El cuarto de Carmen Martín Gaite

La gran intérprete española Emma Suárez protagoniza esta adaptación del famoso libro de Carmen Martín Gaite. Sobre intimidades y Literatura. En breve, en el Teatro de La Abadía.

Con motivo del centenario del nacimiento de la escritora Carmen Martín Gaite (Salamanca, 1925 - Madrid, 2000), Rakel Camacho (Coronada y el toro, Quiero colapsar a tu lado o Una novelita lumpen) dirige una adaptación de una de sus mayores obras: El cuarto de atrás. Es una reflexión sobre la memoria, la creatividad y la vida en tiempos de transformación. Una obra que cuenta con un reparto liderado por la actriz española Emma Suárez y que, en breve, podrá verse en el Teatro de La Abadía.

La función ha sido versionada por María Folguera y, además, cuenta con la participación de los otros actores Alberto Iglesias y Nora Hernández.

La pieza se centra en un diálogo nocturno entre una escritora, que es la narradora y alter ego de Martín Gaite, y un misterioso hombre vestido de negro que la visita inesperadamente en su casa. Este encuentro se convierte en el marco para una conversación que aborda temas personales, literarios y sociales, mientras exploran recuerdos de la infancia, vivencias de la posguerra española y las connotaciones sobre el acto de escribir.

De este modo, se alude a un espacio simbólico que representa la memoria y la imaginación, un lugar íntimo y oculto donde se almacenan los hechos pasados y las ideas que dan forma a la vida y la escritura de la protagonista. A medida que avanza la charla, los límites entre la realidad y la ficción se desdibujan y la escritora reconstruye su historia personal y profesional en un tono que oscila entre lo nostálgico, lo lúdico y lo crítico.

La podremos ver, del 27 de este mes, al 16 de marzo, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=eEnMbLn3ZsA

Danza francesa del Chaillot Théatre de la Danse

El coreógrafo francés Rachid Ouramdane propone una exploración del movimiento humano con danza y técnicas teatrales. Su propuesta: Chaillot Théatre National de la Danse. En breve, en Centro Danza Matadero.

El coreógrafo francés Rachid Ouramdane propone una exploración emocional del movimiento humano, combinando danza contemporánea con elementos aéreos y técnicas teatrales innovadoras. Pertenece al Chaillot Théatre de la Danse.

La función está interpretada por los bailarines Joaquín Bravo, Lorenzo Dasse, Clotaire Fouchereau, Löric Fouchereau, Peter Freeman, María Celeste Mendozi, Mayalen Otondo, Lucas Tissot, Aure Wachter y Owen Winship, quienes se mueven al ritmo de la música de Jean-Baptiste Julien.

La obra busca trascender los límites de la danza tradicional, fusionando gestos aéreos y movimientos terrestres en un lenguaje coreográfico único. La propuesta utiliza un escenario minimalista, enriquecido por una iluminación evocadora y proyecciones que flotan en niebla, para crear una atmósfera que transita entre lo etéreo y lo tangible. Ouramdane entrelaza los temas de la infancia y la vejez, examinando cómo las influencias de las personas ausentes persisten en nuestra manera de movernos y de vivir.

Este diálogo entre el cuerpo, el aire y el tiempo se convierte en una reflexión acerca de la conexión entre pasado y presente, y sobre cómo la memoria se inscribe en cada gesto. Con ello se termina generando un homenaje a la diversidad de formas de expresión corporal y la capacidad del movimiento de transmitir experiencias universales.

Nacido en 1971 en Nîmes (Francia), Rachid Ouramdane es un destacado coreógrafo y bailarín franco-argelino reconocido por su enfoque innovador y profundamente humano en la danza contemporánea. Ouramdane ha utilizado sus producciones para indagar en cuestiones relacionadas con la identidad, la memoria y la migración.

Ha sido bailarín de Hervé Robbe, Emmanuelle Huynh, Catherine Contour, Alain Buffard, Jeremy Nelson, Odile Duboc y Meg Stuart, fundó la compañía Fin Novembre con Julie Nioche en 1996 y luego creó su propia agrupación, L'A., en 2007. Desde 2016 dirige, junto con Yoann Bourgeois, el Centro Coreográfico Nacional de Grenoble y desde 2021 es el director del Teatro Nacional de Chaillot.

La podremos ver, desde el 26 de febrero, al 1 de marzo, en Centro Danza.

https://www.youtube.com/watch?v=PF62a5sd51g

 Matadero.

¿Un futuro prometedor..?

Los jóvenes y solventes actores Susana Abaitua y Félix Gómez protagonizan Nerium Park, una obra del dramaturgo Josep Maria Miró llena de matices, imágenes y silencios sobre el futuro prometedor de unos jóvenes en formato de thriller. Pronto, en Nave 10 Matadero.

El espacio Nave 10 Matadero acoge Nerium Park, en la Sala Max Aub, una obra escrita por el dramaturgo catalán Josep María Miró. Este thriller hiperrealista para dos actores, ha sido traducido a varios idiomas y estrenado en más de una decena de países. Los actores Susana Abaitua y Félix Gómez encabezan el reparto y Jorge Gonzalo es el encargado de dirigir esta increíble obra.

La protagonizan Carlos y Marta, dos jóvenes con un futuro prometedor que se acaban de mudar a las afueras de la ciudad. Nerium Park es un desértico complejo residencial a más de media hora de la gran ciudad, a la cual, a pesar de que transcurren los meses, nunca llegan los ansiados vecinos. Los dos protagonistas, únicos residentes de la urbanización, enfrentan una serie de crisis y desencuentros que los lleva a considerar que tal vez estén pagando un precio demasiado alto por llevar una vida lejos del núcleo urbano.

En este thriller social, vemos a través de doce escenas, una por cada mes del año, cómo colapsa sobre sí mismo el mundo de estos dos jóvenes, y relaciona la crisis de pareja con la de un sistema económico. El suspense, la tensión y lo desconocido predominan en esta obra que consigue atrapar a los espectadores desde el primer momento y compara la esperanza de futuro de las nuevas generaciones con un caramelo envenenado que nos arrastra al aislamiento y a la autodestrucción.

En definitiva, una especie de Un mundo feliz, de Aldous Huxley.

La podemos ver, del 27 de este mes, al 23 de marzo, en Nave 10 Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=-xZ5p0nScNk

La lucha de clases en la América de mediados del XX

Camino al zoo es una obra del premiado dramaturgo estadounidense Edward Albee (¿Quién teme a Virginia Wolf ?”), que habla de las pocas ganas de vivir de los “sin nada” y también de los que lo tienen “todo”. Ya, en el Teatro Bellas Artes.

El popular actor televisivo Fernando Tejero (“La que se avecina”) y ya, también, todo un líder en el mundo de la escena (“Los dos lados de la cama”), lidera el reparto de la adaptación de Camino al zoo, una comedia sobre las barreras sociales con profundos tintes existencialistas.

Junto con los estupendos y solventes actores Dani Muriel y Ana Labordeta, estamos frente a una adaptación de la exitosa comedia del estadounidense Edward Albee. Ya la podemos disfrutar -y de hecho, lo hemos hecho- en el Teatro Bellas Artes.

Bajo la dirección de Juan Carlos Rubio (La isla, El perdón o Le plancher), su historia presenta a Peter y Ann, una pareja cuya vida en común está marcada por la incomunicación y la independencia del uno con el otro. Rehuyendo de la situación, Peter decide pasar el día en el zoológico de Central Park. Allí conoce a Jerry, un personaje excéntrico y solitario que vive al margen de la sociedad.

Ambos comienzan una conversación aparentemente inofensiva, pero poco a poco esta se torna en un intercambio cargado de tensiones psicológicas y emocionales. Y es que Jerry comparte los acontecimientos de su vida sin pelos en la lengua, llevando el diálogo hacia un desenlace totalmente inesperado.

Con ello la pieza explora temas como la soledad, la alienación, la comunicación y la violencia latente en las relaciones humanas. Escrita en 1958, está considerada como un clásico del teatro del absurdo y fue un éxito inmediato tras su estreno.

Pero...desde mi punto de vista, el desenlace está muy forzado. Le falta una transición lógica hacia el final. No voy a desvelar detalles (spoiler, que se dice para el cine), pero todos nos quedamos chafados cuando el mendigo prostituto desenlaza lo que desenlaza...

En cuanto a las interpretaciones, la mejor y soberbia es la de Fernando Tejero (el marido burgués que disfruta leyendo libros en el banco del parque). Es uno de los pocos actores naturalistas. En este país, siempre, se ha dicho que las mujeres son mejores intérpretes que los hombres. Pues, ésta es una clara excepción que confirma la regla. ¡Pedazo de actor, a quien no se le nota ni un ápice que está actuando..!

En cuanto a Dani Muriel, es otro muy buen actor que apunta a ser una estrella: ¿Por qué no lo es ya? Tiene todos los condimentos para serlo, todos...

Y Ana Labordeta, una de nuestras actrices ya clásicas del teatro, pues...Que no declame tanto e interprete más...Que viva más sus personajes y no se pegue tanto al texto...

En fin, una de cal y otra de arena...como casi siempre porque encontrar un montaje redondo qué difícil es...

La podemos ver, hasta el 9 de marzo, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=4QEzYP_YTt8

 

Un enorme musical americano

Gypsy. El Musical, es uno de los musicales de mayor éxito en la Historia de Broadway basado en las memorias de la artista de burlesque Gypsy Rose Lee.Ahora, nuestro Antonio Banderas, en calidad de director, lo estrena en Madrid. Ya, en el Teatro Apolo.

Gypsy, el Musical es uno de los musicales más aclamados de la Historia de Broadway, galardonado con premios internacionales como el Tony, Olivier, Drama Desk o Grammy, y ya se ha se estrenado, en el Teatro Apolo, de Madrid.

Esta nueva super producción, basada en las memorias de la artista de burlesque Gypsy Rose Lee, cuenta con la dirección de Antonio Banderas y las actuaciones de la gran actriz de musicales Marta Ribera, acompañada de Lydia Fairén y Laia Prats. 

Este es el cuarto musical dirigido por Antonio Banderas y, el año pasado, fue estrenado en el Teatro del Soho CaixaBank de Málaga. La trama gira en torno a la madre de la artista de burlesque Gypsy Rose Lee, Rose, una mujer que quiere convertir a sus hijas en estrellas del vodevil a cualquier precio; una mujer ambiciosa que en el fondo solo busca su propio éxito.

Convertido en todo un clásico de Broadway, este montaje explora el mundo del espectáculo con humor, corazón y sofisticación, y es considerado uno de los mayores exponentes del teatro musical americano del siglo XX. Cuenta con libreto de Arthur Laurents, música de Jule Styne y letras de Stephen Sondheim. Se estrenó por primera vez en el año 1959 y, desde entonces, se ha representado en países como Alemania, Argentina, Brasil, Australia, Canadá, Estonia, Italia, Japón, México, Reino Unido o Sudáfrica.

En 1962 Rosalind Rusell, Natalie Wood y Karld Malden protagonizaron la película, que tuvo, en 1993, un remake para televisión, protagonizada por Bette Midler. En el ámbito teatral, el personaje de Rose fue interpretado por estrellas como Ethel Merman, Angela Lansbury, Imelda Staunton o Audra McDonald, quien actualmente interpreta a Rose en Broadway.

Decir que la factura de esta producción -como todas las de los musicales de Antonio Banderas es impecable, tanto a nivel técnico, como artístico. Pero...-y también como el resto de los otros musicales producidos por nuestro actor más internacional, junto a Penélope Cruz- , como Godspell o A Chorus Line- están hechos para un público americano, solo que traducidos al español. Es decir, son un copia y pega de los originales y aquí, lamentablemente, no llegan como deberían llegar títulos tan grandes. ¿Por qué no realiza adaptaciones..? Banderas se tiene que dar cuenta de que el público español, por muy globalizados que todos ya estemos, guarda unas características especiales, como el francés o el alemán o el inglés. De modo que, desde mi humilde opinión, este nuevo musical producido por él, no llega porque la historia es demasiado americana y su estilo, también demasiado americano. Sin embargo, otros grandes musicales anglosajones, como El fantasma de la ópera o Los Miserables sí llegan porque su argumento es universal. Ese es el quid de la cuestión. Una madre que quiere que sus hijas sean estrellas porque ella también lo quiere ser no es un tema universal, sino local.

Respecto a las interpretaciones, todas impecables. Todas mejores que la de Marta Ribera -me van a matar. La he visto en casi todo lo que ha hecho y como cantante, es fabulosa, pero como intérprete, no es buena actriz porque declama, pero no interpreta...

No obstante, el conjunto se deja ver...

https://www.youtube.com/watch?v=1ESY7ybM6mc

Lo podemos ver, durante toda esta temporada, en el Teatro Apolo.

Lo importante de la conversación

El dramaturgo y poeta Pablo Rosal escribe y dirige A la fresca, una fábula poética centrada en la conversación y la comunidad social. Ya, en Nave 10 Matadero.

Pablo Rosal escribe y dirige A la fresca, una fábula poética que reflexiona sobre el poder de la conversación y las relaciones personales. Protagonizada por los actores Alberto Berzal, Israel Frías y Luis Rallo, la obra ya puede verse en Nave 10 Matadero.

Con la interpretación de los actores Alberto Berzal, Israel Frías y Luis Rallo, su historia está protagonizada por tres desconocidos que comienzan una charla improvisada. De este modo, Eusebio es un escritor que regresa a la casa de campo de sus abuelos después de 20 años en busca de inspiración. Sin embargo, la casa ahora corrompida por la dinámica familiar y los alquileres vacacionales, no es el lugar de paz que él esperaba. Ante esta situación, Eusebio decide construir una cabaña donde pueda reencontrarse con su creatividad. En su camino se cruzan Matilde, la cocinera, y Manolo, un albañil. Juntos, y casi sin pretenderlo, forman una comunidad inesperada mientras conversan al aire libre.

Rosal teje una obra que encuentra en el diálogo cotidiano su principal sustento, dotándola de una riqueza metafórica que delibera sobre la importancia de las palabras, capaces de establecer vínculos y generar momentos de intimidad, incluso entre desconocidos. Con un tono poético y tierno, se invita al espectador a valorar esos momentos simples que, a menudo, pasamos por alto. Y es que en un mundo hiperconectado se recuerda el valor, ahora más que nunca, de detenernos y celebrar lo común.

Nacido en la Ciudad Condal en 1983, Pablo Rosal es un poeta, dramaturgo, intérprete y director que primeramente se licenció en Humanidades para luego estudiar Dirección y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona. Ha colaborado con la Agrupación Señor Serrano y ha creado funciones como Anita Coliflor, Yo inacabo, Asesinato de un fotógrafo o Los que hablan. Además, en el 2020 estrenó su primera película como guionista, productor y actor: Un trabajo y una película, seleccionada en festivales internacionales como Shanghái, Bogotá y El Cairo.

La podremos ver, en Nave 10 Matadero, hasta este próximo día 23 del presente.

https://www.youtube.com/watch?v=pshIYYxvRN8

Sobre la tradición judía

La dramaturga y directora Lucía Carballal presenta Los nuestros, un drama que explora el duelo y las relaciones personales en la tradición judía. De inmediato, en el Teatro Valle-Inclán.

La dramaturga y directora Lucía Carballal pronto presentará Los nuestros, en el Teatro Valle-Inclán, un drama que explora el duelo familiar y las relaciones personales en la tradición judía. Una obra que cuenta con un reparto integrado por actores como Miki Esparbé, Marina Fantini, Mona Martínez, Manuela Paso y Ana Polvorosa, entre otros.

La historia comienza con la muerte de Dinorah, lo que convoca a sus familiares a participar en el Abelut, un ritual judío de duelo de siete días en el que los más cercanos a la persona fallecida se retiran del mundo para vivir su dolor en conjunto y procesarlo colectivamente.

Reina, la hija mayor, organiza la reunión, a la cual asisten varios miembros de la familia, cada uno con sus propias complejidades. Entre los asistentes están su hijo Pablo y su prometida Marina, que viajan desde Londres, Yael, su hermana, que asiste con sus hijos a pesar de su reticencia, y Tamar, una prima lejana. Durante este período de aislamiento, los personajes se ven obligados a convivir y a enfrentarse no solo a la muerte de Dinorah, sino también a las dudas e inquietudes que tienen sobre su propio futuro y sus lazos familiares.

Con ello se reflexiona acerca de temas como el sentido de pertenencia, el miedo al futuro, las decisiones sobre tener hijos y las tensiones entre la familia y la independencia personal. La convivencia forzada durante el duelo saca a la luz las dificultades que tienen para hallar puntos en común y los empuja a entender el significado de su herencia familiar y su propio porvenir.

Nacida en Madrid en 1984, Lucía Carballal es una dramaturga y guionista formada en Dramaturgia en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD) y el Institut del Teatre de Barcelona, para después cursar el Máster en Guion de Cine y Televisión de la Universidad Carlos III de la capital española.

Finalmente, Carballal ha firmado más de una decena de textos teatrales, entre los que destacan Las bárbaras, La resistencia (candidato a los Premios Max 2020 en la categoría de mejor autoría teatral), A España no la va a conocer ni la madre que la parió (ganador del Premio EURODRAM) o Mejor historia que la nuestra (merecedor de un accésit del Premio Marqués de Bradomín 2012). Además, ha trabajado para la televisión como guionista en la serie Vis a vis y su secuela Vis a vis: el oasis,

La podemos ver, del 21 de febrero, al 6 de abril, en el Teatro Valle-Inclán.