Fantasía nostálgica flamenca

¡Fandango! es un espectáculo inspirado en el álbum Hodierno, de David Lagos, producido por la compañía de David Coria, que ofrece una extravagante fantasía flamenca. Desde mañana, en Centro Danza Matadero.

A vueltas, siempre, con el eterno flamenco...Los días 7 y 8 de marzo, la compañía liderada por el bailarín y coreógrafo David Coria presenta, en el Centro Danza Matadero, un espectáculo inspirado en el álbum Hodierno de David Lagos, que ofrece una extravagante fantasía flamenca con una mirada crítica y nostálgica que celebra lo que nos enorgullece y cuestiona lo que nos incomoda. 

Este proyecto denominado ¡Fandango! se presenta al público como una reflexión sobre la idiosincrasia española, una fusión de tradición y vanguardia que invita a explorar los aspectos más complejos y controvertidos de la cultura española. Desde la construcción de la identidad y la memoria histórica, hasta los tópicos que envuelven la imagen de España como son la alegría, la picaresca, el sacrificio y las profundas raíces familiares.

Nacido en Sevilla en 1983, David Coria es un bailaor formado en el Conservatorio Profesional de Danza de la capital andaluza. Comenzó su carrera profesional en 1998 con el Taller Flamenco de la Compañía Andaluza de Danza y un año más tarde colaboró con Antonio el Pipa, para después enrolarse en la agrupación de Aída Gómez.

La podemos ver, los días 7 y 8 de este mes, en Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=vvFh65p3As4

Lo podemos ver, los días 7 y 8 de este mes, en Centro Danza Matadero.

Performance sobre la comida como hecho cultural

El artista coreano Jaha Koo presenta Haribo Kimchi, una performance sobre la asimilación cultural y la comida como identidad social. En breve, en el Centro Cultural Conde Duque.

El artista coreano Jaha Koo ofrece, en el Centro Cultural Conde Duque, dos funciones de la performance Haribo Kimchi, en la que reflexiona sobre la asimilación cultural y profundiza en el papel de la comida como identidad social.

Conocido por su enfoque híbrido y multi-sensorial, Koo ha creado una pieza que combina música electrónica, video-arte, robots y cocina en vivo que se adentra en la cultura alimentaria coreana y su impacto social. La obra, presentada en un escenario inspirado en un pojangmacha, el típico snack bar nocturno de Corea del Sur, utiliza el acto de cocinar como una metáfora para analizar temas como la globalización, el racismo y la diáspora coreana.

En las tablas, aromas de sopa hirviendo y sonidos de ingredientes al fuego se mezclan con la narrativa de personajes singulares como un youtuber, una anguila y una arrocera. A través de anécdotas conmovedoras y absurdas, Koo aborda grandes hitos históricos, como la globalización del kimchi o las hambrunas de Corea del Norte, conectando lo político con lo íntimo.

Con su estilo único, que combina proyecciones audiovisuales y música en un espacio que también funciona como un estudio de grabación de YouTube, Jaha Koo invita al público a repensar sobre la comida como un lenguaje que revela las tensiones culturales y sociales actuales.

Jaha Koo es un creador de teatro y performances, compositor musical y videógrafo surcoreano. Se licenció en Estudios Teatrales en la Universidad Nacional de Artes de Corea y obtuvo una maestría en el Teatro DAS de Ámsterdam (Países Bajos). Su trabajo artístico oscila entre lo multimedia y lo performático, abarcando su propia música, vídeos, textos y objetos robóticos.

Su trilogía Hamartia incluye Lolling and Rolling (2015), Cuckoo (2017) y The History of Korean Western Theatre (2020), que representa una exploración a largo plazo del panorama político, la historia colonial y la identidad cultural del este de Asia. Temáticamente, Koo se centra en cuestiones estructurales de la sociedad coreana y en cómo el pasado ineludible afecta trágicamente la actualidad.

La podemos ver, los días 8 y 9 de este mes, en el Centro Cultural Conde Duque.

https://www.youtube.com/watch?v=_4hXjtpaOdI

Familia y trauma, todo uno

Andrea Jiménez dirige Vulcano, un texto de Victoria Szpunberg sobre las dinámicas familiares y los traumas. En breve, en el Teatro Valle-Inclán. 

Andrea Jiménez dirige Vulcano, un texto de Victoria Szpunberg que explora las dinámicas familiares y la relación entre el trauma, la memoria y la representación. Una pieza que, desde mañana, podremos ver en el Teatro Valle-Inclán.

La trama de la obra sigue a una familia marcada por un incendio en su edificio, una tragedia de la que aún se desconocen las causas. La llegada de una documentalista, interesada en contar su historia, desata una serie de tensiones que transformarán sus relaciones. A través de este suceso, el montaje no solo ahonda en el proceso de lidiar con un trauma colectivo, sino también en cómo el acto de narrarlo modifica la percepción de quienes lo vivieron.

La puesta en escena es minimalista, centrada en los diálogos y las problemáticas entre los personajes con el fin de precisar y cuestionar nuestro rol como testigos, como narradores de nuestra propia vida y como consumidores de las historias de los demás. Con todo ello se genera una experiencia teatral intensa, que no solo toca el tema del trauma, sino también la complejidad de las relaciones humanas bajo la lupa de la observación externa. Una obra que desafía al espectador a repensar su propia relación con la narrativa del dolor, ya sea como protagonista o como público.

Nacida en Buenos Aires (Argentina) en 1973, Victoria Szpunberg es una licenciada en Dramaturgia y Dirección en el Institut del Teatre de Barcelona con un Máster en Estudios Teatrales de la Universidad Autónoma de Barcelona. Es hija del poeta argentino Alberto Szpunberg, exiliado en España tras el golpe de estado en Argentina de 1976. En sus montajes suele tratar asuntos políticos y sociales del mundo contemporáneo y entre sus producciones destacan Amor mundi, Balena blava, Boys don’t cry o La marca preferida de les germanes Clausman.

Nacida en Madrid en 1987, Andrea Jiménez es una licenciada en Derecho y posgraduada en Artes Escénicas por la London International School of Performing Arts. Es fundadora de teatro En Vilo, premio Ojo Crítico de teatro 2019, y entre sus espectáculos se encuentran Casting Lear, Hoy puede ser mi gran noche o Cómo hemos llegado hasta aquí.

La podremos ver, desde mañana, hasta el 13 de abril, en el Teatro Valle-Inclán.

Los cuernos de Valle-Inclán

La actriz y dramaturga y directora Ainhoa Amestoy estrena su versión de Los cuernos de Don Friolera, esta obra maestra del esperpento escrita por Ramón María del Valle-Inclán. Ya, en Teatros del Canal.

La prestigiosa dramaturga y directora Ainhoa Amestoy (Que de noche le mataron, Amor, amor, catástrofe o Quijote.Femenino.Plural) estrena, en los Teatros del Canal, una adaptación de la obra maestra del esperpento Los cuernos de Don Friolera, escrita por Ramón María del Valle-Inclán.

La pieza se publicó por vez primera, en entregas, en el periódico El Sol, entre abril y mayo de 1921, siendo estrenada en 1926 por el grupo de teatro El Mirlo Blanco, dirigido por José Bergamín.

La trama sumerge a los asistentes en la España rural de principios del siglo XX y gira en torno al teniente Astete, apodado don Friolera, un hombre obsesionado con el honor y las apariencias. Su vida se ve trastocada cuando recibe un anónimo que le informa de la supuesta infidelidad de su esposa, doña Loreta.

A partir de este momento, don Friolera se ve envuelto en una espiral de celos, paranoia y violencia, instigado por los chismes y las habladurías de los vecinos. Su irreductible intención por restaurar su honor lo lleva a tomar decisiones drásticas, poniendo en riesgo la vida de su propia hija.

El montaje retrata con crudeza la hipocresía, la crueldad y la barbarie de la época, utilizando una deformación grotesca de la realidad para reflejar su lado más oscuro. Y es que sus caricaturizados personajes representan los vicios y las miserias de la sociedad española. A ello se une una conexión con el presente, al vincular los hechos descritos por Valle-Inclán con los bulos actuales o los crímenes machistas.

Una obra imprescindible de nuestro teatro del siglo XX.

La podemos ver, en Teatros del Canal, hasta el próximo día 23 del presente.

https://www.youtube.com/watch?v=PYSnR_exGnU

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Musical sobre la película Frozen

Los sueños de Elsa 2 es un musical tributo a la exitosa película de animación Frozen protagonizado por Paula Zambrano. Ya, en el Arlequín Gran Vía Teatro.

El Arlequín Gran Vía Teatro ofrece Los sueños de Elsa 2, un espectáculo musical protagonizado por Paula Zambrano que rinde homenaje a la exitosa película de animación Frozen.

El musical presenta al público cómo se esta organizando el mejor de los banquetes jamás visto en palacio de Arendelle, invitando a todos los personajes de los cuentos clásicos. La fiesta está destinada a ser un evento espectacular, lleno de magia, música y alegría. Todos están invitados al evento, desde príncipes y princesas hasta héroes y criaturas mágicas.

Sin embargo, cuando todo parece perfecto tiene lugar un imprevisto que pone en peligro la celebración. La clave para salvar la fiesta puede estar en alguno de los invitados, cuyo cuento guarda una lección importante. ¿Lograrán restaurar la magia y celebrar la fiesta tal como estaba planeada? Una aventura musical pensada para toda la familia llena de sorpresas, giros inesperados y momentos emotivos.

Lo podemos ver, los días 2, 16 y 30 de marzo, en el Arlequín Gran Vía Teatro.

https://www.youtube.com/watch?v=ju7l3DmW0RI

 

Un ballet flamenco prodigioso

El bailaor madrileño José Maya presenta el ballet flamenco La zapatera prodijiosa, una adaptación flamenca de la obra de Federico García Lorca. En breve, en el Teatro Pavón.

El bailaor madrileño José Maya ofrece, durante varios días de marzo y en el Teatro Pavón, el ballet flamenco La zapatera prodijiosa, una adaptación flamenca de la obra de Federico García Lorca, que explora temas universales como el amor, la libertad y los roles sociales.

La historia se centra en el matrimonio entre La Zapatera, una mujer joven, apasionada y de carácter fuerte, y su marido, El Zapatero, un hombre mayor, tímido y apacible. Desde el inicio, su relación está marcada por las tensiones: ella siente que su vitalidad y espíritu están reprimidos por las convenciones sociales, mientras que él se resiente por las críticas y los rumores de los vecinos.

El conflicto se intensifica cuando El Zapatero, cansado de la presión y los reproches, abandona a su esposa. En su ausencia, La Zapatera se enfrenta sola a las habladurías del pueblo y lucha por mantener su dignidad. Sin embargo, el amor y la conexión entre ellos persisten y El Zapatero regresa disfrazado como un titiritero para observar y comprender mejor a su mujer. Este reencuentro les lleva a una reconciliación que trasciende las expectativas sociales y reafirma su relación.

Nacido en Madrid en 1983, José Maya es un bailaor perteneciente a la misma familia de artistas que la bailaora Fernanda Romero, el pintor Antonio Maya y el cantaor Gabriel Moreno. Comenzó su carrera con solo nueve años, compartiendo cartel con estrellas como Antonio Canales, Juan Ramírez y Joaquín Grilo.

En 1998 fue distinguido con el Premio Copa Pavón y participó como artista invitado en el montaje Raíces de Antonio Canales. En el año 2000 le fue entregado el Premio al Mejor Bailarín en el Certamen de Coreografía del Teatro Albéniz de la Comunidad de Madrid.

Intervino en el espectáculo Vértiges del cineasta francés Tony Gatlif con el que recorrió Francia e Italia y en el 2018 estrenó junto con Farruquito Baila. También ha actuado como telonero de Marc Anthony y ha colaborado con autores como Javier Barón, Estrella Morente o Carmen Cortés.

La podemos ver los días 2, 23 y 30 de marzo, en el Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=Y4VdMzPquh8

https://www.youtube.com/watch?v=Y4VdMzPquh8