. Sus diferentes lenguajes aparecen no como elementos aislados, sino como materiales vivos desde los que investigar y construir una expresión contemporánea sin perder la conexión con la tradición.

Al frente de la propuesta se encuentra Mónica Fernández, directora artística del Ballet Español de la Comunidad de Madrid desde diciembre de 2024. Formada en flamenco, danza española, ballet clásico, escuela bolera, folclore y danza contemporánea, Fernández desarrolló durante más de dos décadas una parte fundamental de su trayectoria en el Ballet Flamenco Antonio Canales como primera bailarina, repetidora y ayudante de dirección. Su carrera como intérprete, coreógrafa y directora se ha desarrollado tanto en España como en importantes escenarios y festivales internacionales.

 En “Nascencia”, Fernández firma la coreografía junto a coreografías cedidas por Rubén Olmo, Premio Nacional de Danza 2015 y director del Ballet Nacional de España, desde 2019. El encuentro entre ambas miradas contribuye a articular una propuesta que parte de los códigos de la danza española y el flamenco para explorar nuevas posibilidades escénicas.

 La dirección escénica corresponde a Mónica Fernández y Raúl Alonso, mientras que Pedro Yagüe firma el diseño de iluminación. El vestuario ha sido diseñado por Mónica Fernández y Jasanzo, responsable también de los figurines.

En otro orden de cosas, la dimensión musical ocupa un lugar fundamental en Nascencia. Bajo la dirección musical de Lucky Losada, la propuesta incorpora música de Agustín Diassera, Jesús Calluela, Padre Soler, Lucky Losada, Vaqui Losada, Iván Losada y David Cerreduela, además de la adaptación musical de la sonata realizada por Lucky Losada y Bato Hangonyi.

Y en cuanto al elenco, está integrado por Aaron Miguel Beltrán García, Borja Lebron, Fermín Astrain Cía, Rodrigo García Martínez, Carmen Alonso, Nuria Diez, Alejandro Cerdá, Andrea Antó Hernández, Carmen Segura, Aarón Beltrán, Jan Galvez, Lucía Cardeñoso, Candela Molina, Ainara Cardoso, Iván Fernández Salazar, Isamel Gómez Atienzar, Lourdes Sevilla, Úrsula Mazuelos López, Marina Madiedo, Yeray Fonseca Cadiz, Mario Mingueza y Alejandro Marmol Riquelme.

“Nascencia” invita, así, al público a reconocerse en una experiencia que trasciende el lenguaje estrictamente coreográfico: la posibilidad de caer, transformarse y comenzar de nuevo.

Lo podremos ver, del 24 de septiembre, al 4 de octubre, en los Teatros del Canal.