miércoles, 8 de octubre de 2025

¡Qué romántica puede ser la muerte..!

El prestigioso director y dramaturgo Mario Gas (Follies, Sweeney Todd) protagoniza El pesimismo alegre, una versión del libro existencialista Mi suicidio, de Henri Roorda. Es una obra que romantiza la muerte. En breve, en el Teatro Español.



El prestigioso director, dramaturgo y actor Mario Gas protagoniza El pesimismo alegre, una adaptación del libro Mi suicidio de Henri Roorda. Una obra que, en breve, podremos ver como parte de la nueva temporada del Teatro Español.

Con la dirección de Fernando Bernués (Los papeles de SísifoComo un viento helado o Deje su mensaje después de la señal), el montaje es un acto teatral que no romantiza la muerte, pero que sí reivindica la libertad de pensar la vida hasta el final. Y además lo hace con elegancia, humor y cercanía.



Se basa en el libro que Roorda escribió en 1925, una suerte de testamento existencial que desgrana con lucidez, ternura e ironía los grandes temas de la vida: el amor, el deseo, la educación, la amistad, el matrimonio, el capitalismo y el sentido de vivir. Pero lejos del dramatismo o la desesperación, Roorda ofrece una mirada serena, honesta y sorprendentemente vitalista sobre su decisión de morir.

El montaje rescata ese raro equilibrio entre profundidad y ligereza, entre filosofía y ternura, que hace de Roorda un pensador singular adelantado a su tiempo. No hay solemnidad trágica, hay inteligencia, sensibilidad, humor negro y una celebración de todo aquello que hace que la vida, aun en sus contradicciones, merezca la pena.



Mario Gas es un dramaturgo, director e intérprete nacido en Montevideo (Uruguay) pero criado en España. Es conocido por ser el doblador de actores como Ben Kingsley, Bill Nighy, Geoffrey Rush y John Malkovich y ha desarrollado una extensa carrera teatral que le llevó a ser el director del Teatro Español de Madrid, desde 2004, a 2012.

También ha sido galardonado con diversas distinciones como el Premio Nacional de Teatro de Cataluña 1996, el Premio Ciudad de Barcelona 1998 o los Premios Max al Mejor director de escena 1998 por Sweeney Todd y 2013 por Follies.

Lo podremos ver, del 7 de octubre, al 2 de noviembre, en el Teatro Español.


¡El musical de la brujería!

El fenómeno musical Wicked, de Broadway llega a Madrid para cautivar con su extraordinaria historia y sus mágicas melodías. Un cuento de amistad entre dos brujas, que homenajea a la película El Mago de Oz. Ya, en el Nuevo Teatro Alcalá.



El fenómeno musical Wicked, de Broadway llega a Madrid de la mano de SOM Produce para cautivar al público con su extraordinaria historia y sus mágicas melodías. Wicked, el musical  ya puede verse en el Nuevo Teatro Alcalá y muestra el mágico mundo de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy (recordemos la película El Mago de Oz, con la maravillosa actriz Judy Garland en el papel principal), para descubrir la conmovedora y sorprendente historia de sus legendarias brujas.

Esta aclamada producción ha sido galardonada con más de 100 premios internacionales y ha logrado conquistar los corazones de personas en todo el mundo durante más de 20 años. Un musical que lleva representándose desde hace 21 años de manera ininterrumpida en Broadway y en el West End londinense desde hace 18 años.



Wicked, el musical fue producido originalmente por Universal Studios, con los productores Marc Platt y David Stone, con música y letra de Stephen Schwartz y libreto de Winnie Holzman, basado en la primera novela de Gregory Maguire en la serie The Wicked Years, Wicked: The Life and Times of the Wicked Witch of the West, publicada en 1995. La banda sonora, compuesta por Stephen Schwartz, incluye inolvidables canciones que se han convertido en grandes éxitos como Defying Gravity, Popular o For Good

Después de ser aplaudida por más de 60 millones de espectadores en todo el mundo, esta superproducción llega a España gracias a la productora ATG Entertainment, contando con dirección y adaptación a cargo de David Serrano, para ofrecer una experiencia inolvidable que hará reír, llorar y cuestionar lo que realmente significa ser "bueno" o "malo".

La historia, adaptación del exitoso libro de Gregory Maguire, cuenta la historia de dos jóvenes brujas cuyas vidas están destinadas a cambiar para siempre. Elphaba, la futura Malvada Bruja del Oeste, es una joven de piel verde esmeralda con un gran talento, pero incomprendida y rechazada por la sociedad.



Por otro lado, Glinda, la futura Bruja Buena del Norte, es hermosa, ambiciosa y popular. A pesar de sus diferencias y la rivalidad que surge entre ellas, ambas entablan una inesperada y profunda amistad, pero sus caminos se separan debido a la presión de un mundo que no tolera la diferencia y a decisiones que marcarán su destino.

Tuve la suerte, como muchos otros periodistas, de asistir al estreno de la semana pasada porque, aparte de ser la primera función -que es la más virgen de todas- , asistió su creador, el maravilloso compositor y letrista Stephen Schwartz, que estuvo pendiente de cada detalle.

Es un musical que llega al corazón y que hará Historia porque homenajea a la fantástica película El Mago de Oz, un clásico cinematográfico de todos los tiempos. Y esta historia en absoluto desmerece a la película: tanto su libreto, como música, están a la misma altura que el filme. Eso sí, decir que, en la primera parte, el guión no deja claros algunos puntos de la historia. Pero éstos se aclaran y confluyen en un final apoteósico en la segunda parte. Por lo tanto, quienes vayáis a verlo no desesperéis: tened un poco de paciencia porque está claro que una producción de este calibre, no podía dejar ningún fleco suelto.



Salí con lágrimas en los ojos, lo mismo que mi amiga Mónica, que no dejó de llorar hasta bien pasados diez minutos después del final, que, también hay que decir, recibió varias ovaciones que duraron más de quince minutos.

En definitiva, un musical must para no perdérselo bajo ningún concepto: lo recordaremos siempre...

Lo podemos ver, durante toda la temporada, en el Nuevo Teatro Alcalá.

https://www.youtube.com/watch?v=oxtWwlk2IDE

Ficha artística:


  • Música y Letra - Stephen Schwartz

  • Libreto - Winnie Holzman

  • Producción - ATG Entertainment

  • Dirección - David Serrano

  • Dirección Musical - Joan Miquel Pérez

  • Adaptación - David Serrano y Alejandro Serrano

  • Coreografías - Iker Karrera

  • Diseño de escenografía - Ricardo Sánchez Cuerda

  • Dirección de producción artística - Carmen Márquez

  • Ayudante de dirección - Olga Margallo

  • Diseño de vestuario - Antonio Belart

  • Diseño de caracterización - Feliciano San Román

  • Iluminación - Juan Gómez Cornejo y Carlos Torrijos

  • Sonido - Gastón Briski

  • Dirección de casting y producción técnica - Javier Ortiz

  • Jefe técnico - Paco Cobos

  • Gerencia de compañía - Joaquín Roselló

  • Productores Ejecutivos - Marcos Cámara y Juan José Rivero

  • Productores - Pilar Gutiérrez, Marcos Cámara y Juan José Rivero

Elenco: 

  • Cristina Picos (Elphaba), Cristina Llorente (Glinda), Lydia Fairén (Nessarose), Javier Ibarz (Mago), Xabier Nogales (Fiyero), Guadalupe Lancho (Morrible), Esteban Oliver (Dillamond) y Neizan Martín (Boq). Aaron Mata, Carles Vallés, Antonio Mañas, Esteban Provenzano, Odo Cabot, Nacho Porcar, Jon Ipiña, Iván Amigo, Óscar Muñoz, Gallo Ryan, Jessica Garcés, Laura López, Mia Lardner, Clara Rengel, Carla Places, Anna Coll, Lucía Ambrosini, Laura Enrech, Julia Saura y Belén Marcos.

Sobre los meses de Lorca en Nueva York

El solvente y sensible actor Jesús Torres representa Poeta (perdido) en Nueva York, un monólogo dramático que adapta el poemario y las cartas de Federico Gª Lorca y en el que relata los seis meses que el poeta granaíno pasó, en 1929, en la Ciudad de los Rascacielos, en los que le pasó de todo (o casi). Ya, en el Teatro Fernán Gómez.



El Teatro Fernán Gómez-Centro Cultural de la Villa ha inaugurado su temporada 2025-26 acogiendo la adaptación del poemario y las cartas que Federico García Lorca envió a su familia desde Nueva York (Estados Unidos). La obrase titula Poeta (perdido) en Nueva York y supone un nuevo proyecto de El Aedo Teatro liderado por el gran actor Jesús Torres.

Esta obra está escrita, dirigida e interpretada en forma de monólogo por Jesús Torres (Premio Teatro 2019 Autor Exprés de la Fundación SGAE por Puños de harina), quien después de su paso por la Sala Mirador dará comienzo a una gira que recorrerá Inglaterra, Portugal, Bélgica, Rumanía e Italia.



Siguiendo la línea de la compañía en lo que se refiere al cuidado de la dramaturgia y la puesta en escena, la obra enfrenta a Lorca con Federico en una lucha por encontrar su verdadera voz. Una trama que traslada al Nueva York de la época a la vez que guía por los rincones más íntimos de un autor perdido y con toda una vida por delante.

Los versos de Lorca fueron escritos en 1929, cuando se asentó durante una temporada en Nueva York, y exploran el vínculo entre el ser humano y la naturaleza, la libertad, la espiritualidad y la deshumanización del progreso. Y es que allí pudo ver de primera mano el Crack del 29 y la amargura y la depresión que provocó en la sociedad estadounidense.

En la ciudad de los rascacielos vivió durante ocho meses, para después visitar la isla de Cuba. Tras ello, realizó una conferencia en la Residencia de Señoritas de Madrid donde puso en orden sus poemas y explicó mejor su génesis. Gracias a todo esto confeccionó una obra íntima con poemas como El rey de HarlemCiudad sin sueño o la Oda a Walth Whitman y cartas y piezas como El público que intercalan versos y prosa ofreciendo una visión realista de la época y el mundo que le rodeaba. Sin embargo, el poeta granadino nunca pudo ver este trabajo publicado, ya que fue asesinado en 1936.



La obra está llena de sensibilidad, buen hacer y se ajusta perfectamente a los hechos históricos que Lorca vivió en la, entonces, capital del mundo. La escenografía es resuelta y dinámica. La interpretación, perfecta y los extractos elegidos de los poemas de Lorca, muy acertados y de acorde con el texto dramático.

En definitiva, ¡enhorabuena!.

La podemos ver, hasta el próximo día 19 del presente, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=u4vjz3qhoGs

Ficha artística:

Escenario: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Jardiel Poncela

  • Texto, Dirección e Interpretación - Jesús Torres

  • Diseño de iluminación - Jesús Díaz Cortés

  • Escenografía y Vestuario - Juanjo González Ferrero

  • Espacio Sonoro - Alberto Granados Reguilón 

  • Videoescena Leonardo Lapeña

  • Coreografía - Mercé Grané

  • Producción - Iván Flores

  • Fotografía - Moisés F. Acosta

  • Maquillaje - Olaya Moreno, Irene Fernández 

  • Diseño gráfico - En bl_nco

  • Comunicación - Raquel Berini

  • Gamificación - Yellow Jacket Videogames Studio 

  • Produce - El Aedo Teatro 


jueves, 2 de octubre de 2025

 Un octubre cargado de novedades para el Centro Dramático Nacional


El Centro Dramático Nacional presenta, este mes de octubre La vegetarianaRisa caníbal / Riure caníbal y Dibujo de un zorro herido / Dibuix d’una guineu ferida, un conjunto de montajes que nos hablan sobre la creación de la identidad bajo la influencia de los imperativos sociales y sobre la ideología extrema que nos lleva a la autodestrucción. Dentro del ciclo Titerescena, Jaume Policarpo trae a los más pequeños Dadá, inspirada en la obra y personalidad de los artistas Joan Miró, Yayoi Kusama y Jeff Koons.



La vegetariana: una historia que saca la violencia machista de la sombra

La reconocida actriz, autora y directora de teatro, Daria Deflorian, dirige la producción internacional La vegetariana (del 9 al 12 de octubre en la Sala Grande del Teatro María Guerrero). Se trata de la adaptación teatral, que firman conjuntamente Daria Deflorian y Francesca Marciano, de la novela de la escritora surcoreana Han Kang, que fue galardonada con el Premio Nobel de Literatura en 2024. El elenco está formado por la propia Daria Deflorian, Paolo Musio, Monica Piseddu y Gabriele Portoghese.

La historia gira en torno a Yeonghye, una mujer a quien su marido describe como «completamente insignificante». Pero esa percepción de ama de casa diligente y esposa atenta sin grandes pasiones cambiará cuando ella resquebraje la normalidad cotidiana haciéndose vegetariana. 

Daria Deflorian define el texto «como sensual, provocador y violento, rico en imágenes impactantes, colores sorprendentes y preguntas inquietantes».

Risa caníbal / Riure caníbal y el lado oscuro del ser humano

Risa caníbal / Riure caníbal es una creación de Las Huecas, colectivo formado por Júlia Barbany, Núria Corominas y Andrea Pellejero, que se han encargado de su escritura y dirección (del 10 de octubre al 9 de noviembre en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán). El montaje es una producción del Centro Dramático Nacional con Teatre Lliure, Monte Isla y Las Huecas que se encuentra a medio camino entre la tragicomedia, el thriller de terror psicológico y la sátira política. El reparto está formado por Sofia Asencio, Júlia Barnaby, Núria Corominas, Judit Martín y Andrea Pellejero.

La acción se sitúa en la sala de espera de una convención de líderes de la ultraderecha europea. En ella, los personajes se quedarán encerrados por motivos carentes de toda lógica. Poco a poco iremos viendo cómo se ira produciendo la degradación paulatina de los personajes, empujándolos al ridículo, al paroxismo y, finalmente, a su propia destrucción.

Las Huecas aseguran que, «ante un auge reaccionario en toda Europa y en el norte global, el teatro puede ser un sitio en el que proponer un ajuste de cuentas o una restitución del orden de las cosas».

 Dibujo de un zorro herido / Dibuix d’una guineu ferida o la búsqueda de la identidad

Oriol Puig Grau escribe y dirige Dibujo de un zorro herido / Dibuix d’una guineu ferida (17 de octubre al 16 de noviembre en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero). El autor escribió el texto en el marco del programa de Residencias Dramáticas del Centro Dramático Nacional, en la temporada 2023-2024. 

La historia trata sobre Ferran, un maestro de infantil interpretado por Eric Balbàs, que descubre el autorretrato de un pintor de su misma edad, Daniel, en una galería de arte. El cuadro fue pintado hace cuatro años y el artista murió un año después en un accidente de coche. Es ahí donde empieza su obsesión.

Oriol Puig Grau presenta esta propuesta como «un relato sobre alguien que, jugando a ser otro, se habita a sí mismo por primera vez. Un sueño lúcido sobre desear y desearse. Una exploración tierna y violenta del acto de mirar».

Titerescena: Dadá

Dentro del ciclo Titerescena, en colaboración con el Centro Internacional del Títere de Tolosa (TOPIC), Jaume Policarpo nos trae Dadá (4 y 5 de octubre en la Sala El Mirlo Blanco del Teatro Valle-Inclán).

Esta producción de Bambalina Teatre Practicable invita a los más pequeños a un juego que sorprende con las formas, los colores, las palabras, la música y el mimo. Se trata de una experiencia teatral que abre los sentidos para descubrir que la realidad es cambiante y se puede vivir e interpretar de muchas formas diferentes. Está inspirado en la obra y personalidad de los artistas Joan Miró, Yayoi Kusama y Jeff Koons.

Acción Dramática: Jóvenes Dramáticos, Carta Blanca y Cinedrama

También en este mes de octubre, arranca Jóvenes Dramáticos, un proyecto para acercar el teatro a jóvenes de entre 16 y 25 años. Asistirán a siete funciones y se reunirán en 16 sesiones para explorar y disfrutar de los procesos dramáticos.

Por otro lado, también continúan los talleres de conciliación, que permiten a madres y padres disfrutar de las obras programadas mientras las niñas y niños se divierten en un espacio en el que pueden explorar acerca de diferentes aspectos del teatro. Los talleres están realizados por Mico y este mes se realizará el día 25 de octubre durante la función Dibujo de un zorro herido

Y, finalmente, el 20 de octubre, tendrá lugar la Carta Blanca a Raquel Alarcón, directora de Historia de una maestra, y el día 24 será el Cinedrama con Oriol Puig Grau, director y creador de Dibujo de un zorro herido / Dibuix d’una guineu ferida.



El nuevo show de J.J. Vaquero


El cómico vallisoletano J.J. Vaquero, una de las voces más reconocibles y mordaces de la comedia en España, actuará, en breve, en el Teatro Gran Vía de Madrid, en dos funciones únicas cargadas de humor directo, ácido y sin filtros. El título de su show, Vaquero.



Vaquero es un espectáculo que evoluciona con el tiempo, un monólogo que cambia día tras día. J.J. Vaquero, una verdadera leyenda en el mundo del stand-up comedy, habla sin rodeos y sin pelos en la lengua, en sus actuaciones aborda su vida cotidiana desde su familia y amigos, hasta su trabajo o su día a día. Cómico inimitable. Su fuerza en el escenario le ha llevado a ser un referente en la comedia nacional.

El show cuenta con el apoyo de medios audiovisuales (vídeos y diapositivas). Además de su monólogo, J.J. Vaquero comparte escenario con Carlos Martín Catos, guitarrista con quien colabora desde 2014.

J.J. Vaquero (por cierto, es su nombre, no su profesión) es actor, cómico y guionista, nacido en un extraño lugar entre Valladolid y Pucela en 1973. Con más de quince años de experiencia en el circuito de comedia profesional, ha recorrido todas las Comunidades Autónomas haciendo reír en salas, teatros, radios y televisiones… e incluso, según se rumorea, en una cárcel.



Conocido por su participación en programas tan populares de TV, como El Hormiguero, Yu: No te pierdas nada o El Club de la Comedia, Vaquero ha consolidado una trayectoria marcada por su estilo desenfadado, su capacidad de improvisación y su manera de llevar al límite las situaciones cotidianas.

Durante estas dos noches, el público madrileño podrá disfrutar de un espectáculo en el que la ironía y la sinceridad brutal serán protagonistas. Una cita imprescindible para los amantes del stand up más auténtico.

En su espectáculo, Vaquero hace lo que mejor sabe hacer: ser Vaquero. Si lo conoces, ya sabes de qué hablamos; y si no… pronto lo descubrirás.

Lo podremos ver, el 31 de este mes y el primero de noviembre, en el Teatro Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=AlA5sDZjEik






 

Nace un nuevo centro teatral en Madrid

Nace Espacio Mistral, un nuevo centro cultural en Madrid para el teatro, la música, la danza, el cine y la palabra auspiciado por Andrea Stefanoni, fundadora de la librería La Mistral, y Aaron Lee Cheon, violinista y empresario. Dicho nuevo proyecto cultural abierto se encuentra situado en el barrio Puerta del Ángel de Madrid.



El Espacio Mistral está situado en Avenida de Portugal 137, en pleno barrio de Puerta del Ángel, Madrid. Podemos llegar perfectamente utilizando el transporte público.



Lo último en teatro, música, danza, cine y todo lo relacionado con la palabra, como los libros, tendrán cabida en este nuevo centro cultural madrileño.

El próximo 10 de octubre a las 20:00 h, el Espacio Mistral abre sus puertas para recibir un espectáculo inolvidable de la mano de Marcos Montes. Un homenaje en vivo a uno de los grandes referentes de la música latinoamericana.

El próximo 10 de octubre a las 20:00 h, el Espacio Mistral abre sus puertas para recibir un espectáculo inolvidable de la mano de Marcos Montes. Un homenaje en vivo a uno de los grandes referentes de la música latinoamericana.


miércoles, 1 de octubre de 2025

Las difíciles relaciones conyugales

Los solventes actores Félix Gómez y Noemi Ruiz protagonizan Si alguna vez, hubo un nosotros, una obra que explora la complejidad de las relaciones humanas, el amor y las fallas inevitables que surgen entre dos personas. Ya, en Teatros Luchana.



Protagonizada por Féliz Gómez y Noemi Ruiz, Si alguna vez, hubo un nosotros es una obra dramática que se ofrece en los Teatros Luchana y que propone un viaje intenso a través de la complejidad de las relaciones humanas, el amor y las fallas inevitables que aparecen entre dos personas que, aunque unidas en lo más profundo, no logran salvar su vínculo.

El montaje plantea un relato que combina monólogos poéticos con la evocación de recuerdos, dudas y heridas abiertas. En un escenario vacío, que refleja la soledad emocional de la pareja, los personajes Jaime y Marla intentan reconstruir lo vivido y comprender qué se rompió en su relación, cuestionándose si alguna vez existió realmente un nosotros.



La producción de La Gran Belleza Producciones se completa con un equipo artístico que acompaña la fuerza interpretativa de Félix Gómez y Noemi Ruiz bajo la dirección y el texto del reputado dramaturgo Ignasi Vidal.

¡Una buena propuesta..!

La podremos ver, hasta el próximo día 5 del presente, en Teatros Luchana.