Teatro

“La familia de Pascual Duarte”. Teatro Fernán Gómez. Hasta el 4 de marzo.

Pascual Duarte, campesino extremeño hijo de un alcohólico, nos cuenta su vida mientras espera su propia ejecución en la celda de los condenados a muerte. Víctima de una inexorable fatalidad, Duarte es un ser primitivo y elemental dominado por la violencia, única respuesta que conoce a la traición y al engaño. Pero esa siniestra apariencia no es más que la máscara que oculta su incapacidad para luchar con la maldad de los demás y la desvalida impotencia que alberga en el fondo de su alma.

El protagonista es oriundo de Torremejía (Extremadura) y su vida se desarrolla entre 1882 y 1937, años en los que la realidad socio-política española estaba marcada por un clima de profunda inestabilidad. Es una de las épocas más agitadas dentro de la historia de España con bruscos cambios de Gobierno y de Constitución siendo éstas más teóricas que fácticas.

La obra se basa en la conocida novela de Camilo José Cela y está dirigida por Gerardo Malla e interpretada por Miguel Hermoso (Pascual Duarte), Ana Otero (Lola), Angeles Martín (Rosario) y Lola Casamayor (Rosario), entre los principales intérpretes.

Teatro

“La sonrisa etrusca”. Teatro La Latina. Hasta fin de temporada.

Esta es la adaptación de la popular novela del escritor José Luis Sanpedro. Ya llevan cerca de 100 funciones con Bruno y Hortensia a cuestas y los personajes casi se han fusionado con ellos. Julieta Serrano y Héctor Alterio reestrenan en el teatro La Latina de Madrid “La sonrisa etrusca”.

Esta es una tierna historia de segundas oportunidades que contrapone sentimientos, a veces dulces, otras amargos, pero siempre apostando por la humanidad de los hombres.

Héctor Alterio es Bruno, el viejo campesino calabrés, ya enfermo que deja su pueblo para vivir en Milán (donde en principio todo le parece “inhumano, sórdido y hostil”), en casa de su hijo (Nacho Castro) y su nuera, Andrea (Olga Rodríguez), allí conocerá su último amor, el de su nieto y su última pasión, Hortensia (Julieta Serrano).

La peculiar relación de un abuelo, un hombre de Calabria que luchó con los antifascistas en la 2ª Guerra Mundial y que afronta un cáncer, con su nieto sirve para reflexionar sobre la vida, el amor y la esencia de la felicidad.

Alterio y Serrano derrochan experiencia y compromiso sobre las tablas como protagonistas del montaje.

Una obra deliciosa, quizás, la más entrañable de la cartelera madrileña actual…

Teatro

“Romeo y Julieta”. Sala Mirador. Del 23 de febrero, al 11 de marzo.

Dos adolescentes enamorados, dos familias enfrentadas y un desenlace trágico. Con este argumento, pero con una puesta en escena absolutamente novedosa, llega "Romeo y Julieta", de la mano de Oscar Miranda, para representarse hasta el próximo mes de marzo en la sala Mirador de Madrid. Lo hace, ofreciendo una nueva versión del clásico de Shakespeare, en la que se conjugan los textos clásicos con un intenso trabajo psicofísico de los actores.

El punto de partida, una tormenta, en la que se ven envueltos sus protagonistas en lucha con su naturaleza y su destino, en una apuesta teatral en la que, en palabras del propio Miranda "todo es impredecible. Romeo y Julieta, el presente, el mañana, la tormenta... Nuestro montaje parte del aquí y el ahora, en una historia que puede suceder en cualquier lugar, no sólo en los palacios ni en las calles de Verona".

Precisamente la actualidad define esta versión de los dos amantes enfrentados por Capuletos y Montescos que podrá verse del 23 de febrero al 11 de marzo en la Sala Mirador de Madrid.

La compañía Workgroup Teatro surge de la mano de antiguos alumnos de la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) en el año 2004. Especializados en la investigación y creación de nuevos lenguajes teatrales, han puesto en escena diversos montajes, como “Asfixia”, (Sala Réplika, 2006) Gluglu Dreams, (“Escena Simulacro”, Sala Triángulo 2009), y recientemente, “De noche, justo antes de los bosques”, de Bernard-Marie Koltès y el espectáculo infantil “Yoyo2”.

Opera

“El Gato Montés”. Teatro de la Zarzuela. Hasta el 11 de marzo.

Estamos ante una ópera en tres actos y cinco cuadros, estrenada en el Teatro Principal de Valencia, el 22 de febrero de 1916. La música Música y el libreto son de Manuel Penella.
Esta conocida ópera española recoge todos los tópicos del españolismo al uso: el torero,el bandolero, la gitana, el cura, la “maresita”, el Sol, el vino (manzanilla). Con todo,y pese a sus evidentes convencionalismos, no puede decirse que la ópera respondiera a una estética obsoleta. Sin ser novedosos, los referentes veristas de música y libreto aún tenían vigencia: sólo hacía siete años que Puccini había sido aclamado en el Metropolitan de Nueva York con otro melodrama sentimental entre bandolero y chica huérfana: “La fanciulla del West”. Tal y como afirmaron los defensores de Penella, su partitura no desmerecía a las de autores vivos de éxito como Leoncavallo, Giordano o Mascagni. 
Por otro lado, el andalucismo mágico, lleno de presagios funestos, que inunda la obra resulta análogo a la imagen sensual y fatalista explotada por pintores contemporáneos de prestigio (Zuloaga, Beltrán Massés o Julio Romero de Torres). En cuanto al argumento taurino, el mismo año de 1917, Blasco Ibáñez cosechó un triunfo internacional con su adaptación cinematográfica de Sangre y arena. 
En realidad, este híbrido de alta cultura y cultura de masas, a caballo entre dos mundos, tendría difícil continuidad en décadas siguientes. Pasados los “buenos tiempos para la lírica”, los autores preferirán cultivar, en casi todos los casos, fórmulas más populistas o más conservadoras; o bien, ambas cosas a la vez. Por contra, la apremiante renovación teatral quedó en manos de una vanguardia minoritaria, más iconoclasta y mucho más distanciada del gran público. El propio Penella fue consciente de este cambio de ciclo y se adaptó a él con singular eclecticismo. Sus devaneos con el mundo del cine —ya en 1917 estrenó la revista “Aventuras de Charlot” -y con la copla -descubriendo nada menos que a Concha Piquer- son una buena prueba…

Teatro

“Doctor Faustus”. Hasta el 11 de marzo. Teatros del Canal.
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogen “Doctor Faustus”, una obra de Christopher Marlowe llevada a escena por la Fundación Siglo de Oro, bajo la dirección de Simon Breden.    
El montaje está en la Sala Verde. Con esta producción, la Fundación Siglo de Oro pone de manifiesto que la feroz sátira de Marlowe nunca ha dejado de ser relevante, ni mucho menos actual y presente, al tratar sobre una sociedad obsesionada con la consecución de bienes a corto plazo sin reflexión alguna sobre la consecuencia futura, según los productores del montaje.
La actual crisis económica global se desenlaza como la trágica historia de la vida y muerte del Doctor Faustus, un mito siempre presente en nuestra sociedad y, hoy día, más que nunca, cuando parece que todo, todo se compra y se vende, casi a cualquier precio...

Musicales

“La Bella Durmiente” y “Alicia en el País de las Maravillas”. Toda la temporada. Teatro Fígaro, de Madrid.  

Vuelve a la cartelera madrileña “La Bella Durmiente” y “Alicia en el País de las Maravillas”. El Teatro Fígaro acoge estos dos clásicos infantiles en su tercera temporada.

“La Bella Durmiente”, un nuevo musical, transporta a los espectadores a un mundo de magia y fantasía. Disfruta de este maravilloso espectáculo, repleto de humor, fantasía, amor y mucha magia. La Maquineta, triunfa en Madrid con este musical para toda la familia. En septiembre de 2010, el musical fue programado en el Teatro Galileo de Madrid; el éxito de público se va sucediendo cada mes, consiguiendo que tras su primera temporada en Madrid.

Por su parte, “Alicia en el País de las Maravillas” es el musical que arrasa en la capital. La compañía de teatro La Maquineta triunfa en Madrid con este maravilloso musical para toda la familia, repleto de amor, fantasía y mucha magia.  Más de 30.000 espectadores han podido disfrutar del espectáculo. El musical Alicia en el país de la maravillas, vuelve con su  3ª temporada al Teatro Fígaro de Madrid, obteniendo un lleno absoluto el día de su estreno. Actualmente continúa su éxito en Madrid, en el Teatro Fígaro.

Musical

“Follies”. Del 10 de febrero, al 8 de abril. Teatro Español.

Llega el musical de calidad de la temporada. Vicky Peña y Carlos Hipólito encabezan el reparto de “FOLLIES”, la primera producción española del musical de Stephen Sondheim y James Goldman, que se representará en el Teatro Español de Madrid del 10 de febrero al 8 de abril de 2012 dirigida por Mario Gas.
En el reparto figuran, entre otros  Muntsa Rius (SWEENEY TODD, MAMMA MIA!), Pep Molina (SWEENEY TODD), Linda Miraval (CHICAGO), Teresa Vallicrosa (SWEENEY TODD, EL MIKADO), Mónica López (GUYS AND DOLLS, A LITTLE NIGHT MUSIC), Angel Ruiz y Massiel, que dará vida al personaje de Carlotta Campion, quien interpreta uno de los temas más populares del musical, “I´m Still Here”.

Vicky Peña -que dará vida a Sally Durant Plummer- lleva más de treinta años dedicándose al mundo de la interpretación, donde ha trabajado en los más diversos géneros. Entre ellos destacan musicales como A LITTLE NIGHT MUSIC, GUYS & DOLLS, GOLFUS DE ROMA, LA ÓPERA DE TRES CENTAVOS, o la exitosa versión de SWEENEY TODD dirigida por Mario Gas en sus dos montajes de 1995 y 2008-2009. Precisamente, su aclamada encarnación del personaje de Mrs. Lovett en el musical de Stephen Sondheim le valió diversas distinciones, entre ellas una mención especial por parte del jurado del Premio Nacional de Teatro en el 2009.

Para Carlos Hipólito el personaje de Benjamin Stone que interpretará en esta maravillosa producción supone su primera incursión en el género del musical, tras más de treinta años de carrera. Ha protagonizado obras de teatro como ´Arte´ de Yasmina Reza, ´El método Grönholm´ de Jordi Galcerán y ´Todos eran mis hijos´ de Arthur Miller; películas como ´Ninette´ y ´Sangre de Mayo´ de José Luis Garci, ´Goya en Burdeos´ de Carlos Saura´ y ´Mi Hermano del Alma´ de Mariano Barroso; y series de televisión como ´Desaparecida´ y ´Los Misterios de Laura´. Desde 2001 es la voz en off del personaje de Carlos en la serie ´Cuéntame´.
FOLLIES, que actualmente se encuentra en proceso de ensayos, contará con una compañía formada por 32 actores, cantantes y bailarines, además de una orquesta de 19 músicos.

La escenografía, que recrea los muros de un viejo teatro deteriorado, es de Juan Sanz y Miguel Ángel Coso, mientras que el vestuario está firmado por Antonio Belart, quien se ha inspirado, por una parte, en el sofisticado mundo de la revista, de sus plumas y lentejuelas, y por otra, en la moda de los años cuarenta y setenta del pasado siglo. Mario Gas cuenta también, entre otros colaboradores, con dos coreógrafos: Aixa Guerra y Lluis Méndez (especialista en claqué).

Después de GOLFUS DE ROMA, SWEENEY TODD y A LITTLE NIGHT MUSIC, Mario Gas vuelve a trabajar con una obra de Sondheim, autor de referencia y renovador del género, ganador de siete Premios Tony, un Oscar y un Premio Pullitzer, que comenzó su carrera escribiendo las letras para el musical WEST SIDE STORY de Leonard Bernstein.

FOLLIES se estrenó el 4 de abril de 1971 en el Winter Garden Theatre de Broadway, con música y letras de Sondheim, libreto de James Goldman, y producción de Harol Prince. Permaneció en cartel 522 funciones. Desde entonces se han puesto en marcha alrededor de una docena de montajes, y también se ha presentado en forma de concierto en Nueva York en 1985 y en Londres en 1996. Actualmente, se representa en Broadway protagonizada por Bernadette Petters, Jan Maxell, Elaine Paige, Danny Burstein y Ron Raines.

El espectáculo, que dirige Mario Gas, es la primera producción en España de esta obra, que es una poética evocación del mundo de la revista y del teatro desde los años 20 del pasado siglo hasta 1971. Antes de que su legendario teatro de revista sea derruido para construir un garaje, Dimitri Weissmann reúne en una fiesta a los artistas que pasaron por su escenario. Esa reunión se convierte en el punto de encuentro de personajes diversos, entre los que se mueven las brillantes sombras del pasado. Y es que, FOLLIES contrasta la vida real con la irrealidad del teatro. Esta comparación se lleva a cabo a través de la historia de dos parejas, una de clase alta –Ben y Phyllis- y otra de clase media –Buddy y Sally.

Teatro

“Madame Bovary”. Hasta el 25 de marzo. Teatro Bellas Artes, de Madrid.

Ana Torrent, Juan Fernández, Armando del Río y Fernando Ramallo interpretan esta versión escénica de Emilio Hernández de la popularísima y rompedora novela “Madame Bovary”, de Gustave Flaubert.

La versión teatral de la obra, dirigida por la actriz Magüi Mira y producida por Jesús Cimarro, tuvo su estreno nacional en el Teatro Principal de Alicante, el 2 de diciembre de 2011, y ahora, llega a Madrid. La versión escénica de Emilo Hernández está interpretada por Ana Torrent en el papel de Emma Bovary; Juan Fernández como Carlos Bovary; Armando del Río dando vida a Rodolfo; y Fernando Ramallo encarnando a León.

Por otro lado, el diseño de iluminación llega de la mano de José Manuel Guerra; la música original la pondrá David San José; y el diseño de vestuario correrá a cargo de Helena Sanchís.

Emma Bovary, mujer inteligente inmersa en los duros principios morales y sociales de 1850 que obligan a la mujer a vivir sumisa, intenta escapar de ese paisaje en el que se ahoga. Emma, lee, imagina, sueña, desea, se complace con fiestas, compras excesivas, pelea por lo que ella entiende una vida libre. Acepta y disfruta la relación con Rodolfo, su primer amante, y con León, joven estudiante, su niño al que también ama. Se pierde, equivoca la salida, cada vez mas sola, se hunde impotente. El amor incondicional de su marido Carlos Bovary no puede hacer nada por ella... 

“La última cinta de Krapp”. Hasta el primero de abril. Teatro de la Puerta Estrecha, de Madrid.

Krapp, un hombre cuya vida está mediada por sus propias grabaciones. Un diálogo de un hombre consigo mismo, o con sus yos pasados. En su cumpleaños, su último cumpleaños, el viejo Krapp se sienta con su magnetófono, su diccionario y sus plátanos y escucha su propio pasado contado por una voz más joven, a veces con placer, a veces con confusión, irritación o desesperación.
Beckett tiende a lo esencial. La última cinta de Krapp se torna horadante y cada vez más aguzada para penetrar más y más en las capas estratificadas de lo real y llegar a la única verdad que a Beckett le interesa: la verdad sobre la condición humana. No por medio de la verdad intelectual, sino por la verdad sensible. Lo sorprendente es que ese caminar hacia las profundidades no se traduce sino en visiones tenazmente concretas. Esas visiones, esa voz, las reconocemos en nosotros mismos, están mezcladas con nosotros, hombres y mujeres de aquí y de ahora y no perdidas en alguna cómoda abstracción.
“La cinta magnetofónica -dice Beckett- es un truco maravilloso. Resulta raro que no se le haya ocurrido a nadie antes… siendo, sin embargo tan sencillo”. Dicho truco le permite a Beckett un juego del recuerdo y del tiempo; juego teatral donde el espectador está a la vez en la sala y en el escenario.
Tanto en sus novelas, como en sus obras, Beckett centró su atención en la angustia indisociable de la condición humana, que, en última instancia, redujo al yo solitario o a la nada. Asimismo, experimentó con el lenguaje hasta dejar tan sólo su esqueleto, lo que originó una prosa austera y disciplinada, sazonada de un humor corrosivo. Su influencia en dramaturgos posteriores fue tan notable, como el impacto de su prosa.

Teatro

“Grooming”. Hasta el 11 de marzo. Teatro Abadía, de Madrid.

El Teatro de la Abadía acogerá, desde este miércoles, y hasta el 11 de marzo 'Grooming', una obra teatral que sube a escena los abismos del ser humano. El texto, escrito por Paco Bezerra y dirigido por José Luis Gómez, aborda el universo desconocido y confuso de la parafilia a través de los actores Antonio de la Torre y Nausicaa Bonnín."Grooming" es el nombre con el que se conoce el engaño de un adulto a un menor a través de internet para conseguir su confianza y obtener imágenes íntimas del niño o niña e incluso llevar a cabo un encuentro real. Una noticia de un caso real atrapó la curiosidad del dramaturgo Paco Bezerra y decidió escribir esta historia, según ha explicado este martes, durante la presentación de la obra. En su intento por huir de la literatura "rural" en la que se le había intentado encasillar, el autor sintió la "necesidad de indagar en un tema no muy frecuentado en la literatura dramática". El resultado es un thriller del que poco se puede desvelar: un hombre y una chica se conocen por internet y mantienen su primer encuentro físico en un banco de un parque, junto a una farola.
En palabras de José Luis Gómez, esta obra, además de abordar un problema universal, "terrible y temible", abre "grietas sucesivas" en el transcurso de la obra que llenan de sorpresas toda la obra. De esta forma, "bajo la apariencia de las patologías de las que habla, alude a los abismos que existen en el ser humano", indica. El director y los protagonistas han convertido este texto en un "hermoso y turbador cuento negro" porque, explica Gómez, "los personajes son unos ángeles a quienes se les han caído las alas". Las identidades fingidas, la manipulación y los deseos oscuros completan un relato que se desarrolla en plena noche.

Opera

“La clemenza di Tito”. Del 14 de febrero, al 4 de marzo. Teatro Real, de Madrid.

La ópera “La clemenza di Tito”, de Mozart, habla sobre la generosidad y clemencia del emperador romano Tito. El montaje de los hermanos Ursel y Karl-Ernst Herrmann pisa por primera vez el templo de la ópera madrileño con la dirección de Thomas Hengelbrock para poner en escena la última ópera de Mozart.
Para Gerard Mortier, director artístico del Real, esta ópera, con libreto de Metastasio, es totalmente actual y tiene un mensaje político claro: la importancia de la generosidad y el perdón de los gobernantes.
Mozart compuso está obra el mismo año de su muerte, en 1791, y creó una ópera en la que un emperador perdonaba a su amigo íntimo, Sesto, y a su prometida, Vitellia, que habían intentado asesinarle.
Con este argumento que ensalzan las virtudes del perdón y la compasión, los hermanos Ursel y Karl-Ernst Herrmann han creado una puesta en escena simple y pura de la obra de Mozart. Con una arquitectura fuerte, una excelente iluminación e inteligentes ideas originales consiguen transmitir el concepto final que Mozart quería resaltar: la clemencia.
En la parte musical, el director alemán Thomas Hengelbrock se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid y Andrés Máspera será el director de coro. El tenor Yann Beuorn interpretará el papel de Tito y la soprano Measha Brueggergosman encaranará a Vitelia.
Por fin, llega al Real, el único Mozart de la temporada…