¡Vuelve el mejor Valle-Inclán!

El premiado director escénico Eduardo Vasco dirige “Luces de Bohemia”, la gran obra del esperpento de Valle-Inclán (“Romance de lobos”) protagonizada por Ginés García Millán. Es una reposición del Teatro Español. 

El prestigioso director Eduardo Vasco (“Peribáñez y el Comendador de Ocaña”, “La ruta de Don Quijote” o “Carsi. Una comedia de cómicos clásicos”) repone la gran obra de Ramón María del Valle-Inclán. Una obra que cuenta con un reparto liderado por los actores Ginés García Millán y Antonio Molero, y que pronto, se repondrá en el Teatro Español

Se trata de un texto fundamental de la literatura española, ya que introduce el género del esperpento. Es una crítica feroz y mordaz de la sociedad española de la época (finales del siglo XIX y principios del siglo XX) y presenta una visión grotesca de la realidad, con el objetivo de mostrar su carácter ilógico e injusto.

La trama gira en torno al último día de vida del protagonista, Max Estrella, un poeta ciego y empobrecido que simboliza el arquetipo del artista bohemio. A lo largo de la pieza, Max recorre las calles de Madrid acompañado por su amigo Latino de Hispalis. Y en ese deambular nocturno se encuentran con varios personajes que encarnan los distintos estamentos de la sociedad: la corrupción política, la pobreza, la explotación, la represión y la decadencia moral. Durante ese itinerario Max va cayendo en la desesperanza, perdiendo toda ilusión en la vida.

A través de diálogos ácidos y situaciones absurdas, Valle-Inclán expone una deformación de la brutal realidad social del momento, como si estuviera reflejada en un espejo cóncavo, lo que resalta la tragedia y el sinsentido de la existencia.

¡Todo un clásico obligatorio de ver..!

La podremos ver, del 23 de enero, al 7 de marzo, en el Teatro Español. 

https://www.youtube.com/watch?v=D0lp1wQI4SI

El universo Mercè Rodoreda en danza

La compañía La Veronal representa “La mort i la primavera”, una interpretación coreográfica del universo poético de la reconocida escritora catalana del siglo XX Mercè Rodoreda (“Espejo roto”). Pronto, en Centro Danza Matadero.

La compañía La Veronal pronto, representará “La mort i la primavera”,en Centro Danza Matadero, una reinterpretación coreográfica del universo poético y oscuro de la escritora catalana del siglo XX Mercè Rodoreda, una de las más importantes de la literatura de esa región española. El montaje utiliza aparatos de luz estroboscópica.

Tras su aclamado estreno en la Biennale di Venezia y su paso por Barcelona, - donde agotó todas las localidades en sus doce funciones-, La Veronal brinda una re-lectura de esta célebre novela homónima de Mercè Rodoreda, con música original de Maria Arnal. Se trata de un libro inacabado, que fue publicado en 1986 tras la muerte de su autora, y cuyo protagonista es un adolescente que vive en una sociedad cruel, por lo que la muerte se convierte en una liberación personal.

Bajo la dirección de Marcos Morau, la obra construye una fantasía visual y física donde los cuerpos, los gestos y las imágenes se transforman en materia poética. Rodoreda escribió una novela radicalmente vital y a la vez ferozmente irreligiosa. Morau articula un espectáculo que celebra la fuerza de lo natural y denuncia la sordera moral de la humanidad, siempre atrapada entre su violencia y su deseo de supervivencia. El resultado es una alegoría contemporánea acerca de los estragos de la modernidad y los fascismos cotidianos, contada a través de una danza que respira, colapsa y renace como un organismo vivo.

La Veronal es un conjunto fundado en 2005 por Marcos Morau (Premio Nacional de Danza 2013) y compuesto por artistas procedentes del baile moderno, el cine, el teatro, la literatura y la fotografía que apuesta por un idioma artístico entre la abstracción y la narración con la intención de formar espacios culturalmente diversos. Entre sus mayores piezas destacan “Sonoma”, “Siena”, “Pasionaria” o “Voronia”...

¡Imprescindible para aquéllos que amamos la danza!

Lo podremos ver, del 15, al 25 de enero, en Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=1ZhswKkxpZg

La sociedad actual con ojos de clown

Pau Matas Nogué y Oriol Pla Solina proponen, a través del montaje “Gula/Gola”, una alegoría clown que reflexiona acerca de la sociedad, en general. En breve, en el Teatro Valle-Inclán.

Pau Matas Nogué y Oriol Pla Solina pronto, nos ofrecerán “Gula/Gola”, en el Teatro Valle-Inclán. Se trata de una alegoría clown que utiliza la gula como temática para reflexionar sobre la sociedad moderna.

Interpretada en forma de monólogo por Oriol Pla Solina, la producción expone a un arlequín que no se detiene, que salta de un lado a otro buscando ser visto y que, en su frenesí, olvida quién es. Esa es la imagen central de una pieza que profundiza en el exceso, el consumo compulsivo y la incapacidad de enfrentarse al vacío.

La obra, concebida desde la poética del clown, propone una crítica sobre un mundo que parece engullirlo todo: desde los recursos naturales hasta las emociones. Los creadores denuncian que vivimos en una sociedad que desconfía de sus instituciones, cada vez más desigual y atravesada por la crisis climática, pero que continúa atrapada en la espiral del deseo insaciable.

En escena, la gula se convierte en motor y condena: un impulso que transforma al individuo en bufón, bestia o marioneta, incapaz de escapar del laberinto que él mismo construye. El montaje también señala a las redes sociales como uno de los principales portales de este vicio contemporáneo, donde la comparación constante y la pulsión por producir estímulos impiden detenerse a sentir de verdad.

El espectáculo lanza una invitación: aceptar el vacío como parte esencial de la condición humana, ya que solo así se puede romper la tiranía del exceso y abrir un espacio para la comunicación auténtica. Una propuesta que combina humor, tragedia y poesía para desnudar las contradicciones de nuestro tiempo.

¡Interesante! La veré y, posteriormente, como siempre, la criticaré aquí...

La podremos ver, del 9 de enero, al 15 de febrero, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=rJbcvfibyaE

La violencia hacia ellas, al desnudo

Mariano Llorente adapta y dirige “Noche”, una versión de la novela homónima sobre las violencias estructurales del siglo XIX. En breve, en el Teatro Español.

Mariano Llorente (“Nuestros Muertos”, “Una humilde propuesta” o “El Triángulo Azul”) adapta y dirige “Noche”, una versión de la novela homónima de Alejandro Sawa. Una pieza que desnuda las violencias estructurales del siglo XIX, especialmente hacia las mujeres. Muy pronto, en el Teatro Español.

El montaje narra la historia de don Francisco, un padre autoritario y profundamente religioso que intenta mantener el orden moral de su familia a través de la represión y la fe. En una España marcada por la miseria, el hambre y la hipocresía social, su obsesión por las apariencias y la virtud termina destruyendo aquello que más quería proteger: su propia familia.

La producción retrata con crudeza los efectos dañinos del fanatismo religioso, el machismo estructural y la violencia de las normas sociales impuestas. Las mujeres, además, aparecen como víctimas silenciadas, reducidas a sirvientas sexuales y domésticas, con únicas salidas en la prostitución, el adulterio o el chantaje.

Escrita en 1888, se trata de una obra literaria clave para entender el naturalismo español de finales del siglo XIX, criticando al catolicismo y a sus representantes y la ética decadente de una población que utiliza las apariencias y la religión para encubrir abusos y desigualdades.

El viernes 23 de enero se ha organizado una función accesible con audio-descripción, bucle magnético, sobre-títulos para sordos y sonido amplificado. Para garantizar una correcta visibilidad, los espectadores que deseen hacer uso del sobre-titulado deben evitar las primeras filas. Se recomienda adquirir entradas a partir de la fila 5.

La podemos ver, del 8 de este mes, al 1 de febrero, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=hwVbdq5Mm74

¡Un nuevo "WAH"!

Al más puro estilo de Las Vegas y Broadway, disfruta de nuevo, de jueves a domingos, del espectáculo musical y gastronómico más espectacular del mundo en el Espacio WAH ESPACIO, ubicado en el recinto ferial de IFEMA Madrid. Una experiencia inmersiva e interactiva donde todo el mundo es bienvenido y que ahora regresa a la ciudad con un show renovado, más impactante, sonoro e innovador que nunca para emocionar y conmover al público a través de la música y su original performance gastronómica. Más de 400 000 visitantes de todas las edades, y de todos los idiomas, han disfrutado de esta experiencia única.

“Durante siglos, aquello que llamasteis música nos ha apartado del camino correcto, nos ha empujado al desorden, a la anarquía y al caos. Todo esto va a cambiar para siempre: a partir de ahora la música quedará prohibida”. Así es el mundo distópico que presenta Nación Omega, un lugar donde, sin embargo, queda un reducto para la esperanza. Ese pequeño oasis es Wah, que pretende luchar contra la represión con la única arma posible: esa misma música que no quieren que nadie escuche. ¿Quieres conocerlo?

Este es el argumento del que se presenta como el show más espectacular del mundo, inédito en España. Con un formato disruptivo y una sensacional puesta en escena, WAH Madrid incorpora un elenco de artistas y profesionales que ha trabajado en las ceremonias de los Oscars, Eurovisión, el West End Londinense y Broadway, así como para las principales bandas y cantantes del mundo desde Sting a AC/DC. “Creen que nos pueden prohibir la música, quieren que dejemos de soñar, amar, disfrutar, compartir y vivir. Jamás dejaremos que esto ocurra”…  Para ello esta particular resistencia cuenta con una playlist inolvidable. Puccini, Paco de Lucia, Guns & Roses, David Guetta o Lady Gaga, entre otros gigantes de la música, saltan al escenario protagonizando una fusión de estilos que va de la ópera al house, el flamenco, la electrónica, el góspel o el rock.

Nuevo show, nuevo espacio

La nueva temporada de "WAH Madrid" se estrena en el Espacio Wah, donde presenta su nuevo espectáculo en un espacio de más de 5000 m2, con capacidad para albergar a más 1000 espectadores. Entre los elementos más destacados del nuevo espacio destaca la pantalla interior de más de 250 m2 (la más grande de Europa) que juega un papel crucial en la narrativa, creando un escenario dinámico que se adapta a cada momento del espectáculo. Las proyecciones y los efectos visuales envolventes permiten a espectadores sumergirse completamente en el universo WAH. Otros de los grandes atractivos en esta nueva temporada es el sistema de sonido envolvente, gracias a una cuidadosa disposición de los altavoces y una tecnología de audio de última generación. La combinación de tecnología de vanguardia y arte se complementa con el elenco artístico compuesto por más de 80 grandes profesionales.

Lo podemos ver, toda la temporada, en Espacio IFEMAhttps://www.youtube.com/watch?v=ZRC4hstN90M

¡FELIZ Y TEATRERO 2026!

¡Pedazo de musical, que no de producción!

El director escénico José Luis Sixto dirige una adaptación de Adrián Perea sobre “Rent”, el famoso musical de Jonathan Larson que cumple su 30º aniversario. Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

El director de teatro José Luis Sixto (“Los chicos del coro, el musical”) dirige “Rent”, una adaptación de Adrián Perea (“Los chicos de Baker-Miller”, “Buenas Chuches, y buena suerte” o “Ahora, que nos dejan hablar”) sobre el famoso musical de Jonathan Larson que celebra su 30º aniversario. Ya lo podemos ver en el Teatro Fernán Gómez.

A punto de cumplirse tres décadas de su estreno, “Rent” es un emblemático musical, ganador del Premio Tony y del Pulitzer regresa a los escenarios con una nueva producción que busca tender un puente entre la Nueva York de la década de 1990 y la sociedad moderna.

Su autor, Jonathan Larson, falleció el 25 de enero de 1996, la noche previa al estreno, convirtiendo su obra en un legado generacional. La autenticidad de su visión marcó tanto en el público que Rent se mantuvo durante doce años en cartel en Broadway convirtiéndose así en uno de los musicales más longevos de la historia.

La obra, inspirada en "La Bohème", del compositor operístico romántico Giacomo Puccini, retrata un año en la vida de un grupo de jóvenes artistas que se enfrentan a la precariedad, la búsqueda de identidad, la amistad y el amor, mientras el VIH planea como una sombra omnipresente. Personajes como Mark, Roger, Mimi, Angel, Collins, Maureen o Joanne representan una comunidad marcada por la rebeldía y la urgencia vital, con un mensaje que sigue siendo universal: mide tu vida en amor.

En esta nueva versión se re-imagina la pieza desde la actualidad, respetando su esencia pero explorando nuevas lecturas. Más que un homenaje, esta puesta en escena quiere dialogar con el público contemporáneo y recordar que los temas que conmocionaron en los años 90 (la gentrificación, las redes comunitarias de resistencia queer, la crisis sanitaria y la necesidad de un arte transformador) siguen resonando hoy.

Tengo que decir que es una producción económica, desde mi punto de vista, no apta para ser representada en este espacio escénico (el sonido no es el más adecuado). Sólo dos músicos (un teclado y una batería). No obstante, la dirección e interpretación actorales son sobresalientes y, sobre todo, esa romántica y conmovedora banda sonora, que llevamos con nosotros en nuestro corazón y hasta el fin de nuestros días...Esto último es lo que salva a dicha producción. Y, sorpresa, la sala estaba llena de jóvenes, lo cual me hace reflexionar el por qué los jóvenes apenas van a los espectáculos escénicos. Y he llegado a la conclusión de que no se representan obras que reflejen sus problemas, sus cosas del día a día. Y también está que, en España (en muchos aspectos, un desastre de país, lleno de envidias e inquinas que no le hacen avanzar), la formación teatral y musical son escasas. Aún, a día de hoy. En mi época, en el colegio, nos enseñaban bastante música pero nada de teatro. Hoy día, no se enseña apenas música y con respecto al teatro la situación es igual. ¿Por qué...? ¡Ve tu a saber..! Bueno, sí lo sé: porque cuando menos formación cultural tenga la población, más manipulable es ésta. En este sentido, no entiendo cómo los gobiernos, tanto nacionales, como autonómicos y locales siguen financiando los teatros públicos. ¡Ah!, si que lo entiendo: porque en ellos trabajan bastantes funcionarios y si se les despide, se les ha de indemnizar de lo lindo. Y también están lo sindicatos: aunque esto se encuentran tan vendidos...

Lo podemos ver, hasta el próximo día 25 del presente, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=hbqgihDWkDU