Concha Jareño, broche de lujo de Flamenco Real

La bailaora flamenca Concha Jareño pone el broche final del ciclo Flamenco Real, que reúne varios espectáculos con grandes artistas del baile y del cante flamenco, a lo largo de todas las temporadas. Como siempre, en el Teatro Real.

Madrileña licenciada en Danza Española, Concha Jareño ha sido galardonada con los Premios Nacionales de Arte Flamenco de Córdoba 2007 Matilde Coral y Mario Maya, Premio a la Mejor Coreografía Solista en el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid y segundo premio del Concurso de Cante Flamenco de las Minas.

En 2008, estrenó el recital “Simplemente Flamenco” y el espectáculo “Algo”, por el que fue galardonada con el Premio Revelación del prestigioso Festival de Jerez, en 2009, cosechando elogios tanto del público, como de la crítica. Asimismo, ha sido solista en el espectáculo de Carlos Saura “Flamenco hoy” y artista invitada en los espectáculos “Flamenco XXI” y “Sonatas” de Estévez-Paños Cía y es, además, colaboración especial en “Seis Cuerdas para Dos Tacones” del guitarrista y compositor Juan Antonio Suárez “Cano”.

En 2010, cerró el ciclo de su espectáculo “Algo”, presentándolo en la prestigiosa Bienal de Sevilla en el Teatro Central. En 2011. estrenó el recital flamenco “Hecho a Mano”, en el Corral del Carbón de Granada. En 2012, “Raíces y Alas” se estrenó en Santiago de Chile, con elenco formado por artistas locales. Ese mismo año, participó como coreógrafa, junto a Javier Latorre, en el espectáculo de producción china “Quijote, al Compás de un Sueño”, que se estrenó en el Teatro Coliseum, de la Gran Vía de Madrid. Y suma y sigue...

Todos los artistas de los ciclos de Flamenco Real, la bailaora Concha Jareño incluida, están unidos por el lazo de la tradición, donde las profundas raíces del flamenco marcan el camino, pero sus personalidades únicas y nuevas miradas nuevas hacen que en cada encuentro el espectador encuentre diferentes distintas formas de expresión.

Flamenco Real es un ciclo que forma parte de la política de promoción y defensa del flamenco emprendida por el Teatro Real que, además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer, está organizando giras internacionales que, bajo el nombre de Authentic Flamenco.

La podemos ver, del 17, al 19 de este mes, ambos inclusive, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=Iqv-3bMhJ6E

Lo clásico y lo moderno en la danza española

Tres generaciones de creadores parten de la tradición de la danza española para reflejar la evolución de sus propuestas escénicas. El título de la propuesta: Generaciones BNE. Pronto, en el Teatro de la Zarzuela.

El Teatro de la Zarzuela nos propone el espectáculo de danza española Generaciones BNE, entre la tradición y la renovación, compuesto por un repertorio mixto, que contienen coreografías de tres generaciones de artistas españoles. A través de sus creaciones, descubriremos la evolución que ha sufrido la danza española y el flamenco, al mezclarse con otros estilos.

El director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, reivindica la necesidad de recuperar los clásicos sin perder de vista las nuevas corrientes. Y lo hace con este programa mixto con repertorio y nuevas coreografías, que parte de la tradición de la danza española y refleja la evolución de las propuestas escénicas a través de tres generaciones de creadores.

De este modo, podremos disfrutar de las coreografías Grito, de Antonio Canales, y Ritmos, de Alberto Lorca. Estas mezclan unos de los títulos de clásico español preferidos por los bailarines con la personal interpretación del flamenco de Antonio Canales.

Ambas coreografías servirán de preludio a los solos posteriores, que se representarán en días alternos y que están firmados por creadores actuales de diferente personalidad que han renovado la danza contemporánea, el flamenco y la danza española haciéndolas permeables a otros estilos.

De esta forma, Pastorela, la coreografía de Antonio Ruz podrá verse los días 17, 20, 24 y 27 de julio. Por su parte Aurora, la coreografía de Jesús Carmona se realizará los días 18, 21, 25 y 28 de julio. En cuanto a Jacaranda, la pieza coreografiada por Rubén Olmo, el director del Ballet Nacional de España, podremos verla el 19, 23 y 26 de julio.

Lo podemos ver, del 17, al 28 de este mes, en el Teatro de la Zarzuela. 

https://www.youtube.com/watch?v=qe2u2yd1OqQ

Vuelve el gran Puccini

Mma. Butterfly es una versión del drama operístico de Puccini en homenaje a la soprano española Victoria de los Ángeles. En el Teatro Real.

El director italiano Damiano Michieletto dirige una nueva versión del clásico drama Mma. Butterfly, del compositor italiano romántico Giacomo Puccini. Se trata de una original producción que homenajea a la soprano española Victoria de los Ángeles en la conmemoración del centenario de su nacimiento (1923-2005). Y decimos “original” porque la escenografía de Paolo Fantin es moderna y original, con carteles callejeros anunciando prostitución infantil, algo tan simbólico para el tema de esta ópera. Una interesante denuncia social que pone el acento en el abuso infantil, la prostitución y los falsos contratos matrimoniales, muy habituales en el Japón del siglo XIX, época en la que está ambientada la ópera.

Estrenada en 1904, en Milán (Italia), su trama sitúa al público en el Nagasaki, de principios del siglo XX, donde el oficial de la marina estadounidense Pinkerton se casa con Cio-Cio-San, una geisha quinceañera conocida como Madame Butterfly. Sin embargo, para el soldado esto no es más que una aventura amorosa, durante su estancia en Japón. Con su vuelta a América, la muchacha espera el regreso de su marido, mientras cuida del hijo que han tenido en común.

Cuando, finalmente, retorna a Nagasaki, Pinkerton lo hace con su esposa estadounidense, lo que desencadena una tragedia para Butterfly. De tal modo, la ópera explora temas como el amor, la traición, las diferencias culturales y el sacrificio. Además, la música de Puccini es famosa por su sensibilidad y belleza, por lo que contribuye a dar una profundidad emocional especial a la historia.

Varias cantantes interpretan a Madame Butterfly. Yo tuve la suerte de asistir a la representación protagonizada por la gran Saioa Hernández, cuyo nombre graciosamente es tan exótico como el del personaje de Madame, Cio-Cio-San. Es una gran soprano, cuya voz nos hace vibrar tan intensamente como la maravillosa música de Puccini. Si a esto le añadimos una gran y ajustada orquesta, podemos decir que esta producción es una de las mejores de la temporada que con ella finaliza el Real.

Y...es que siempre lloro con Mma.Butterfly...¿Por qué será..? Bueno, mi amigo José María no dejó de sonarse con el pañuelo de seda que le caracteriza...

Lo podemos disfrutar ver en el Teatro Real, hasta el próximo día 22 del presente, salvo los sábados, días en que no hay función.

https://www.youtube.com/watch?v=-xwX2QTVBXw

Ficha artística:

• Dirección musical - Nicola Luisotti (30 jun; 1, 3, 4, 7, 8, 9, 10, 12, 14, 15, 16, 17, 19, 21, 22 jul) y Luis Miguel Méndez (5, 11, 18 jul)

• Dirección de escena - Damiano Michieletto

• Escenografía - Paolo Fantin

• Vestuario - Carla Teti

• Iluminación - Marco Filibeck

• Dirección del coro - José Luis Basso

Reparto:

• Cio-Cio-San - Saioa Hernández (30 jun; 4, 8, 12, 15, 19, 22 jul), Aleksandra Kurzak (1, 7, 10, 16, 21 jul), Ailyn Pérez (3, 9, 14, 17 jul) y Lianna Haroutounian (5, 11, 18 jul)

• Suzuki - Silvia Beltrami (30 jun; 4, 8, 12, 15, 19, 22 jul), Nino Surguladze (1, 7, 10, 16, 21 jul) y Gemma Coma-Alabert (3, 5, 9, 11, 14, 17, 18 jul)

• F.B. Pinkerton - Matthew Polenzani (30 jun; 4, 8, 12, 15, 19, 22 jul), Charles Castronovo (1, 7, 10, 16, 21 jul), Michael Fabiano (3, 9, 14, 17 jul) y Leonardo Capalbo (5, 11, 18 jul)

• Sharpless - Lucas Meachem (30 jun; 4, 8, 12, 15, 19, 22 jul), Gabriel Bermúdez (1, 7, 10, 16, 21 jul), Gerardo Bullón (3, 9, 14, 17 jul) y Luis Cansino (5, 11, 18 jul)

• Goro - Mikeldi Atxalandabaso (30 jun; 3, 4, 8, 9, 12, 14, 15, 17, 19, 22 jul) y Moisés Marín (1, 5, 7, 10, 11, 16, 18, 21 jul)

• El príncipe Yamadori - Tomeu Bibiloni (30 jun; 3, 4, 8, 9, 12, 14, 15, 17, 19, 22 jul) y Toni Marsol (1, 5, 7, 10, 11, 16, 18, 21 jul)

• El tío Bonzo - Fernando Radó (30 jun; 3, 4, 8, 9, 12, 14, 15, 17, 19, 22 jul) y George Andguladze (1, 5, 7, 10, 11, 16, 18, 21 jul)

• Kate Pinkerton - Marta Fontanals-Simmons

Programa:

• Música de Giacomo Puccini (1858-1924)

• Libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illic, basado en la obra de teatro Madama Butterfly, de David Belasco, inspirada, a su vez, en un relato de John Luther Long

• Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 17 de febrero de 1904

• Estrenada en el Teatro Real el 20 de noviembre de 1907

• Producción del Teatro Regio Torino

El miedo a ser imperfecto

La dramaturga María de las Heras escribe y dirige un espectáculo sobre la importancia de las decisiones. Su título, Atelofobia, que es el miedo a la imperfección. Los sábados, en Sojo Laboratorio Teatral.

La dramaturga María de las Heras escribe y dirige el espectáculo de danza moderna Atelofobia, interpretado por Carla Chaves Ruiz donde se reflexiona sobre la importancia de las decisiones que tomamos a diario y el impacto que estas tienen en nuestras vidas. Una obra que podrá verse los sábados del 6 al 27 de julio en Sojo Laboratorio Teatral.

En el torbellino diario, a menudo tomamos decisiones sin prestarles la debida atención. Sin embargo, cada elección, por pequeña que parezca, tiene el poder de moldear nuestro camino y determinar nuestro grado de perfección. La pieza invita a deliberar acerca de la trascendencia de nuestras decisiones cotidianas, destacando que cada una de ellas implica una renuncia, una declaración de intenciones y un paso hacia la construcción de la vida que deseamos.

Y es que las elecciones que hacemos son como espejos que reflejan nuestros valores y aspiraciones y el tipo de persona que queremos ser. Al tomar una decisión, estamos comunicando al mundo quiénes somos y qué es lo que nos importa. Por ello, el montaje recuerda que las decisiones no son meros actos impulsivos, sino que deben ser el resultado de un pensamiento consciente tras considerar las posibles consecuencias, sopesar las diferentes opciones y elegir aquella que mejor se alinee con nosotros mismos.

La atelofobia es un miedo irracional a ser imperfecto o incompleto, que puede llevar a la necesidad compulsiva de perfeccionismo y autoexigencia inalcanzable.

Algo muy propio de nuestra sociedad actual...

La podemos ver los sábados, hasta el próximo día 27, en Sojo Laboratorio Teatral.

Versión de Yerma sobre la violencia

El dramaturgo Andrés Aguilar escribe y dirige Hiere-Ma, una versión contemporánea de la mundialmente conocida Yerma, de Lorca, que ahonda en la violencia y el papel de la mujer. Los jueves, en la sala Bululú2120.

El dramaturgo español Andrés Aguilar escribe y dirige Here-Ma, una versión contemporánea de Yerma, de Federico García Lorca, para hacer reflexionar al público sobre el papel de la mujer, la violencia de género y el abuso. Una obra que podrá verse todos los jueves del 11 al 25 de julio en la sala Bululú2120.

La función está interpretada por Sergio de Lara, Carmen Lorent, Arantzazu Soriano y María Costa. Escrita en 1934, esta tragedia rural tiene como protagonista a Yerma, una mujer joven casada con Juan, un hombre a quien no ama, pero con quien se ha unido en busca de un hijo. Y es que Yerma anhela con todas sus fuerzas ser madre, pero la esterilidad la condena a una vida de desilusión y vacío.

La pieza explora temas como la maternidad frustrada, la represión social, la lucha por la libertad individual y el poder destructivo de las pasiones. Yerma se enfrenta a la realidad y se va desesperando cada vez más. Así, busca soluciones en diferentes lugares: acude a una curandera, consulta con una vieja lavandera que le habla de rituales paganos e incluso intenta seducir a un pastor para concebir un hijo fuera de su matrimonio. Sin embargo, nada parece funcionar…

La podemos ver todos los jueves, hasta el próximo día 25 del mes, en la sala Bululú2120.

La sociedad violenta

El descaste es un drama social escrito por José Planas junto con Anxo Rojo, que explora las relaciones y dinámicas de grupo. En El Umbral de Primavera.

El descaste, escrito por el dramaturgo José Planas, junto con Anxo Rojo, y dirigido también por el primero para la sala El umbral de primavera es un drama que explora las relaciones y dinámicas de grupo y reflexiona sobre la violencia en la sociedad.

Con la participación de los actores Manu Riego, Daniel Felipe, Fran Sánchez, Pablo Garzas, Javi Cuartero y Alba Planas, la función presenta cómo cuatro hombres se reúnen en la finca El Robledal, propiedad de Juan. Allí, tienen planeado disfrutar de una jornada de caza y una cena posterior. Sin embargo, lo que parece ser un plan para pasar un agradable día de camaradería se torna en una velada incómoda debido a las diferencias y tensiones que existen entre los integrantes.

Poco a poco, se va profundizando cada vez más en la personalidad de los protagonistas: Juan, el dueño de una finca, Carlos, su hijo, Rodrigo, un viejo amigo de Juan, y Enrique, un señor del pueblo al cual conocen ese día. A ellos se les unen Pedro y su hija Marta, quienes viven en la finca, son los encargados de cuidarla, y serán los responsables de que el convite de los cuatro hombres vaya lo mejor posible...

Mediante sus discusiones, se examina cómo se generan las relaciones sociales y el grado de violencia que impera a nuestro alrededor...

El Hombre es, por naturaleza, un ser violento, pero hay épocas más violentas que otras y también, sociedades más violentas que otras...

La podremos ver, el próximo día 13 del presente, en El Umbral de Primavera.

¡El Lorca más original!

La dramaturga Triana Lorite escribe y dirige una adaptación de la tragicomedia breve Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca, que, ahora, está interpretada por actores de carne y hueso. Originalmente, fue hecha por el universalmente conocido poeta y dramaturgo para marionetas. En el Teatro Alcázar.

La dramaturga Triana Lorite escribe y dirige una adaptación de la tragicomedia breve Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca protagonizada por Fernando Cayo, Candela Cruz y Lucía Espín.

Su historia fue escrita en 1928 y se considera una de las obras más singulares y originales de Lorca. Como en otras de sus piezas, el poeta granadino explora temas como el conflicto entre la razón y la pasión, la fragilidad del amor y la superficialidad de la sociedad, mediante una función llena de metáforas, simbologías y diálogos líricos.

Su trama se centra en don Perlimplín, un hombre maduro y tímido que decide casarse con Belisa, una joven hostigada por su madre para aceptar el matrimonio por la fortuna y las tierras del pretendiente. A pesar de la diferencia de edad y sus diversas personalidades, don Perlimplín se enamora profundamente de Belisa y está dispuesto a sacrificarlo todo por su amor.

Sin embargo, Belisa no está interesada en don Perlimplín y solo busca aprovecharse de sus bienes. Aunque es consciente de las verdaderas intenciones de Belisa, don Perlimplín sigue enamorado e intenta complacerla en todos sus deseos y caprichos. Pero todo cambia cuando un día, llega un misterioso caballero vestido de rojo que dice estar enamorado de Belisa...

¡Ah, l'amour, l'amour! C'est magnifique!

Hay que decir que la dirección escénica tiene un ritmo excesivamente pausado para mi gusto aunque se trate de una obra lírica y con un punto onírico. De hecho, en sus comienzos, los personajes se mueven a “cámara lenta”, como en el cine. Pero esa cadencia tan despacito, se hace un tanto pesada, a medida que avanza el argumento.

Luego, Candela Cruz, en el papel de Belisa, no proyecta bien su voz y, en no pocos momentos, cuesta entenderla. No obstante, Fernando Cayo está perfecto en su papel de viejo enamorado. Además, de nuevo, nos deleita con sus dotes de cantante y músico. ¡Y no lo hace mal..!

En cualquier caso, ¿no hubiese sido mejor ceñirse al texto original y haber usado marionetas..?

La podemos ver, hasta el 27 de agosto, en el Teatro Alcázar.

https://www.youtube.com/watch?v=kouvv53Pwk8

Ficha artística:

• Dramaturgia y dirección - Triana Lorite

• Reparto - Fernando Cayo (Don Perlimplín), Candela Cruz (Belisa), Lucía Espín (Marcolfa)

• Ayudante de dirección - Hugo López Larosa y Javier del Arco

• Movimiento escénico y coreografías - Zoe Sepúlveda

• Diseño de Iluminación - Triana Lorite y Juancho Medinilla

• Composición musical - Ignacio Ysasi

• Vestuario - Pier Paolo Álvaro y Roger Portal