Arremetiendo contra la trata de mujeres

Concha Delgado y Sandra Ferrús dirigen “Utopía en llamas”, un drama-denuncia poético-social sobre la trata de mujeres. Ya, en el Teatro Mª Guerrero. 

Las directoras escénicas Concha Delgado y Sandra Ferrús dirigen “Utopía en llamas”, un “dramón” escrito por Alda Lozano (“Post-Stella”) que denuncia, con un estilo poético y minimalista la trata de mujeres con fines de explotación sexual.

España es el tercer país del mundo con mayor demanda de sexo de pago y lidera el ránking europeo. A ello se suma que el 80 por ciento de las mujeres y niñas que se prostituyen son víctimas de trata, una manera contemporánea de esclavitud que vulnera los derechos fundamentales. Aun así, entre el 20 por ciento y el 40 por ciento de los hombres españoles han pagado alguna vez por sexo.

La obra mezcla la crónica, la fotografía y la literatura para contar una dura verdad: ese espejo oscuro de una sociedad que consume sin mirar la tragedia. Con ello se construye una fábula de terror en el que la realidad se desdibuja y la falacia se instala como norma. Desde su título, el proyecto invita a pensar en el contraste entre el sueño de libertad y el infierno de la esclavitud moderna. El montaje lanza una pregunta incómoda: ¿qué papel juega el azar (el lugar donde nacemos, el color de nuestra piel, el género o el acento) en el destino de cada vida?

De tal modo se señala la complicidad estructural que sostiene este sistema. Mientras el estigma y la mirada recaen sobre las mujeres, la pieza apunta hacia quienes lo normalizan: clientes, instituciones y una sociedad indiferente.

De estilo minimalista con una interpretación “heavy” y una dirección dura, donde casi todos los personajes son puteros y tan solo una actriz representa a las prostitutas, la obra no deja títere con cabeza en este negocio y, sobre todo, critica a esos clientes “bienpensantes”, al tiempo que cínicos, que tanto daño hacen a estas pobres mujeres y niñas secuestradas para la trata de blancas y convertidas, a la fuerza, en prostitutas de por vida.

¡Bravo!

Salí de la representación con los pelos de punta...

La podemos ver, hasta el día 26 del presente, en el Teatro Mª Guerrero.

https://www.youtube.com/watch?v=woVu56fYDg0

Ficha artística:

Lugar: Teatro María Guerrero - Sala de la Princesa

• Texto y dramaturgia - Alda Lozano

• Dirección - Concha Delgado y Sandra Ferrús

• Reparto - Alda Lozano, Jorge Machín y otros por confirmar

• Escenografía y videoescena - Javi Burgos

• Iluminación - Paloma Parra

• Sonido - Sandra Vicente

• Coreografía - Dácil González

• Producción - Centro Dramático Nacional

Gran teatro de sentimientos

“La última noche con mi hermano” es un texto de Alfredo Sanzol. Se ha representado, hasta hace poco, en el Teatro María Guerrero y, en estos momentos, está de gira por toda España. Habla de la entereza de una enferma de cáncer, quien lo lleva mejor que su familia más cercana.

“La última noche con mi hermano”, la última obra escrita y dirigida por Alfredo Sanzol (“Fundamentalmente, fantasías para la resistencia”, “Ensimismada”) tiene como temas centrales la muerte y la enfermedad, dando protagonismo al duelo por la pérdida de la hermana o el hermano, con la intención de visibilizar la fraternidad en la sociedad actual.El montaje cuenta la historia de tres parejas de hermanos y sus formas de comprender la fraternidad y el amor

“Teatro hecho por los muertos para dar fuerza a los vivos”, según se dice al comienzo de la obra. Durante una cena con su familia, Nagore –interpretada por Nuria Mencía– revela que está enferma. Sentados a la mesa, su hermano, su cuñada y sus sobrinos sienten cómo se resquebraja uno de los pilares fundamentales de su vida.

Con esta obra, Sanzol pretende visibilizar uno de los duelos que socialmente está menos acompañado, que es el que se atraviesa tras la pérdida de una hermana o hermano. En sus propias palabras: "Esta historia nace de una conversación que tuve con una amiga que había perdido a su hermano en diciembre de 2024. Hablando con ella, me contó cómo había sido la última noche que había pasado con su hermano y se me ocurrió este título".

La historia está atravesada por tres relaciones de hermanos, que representan formas muy diferentes de comprender la fraternidad. Jesús Noguero interpreta a Alberto, el hermano al que Nagore está muy unida y que, tras la noticia, comienza un proceso muy complejo. En palabras del intérprete, “podemos decir que el duelo es lo que ocurre después, pero se intuye que en todo el viaje hay una dificultad para aceptar lo que está ocurriendo” .

“La última noche con mi hermano” es una historia en la que el amor está presente en muchas de sus formas, pero donde destacan las relaciones fraternales. La importancia del lazo que existe entre hermanos, sean del tipo que sean, puesto que serán nuestros compañeros desde el comienzo hasta el final del viaje. Tal como recoge el texto: “Si has tenido un hermano al lado, cuando falta, la sensación de vacío es muy extraña, no es como cuando faltan los padres, o como cuando falta una pareja o un amigo, es… como si faltara algo de mí misma, una prolongación o yo diría… como un reflejo”.

A pesar de la delicadeza del tema que se trata, el humor, una de las señas de identidad de Alfredo Sanzol, se cuela por las grietas de esta obra. La creación de esta pieza supuso un exhaustivo proceso de investigación por parte del dramaturgo, que incluyó numerosas entrevistas a personas que habían atravesado procesos semejantes.

En definitiva, una tragicomedia larga, de personajes y de sentimientos, magistralmente dirigida e interpretada, pero, también y por otro lado, dura, que particularmente a mí, en determinados momentos, me costó seguir por motivos personales. Y es que estamos frente al mejor “teatro verdad”, teatro de sentimientos.

Después de haber estado varias semanas en el Teatro María Guerrero, de Madrid, ahora, se podrá ver ,los días 17 y 18 de este mes, en el Teatro Victorai Eugenia, de San Sebastián. Los días 25 y 26 de abril en el Teatre Principal, de Valencia. Los días 1 y 2d e mayo en el Teatro Central, de Sevilla y los días 16 y 17 de mayo en el Teatro Cuyás, de las Palmas de Gran Canaria y en fechas aún, por confirmar, en el Teatre Nacional de Catalunya, de Barcelona.

https://www.youtube.com/watch?v=wFUVnaqqzR0

Sobre el origen del amor

Alicia Borrachero, Elena Rivera, Itzan Escamilla y Fran Perea protagonizan “El efecto de Lucy Prebble”, una adaptación teatral que reflexiona acerca del origen del amor y las emociones. Desde mañana, en el Teatro Marquina.

Alicia Borrachero, Elena Rivera, Itzan Escamilla y Fran Perea protagonizan “El efecto de Lucy Prebble”, una adaptación de la tragicomedia de Lucy Prebble, también guionista de la aclamada serie “Succession”, que reflexiona sobre el origen del amor y la relación entre la ciencia y los sentimientos. Desde mañana, en el Teatro Marquina.

Perea está acompañado sobre las tablas por Alicia Borrachero, Elena Rivera e Itzan Escamilla. Todos ellos son dirigidos por Juan Carlos Fisher en un montaje que sigue a Connie y Tristán, dos voluntarios que participan en el ensayo clínico de un nuevo antidepresivo y que, en medio del experimento, descubren que están enamorados.

Sin embargo, su relación nace bajo sospecha: ninguno de los dos sabe si lo que sienten es real o si se trata de una descarga de dopamina inducida por el fármaco. La duda no solo sacude a la pareja, sino que provoca una creciente tensión ética entre los médicos que supervisan el estudio, obligados a decidir hasta dónde pueden o deben intervenir cuando la ciencia empieza a alterar la experiencia humana más íntima.

Con inteligencia y humor, la obra aborda cuestiones de plena actualidad como la medicalización de las emociones, la identidad personal y los límites morales de la investigación farmacológica. ¿Somos algo más que un conjunto de procesos neuroquímicos? ¿Puede la ciencia explicar o controlar el amor? Con ello se genera un compendio incómodo sobre nuestra dependencia de la ciencia y nuestra necesidad de creer que, incluso en un mundo dominado por la química, algunos sentimientos siguen siendo auténticos.

¡Interesante..!

La podemos ver, del 15 de este mes, hasta el 24 de mayo, en el Teatro Marquina.

https://www.youtube.com/watch?v=fak6v3A8i3c

Coreografía con movimiento repetitivo

“Rosas Danst Rosas” supone una reedición de la gran obra de danza de la coreógrafa belga Anne Teresa De Keersmaeker. Dicha coreografía se construye sobre una estructura rigurosa de capas, donde la repetición es el motor principal del movimiento. Pronto, en el Centro Cultural Conde Duque.

El Centro Cultural Conde Duque pronto nos ofrecerá una reedición de la gran obra de danza de la coreógrafa belga Anne Teresa De Keersmaeker: “Rosas danst Rosas”. La coreógrafa belga ha sido galardonada con numerosos premios como el prestigioso Praemium Imperiale, considerado el Nobel de las Artes.

Concebida a partir del minimalismo radical iniciado en Fase, la coreografía se construye sobre una estructura rigurosa de capas, donde la repetición es el motor principal del movimiento. Cuatro bailarinas ocupan el espacio con una ferocidad controlada, alternando gestos abstractos con acciones cotidianas que, lejos de suavizar la propuesta, intensifican su carga emocional. El agotamiento físico, visible y progresivo, se transforma en parte esencial del relato escénico.

Desde su estreno, la pieza fue leída como una declaración explícitamente feminista. Las intérpretes bailan “siendo ellas mismas”, sin personajes ni artificios, enfrentándose al tiempo, a la resistencia del cuerpo y a la insistencia de una estructura implacable. Esa tensión entre disciplina y sentimiento es uno de los rasgos que han convertido a la función en un referente generacional.

La música, creada de forma simultánea a la coreografía por Thierry De Mey y Peter Vermeersch, dialoga de manera orgánica con el movimiento. Sonidos repetitivos marcan los pulsos de los cuerpos y refuerzan la sensación de ciclo continuo, de avance y retorno constante. El montaje se ha interpretado casi en 500 ocasiones y con la participación de 28 bailarines de cinco generaciones. Además, la versión cinematográfica dirigida por De Mey en 1997 se erigió en un icono visual.

Nacida en Malinas (Bélgica) en 1960, Anne Teresa De Keersmaeker es una bailarina y coreógrafa que se ha alzado como una de las mayores figuras de la danza contemporánea internacional. En 1983 creó su formación Rosas con la que ha desarrollado más de una treintena de montajes hasta el momento. Entre sus piezas más destacadas se hallan: Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich, Rosas danst Rosas, Drumming o Achterland.

Por otra parte, y para terminar, entre 1992 y 2007, fue la directora de coreografía del teatro de La Monnaie de Bruselas (Bélgica) y en 1995 fundó la escuela de danza contemporánea PARTS (Performing Arts Research and Training Studios) también en Bruselas, considerada como unas de las mejores academias del mundo.

La podremos ver, los días 15 y 16 de este mes, en el Cetro Cultural Conde Duque. 

https://www.youtube.com/watch?v=H1Foad4Kf_w

Vuelve la escena a Malasaña

“4ºFestival Malasaña a Escena” es la cuarta edición de esta iniciativa que incluye seminarios, actuaciones de asociaciones culturales y representaciones de compañías, tanto amateurs, como profesionales. Pronto, en diferentes locales del Barrio de Malasaña.

El barrio de Malasaña se llena de vida y cultura con la cuarta edición del festival de teatro Malasaña a Escena que tendrá lugar entre el 16 y el 26 de abril de 2026. La nueva edición del festival se celebra en torno al Día Mundial del Arte (15 de abril), que reivindica el papel de la creación artística como elemento fundamental para el desarrollo cultural de las sociedades y para el ejercicio del derecho de la ciudadanía a participar en la vida cultural. 

Este año, el festival acoge más de cincuenta propuestas que incluyen la representación de compañías profesionales y grupos amateurs. La programación también cuenta con talleres de formación para todos los públicos y niveles de experiencia. Un festival que busca acercar el teatro reforzando la conexión comunitaria y haciendo de las artes escénicas una experiencia accesible para quienes habitan el barrio.

Mediante una programación abierta, repartida en varios espacios del barrio, y con la participación de compañías profesionales, alumnado de escuelas artísticas y colectivos locales, Malasaña a Escena impulsa maneras de participación cultural próximas y accesibles. Así, no solo promueve la creación artística, sino que refuerza el papel de la cultura como bien común y como elemento clave en la construcción de una comunidad diversa, activa, y culturalmente viva. Como novedad se hará un Black Market, en la Plaza de las Comendadoras, con diez performances simultáneas.

Las funciones de la edición de 2026 se reparten en salas como el Teatro Victoria, el Teatro La Madrilera, el Garaje del actor o la Escuela Superior de Canto de Madrid. Y el programa se extenderá a nuevos espacios como el recién reabierto salón de actos del Instituto Lope de Vega que acoge en esta edición a otras compañías y el Cardenal Cisneros que se une este año.

La programación también incluye espectáculos al aire libre representados en el área verde del COAM, el jardín de las Religiosas de María Inmaculada o el patio de la Fuente de la Fama del Museo de Historia de Madrid.

El Festival, impulsado por la asociación cultural Esto es Pez, nació en 2023 para fortalecer las relaciones vecinales de este castizo barrio madrileño, sirviendo como punto de encuentro entre sus habitantes y quienes participan activamente en el ámbito escénico, ya sea de manera profesional o aficionada.

Una ocasión única para mostrar que el teatro puede cobrar vida en los comercios locales, en los espacios públicos y con las personas del barrio, poniendo también en valor las salas y escuelas del barrio, facilitando su visibilidad, dándoles la oportunidad de exhibir su trabajo y favoreciendo la cooperación entre los diferentes espacios.

Lo podremos seguir, del 16, al 26 de abril, en diferentes espacios escénicos del barrio de Malasaña.

https://www.youtube.com/watch?v=d-EtZgP6QQY

¡Pobres emigrantes a USA..!

José Luis García-Pérez, María Adánez y Ana Garcés lideran actoralmente esta versión actualizada del drama del escritor estadounidense de primera mitad del siglo pasado Arthur Miller. Versas sobre las ilusiones frustradas de la clase obrera emigrante americana. Pronto, en el Teatro Fernán Gómez. 

Javier Molina, codirector artístico del Actor Studio de Nueva York, dirige una versión actualizada de Eduardo Galán (“Blablacoche”, “La curva de la felicidad” o “Mercado de amores”) sobre el drama amoroso de Arthur Miller. Una obra que cuenta con un reparto liderado por José Luis García-Pérez, María Adánez y Ana Garcés que, pronto, podrá verse en el Teatro Fernán Gómez.

Más de dos millones y medio de hispanoamericanos viven hoy en día en Nueva York y casi 300 000 en Madrid. Esa realidad migratoria sirve de telón de fondo para la nueva puesta en escena de la pieza de Miller, originalmente ambientada en el Nueva York de los años 50, cuando miles de italianos llegaban a Estados Unidos persiguiendo el sueño americano.

Se trata de una tragedia familiar y amorosa que narra la historia de Eddie Carbone, un estibador marcado por el deseo reprimido hacia su sobrina Catherine. Su rechazo visceral a la relación de la joven con Rodolfo, el primo inmigrante de su esposa y acogido en su casa, lo conduce a los celos, la obsesión y, finalmente, a la traición al denunciarlo ante las autoridades migratorias. Pero el amor fraternal de Marco hacia Rodolfo termina por desatar el enfrentamiento que sella el destino fatal del protagonista.

Esta nueva producción cuenta con el diseño de vestuario de Emilio Sosa, presidente de la American Theatre Wing, y reúne un reparto español en una iniciativa de proyección internacional que busca conectar al público contemporáneo con la universalidad de Miller.

Mediante este cóctel de talento hispano y tradición norteamericana, el montaje se presenta como un espejo de la sociedad moderna, donde la inmigración, los sueños de futuro y los conflictos humanos siguen siendo tan vigentes como en la época en que Miller escribió la obra.

La podremos ver, del 16 de abril, al 17 de mayo, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=Q6XS235nJ20

Homenaje bailaor a las cigarreras

La bailaora Rafaela Carrasco estrena su nuevo espectáculo “Humo”, que rinde homenaje a las cigarreras, aquellas mujeres que, en la primera mitad del siglo pasado, vendían cigarrillos y chuches, en diferentes lugares de las ciudades. Pronto, en Centro Danza Matadero.

El Centro Danza Matadero – CDM pronto acogerá el estreno de “Humo”, el nuevo espectáculo de la bailaora Rafaela Carrasco. Una pieza que rinde homenaje a las cigarreras, un colectivo histórico de mujeres humildes que pasó al imaginario de España.

A través de dicho espectáculo, la coreógrafa y bailarina Rafaela Carrasco, Premio Nacional de Danza 2023, rinde homenaje a las cigarreras. Entre mito y realidad, entre literatura y vida, entre copla popular y crónica periodística, la figura de estas mujeres sigue viva.

Este espectáculo cuenta con dirección y coreografía de Rafaela Carrasco y dramaturgia y letras a cargo de Álvaro Tato que resuenan personajes como la Carmen de Mérimée y Bizet, la Amparo de La Tribuna de Emilia Pardo Bazán, la Colasa del chotis… Sobre todo destacan las cigarreras anónimas del folclore y el flamenco, las mismas que mantenían a sus familias, luchaban por subsistir y dejaron huella en símbolos y recuerdos de varias generaciones. A la salida de la fábrica, cada atardecer, eran esperadas con avidez por obreros y curiosos. 

En Humo se evocan sus jornadas en el taller y las jerarquías internas, de la aprendiz a la capataz. También sus fiestas, ritos clandestinos y trapicheos de estraperlo. Sus conflictos, alegrías y penas se muestran en un flamenco en femenino plural. 

Nacida en Sevilla en 1972, Rafaela Carrasco es una bailaora y directora que se instruyó de la mano de Matilde Coral y Mario Maya. Comenzó en la Compañía de Mario Maya y posteriormente saltó a la Compañía Andaluza de Danza. Conocida por ser una de las grandes renovadoras del baile flamenco, ha colaborado con autores como Rafael Amargo, Antonio Canales, Farruquito, Duquende o Merche Esmeralda.

Por otro lado, la bailaora fundó su propia formación en 2002, año en que venció los principales premios del XI Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco. También fue directora del Ballet Flamenco de Andalucía de 2013 a 2016 y es catedrática de Baile Flamenco en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila.

Lo podremos ver, del 16, al 19 de abril, en Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/shorts/8hdV14Zpxx8