Versión teatral de la novela Caperucita en Manhattan

Lucía Miranda adapta y dirige Caperucita en Manhattan, una de sus novelas más queridas de la conocida escritora española Carmen Martín Gaite. En breve, en el Teatro de La Abadía.

En el centenario del nacimiento de Carmen Martín Gaite, una de las novelistas más importantes del siglo XX, el Teatro de La Abadía pone en escena, con adaptación y dirección de Lucía Miranda, una de sus novelas más queridas y que conecta con toda una generación. Pronto, en el Teatro de La Abadía.

Escrita en 1990, Caperucita en Manhattan es una reinterpretación que la novelista Carmen Martín Gaite realizó del cuento de Charles Perrault Caperucita Roja y es un claro ejemplo del poder de la ficción a modo de espacio seguro, como un refugio que se presenta ante la adversidad. Esta novela es una loa a la libertad y a la dificultad de ejercerla, un manifiesto para ser uno mismo.

La obra parece estar escrita hoy día, ambientada en una época donde se desea parar, en la que las mujeres no dudan en ocupar los espacios públicos y en la que, día a día, se enfrentan al duro trabajo de elegir un camino.

La historia presenta al personaje de Sara Allen que vive en Brooklyn y sueña con Manhattan.

Un día, Caperucita se escapa de casa para visitar a su abuela, una antigua cantante de music hall. Así, se sumerge en un viaje atemporal por diners, rodajes de cine y Central Park. En este recorrido se encuentra con un pastelero millonario y una mendiga sin edad con los que compartirá dos secretos que la ayudarán a encontrar su camino hacia la libertad. 

Muy sugerente, ¿no..?

La podemos ver, en el Teatro de La Abadía, del 23 de enero, al 23 de febrero.

https://www.youtube.com/shorts/N9f1Rm8puAY

Flamenco social

El veterano bailaor y coreógrafo Ángel Rojas se despide de los escenarios con Fronteras en el aire, un espectáculo de flamenco y danza que aborda el compromiso social. En breve, en Teatros del Canal.

El veterano bailaor y coreógrafo Ángel Rojas se despide de los escenarios con el espectáculo Fronteras en el aire. Será, en breve, en Teatros del Canal y es un show de flamenco y danza que aborda el compromiso social.

Tras más de treinta años de trayectoria, Rojas ha elegido para su cierre profesional la segunda entrega de la trilogía Geografía flamenca del pensamiento, producida bajo su sello artístico Ángel Rojas Dance Project. Esta creación flamenca de profundo calado social narra las vivencias de los inmigrantes africanos que emprenden un duro viaje hacia Europa en busca de un futuro mejor.

La función da voz a los testimonios de aquellos que, en circunstancias extremas, lo arriesgan todo para alcanzar la "tierra prometida". El montaje cuenta con un elenco de 12 bailarines, seleccionados a lo largo de dos años de proceso creativo riguroso, quienes ponen cuerpo y alma a una coreografía que retrata el dolor, la esperanza y la lucha inherentes a esta travesía.

La música ha sido elaborada por los compositores José "Bandolero" Ruiz y Joni Jiménez, que se enriquece con la voz de la cantante de Guinea Bissau Alana Sinkëy. La fusión entre las raíces africanas y el flamenco genera un lenguaje único, que guía al público a través de una historia humana y emotiva. Así, Ángel Rojas utiliza esta última pieza para reflexionar sobre la inmigración y la importancia de tender puentes entre culturas.

Nacido en Madrid en 1974, Ángel Rojas es un bailaor que inició su carrera profesional a los 16 años, participando en giras con el Ballet Teatro Español de Luisillo y el Ballet Teatro Español de Rafael Aguilar. En 1995 cofundó el Nuevo Ballet Español, posteriormente conocido como Rojas & Rodríguez, compañía que se convirtió en una referencia en la danza española y flamenca. A lo largo de los años, Rojas ha escrito y dirigido numerosas obras como Infierno, Romeo y Julieta o Titanium, presentándose en más de 25 países. En 2018 decidió embarcarse en un nuevo proyecto: Ángel Rojas Flamenco Dance Project, una agrupación residente en la ciudad de Móstoles.

Lo podemos ver, los días 25 y 26 de este mes, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=cCQiItmt6Cg

Historia de España de una parte del siglo XX

Después de 75 años posteriormente a su estreno en el Teatro Español, regresa a las tablas el clásico Historia de una escalera, de Antonio Buero Vallejo, bajo la dirección de Helena Pimenta y un reparto liderado por la inmensa Gloria Muñoz.Pronto, en este mismo teatro.

Transcurridos 75 años desde su estreno, en el Teatro Español, regresa a este escenario el clásico Historia de una escalera, de Antonio Buero Vallejo, bajo la dirección de la super-directora escénica Helena Pimenta y un reparto liderado por la grandísima actriz Gloria Muñoz, una de las muy pocas que ya quedan de las de su generación, después del reciente fallecimiento de la inconmensurable Marisa Paredes.

Tras ganar el premio Lope de Vega del Ayuntamiento de Madrid en 1949, Historia de una escalera se convirtió en una de las obras esenciales de la literatura dramática de España. El 14 de octubre de 1949, se estrenaba, en el escenario del histórico Teatro Español, esta primera obra de Buero Vallejo. Algunos meses antes de que viese la luz, se habrán cumplido 75 años de esta fecha.  

El tiempo transcurre en esta escalera, la verdadera protagonista del drama, mientras se desarrollan las vidas de sus vecinos; gentes sencillas que intentan sobrevivir en una sociedad imposible. Un argumento que se compone de pequeñas historias que tienen lugar durante tres momentos de nuestra Historia (primavera de 1919, otoño de 1929 e invierno de 1949) y que permiten encontrar coincidencias con la sociedad actual tres cuartos de siglo después.

La trama gira en torno a tres momentos de la vida española de la primera mitad del siglo XX y presenta, en el espacio de  “la modesta escalera “ , los pequeños acontecimientos que suceden a tres generaciones de varias familias. Los moradores de esta casa de vecindad, mediante acciones cotidianas de paso, van dan a conocer sus sueños, sus frustraciones y tristezas en una época y en un medio en que todo falta. 

Un clásico contemporáneo de nuestro teatro imprescindible.

La podremos ver, del 24 de este mes, al 30 de marzo, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=z-nfXUUQq4U

Sobre la primera novela judicial de Agatha Christie

El gran actor de carácter (como antes se conocía a los actores clásicos) Fernando Guillén Cuervo lidera el reparto de Testigo de cargo, una versión de Roberto Santiago del popular thriller novelesco de Agatha Christie. Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

El actor Fernando Guillén Cuervo (Las edades de Lulú o Airbag) protagoniza una adaptación de Roberto Santiago (El bar prodigioso o Los futbolísimos, el musical) del primer thriller judicial novelesco de la historia, Testigo de cargo, escrito por híper conocida novelistra inglesa de best sellers del siglo pasado Agatha Christie. La podemos ver en el Teatro Fernán Gómez.

La obra está dirigida por Fernando Bernués (Los papeles de Sísifo o Deje su mensaje después de la señal) y narra cómo Leonard Vole es acusado de asesinar a una rica mujer mayor llamada Emily French, con quien tenía una relación cercana. La trama gira en torno al juicio de Vole, que clama ser inocente. Su defensa la lleva el abogado sir Wilfrid Robarts, quien cree en su inocencia a pesar de que las pruebas están en su contra.

La pieza clave para la defensa de Vole es el testimonio de su esposa, Romaine Heilger. Sin embargo, sorprendentemente, Romaine da un testimonio que lo incrimina aún más, asegurando que él llegó a casa cubierto de sangre la noche del asesinato.

A lo largo del montaje se revelan varias sorpresas y giros inesperados que desafían las expectativas del espectador. Y es que como en todos los relatos de Christie, la verdad detrás del crimen y los motivos de los personajes se descubren de manera impredecible.

La podemos ver, hasta el próximo día 26 del presente, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=qqnuXZyyYnw

Concienciar sobre el reciclaje

Las compañías Yllana y Töthem crean Trash!, un espectáculo musical para concienciar a los niños sobre el reciclaje a través de la comedia y la percusión. Ya, en el Gran Teatro Príncipe Pío.

Las compañías Yllana y Töthem ofrecen Trash!, en el Gran Teatro Príncipe Pío, Trash!, un espectáculo musical dirigido a toda la familia concebido como una representación artístico-didáctica que busca entretener y, al mismo tiempo, concienciar al público sobre la necesidad de reciclar, a través de la comedia y la percusión.

La pieza presenta cómo cuatro imaginativos operarios de un centro de reciclaje de basuras dan nuevos usos a los desechos que llegan al lugar. Así, confeccionan una velada diferente y divertida mediante una audición en la que emplean ingeniosos objetos como instrumentos: bidones, cubos, palos, botellas, bombonas de butano, paraguas, pelotas, bocinas, bolsas de basura…

Por otro lado, sus movimientos acompasados y sus constantes elementos humorísticos hacen que la función se convierta en algo más que una obra musical. Asimismo, consiguen enlazar diferentes géneros pasando de los sonidos brasileños a los acordes árabes, andaluces e, incluso, a los sones de la música clásica y la electrónica.

Además, los asistentes se transforman en una parte activa del montaje experimentado en primera persona esta ocurrente manera de aprender a cuidar el planeta y reflexionando sobre el exceso de consumismo de la sociedad.

Töthem es una formación de reciente creación, 2020, cuyos directores son Gorka González y Jony Elías, quienes, tras trabajar en conjuntos como Toompak, Mayumaná o Yllana, decidieron llevar a cabo un proyecto multidisciplinar que profundizara en sus inquietudes artísticas. Su ópera prima ha sido esta producción llena de energía, humor y musicalidad.

Para ello ha contado con la ayuda de Yllana, un grupo cómico nacido en 1991 y especializado en teatro gestual. Sus obras se han convertido en grandes piezas del humor mudo español. Algunas de las más aplaudidas son Splash!, 666, Olimplaff o Action Man, entre otras, habiendo sido interpretadas en 44 países y vistas por más de dos millones de espectadores. 

La podemos ver los días 20 y 21 de este mes, en el Gran Teatro Príncipe Pío.

https://www.youtube.com/watch?v=e6ZM-4t_2OE

 Homenaje a una gran familia de cómicos

Los artistas Pau Matas Nogué y Oriol Pla Solina presentan Travy, un homenaje a la familia Pla-Solina. Ya, en el Teatro de La Abadía.

El Teatro de La Abadía ofrece Travy, una obra de Pau Matas Nogué y Oriol Pla Solina que rinde homenaje a la familia Pla-Solina (de nombre artístico “la Familia Travy”) . Un espectáculo que supone un (des)encuentro entre dos corrientes teatrales; por un lado, el clown, el teatro folklórico y popular; y, por el otro, las formas post-dramáticas y metateatrales.

Travy expone dos generaciones y dos momentos vitales de la familia Pla-Solina. Los que ya ven el final del camino sin miedo y los que ven el principio del mismo con pánico. Un juego entre la vida y el teatro; la mentira y la verdad.

El espectáculo pone en escena a dos payasos viejos con poca gracia, los dos perdidos en sí mismos, la transgresión del arte y el éxito. Son familia de juglares que se entienden más poniéndose máscaras que mirándose a los ojos. Enzarzados en crear un espectáculo. ¿El último espectáculo?

En un momento en el que los más veteranos de la compañía ya no tienen ideas para nuevas obras, la hija se rebela contra todas las formas artísticas heredadas y el hijo pequeño regresa a casa para volver a sus orígenes.

La podemos ver, hasta el 2 de febrero, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=pcnZ_ufI72I

¡Dichosa globalización!

Los de ahí supone una reflexión de las consecuencias de la globalización y la economía digital. Muy pronto, en el Teatro María Guerrero.

El actor y director argentino Claudio Tolcachir, autor de películas como Mentiras piadosas y Buenos Aires me mata, dirige, en el Teatro María Guerrero, Los de ahí, un drama que reflexiona sobre las consecuencias de la globalización, la precariedad laboral y la economía digital en la vida de las personas.

El montaje está interpretado por los actores Nourdin Batán, Fer Fraga, Nuria Herrero, Ángela Molina y Gerardo Otero, quienes posicionan al público en un páramo solitario, a las puertas de una gran urbe. Allí se esconde una historia de esfuerzo, precariedad y sororidad. Y es que en lo alto de una colina, una máquina dispensa órdenes como un oráculo moderno. Es el centro neurálgico de una red de repartidores en bicicleta que surcan las calles de la ciudad, invisibles para la mayoría.

Nuno, Munir, Dani y Eduardo son algunos de estos ciclistas anónimos. Sus días transcurren entre la espera de la siguiente entrega, el trasiego por calles desconocidas y la incertidumbre de cada nuevo pedido. Sus teléfonos, con mapas en idiomas extranjeros, marcan el rumbo de sus jornadas, al tiempo que ignoran el contenido de los paquetes que transportan.

Un buen día, Mirja se une al grupo y se acerca a Nuno. Y luego, está Susan, una figura enigmática y vital que parece haber vivido mil vidas. Su presencia es un bálsamo para los demás, una inyección de energía en un entorno gris. La máquina en el monte es el hilo conductor de sus vidas. Un algoritmo frío e impersonal que determina sus rutas y horarios. Pero ellos, con su humanidad y su capacidad para crear vínculos, le dan calor a ese sistema.

¡Qué menos...! Para sobrevivir...¿No..?

La podremos ver, desde el próximo día 17 del presente, al 9 de marzo.