Gemelos, de Agota Kristof

El ciclo Canal Hispanidad acoge la representación de Gemelos, una obra basada en la novela de la escritora húngara Agota Kristof. Ya, en Teatros del Canal.

Dentro del ciclo Canal Hispanidad, la Sala Roja de los Teatros del Canal acoge la representación de la adaptación de la famosa novela Gemelos, de la escritora húngara Agota Kristof, desarrollada por Laura Pizarro, Juan Carlos Zagal y Jaime Lorca.

Se trata de un montaje que fue ovacionada en el Festival d’Avignon y que, tras exhibirse en los escenarios más importantes del mundo, regresa a España, 25 años después de su estreno.

Su trama se ubica en la época de la Primera Guerra Mundial y narra cómo dos gemelos son refugiados por su abuela en un pequeño pueblo. Allí se ven obligados a sobrevivir en un entorno hostil y desolador. A lo largo del espectáculo, los gemelos se embarcan en un proceso de autoaprendizaje que les lleva a poder enfrentarse a las duras condiciones de vida y las adversidades que se les presentan.

La interpretación de este montaje es fruto de una colaboración entre los Teatros del Canal y el Festival Internacional Teatro a Mil de Chile, un evento con 31 años de historia y que se ha convertido en el principal encuentro de artes escénicas de Hispanoamérica. Ahora, muestra su primera expansión más allá de sus fronteras con el ciclo Madrid a Mil, mediante el cual el teatro madrileño abre su programación a las mayores instituciones culturales hispanas para observar y conocer las temáticas, los lenguajes visuales y las miradas teatrales de estas latitudes.

La podemos ver, del 27, al 29 de este mes, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=hFblIrXNUQ8

Un spin off de La casa de Bernarda Alba

Ocho años después de la muerte de Adela, hija menor de Bernarda Alba se desvelan los secretos de una familia marcada por la tragedia. ¿El título de la obra?: Bernarda y Poncia. En el Teatro Lara, hasta mañana.

Han pasado ocho años después de la muerte de Adela, hija menor de Bernarda Alba, y se desvelan los secretos de una familia marcada por la tragedia. Una obra con características dramáticas y costumbristas de una época oscura .

Esta es una especie de spin off de La casa de Bernarda Alba, de García Lorca. Con un lenguaje dentro de la prosa y alguna incursión en el lenguaje poético, la obra muestra en dos actos doce horas de un día de verano, entre el amanecer y el atardecer. Se presentan y resuelven los conflictos que existen entre los personajes tocando las emociones de varias generaciones, desde una edad temprana hasta la ancianidad.

Una obra que responde a muchas preguntas pendientes sobre una obra universal: ¿qué fue de las demás hijas de Bernarda Alba?, ¿cuál es la relación con Poncia?, ¿Bernarda tiene sentimientos? ¿Y Poncia...? Los descubrimos en esta estupenda producción teatral.

La podemos ver, los sábados, hasta mañana, y, a partir del 15 de diciembre, en el Teatro Lara.

https://www.youtube.com/watch?v=_JWEf6QVPrA

Un matrimonio problemático

Los actores argentinos Ricardo Darín y Andrea Pietra dan vida a una comedia sobre el matrimonio, titulada Escenas de la vida conyugal (del dramaturgo y cineasta  Ingmar Bergman  (Fresas salvajes, Fanny y Alexander),que ya puede verse en el Teatro Rialto.

Escenas de la vida conyugal, dirigida por la premiada actriz y directora argentina Norma Aleandro, es una comedia escrita por que cambió para siempre la concepción de la palabra matrimonio.

Dentro de un marco intemporal, Juan y Mariana narran a los espectadores sus relaciones personales durante su matrimonio y después una vez divorciados. Una secuencia de escenas en la que muchos asistentes se verán reflejados por la cercanía de los hechos. Además, su ironía y la acidez de sus diálogos aportan un toque humorístico a los siempre difíciles problemas del corazón.

El director sueco concibió Escenas de la vida conyugal como una miniserie para la televisión sueca con Liv Ullman y Earlan Josephson como protagonistas. Su versión, de unas cinco horas de duración, fue presentada en seis capítulos en 1973, cosechando una audiencia espectacular.

Gracias a ello, importantes productores pidieron a Bergman reducir la miniserie a una película que, una vez estrenada, obtuvo varios premios como el Globo de Oro y un premio BAFTA. Tiempo después, el propio Bergman adaptó el guion cinematográfico al formato teatral.

Por su parte, Norma Aleandro, primera dama de la escena argentina y directora de esta versión, se encargó de protagonizar la obra en el año 1992 junto al gran actor argentino Alfredo Alcó.

La podemos ver, hasta el próximo día 29, en el Teatro Rialto. 

https://www.youtube.com/watch?v=GKoVvRrBLJA

¡Gran tributo a Borges!

Borges y yo, recuerdo de un amigo futuro es un espectáculo dirigido y creado por la actriz alemana Hanna Schygulla que rinde tributo al escritor argentino Jorge Luis Borges En breve, en el Teatro de La Abadía.

El Teatro de La Abadía en breve representará espectáculo Borges y yo. Recuerdo de un amigo futuro, dirigido y creado por la actriz alemana Hanna Schygulla (musa del cineasta alemán del siglo pasado Fassbinder que ofrece un tributo al escritor argentino Jorge Luis Borges.

La función está representada en forma de monólogo por la cantante argentina Andrea Bonelli y se basa en una selección de textos de Borges, cuidadosamente escogidos por Schygulla, que exploran temas profundos como la naturaleza del tiempo, la memoria, la identidad y la realidad.

Su puesta en escena es toda una fusión magistral de literatura y música, según los productores del montaje. La voz de Andrea Bonelli, a veces hablada y a veces cantada, da vida a las palabras de Borges, generando una danza entre la narrativa y la melodía. Por su parte, la música es una creación del compositor alemán Peter Ludwig, quien la interpreta al piano junto con el violonchelo de Peter Wödke.

La obra invita al público a adentrarse en el laberíntico universo de Borges, un espacio de ironía, humor y poesía, donde las esperanzas se frustran y los misterios quizás nunca se resuelvan. A través de todo ello, el montaje reflexiona sobre la condición humana y la naturaleza de la sociedad al tiempo que da una nueva visión del legado literario de Borges.

La podremos ver, del 3, al 6 de octubre, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=g2O6WcjBW7I

Lo duro y lo bonito de la vida

Kulunka Teatro apuesta por el lenguaje silente de las máscaras en un espectáculo que combina ternura y crudeza y que se titula Forever. En breve, en el Teatro Español, que es el que está ofreciendo la maravillosa trilogía de esta compañía vasca.

La compañía vasca Kulunka Teatro crea una historia familiar que alterna el humor con el drama donde apuesta por el lenguaje silente de las máscaras en un espectáculo que combina ternura y crudeza. Su título, Forever.

Esta obra forma parte de una trilogía, compuesta por las obras:André y Dorine, Solitudes y la que nos ocupa.

Se trata de una historia sobre una familia que se va alejando de lo que soñó que sería, que refleja con humor e ironía las paradojas del amor, pone el foco en temas como la maternidad, la educación, la discapacidad y la incomunicación.

Se representa sobre una plataforma giratoria, Forever es un tiovivo, la noria de la vida; y también una espiral que, a medida que gira, ahonda en el dolor de sus protagonistas. 

Al igual que las otras que componen la trilogía, la obra ha recibido numerosos reconocimientos, como el Premio Max a La Mejor Dirección 2024, Premio Max a La Mejor Autoría 2024, Premio Talía al Mejor Espectáculo 2024, Premio Talía al Mejor Espacio Escénico 2024 o el Premio Godot a La Mejor Caracterización 2024.

La podemos ver, del 25, al 29 de septiembre, en el Teatro Español. 

https://www.youtube.com/watch?v=srKMzvN0Qso

El Arte como medicina psicológica

La obra Tierra supone una mirada profunda sobre el duelo y la capacidad del Arte para sanar heridas. Pronto, en el Teatro María Guerrero, del Centro Dramático Nacional. 

El director, actor y dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco dirige Tierra, una profunda mirada sobre el duelo, la pérdida y la capacidad del arte para sanar heridas.

Protagonizada por los actores Andrea Davidovics, Soledad Frugone, Tomás Piñeiro y Sebastián Serantes, la función es un homenaje a la madre del autor, Liliana Ayestarán, quien falleció en junio de 2022, en los brazos de Blanco en una unidad de cuidados intensivos en Montevideo (Uruguay).

El montaje gira en torno a tres personajes que fueron alumnos de Liliana y, a medida que la trama avanza, se revelan las tragedias personales que los han marcado: Celia, que perdió a su hijo en un accidente de moto, Lucas, que mató a su hermano gemelo en un ataque de furia, y Clara, que sigue buscando los restos de su padre desaparecido durante la dictadura militar.

A través de sus historias, el dramaturgo explora las diversas formas de afrontar el duelo, desde la violencia y la culpa, hasta la búsqueda del sentido de la vida.

Por otro lado, Blanco comparte con el público un momento crucial para él e invita a reflexionar sobre el impacto que la muerte de un ser querido tiene en los demás. Pero no solo eso, ya que también se adentra en la naturaleza del teatro mismo, examinando la capacidad del arte para representar lo que ocurre a su alrededor.

Y, finalmente, plantea interrogantes sobre cómo nos miramos a nosotros mismos y cómo nos miran los demás, cuestionando los límites entre la ficción y la realidad.

Nacido en Montevideo (Uruguay), en 1971, Sergio Blanco es un intérprete, dramaturgo y director formado en Filología Clásica y Dirección Teatral. Residente en París (Francia) desde hace décadas, es conocido por su investigación artística sobre la autoficción, con la que ha creado espectáculos como Kassandra, Tebas Land, Ostia, La ira de Narciso, Cartografía de una desaparición o El bramido de Düsseldorf.

Durante su trayectoria, ha recibido distinguidos galardones, como el Premio Florencio al Mejor Dramaturgo 2002 o el Premio Nacional de Dramaturgia del Fondo Nacional de Teatro del Uruguay 2003.

La podremos ver, del 10, al 13 de octubre, en el Teatro Mª Guerrero.

https://www.youtube.com/watch?v=8wINTqWmTzQ

Pura poesía coreográfica

La bailaora Marta Gálvez estrena la obra flamenca Dama de noche, sobre el ciclo de la vida Canal Baila 2024. Es danza poética y simbólica. Desde mañana, en Teatros del Canal.

Dentro del ciclo Canal Baila 2024, de los Teatros del Canal, la bailaora Marta Gálvez estrena un espectáculo de danza poética y simbólica que invita a reflexionar sobre la belleza, la transformación y el ciclo de la vida.

A través de una coreografía elegante y evocadora, la artista representa el proceso de transformación de la flor dama de noche. Así, Gálvez guía al público desde el crepúsculo, hasta el florecimiento completo de la flor, pasando por etapas como la maduración, la polinización y la fructificación.

La bailarina encarna a la flor, en diferentes momentos de su recorrido vital, conectando con su ser femenino y con los recuerdos que la constituyen.

La música y la danza, inspiradas en diversos estilos del flamenco y la escuela bolera, dan forma a este viaje sensorial que cuenta con la colaboración del guitarrista José Almarcha, la cellista Isidora O´Ryan y el cantaor David Lagos. Finalmente, el montaje culmina con el cierre de la flor, una metáfora del ciclo de la vida y la muerte, que después genera un nuevo comienzo.

Nacida en Córdoba en 1994, Marta Gálvez es una bailaora que se inició en el baile a los tres años. Estudió en el Conservatorio Profesional de Danza Luis del Río de Córdoba y el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid.

En 2015, ganó el Premio a la Danza Destacada del Certamen Coreográfico del Distrito de Tetuán de Madrid, es miembro del Ballet Flamenco de Andalucía y actualmente, imparte clases en el Centro Cultural Villa de Móstoles y la escuela Factory Ballet.

Lo podremos ver, los días 19 y 20 de este mes, en Teatros del Canal.