El preciado don de la palabra

El laureado director escénico Juan Carlos Pérez de la Fuente y, al mismo tiempo, director del Teatro Fernando Fernán Gómez, dirige La aventura de la palabra, un homenaje a Fernando Fernán Gómez basado en su discurso de ingreso en la Real Academia Española de la Lengua (RAE). Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

El director escénico Juan Carlos Pérez de la Fuente (Torquemada, El cerco de Numancia o La gota de sangre) dirige un homenaje a Fernando Fernán Gómez basado en su discurso de ingreso en la Real Academia Española. Una fantástica obra que ya podemos disfrutar en el Teatro Fernán Gómez.

El montaje ha sido escrito por Raúl Losánez (Vano fantasma de niebla y luz) y cuenta con la participación de los actores Nancho Novo y Marta Poveda. Así, se recoge Aventura de la palabra en el siglo XX, el discurso que Fernán Gómez pronunció en el año 2000 para abordar el valor de la palabra escrita y hablada, su relación con la oralidad y el lenguaje como herramienta artística.

La pieza busca recuperar y actualizar la visión de Fernán Gómez, quien no solo fue un brillante autor, sino también un actor comprometido con la expresión oral del lenguaje, aportando una nueva dimensión al teatro. Esta representación recuerda su contribución a la literatura y al cine, al tiempo que también subraya su faceta como un humilde cómico, profundamente ligado al arte del habla.

Este tributo llega en el 25º aniversario de su ingreso a la Academia, un momento perfecto para recordar al artista, explorar cómo la palabra puede ser teatralizada y reflexionar sobre el poder y la belleza de la lengua en todas sus formas.

En definitiva, un montaje perfecto, con un casting perfecto y que llega en un momento en el que la palabra, especialmente, malutilizada por esa raza tan, muchas veces, asquerosa que es la de los políticos, que lo están “enmerdando” todo con sus malas artes mafiosas...

La podemos ver, hasta el próximo día 22 del presente, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=jGzC6OWgb7Q

Ficha artística:

Ubicación: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Jardiel Poncela

• Texto original - Fernando Fernán Gómez

• Versión y dramaturgia - Raúl Losánez

• Dirección - Juan Carlos Pérez de la Fuente

• Reparto - Nancho Novo y Marta Poveda

• Producción - Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

• Colaboración - La Compañía del Figurín

• Créditos imágenes - © Luicar Cuevas

Duración aproximada: 75 minutos

La esperada vuelta de Nacho Duato

Después de dos décadas, el premiado coreógrafo valenciano Nacho Duato regresa a los escenarios con algunas de sus obras más icónicas, como Duende, Gnawa y Liberté. En breve, en el Teatro Albéniz.

El prestigioso coreógrafo Nacho Duato regresa a los escenarios de Madrid, después de más de dos décadas, con un espectáculo en el que incorpora algunas de sus obras más icónicas, como Duende, Gnawa y Liberté, junto a su nueva creación, Cantus. Pronto, en el Teatro Albéniz-UMUSIC Hotel.

Duato lidera ahora su propia compañía de jóvenes talentos y el evento incluye el estreno de Cantus, una nueva creación del coreógrafo que fusiona su lenguaje coreográfico con la música de Karl Jenkins, prometiendo una experiencia única para los espectadores. Por todo ello, el montaje es una oportunidad excepcional para revivir el legado artístico de Duato y disfrutar de su visión renovada, mostrando la calidad de su nueva formación y celebrando su evolución en la danza.

Entre las piezas destacadas de este programa se encuentran Duende, Gnawa y el conmovedor paso a dos Liberté, que juntos transportan a momentos únicos de su trayectoria artística. El broche de oro llega con su nueva creación, Cantus, una obra que sorprende con su inconfundible talento, fusionando su lenguaje coreográfico con la poderosa música de Karl Jenkins.

Nacido en Valencia en 1967, Juan Ignacio Duato Barcia, más conocido como Nacho Duato, es uno de los mejores bailarines españoles de la historia. Sus ballets y composiciones son parte del repertorio de los más distinguidos conjuntos internacionales como la American Ballet Theatre, el Ballet de la Ópera de París o el Ballet de la Ópera de Berlín.

Por otro lado, entre los galardones que ha recogido se encuentran el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Creación 2013, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 1998 o el Premio Ciudad de Alcalá de las Artes y las Letras 2015.

La podemos ver, del 12, al 15 de junio, ambos inclusive, en el Teatro Albéniz- UMUSIC Hotel. 

https://www.youtube.com/watch?v=XC9grhqquJg

Vuelve el tranvía del deseo

Eduardo Serrano dirige una versión de Un tranvía llamado deseo, la obra culmen del dramaturgo estadounidense del siglo pasado Tennessee Williams. La protagonizan los conocidos actores Nathalie Poza y Pablo Derqui. En breve, en el Teatro Español.

La obra maestra de Tennesse Williams, Un tranvía llamado deseo, vuelve, de nuevo, a escena 78 años, después de su publicación. La Sala principal del Teatro Español presenta este clásico de la literatura norteamericana desde la visión del director Eduardo Serrano.

Nathalie Poza y Pablo Derqui encarnan a Blanche Dubois y Stanley Kowalski respectivamente, los protagonistas principales de una obra rompedora en su día -ganadora del Premio Pulitzer- que sigue en plena vigencia. El amor, la pasión y el deseo, los prejuicios, la diferencia de clases sociales, la violencia, la realidad que contrasta con la vida soñada están presentes en una historia de trágico final.

Un tranvía llamado Deseo transcurre en Nueva Orleans a donde llega Blanche Dubois, una mujer de clase acomodada que deja su ciudad natal tras perder hogar y fortuna. Se refugia en la casa de su hermana Stella, casada con Stantley, un obrero de origen polaco, rudo, bebedor y jugador. La llegada de Blanch interfiere en la convivencia del matrimonio, y la relación entre cuñados cada vez es más tensa, al tiempo que entre ellos surge una atracción que desembocará en una tragedia.

La podemos ver, desde el día 12 de este mes, hasta el 27 de julio, en el Teatro Español. 

https://www.youtube.com/watch?v=AeLKW3E8HhQ

Marionetas danzantes contra el impacto climático

La estampida es una obra de danza y títeres de animales sobre el impacto del cambio climático. En breve, en el Centro Danza Matadero.

The Walk Productions y la Compañía Nacional de Danza interpretarán, en breve, y en Centro Danza Matadero, La estampida, una obra de baile y marionetas de animales de tamaño natural que busca visibilizar el impacto del cambio climático.

Bajo la regiduría de Amir Nizar Zuabi, director artístico de La Estampida, y Muriel Romero, directora artística de la Compañía Nacional de Danza, se brinda una narrativa sobre el colapso del sistema y la resiliencia de la naturaleza frente a las adversidades humanas.

El montaje está integrado dentro de un programa internacional que en la primavera de 2025 llenará las calles de ciudades desde África Occidental hasta Noruega de títeres de animales que representan a especies que huyen hacia el norte para escapar del desastre climático, simbolizando la lucha del medio ambiente contra la civilización.

Este innovador proyecto de arte público está producido por The Walk Productions, una agencia sin ánimo de lucro que ha sido reconocida por sus iniciativas de arte participativo a gran escala con las que desea involucrar a las comunidades y cuestionar ideas preconcebidas.

Por su parte, la Compañía Nacional de Danza de España, fundada en 1979, aporta su vasta trayectoria en la difusión del arte de la danza. Con un enfoque inclusivo y multi-disciplinar, la formación incorpora elementos contemporáneos como el vídeo y la inteligencia artificial, respetando, al mismo tiempo, las tradiciones coreográficas para crear una experiencia única y envolvente.

En definitiva, un espectáculo único e irrepetible...

La podemos ver, el día 7 de este mes, en Centro Danza Matadero.

Lisístrata, en versión gitana

El clásico texto dramático Lisístrata, de Aristófanes se adapta al contexto actual del pueblo gitano en España bajo la dirección de Coco Reyes. Así, en esta ocasión, se titula Lisístrata Montoya. Desde hoy, en el Teatro Bellas Artes.

Dentro del 71º Festival de Mérida en Madrid, Coco Reyes escribe y dirige, en el Teatro Bellas Artes, la obra clásica Lisístrata, del dramaturgo griego Aristófanes. Ahora, se titula Lisístrata Montoya, en una reinterpretación adaptada al contexto actual del pueblo gitano en España.

Lisístrata ya no es una ciudadana ateniense que se enfrenta a la guerra del Peloponeso. Ahora se llama Lisístrata Montoya, es gitana, vive en el barrio del Sacromonte de Granada y ha decidido liderar una revolución. Su enemigo no es un conflicto bélico, sino uno más silencioso y persistente: el racismo hacia el pueblo gitano.

Lisístrata convoca a sus primas para iniciar un cambio social, pero la tarea no será fácil, ya que cada una de ellas está atrapada en sus propias preocupaciones, desconectadas de cualquier idea de revolución. Aun así, mediante un juramento colectivo y con el apoyo de algunas de ellas, logra unirlas en la lucha contra los prejuicios.

La obra, lejos de ser solo una comedia, rescata episodios reales de la persecución que ha sufrido el pueblo gitano, una memoria muchas veces silenciada. A través del humor, la emoción y la espontaneidad de sus protagonistas, Coco Reyes logra generar una pieza que se pone al servicio de la justicia social y da voz a quienes durante siglos han sido empujados al margen de la historia.

La podemos ver, desde hoy, y hasta el próximo día 8 del presente, en el Teatro Bellas Artes.

La soberbia que conlleva el poder

Coriolano es el gran estreno madrileño del teatro de esta semana. Es una versión de la conocida tragedia de Shakespeare, dirigida por Antonio Simón. Trata del poder y de la soberbia, tan habitual ésta entre nuestros políticos, sobre todo, los de medio pelo, que, desgraciadamente, son muchos...

El director escénico Antonio Simón (El cuidador, Yo, Feuerbach o Nápoles Millonaria) dirige Coriolano, una adaptación de la gran tragedia de William Shakespeare (Hamlet, Romeo y Julieta, Otelo). Una función que se estrena, hoy mismo, en los Teatros el Canal se centra sobre la lucha de clases, la política y el poder en la antigua Roma.

Concretamente es un drama basado en la vida de Cayo Marcio Coriolano, un general romano cuya altanería y desprecio por el pueblo lo llevan a la ruina. Su historia presenta a Cayo Marcio, un brillante pero arrogante general que se gana el sobrenombre de "Coriolano" tras derrotar a los volscos en la ciudad de Corioli.

Su madre, Volumnia, lo impulsa a buscar el cargo de cónsul, pero su arrogancia ante los plebeyos y su incapacidad para disimular su soberbia hacen que los tribunos populares lo manipulen y lo expulsen de Roma. Enfurecido, Coriolano se alía con sus antiguos enemigos, los volscos, para atacar Roma. Sin embargo, su madre y su familia le suplican que detenga el ataque, finalmente cede y firma la paz. Esto lo convierte en un traidor ante los volscos, quienes lo asesinan.

Es una de las obras menos conocidas de Shakespeare, pero sigue siendo una poderosa reflexión acerca de la corrupción de la política, el honor y la traición.

Está protagonizada por el maravilloso Roberto Enriquez...Poco más que decir a su favor..

La podemos ver, hasta el próximo día 8 del presente, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=Trxh8VPP3Uw

La amistad de Picasso con su barbero

Los premiados actores Antonio Molero y Pepe Viyuela protagonizan El barbero de Picasso, una hilarante comedia del también laureado dramaturgo Borja Ortiz de Gondra sobre la relación entre el pintor y su peluquero. Ya, en el Teatro Español.

El Teatro Español nos ofrece la comedia El barbero de Picasso, una obra escrita por el dramaturgo bilbaíno Borja Ortiz de Gondra, autor de varias obras aclamadas, como la trilogía de Los Gondra. Cuenta con un reparto liderado por los popularísimos actores Antonio Molero, Pepe Viyuela, Mar Calvo y José Ramón Iglesias, dirigidos por Chiqui Carabante.

Esta obra es una comedia inspirada en la famosa amistad que mantuvieron Pablo Picasso y su peluquero Eugenio Arias, desde 1948, en Vallauris, un rincón al sur de Francia que parece una España perdida. Es una exploración de los choques culturales de aquella época que acogía a exiliados, quienes, entre conversaciones sobre toros, política y arte, nos invitan a reflexionar sobre nuestro pasado y sobre esa antigua dificultad de dialogar para construir juntos.

Ambos protagonistas, entre discusiones apasionadas y costumbres compartidas, construyen una patria imaginaria, marcada por nostalgia, contradicciones y pasiones que sólo existen en esa barbería, entre tijeras y brochas. Aunque están en Francia, nunca serán realmente franceses ni podrán regresar a la España que recuerdan. Por ello, juntos crean un espacio donde esa patria inventada solo existe mientras discuten y se necesitan mutuamente.

La podemos ver, desde hoy mismo, y hasta el próximo 20 de julio, en el Teatro Español. 

https://www.youtube.com/watch?v=SQVsgMSWvoM