Lo último de Jordi Garcelán

Amparo Larrañaga, Ruth Díaz, Cecilia Solaguren y Anna Carreño protagonizan FitzRoy, la última comedia de Jordi Galcerán. Ya, en el Teatro Maravillas. ¿El tema..?: Los logros femeninos.

El Teatro Maravillas nos ofrece FitzRoy, la última comedia de Jordi Galcerán (El método Grönholm), dirigida por Sergi Belbel y protagonizada por las actrices Amparo Larrañaga, Ruth Díaz, Cecilia Solaguren y Anna Carreño.

La obra presenta a un intrépido grupo de mujeres decididas a conquistar el FitzRoy, una de las montañas más imponentes y desafiantes del mundo, situada en el campo de hielo de la Patagonia sur, entre Argentina y Chile, una de las rutas de escalada más complicadas del mundo y nunca alcanzada por una cordada femenina.

El mal tiempo obliga a las escaladoras a detenerse y, mientras esperan que las condiciones mejoren, se resguardan en un saliente de la roca y tienen lugar problemas inesperados que las hacen dudar entre continuar el ascenso o rendirse. Continuar significaría asumir riesgos que pueden poner en peligro sus vidas; rendirse sería renunciar a la posibilidad de alcanzar un logro que tal vez nunca puedan repetir.

La podemos ver, hasta el 4 de mayo, en el Teatro Maravillas.

https://www.youtube.com/watch?v=5UDgKcEdeGU

 

La podemos ver, hasta el 4 de mayo, en el Teatro Maravillas.

Flamenco tradicional versus moderno

Ana Morales y Andrés Marín. Matarife/Paraíso es el espectáculo de danza moderna de los bailarines flamencos Ana Morales y Andrés Marín, que, en el Centro Danza Matadero, presentan un espectáculo que mezcla el flamenco tradicional y moderno para explorar los deseos. En breve, en Centro Danza Matadero.

Los bailarines Andrés Marín y Ana Morales ofrecen, en el Centro Danza Matadero, un espectáculo que mezcla el flamenco tradicional y moderno para explorar los deseos humanos.

Lejos de ser un homenaje convencional al flamenco, la obra invita al público a reflexionar sobre las ilusiones que alimentan nuestras metas y los riesgos que asumimos al perseguirlas. La función traza paralelismos con La Divina Comedia de Dante, pero no desde la literalidad, sino desde una reinterpretación simbólica. Aquí, el paraíso no es un lugar de salvación eterna, sino un lugar donde los protagonistas se pierden por elección, movidos por sus anhelos.

Arraigados en la rica tradición cultural de Andalucía, Marín y Morales desarrollan un flamenco que desafía las leyes de su propia historia. Sus coreografías y su música en directo atraviesan prácticas religiosas y paganas, llevándolas a un terreno de libertad absoluta. El resultado es un arte desmedido, que celebra y traiciona las raíces del género flamenco a partes iguales.

Con todo ello, el montaje no busca respuestas fáciles, sino que propone un reto: aceptar la fragilidad de nuestras ilusiones y encontrar la belleza en su fugacidad. Así, Marín y Morales reafirman el poder transformador del arte, construyendo un flamenco que trasciende las fronteras del tiempo y el espacio.

Andrés Marín es un prestigioso bailaor de flamenco nacido en Sevilla en 1969. Es hijo del bailaor Andrés Marín y de la cantaora Isabel Vargas, y desde temprana edad se formó en el flamenco y estudió con maestros de renombre del género. Su trabajo ha recibido numerosos reconocimientos entre los que sobresale el Premio Nacional de Danza 2022 en la modalidad de creación.

Ana Morales es una bailaora que ha sido galardonada con distinciones como el Primer Premio al baile libre del Concurso Nacional de Baile Flamenco de La Perla de Cádiz en 2004, el Premio Desplante del Festival internacional de Cante de Las Minas (Murcia) en 2009, el Premio Giraldillo al Baile en la Bienal de Sevilla en 2018, el Premio Lorca al Mejor espectáculo flamenco en 2019 o el Premio Nacional de Danza en 2022.

Lo podremos ver, del 3, al 6 de abril, en Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=ngsB0ciS2Js

Lo podremos ver, del 3, al 6 de abril, en Centro Danza Matadero.

Estreno de la ópera Lúomo femmina

El próximo 3 de abril el Teatro Real ofrecerá uno de los títulos más curiosos, y desconocidos, del compositor italiano Baldassare Galuppi (1706-1785): L'uomo femmina, ópera de atrevido libreto firmado por Pietro Chiari (1712-1785), que se escuchará por primera vez en el escenario, en versión de concierto, en la cuidadosa interpretación de la agrupación francesa Le Poème Harmonique, bajo la dirección de Vincent Dumestre.

Baldassare Galuppi, conocido compositor del siglo XVIII, cuya popularidad estuvo especialmente marcada por su producción de opera buffa, fue quedando relegado al olvido y muchas de sus partituras, lamentablemente, perdidas. Por fortuna, en 2006 aparece en la Biblioteca del Palacio de Ajuda de Lisboa, en perfecto estado de conservación, L'uomo femmina, una obra asociada a un lenguaje musical del clasicismo temprano con el espíritu barroco del teatro bufo, en el que las melodías cambian de tono y ritmo para añadir textura a una historia de extraordinarios recursos teatrales.

Estrenada en el teatro veneciano de San Moisè, en 1762, esta ópera cuenta la historia de dos supervivientes de un naufragio que llegan a una isla del Mediterráneo en la que gobiernan las mujeres y donde los hombres están sometidos -en un patriarcado a la inversa- desempeñando funciones tradicionalmente femeninas. Allí, la princesa Crétidea gobierna con mano firme mientras su favorito, Gelsomino, pasa horas maquillándose. Su pequeño mundo se ve sacudido por la llegada del náufrago, Roberto, procedente de una sociedad tradicional, más viril y patriarcal. Crétidea y Roberto se enamoran, provocando una lucha en un tira y afloja sobre quién debe renunciar a su identidad y a aceptar los valores del otro y adelantando, casi trescientos años, los debates contemporáneos sobre sexo y género, bajo una divertida y moderna comedia de estereotipos.

No es la primera vez que Galuppi juega con la inversión de los roles de género (Le donne che comandano). Bajo la caricatura e ironía de típicas situaciones de enredo, confusiones, celos… subyace un intento de reflexión, casi de reivindicación, a pesar del previsible desenlace en el que el libreto recupera el orden convencional “que cese la depravada práctica de cambiar a los hombres en mujeres”, aunque haciendo un guiño cómplice final “cualquiera con sentido común entenderá fácilmente lo que quería decir el autor”.

Este dramma giocoso per música estará interpretado, en los papeles principales, por las mezzosopranos Eva Zaïcik (Crétidea), Lucile Richardot (Ramira) y Victoire Bunel (Cassandra), los barítonos Anas Séguin (Gelsomino) y Victor Sicard (Roberto) y el tenor Paco García (Giannino.)

Lo podremos ver, el próximo 3 de este mes, en el Teatro Real.

 

El musical “El hilo invisible”, ya a la venta

Ya a la venta las entradas del musical ‘El hilo invisible’, basado en el éxito infantil literario. Un espectáculo creado por Daniel Anglès, Alícia Serrat y Víctor Arbelo y basado en el libro homónimo de Míriam Tirado. Esta producción de Focus y Viu el Teatre estará en el Teatro Alcázar a partir de noviembre de 2025

Las entradas para disfrutar de El hilo invisible en el Teatro Alcázar, de Madrid, a partir de noviembre de 2025 ya están a la venta. La obra, creada por Alícia Serrat, Daniel Anglès y Víctor Arbelo a partir del cuento homónimo superventas de Míriam Tirado, llega a la capital tras el éxito cosechado en el Teatre Goya de Barcelona, donde ha recibido a más de 25.000 espectadores en ocho semanas.

El equipo artístico para el estreno en Madrid se decidirá en las audiciones que se realizaran los próximos 5 y 6 de abril en el mismo teatro, para las que se han presentado más de 300 candidatos.

Míriam Tirado contextualiza los orígenes de la creación del cuento (publicado por B de Blok Penguin Random House Grupo Editorial) que ha llegado en muchos hogares de todo el país: "Escribí este cuento en 2019, cuando todavía no sabíamos que vendría una pandemia. La editorial me pidió un cuento sobre el vínculo porque era una de las especialidades que trataba en el trabajo. Hablar del vínculo es algo abstracto y difícil, pero hace años, cuando mi hija tenía tres, me preguntó para qué servía el ombligo. En ese momento, le expliqué una historia del todo improvisada que la ayudó muchísimo. Al recibir el encargo recordé aquella historia, la del hilo invisible."

La propia Tirado admite ser la primera sorprendida ante el abrumador éxito del libro que cuenta, además, con varias traducciones que muestran también unas excelentes cifras de ventas: "Creo que este cuento funciona tan bien porque ayuda a las personas a sentirse conectadas y a entender qué pasa cuando el otro no está. La muerte es algo que los niños no pueden entender ni concebir, pero les da mucha seguridad saber que, aunque no nos podamos ver, nos podemos sentir cerca. Ahora, con este espectáculo, damos un paso más a nivel de conexión, de llegar directo al corazón. Cada uno, claro está, encuentra diferentes capas de lectura, igual que ocurre en el cuento.  Eso era algo muy importante para mí, porque son temas que nos tocan a todos, que fuera transversal, que no solo vinieran a pasarlo bien, sino que salieran con una herramienta útil y con muchas ganas de abrazarse. Creo que el espectáculo ha dado este salto en profundidad."

Daniel Anglès, coautor de la dramaturgia y de las letras de las canciones junto con Alícia Serrat y Víctor Arbelo, explica qué ha supuesto adaptar al teatro un material como El hilo invisible.: "El reto era cómo coger este libro tan fantástico y trasladarlo al lenguaje escénico. En este sentido, mi tarea es conformar un equipo artístico que pueda enfrentarse a este reto. Es importante cómo conectamos todos dentro del equipo. Los musicales pueden tener mil formatos, pero es imprescindible que tengan emoción, y este tiene muchísima."

Sinopsis

Basado en el cuento de Míriam Tirado que ha cautivado a miles de lectores hablando de los vínculos invisibles que nos unen a las personas que queremos.

Míriam es una escritora que busca inspiración para escribir un cuento muy especial: el relato de Nura, una niña que descubre un secreto escondido en su ombligo; la existencia de un hilo invisible que la conecta con las personas que ama más allá del tiempo y del espacio. Nura, junto con sus amigos Quim y Lia, emprenderá una emocionante y divertida aventura para intentar recuperar la sonrisa perdida de su compañero Álex, y los cuatro descubrirán la magia de los vínculos que establecemos con los demás. El hilo invisible, el musical habla sobre los vínculos que nos unen con quienes más queremos. 

Lo podremos ver, a partir de noviembre próximo, en el Teatro Alcázar.

https://www.youtube.com/watch?v=E2PaNnQNHcI

Acerca de los traumas familiares

La directora Andrea Jiménez dirige Vulcano, un texto de Victoria Szpunberg sobre las dinámicas familiares y los traumas. Hasta dentro de poco en el TeatroValle-Inclán.

Andrea Jiménez dirige Vulcano, un texto de Victoria Szpunberg que explora las dinámicas familiares y la relación entre el trauma, la memoria y la representación. Ya la podemos disfrutar en el Teatro Valle-Inclán.

La trama sigue a una familia marcada por un incendio en su edificio, una tragedia de la que aún se desconocen las causas. La llegada de una documentalista, interesada en contar su historia, desata una serie de tensiones que transformarán sus relaciones. A través de este suceso, el montaje no solo ahonda en el proceso de lidiar con un trauma colectivo, sino también en cómo el acto de narrarlo modifica la percepción de quienes lo vivieron.

La puesta en escena es minimalista, centrada en los diálogos y las problemáticas entre los personajes con el fin de precisar y cuestionar nuestro rol como testigos, como narradores de nuestra propia vida y como consumidores de las historias de los demás. Con todo ello se genera una experiencia teatral intensa, que no solo toca el tema del trauma, sino también la complejidad de las relaciones humanas bajo la lupa de la observación externa. Una obra que desafía al espectador a repensar su propia relación con la narrativa del dolor, ya sea como protagonista o como público.

Nacida en Buenos Aires (Argentina) en 1973, Victoria Szpunberg es una licenciada en Dramaturgia y Dirección en el Institut del Teatre de Barcelona con un Máster en Estudios Teatrales de la Universidad Autónoma de Barcelona. Es hija del poeta argentino Alberto Szpunberg, exiliado en España tras el golpe de estado en Argentina de 1976. En sus montajes suele tratar asuntos políticos y sociales del mundo contemporáneo y entre sus producciones destacan Amor mundi, Balena blava, Boys don’t cry o La marca preferida de les germanes Clausman.

Nacida en Madrid en 1987, Andrea Jiménez es una licenciada en Derecho y posgraduada en Artes Escénicas por la London International School of Performing Arts. Es fundadora de teatro En Vilo, premio Ojo Crítico de teatro 2019, y entre sus espectáculos se encuentran Casting Lear, Hoy puede ser mi gran noche o Cómo hemos llegado hasta aquí.

La podemos ver, hasta el 13 de abril, en el Teatro Valle-Inclán. 

https://www.youtube.com/watch?v=2-pTS7N7vBU

Sobre la vida y obra del violonchelista Pau Casals

El actor Carlos Hipólito encarna la figura del violonchelista Pau Casals en la obra Música para Hitler, con un argumento emocionante dirigido por Juan Carlos Rubio. Ya, en los Teatros del Canal. 

El director y dramaturgo Juan Carlos Rubio (El perdón, Trigo sucio o La isla) estrena, en los Teatros del Canal, Música para Hitler, un relato emocionante que ahonda en la vida del Pau Casasl. Una obra protagonizada por Carlos Hipólito y que cuenta con la participación de Kiti Mánver, Cristóbal Suárez y Marta Velilla.

La obra Música para Hitler está inspirada en hechos reales y recrea un momento crítico en la carrera del célebre violonchelista catalán, marcada por su exilio y su lucha por la justicia en un contexto histórico convulso.

Tras la Guerra Civil, Casals se vio forzado a abandonar el país y se estableció en el sur de Francia, donde dedicó sus recursos y esfuerzos a ayudar a miles de compatriotas refugiados en campos de trabajo. La obra lleva al público a 1943, bajo la ocupación nazi de Francia, cuando el músico recibió una inquietante invitación para tocar ante Adolf Hitler. Esta solicitud, cargada de implicaciones políticas, puso a Casals en una situación de difícil elección: aceptar podría haberle permitido continuar su vida con relativa seguridad, pero hacerlo implicaba rendirse ante la barbarie nazi.

Con ello se exploran no solo la genialidad artística de Casals, sino también su valentía y principios, que lo llevaron a rechazar cualquier vínculo con la tiranía. Así, se exponen las tensiones internas del músico, quien se mantuvo fiel a su ética personal utilizando el arte como herramienta de resistencia ante las presiones políticas.

Una obra sobre el mundo de la cultura musical y también sobre las ideas bien asentadas.

La podemos ver, del 2, al 20 de abril, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=nMGhsHR2OI0

La podemos ver, del 2, al 20 de abril, en los Teatros del Canal.

Un delicioso drama pre-feminista

La directora Laila Ripoll vuelve con otra importante obra de la escritora Luisa Carnés, Natacha, que se centra en el complejo ambiente de las mujeres obreras de un taller textil del siglo XX y en cómo liberarse de las condiciones de pobreza de la España de principios del siglo XX. Ya, en el Teatro Español.

El Teatro Español nos ofrece Natacha, una obra de Luisa Carnés, una de las escritoras más interesantes del siglo XX español, autora de la también conocida novela Tea Rooms. La obra, protagonizada por Natalia Huarte, ha sido adaptada y dirigida por Laila Ripoll.

La obra está basada en las vivencias de la misma autora, que, desde la temprana edad de los once años, se vio obligada a dejar la escuela y trabajar en un taller doméstico de confección de sombreros, donde permaneció durante más de diez años. Natacha, la protagonista de la obra y, a su vez, pseudónimo de la autora conocida en aquellos tiempos como Natalia Valle, nos habla de las condiciones que soportan las mujeres trabajadoras y las dificultades a las que se enfrentan estas en su día a día.

Las extenuantes jornadas, del miedo a ser despedida, del acoso, de la explotación, de la desigualdad, de la ausencia de horizontes, de la enfermedad, del tedio, del matrimonio, de la prostitución, del sexo, del amor y de la muerte son algunos de los temas que se tratan en la obra, y a través de estos, plantea el mundo desde una perspectiva femenina y obrera que, aún, hoy día, resulta totalmente novedosa y conmovedora.

Estamos frente a una pequeña gran obra llena de sensibilidad y verdad porque si algo caracteriza a la autora es que nunca tuvo pelos en la lengua. Y lo que contó en sus libros lo hizo con clase y mucha poesía. A ello ayuda unas interpretaciones impecables y nada declamadas, por lo que la sesión que vi me emocionó mucho y hablé con varias amistades por teléfono para recomendársela y, por momentos, se me quebraba la voz. ¿Qué más se puede decir...?

La podemos ver, hasta el próximo día 30 del presente, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=gyMjPQu1wa4

Ficha artística:

• Adaptación y dirección - Laila Ripoll

• Escenografía - Arturo Martín Burgos

• Vestuario - Almudena Rodríguez Huertas

• Espacio sonoro - Mariano Marín

• Videoescena - Emilio Valenzuela

• Ayudante de dirección - Héctor del Saz

• Una producción del Teatro Español

Reparto:

• Natacha: Natalia Huarte

• Gabriel Vergara: Jon Olivares

• Madre/Doña Ada: Pepa Pedroche

• Don César: Fernando Soto

• Ezequiela/Salud: Isabel Ayúcar

• Almudena/Elenita: Andrea Real​​