Las mujeres, al poder

Actores como David Castillo, Canco Rodríguez y Eva Santolaria lideran el reparto actoral de la obra GRRRL, un espectáculo con trece relatos irónicos que profundizan en el empoderamiento femenino. Desde mañana, en el Teatro Mª Guerrero.

La dramaturga y directora Sara García Pereda propone GRRRL, en el Teatro María Guerrero, un espectáculo con trece relatos irónicos que profundizan en la resistencia y el empoderamiento femenino. Una obra que cuenta con un reparto liderado por conocidos actores como David Castillo, Canco Rodríguez y Eva Santolaria, entre otros.

Los trece cuentos presentan a mujeres y niñas que, ante situaciones de desigualdad, injusticia o imposición, deciden plantarse y decir “basta”. Las narraciones están marcadas por ese “hasta aquí” que indica una ruptura con las normas y las expectativas que se han impuesto sobre ellas.

Cada historia aborda una forma de rebelión o afirmación personal en diferentes contextos. En algunos casos, como en el tribunal de un premio literario, se pone de manifiesto el impacto de reconocer a mujeres como finalistas en un espacio dominado por hombres. En otros, como la sentada de una niña en el campo de fútbol de su colegio, se sugiere la lucha desde una edad temprana por los derechos igualitarios.

Estos relatos reflejan la resistencia en pequeñas y grandes acciones con un tono de desafío que va más allá de la teoría o la justificación. Y es que se trata de una especie de"rugido" que expresa el cansancio femenino ante las limitaciones impuestas y la determinación de romper con ellas.

Nacida en Madrid en 1994, Sara García Pereda es una licenciada en Dramaturgia y Dirección por la RESAD y titulada en un MFA en Dramaturgia por la Edinburgh Napier University. Entre sus obras destacan Aire siempre de viaje, Crossing Care, coescrita junto a Kirin Saeed con el apoyo de Creative Inclusion Fund Scotland, y Esto no es la tragedia de Mariam.

La podemos ver, en el Teatro Mª Guerrero, del 24 de enero, al 3 de marzo.

https://www.youtube.com/watch?v=uOVWZ0kYrg0

Realidad mezclada con ficción

El director de escena Mariano Tenconi Blanco dirige La mujer fantasma, una obra en la que espectros abren la puerta de la memoria. Ya en pie, en el Teatro Valle-Inclán.

El Teatro Valle-Inclán representa La mujer fantasma, una obra dirigida por el director argentino Mariano Tenconi Blanco, que mezcla comedia y drama mientras se relacionan las vivencias de las protagonistas de carne y hueso y las de los espectros que las visitan. Un montaje protagonizado por las actrices Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla y Àgata Roca, cuya narración habla sobre la memoria y el olvido, el cuerpo y la muerte, la vida y el teatro, el pasado y el presente.

En La mujer fantasma, una obra teatral se convierte en la puerta al mundo del más allá por el que entran unos personajes del pasado con cuentas pendientes. Y, al mismo tiempo, es el detonante que rompe la monotonía del presente de las protagonistas, atrapadas en unas vidas que las absorben y comprimen.

Finales de la década de 1970, la melancólica e intensa vida de cuatro maestras - Delia, Lena, Iris y Nadia – está marcada por el cuidado a la familia, los desengaños amorosos y por los desafíos que les provocan cada día sus estudiantes. La directora del centro propone a Nadia realizar un montaje teatral con alumnas de diferentes cursos. En los ensayos de la obra comienzan a aparecer los fantasmas de cuatro actrices que, tras su fusilamiento, vagan como almas en pena hasta que puedan estrenar la última obra que no pudieron representar.

La mujer fantasma está narrada a través de cartas, diarios, exámenes de las alumnas y clases de lengua y literatura, además de escenas y monólogos.

En definitiva, un montaje altamente sugerente...

La podemos ver, hasta el 16 de febrero, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=XAFSfo-OVHM

Ciegos en un mundo audiovisual

La compañía El Conde de Torrefiel representa La luz de un lago, una performance que explora la "ceguera" como metáfora de un mundo saturado de imágenes.

La compañía El Conde de Torrefiel representa, en el Centro Cultural Conde Duque, una performance que explora la "ceguera" como metáfora de un mundo saturado de imágenes.

Y es que la obra invita al público a sumergirse en un viaje sensorial donde la trama gira en torno a tres personajes: una niña, un mendigo y una bailarina, quienes se enfrentan a la pérdida de visión en una sociedad repleta de imágenes y en la cual la sobreexposición visual nos hace perder claridad y enfoque.

Esta producción destaca por su perspectiva plástica, utilizando materiales orgánicos y un diseño escenográfico innovador, en colaboración con el colectivo La cuarta piel. Con una combinación de proyecciones, sonidos envolventes y una narrativa no lineal, la pieza desafía las convenciones teatrales y plantea una reflexión sobre la ceguera simbólica provocada por la sobreabundancia de estímulos visuales.

Con ello los creadores buscan generar un espacio donde la observación y la escucha entran en conflicto, permitiendo que la imaginación del espectador juegue un papel central en la experiencia teatral. Así, la propuesta no solo invita a la contemplación, sino que también desea abrir un diálogo acerca de la manera en la que percibimos y construimos nuestra realidad.

El Conde de Torrefiel es una agrupación fundada en 2010 por los valencianos Tanya Beyeler y Pablo Gisbert. Afincada en Barcelona, la formación destaca por un lenguaje híbrido entre la danza y el teatro y comenzó su andadura con el estreno de La historia del rey vencido por el aburrimiento. Desde entonces ha obtenido un importante reconocimiento artístico tanto en España como en Europa gracias a montajes como Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke, Guerrilla, La plaza o Kultur.

La podremos ver, del 23, al 26 de enero, en el Centro Cultural Conde Duque.

https://www.youtube.com/watch?v=p-xMbiXJfj4

Un gran texto de Pirandello

La agrupación AlmaViva Teatro presenta, en el Teatro Fernán Gómez, Los gigantes de la montaña, una versión de la obra del mundialmente conocido dramaturgo italiano del siglo pasado Luigi Pirandello. Desde hoy, en el Teatro Fernán Gómez.  

La agrupación teatral AlmaViva Teatro ofrece, en el Teatro Fernán Gómez, Los gigantes de la montaña, una versión de la obra del Premio Nobel de Literatura Luigi Pirandello.

El texto fue escrito en la década de 1920 y se fue publicando periódicamente por actos: el primero en la revista literaria La Nuova Antología y el segundo en Quadrivium. Está considerado uno de los más complejos del autor italiano, aunque con su muerte quedó incompleto. A pesar de ello es ampliamente reconocido como una pieza central en su legado.

La función es una alegoría que explora la relación entre el arte, la sociedad y la imaginación. Está dividida en tres actos, pero el tercero quedó inconcluso. La historia comienza cuando una compañía de teatro liderada por Ilse llega a una misteriosa posada conocida como La Scalogna (que significa "mala suerte").

Ilse y sus compañeros se dirigen a la montaña, a la morada de los gigantes, donde deben interpretar una de las obras de su repertorio para acompañar la celebración de una boda. Entonces aparece el enigmático Cotrone, un hombre con poderes sobrenaturales, quien les hace ver que es un error dirigirse allí, pues a los gigantes no les gusta el arte poético, les ofrece refugio y utiliza su magia para crear un mundo donde las ideas y los sueños pueden tomar forma.

Este montaje combina elementos del realismo mágico con una profunda carga filosófica. Está lleno de simbolismos, poesía y una atmósfera onírica que desafía las convenciones tradicionales del teatro, cuestionando la naturaleza de la realidad y el papel del arte.

AlmaViva Teatro es un conjunto fundado en 2007 en Madrid que a lo largo de su trayectoria ha llevado a cabo montajes como Conoces a Arturo Ui, La noche justo antes de los bosques, Territorio Lope, En un lugar llamado Alcalá o El tiempo no se agota en los relojes, a partir de Camino Real de José Luis Sampedro.

La podemos ver, del 21 de enero, al 23 de febrero, en Teatro Fernán Gómez.

Performance sobre los ritos ancestrales

Las coreógrafas Asun Noales y Susana Guerrero estrenan Rito, en Teatros del Canal. Se trata de una performance visual y sensorial que explora los rituales ancestrales.

Las coreógrafas Asun Noales y Susana Guerrero estrenan Rito, en Teatros del Canal. Es una performance que explora visual y sensorialmente los rituales ancestrales.

La obra fue estrenada en el Mercat de les Flors, de Barcelona, y está interpretada por la propia Asun Noales y Sebastián Rowinsky. En ella se fusiona la danza y la instalación, invitando al público a participar en un ejercicio escénico que explora las fuerzas primarias de la vida y la muerte.

La pieza se estructura en tres movimientos: llamada, ofrenda y catarsis. Un sonido de campanas convoca al lugar de la ceremonia, donde una impactante instalación visual recibe a los asistentes: cien cabezas de jaguar blanco dispuestas en un círculo perfecto, símbolo de la eternidad y lo sagrado.

En el centro de este altar, dos cuerpos yacen unidos, como si fueran una sola entidad. Sus rostros evocan la dualidad de la existencia: Eros y Tánatos, el amor y la muerte. Alrededor de ellos, la arena se convierte en un campo de batalla, en el que los bailarines encarnan la lucha eterna entre la fuerza y la fragilidad.

La danza transporta a un mundo mítico, donde los cuerpos se convierten en vehículos de emociones profundas y hablan de la naturaleza cíclica de la vida, de la batalla constante entre la creación y la destrucción. Con ello se genera una experiencia transformadora que delibera sobre nuestro lugar en el universo y la conexión que tenemos con nuestros ancestros.

La podemos ver, los días 23, 24 y 25 de este mes, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=D4bc8gvHmxU

Los clásicos de Calderón

Los reputados actores Beatriz Argüello, Jorge Bedoya, Arturo Querejeta e Isabel Rodes toman parte en Monstruos, el prodigio de los dioses, una producción teatral que revisa obras clásicas de Calderón de la Barca. De inmediato, en Teatros del Canal.

La productora Prodigio Teatro, estrena en Teatros del Canal, el montaje Monstruos, el prodigio de los dioses, que revisa obras clásicas de Calderón de la Barca como La hija del aire, El monstruo de los jardines y El mayor monstruo del mundo. Una interesante propuesta que cuenta con las actuaciones del pianista Jorge Bedoya, Isabel Rodes, Beatriz Argüello y Arturo Querejeta.

La puesta en escena da voz a tres personajes emblemáticos: Semíramis, Aquiles y Herodes, quienes narran sus propias historias desde su perspectiva. A través de un tejido dramático que mezcla escenas de las piezas originales y reflexiones íntimas de los protagonistas, se exploran temas como la prisión y la libertad, la búsqueda de identidad, el amor y la autodestrucción.

La función delibera sobre la procedencia del monstruo: no como algo intrínsecamente malvado, sino como una construcción nacida del temor y la opresión de quienes los rodean. Así, la producción invita al público a cuestionar por qué se teme a estos seres y cómo la humanidad proyecta en ellos sus propios miedos y contradicciones.

Lo podemos ver los días 24, 25 y 26 de este mes, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/shorts/tsOLtNZ1lJY

Versión teatral de la novela Caperucita en Manhattan

Lucía Miranda adapta y dirige Caperucita en Manhattan, una de sus novelas más queridas de la conocida escritora española Carmen Martín Gaite. En breve, en el Teatro de La Abadía.

En el centenario del nacimiento de Carmen Martín Gaite, una de las novelistas más importantes del siglo XX, el Teatro de La Abadía pone en escena, con adaptación y dirección de Lucía Miranda, una de sus novelas más queridas y que conecta con toda una generación. Pronto, en el Teatro de La Abadía.

Escrita en 1990, Caperucita en Manhattan es una reinterpretación que la novelista Carmen Martín Gaite realizó del cuento de Charles Perrault Caperucita Roja y es un claro ejemplo del poder de la ficción a modo de espacio seguro, como un refugio que se presenta ante la adversidad. Esta novela es una loa a la libertad y a la dificultad de ejercerla, un manifiesto para ser uno mismo.

La obra parece estar escrita hoy día, ambientada en una época donde se desea parar, en la que las mujeres no dudan en ocupar los espacios públicos y en la que, día a día, se enfrentan al duro trabajo de elegir un camino.

La historia presenta al personaje de Sara Allen que vive en Brooklyn y sueña con Manhattan.

Un día, Caperucita se escapa de casa para visitar a su abuela, una antigua cantante de music hall. Así, se sumerge en un viaje atemporal por diners, rodajes de cine y Central Park. En este recorrido se encuentra con un pastelero millonario y una mendiga sin edad con los que compartirá dos secretos que la ayudarán a encontrar su camino hacia la libertad. 

Muy sugerente, ¿no..?

La podemos ver, en el Teatro de La Abadía, del 23 de enero, al 23 de febrero.

https://www.youtube.com/shorts/N9f1Rm8puAY