¡Cómo perderse de todo y de todos!

La dramaturga y directora escénica Edurne Rubio escribe y dirige “Tinieblas”, una colección de historias que reflexionan sobre el hecho perderse y ser totalmente libre. Ya, en el Teatro Valle-Inclán.

La dramaturga y directora escénica Edurne Rubio escribe y dirige, en el Teatro Valle-Inclán, un espectáculo que, a través de diversas historias, reflexiona acerca del acto de perderse.

En un mundo donde cada rincón está cartografiado y cada paso puede seguirse mediante satélites, perderse parece haber desaparecido de la experiencia humana. Frente a esta realidad hiperconectada se propone un desafío radical: convertir el teatro en el último territorio donde aún es posible extraviarse.

La obra reúne una colección de relatos sobre personas que se pierden, ya sea en sucesos reales o en situaciones nacidas de leyendas, rumores o imaginarios colectivos. Esa mezcla de narraciones crea una estructura polifónica que invita al público a adentrarse en un espacio donde lo cotidiano y lo fantástico se confunden.

Los espectadores se transforman en un cuerpo común que se desplaza por el escenario perdiéndose, encontrándose y volviendo a perderse. El teatro se convierte así en un lugar con coordenadas propias, un paraje donde lo sensorial y lo emocional toman el mando.

La propuesta juega constantemente con la tensión interior y exterior: el lento caminar de un ser humano frente a la capacidad vertiginosa de la imaginación para tele-transportarse a otros mundos. Con ello, se ofrece una experiencia inmersiva que invita a cuestionar nuestra relación con el espacio, la orientación y la propia percepción en una época donde la pérdida parece imposible.

La podemos ver, hasta el 31 de mayo, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=7dTmKEX7BgU

Mofa de la música clásica barroca

La compañía Yllana propone “Maestrissimo. Yllana”, un satírico y musical retrato de época del siglo XVIII. Ya, en fechas alternas, en el Gran Teatro Príncipe Pío.

Siguiendo la estela del show “Pagagnini”, la compañía Yllana propone una comedia gestual para toda la familia donde fusiona un concierto de cámara con un satírico retrato de época del siglo XVIII. Un espectáculo allegro e molto vivace que acoge el Gran Teatro Príncipe Pío.

Un cuarteto de cuerda de un período indeterminado entre los siglos XVII y XVIII (Barroco y Neoclasicismo) se junta para representar una audición muy especial. Entre ellos se encuentra un músico de relleno que tiene un talento descomunal, quien intenta progresar en el escalafón musical para alcanzar el título de maestrissimo.

Los protagonistas interpretan pasajes de maestros como Bach, Vivaldi, Mozart, Brahms, Beethoven, Sarasate y Paganini. Aunque el concierto también contiene reminiscencias de otros géneros como el rock, el pop, el jazz, bandas sonoras de películas y otras expresiones musicales como el cante flamenco.

Yllana es un grupo artístico nacido en 1991 y especializado en teatro gestual. Sus obras se han convertido en grandes piezas del humor mudo español. Algunas de las más aplaudidas son “Splash!”, “666”, “Olimplaff” o “Action Man”, entre otras. Asimismo, sus montajes han sido representados en 44 países y han sido vistos por más de un millón y medio de espectadores. 

Durante su carrera ha obtenido multitud de galardones como el Premio Max de las Artes Escénicas 2012 al Mejor espectáculo musical por Avenue Q, el Premio Max de las Artes Escénicas 2010 al Mejor espectáculo infantil por Zoo o el Premio al Mejor Espectáculo del Fringe Festival 2008 (Edimburgo-Reino Unido) por “Pagagnini”. ¡Todo un logro..!

Lo podemos ver, los días 10 y 20 de junio, en el gran Teatro Príncipe Pío.

https://www.youtube.com/watch?v=_qxrJKGdHlc

https://www.youtube.com/watch?v=_qxrJKGdHlc

Adaptación de una parte de ”Hamlet”

El dramaturgo Sergi Belbel (“Si no te hubiese conocido” o “Como una perra en un descampado”) escribe y dirige “Hamlet 0.1”, una adaptación humorística y moderna del primer acto de “Hamlet”, de William Shakespeare. Pronto, en el Teatro Español.

“Hamlet 0.1” es una adaptación humorística y moderna del primer acto de “Hamlet”, de Wiliam Shakespeare. La pieza está protagonizada en forma de monólogo por Enric Cambray. Y nunca mejor dicho lo de monólogo, pues el eterno príncipe de Dinamarca vuelve a la escena, pero abandonando el tono solemne de la tragedia para convertirse en un comediante de stand-up comedy.

Solo ante el público, el personaje se dispone a explicar, comentar y diseccionar el primer acto de la obra original, mezclando humor, reflexión filosófica y una buena dosis de irreverencia. El resultado es una lectura divertida y, al mismo tiempo, profundamente respetuosa con el texto shakespeariano.

La idea surgió en una conversación entre Belbel y Cambray, quien siempre soñó con interpretar al príncipe danés. Desde esa complicidad nació un espectáculo que invita a redescubrir a Hamlet desde una mirada fresca, crítica y cercana, en el que la tragedia se convierte en materia cómica sin perder su hondura. Y es que Belbel se lanza a entender a Hamlet riéndose con él, pero no de él, en una propuesta que es un homenaje lúcido al genio shakespeariano.

El viernes 12 de junio se habilitará una función accesible con audio-descripción, bucle magnético, sobretítulos para sordos y sonido amplificado. Para garantizar una correcta visibilidad, los espectadores que deseen hacer uso del sobre-titulado deben evitar las primeras filas. Se recomienda adquirir entradas a partir de la fila 5.

La podremos ver, del 22 de mayo, al 21 de junio, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=p3RjHsSqtwM

Vuela con Sara Baras

La popular y reconocida bailaora Sara Baras regresa a Madrid con “Vuela” su espectáculo homenaje al gran maestro Paco de Lucía. Ya, en el Teatro Gran Vía.

La prestigiosa bailaora Sara Baras regresa al Teatro Gran Vía con “Vuela”, su último espectáculo con el que celebra el 25º aniversario de la creación de su compañía. Una cita en la que se rinde homenaje al músico y compositor español Paco de Lucía (Algeciras, 1947 - Cancún, México, 2014), considerado el mejor guitarrista de flamenco de toda la historia. Tras arrasar en la madrileña Gran Vía en su segunda temporada logrando 56 funciones agotadas y 53.000 espectadores solo en Madrid, desde su estreno, más de 180.000 espectadores han podido disfrutar de este homenaje a Paco de Lucía.

Este espectáculo denominado “Vuela”, trata de un viaje coreográfico que consta de 15 piezas que giran en torno a una palabra. Así, se divide en cuatro actos: “Madera”, sobre la fortaleza de las raíces y la calidez intrínseca del ser, “Mar”, acerca de la pasión adoptando la fluidez del agua, “Muerte”, que explora las emociones humanas desde lo más profundo, y “Volar”, que se muestra como la única vía para escapar sin correr, simplemente dejándose llevar por la celebración y la alegría.

Nacida en San Fernando (Cádiz), en 1971, Sara Pereyra Baras es una bailaora, coreógrafa, actriz y directora considerada como una de las mayores profesionales del baile flamenco. Comenzó a aprender a bailar con su madre, Concha Baras, y de ahí pasó al grupo Los Niños de la Tertulia Flamenca.

Con solo 14 años entró en la formación de Manuel Morao y obtuvo el primer premio Gente Joven de TVE. En 1994 fue fichada por el cantaor Enrique Morente, luego se unió a la compañía de Paco Peña, realizando una gira por Europa, y más tarde participó en la Bienal de Flamenco de Sevilla.

En 1997 fundó su propio conjunto: el Ballet Flamenco Sara Baras y lo presentó en el XXXVII Festival Nacional del Cante de las Minas. Entre los grandes montajes que ha producido se encuentran Juana la loca (ganador de tres premios Max), Mariana Pineda, Medusa o Sombras. Además, en 2003 Sara fue distinguida con el Premio Nacional de Danza, en 2004 logró la Medalla de Oro de Andalucía y en 2009 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

La podemos ver, hasta el próximo día 31 de mayo, en el Teatro Gran Vía. 

https://www.youtube.com/watch?v=_0BTrng8iT4&list=RD_0BTrng8iT4&start_radio=1

Memoria entre España y Filipinas

Lucía Miranda escribe y dirige “Las últimas”, una obra íntima que ahonda en la memoria compartida entre España y Filipinas, cuando este segundo país era colonia del primero. Ya, en el Teatro Valle-Inclán. 

Lucía Miranda (“Chicas y chicos”, “Fiesta, Fiesta, Fiesta” o “Nora, 1959”) escribe y dirige “Las últimas”, una obra que profundiza en la memoria compartida entre España y Filipinas a través de una historia familiar. Una obra que podrá verse en la Sala Principal del Teatro Valle-Inclán del 8 de mayo al 21 de junio, con funciones de martes a domingos.

Durante la Segunda Guerra Mundial, en algún lugar de Filipinas, existía un bar en el que bebían juntos japoneses y estadounidenses. Lo regentaba Pedro, un hombre de padre español y madre filipina. Pedro tenía a sus hermanos en un pequeño pueblo del País Vasco, Ibarrangelu, adonde viajó un verano para conocerlos. Allí, la bicicleta rota de una cantante de copla llamada Mary Carmen bastó para cambiar su destino. Como en los relatos de amor que terminan bien, no hizo falta compartir idioma para entenderse: Pedro decidió no volver a Filipinas. Años después, esa crónica llega al escenario interpretada por su nieto, el actor Juan Paños.

Este es el punto de partida de un viaje más amplio, ya que se propone un recorrido por Filipinas en busca de otros testimonios similares, de familias marcadas por un pasado común y de los vínculos invisibles que aún conectan a ambos países. El espectáculo se pregunta qué queda hoy de esa historia compartida y cómo sigue influyendo en la vida cotidiana, en las calles, las escuelas y los escenarios.

El origen de la pieza surgió en 2015, cuando la compañía de Lucía Miranda, Cross Border, viajó a Filipinas. Allí, el encuentro con la Philippine Educational Theater Association reveló una paradoja: mientras los artistas filipinos conocían bien la historia española, en España apenas se recordaba a Filipinas, uno de los últimos territorios que se perdieron. Con ello se genera un teatro que mezcla documental y ficción para reconstruir una invitación a mirar hacia el pasado común que sigue presente y a preguntarse qué episodios aún quedan por contar entre España y Filipinas.

La podemos ver, hasta el 21 de junio, en el Teatro Valle-Inclán.

Para los amantes del buen teatro

El director escénico Juan Carlos Pérez de la Fuente dirige “La aventura de la palabra”, un homenaje al fallecido actor y director Fernando Fernán Gómez basado en su discurso de ingreso en la Real Academia Española (RAE). Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

El director Juan Carlos Pérez de la Fuente (“Torquemada”, “El cerco de Numancia” o “La gota de sangre”) dirige un homenaje a Fernando Fernán Gómez basado en su discurso de ingreso en la Real Academia Española. Una obra que ta puede verse, en la Sala Jardiel Poncela, del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

El montaje ha sido escrito por Raúl Losánez (“Vano fantasma de niebla y luz”) y cuenta con la participación de los actores Nancho Novo y Marta Poveda.  De este modo, se recoge “Aventura de la palabra en el siglo XX”, el discurso que Fernán Gómez pronunció en el 2000 para abordar el valor de la palabra escrita y hablada, su relación con la oralidad y el lenguaje como herramienta artística.

La pieza busca recuperar y actualizar la visión de Fernán Gómez, quien no solo fue un brillante autor, sino también un actor comprometido con la expresión oral del lenguaje, aportando una nueva dimensión al teatro. Esta representación recuerda su contribución a la literatura y al cine, al tiempo que también subraya su faceta como un humilde cómico, profundamente ligado al arte del habla.

Una obra corta, pero imprescindible para todos los amantes del buen teatro.

La podemos ver, hasta el próximo día 31 del presente, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=vU-8cDLCeow

¡Gran homenaje al actor Fernando Fernán Gómez!

El actor José Sacristán da un tributo teatral al actor y director Fernando Fernán Gómez, en la obra “El hijo de la cómica”.  (Teatro Bellas Artes. Martes a domingos. 29 abr a 28 jun).

El veterano actor José Sacristán protagoniza "El hijo de la cómica",  un un homenaje íntimo y emotivo al actor, director y escritor Fernando Fernán Gómez. Una obra con mucho calado cultural del siglo XX, y personal de este actor inigualable que fue Fernando Fernán Gómez. Desde mañana, en el clásico Teatro Bellas Artes.

Si Miguel Delibes enseñó a muchos a mirar el mundo con otros ojos, Fernando Fernán Gómez enseñó a escucharlo. Así, lo recuerda Sacristán, quien tuvo el privilegio de compartir con él conversaciones y confidencias durante varios años, descubriendo en su voz no solo la del gran cómico, escritor y cineasta, sino también la de un hombre que llevaba consigo las memorias de varias generaciones. ¿La obra que nos ocupa..?: El hijo de la cómica, pronto, en el Teatro Bellas Artes.

Entre anécdotas y evocaciones, Sacristán habla en nombre de Fernando de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela de Valdelaguna, y de Carolina Gómez, la costurera que le cuidó en su infancia, igual que Natividad López lo hizo con la del narrador. Historias paralelas, vidas humildes unidas por los mismos sueños de libertad, de superar la pobreza, de “llegar a ser alguien”. En su relato aparecían también ecos de Baroja, Galdós o Barea, como si su memoria fuera un tejido de voces literarias y familiares que dialogaban con la historia de España.

Una recopilación de la vida de un actor que atravesó el siglo XX con una mezcla de melancolía y firmeza. Escucharlo era escuchar también a su abuela, a su madre Carola, a la criada analfabeta que recitaba versos y a todos los personajes reales que poblaron su vida.

¡Imprescindible!

La podremos ver, del 29 de abril, al 28 de junio, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=lDCXbAqNw7I