Vuelve el gran Puccini

Mma. Butterfly es una versión del drama operístico de Puccini en homenaje a la soprano española Victoria de los Ángeles. En el Teatro Real.

El director italiano Damiano Michieletto dirige una nueva versión del clásico drama Mma. Butterfly, del compositor italiano romántico Giacomo Puccini. Se trata de una original producción que homenajea a la soprano española Victoria de los Ángeles en la conmemoración del centenario de su nacimiento (1923-2005). Y decimos “original” porque la escenografía de Paolo Fantin es moderna y original, con carteles callejeros anunciando prostitución infantil, algo tan simbólico para el tema de esta ópera. Una interesante denuncia social que pone el acento en el abuso infantil, la prostitución y los falsos contratos matrimoniales, muy habituales en el Japón del siglo XIX, época en la que está ambientada la ópera.

Estrenada en 1904, en Milán (Italia), su trama sitúa al público en el Nagasaki, de principios del siglo XX, donde el oficial de la marina estadounidense Pinkerton se casa con Cio-Cio-San, una geisha quinceañera conocida como Madame Butterfly. Sin embargo, para el soldado esto no es más que una aventura amorosa, durante su estancia en Japón. Con su vuelta a América, la muchacha espera el regreso de su marido, mientras cuida del hijo que han tenido en común.

Cuando, finalmente, retorna a Nagasaki, Pinkerton lo hace con su esposa estadounidense, lo que desencadena una tragedia para Butterfly. De tal modo, la ópera explora temas como el amor, la traición, las diferencias culturales y el sacrificio. Además, la música de Puccini es famosa por su sensibilidad y belleza, por lo que contribuye a dar una profundidad emocional especial a la historia.

Varias cantantes interpretan a Madame Butterfly. Yo tuve la suerte de asistir a la representación protagonizada por la gran Saioa Hernández, cuyo nombre graciosamente es tan exótico como el del personaje de Madame, Cio-Cio-San. Es una gran soprano, cuya voz nos hace vibrar tan intensamente como la maravillosa música de Puccini. Si a esto le añadimos una gran y ajustada orquesta, podemos decir que esta producción es una de las mejores de la temporada que con ella finaliza el Real.

Y...es que siempre lloro con Mma.Butterfly...¿Por qué será..? Bueno, mi amigo José María no dejó de sonarse con el pañuelo de seda que le caracteriza...

Lo podemos disfrutar ver en el Teatro Real, hasta el próximo día 22 del presente, salvo los sábados, días en que no hay función.

https://www.youtube.com/watch?v=-xwX2QTVBXw

Ficha artística:

• Dirección musical - Nicola Luisotti (30 jun; 1, 3, 4, 7, 8, 9, 10, 12, 14, 15, 16, 17, 19, 21, 22 jul) y Luis Miguel Méndez (5, 11, 18 jul)

• Dirección de escena - Damiano Michieletto

• Escenografía - Paolo Fantin

• Vestuario - Carla Teti

• Iluminación - Marco Filibeck

• Dirección del coro - José Luis Basso

Reparto:

• Cio-Cio-San - Saioa Hernández (30 jun; 4, 8, 12, 15, 19, 22 jul), Aleksandra Kurzak (1, 7, 10, 16, 21 jul), Ailyn Pérez (3, 9, 14, 17 jul) y Lianna Haroutounian (5, 11, 18 jul)

• Suzuki - Silvia Beltrami (30 jun; 4, 8, 12, 15, 19, 22 jul), Nino Surguladze (1, 7, 10, 16, 21 jul) y Gemma Coma-Alabert (3, 5, 9, 11, 14, 17, 18 jul)

• F.B. Pinkerton - Matthew Polenzani (30 jun; 4, 8, 12, 15, 19, 22 jul), Charles Castronovo (1, 7, 10, 16, 21 jul), Michael Fabiano (3, 9, 14, 17 jul) y Leonardo Capalbo (5, 11, 18 jul)

• Sharpless - Lucas Meachem (30 jun; 4, 8, 12, 15, 19, 22 jul), Gabriel Bermúdez (1, 7, 10, 16, 21 jul), Gerardo Bullón (3, 9, 14, 17 jul) y Luis Cansino (5, 11, 18 jul)

• Goro - Mikeldi Atxalandabaso (30 jun; 3, 4, 8, 9, 12, 14, 15, 17, 19, 22 jul) y Moisés Marín (1, 5, 7, 10, 11, 16, 18, 21 jul)

• El príncipe Yamadori - Tomeu Bibiloni (30 jun; 3, 4, 8, 9, 12, 14, 15, 17, 19, 22 jul) y Toni Marsol (1, 5, 7, 10, 11, 16, 18, 21 jul)

• El tío Bonzo - Fernando Radó (30 jun; 3, 4, 8, 9, 12, 14, 15, 17, 19, 22 jul) y George Andguladze (1, 5, 7, 10, 11, 16, 18, 21 jul)

• Kate Pinkerton - Marta Fontanals-Simmons

Programa:

• Música de Giacomo Puccini (1858-1924)

• Libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illic, basado en la obra de teatro Madama Butterfly, de David Belasco, inspirada, a su vez, en un relato de John Luther Long

• Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 17 de febrero de 1904

• Estrenada en el Teatro Real el 20 de noviembre de 1907

• Producción del Teatro Regio Torino

El miedo a ser imperfecto

La dramaturga María de las Heras escribe y dirige un espectáculo sobre la importancia de las decisiones. Su título, Atelofobia, que es el miedo a la imperfección. Los sábados, en Sojo Laboratorio Teatral.

La dramaturga María de las Heras escribe y dirige el espectáculo de danza moderna Atelofobia, interpretado por Carla Chaves Ruiz donde se reflexiona sobre la importancia de las decisiones que tomamos a diario y el impacto que estas tienen en nuestras vidas. Una obra que podrá verse los sábados del 6 al 27 de julio en Sojo Laboratorio Teatral.

En el torbellino diario, a menudo tomamos decisiones sin prestarles la debida atención. Sin embargo, cada elección, por pequeña que parezca, tiene el poder de moldear nuestro camino y determinar nuestro grado de perfección. La pieza invita a deliberar acerca de la trascendencia de nuestras decisiones cotidianas, destacando que cada una de ellas implica una renuncia, una declaración de intenciones y un paso hacia la construcción de la vida que deseamos.

Y es que las elecciones que hacemos son como espejos que reflejan nuestros valores y aspiraciones y el tipo de persona que queremos ser. Al tomar una decisión, estamos comunicando al mundo quiénes somos y qué es lo que nos importa. Por ello, el montaje recuerda que las decisiones no son meros actos impulsivos, sino que deben ser el resultado de un pensamiento consciente tras considerar las posibles consecuencias, sopesar las diferentes opciones y elegir aquella que mejor se alinee con nosotros mismos.

La atelofobia es un miedo irracional a ser imperfecto o incompleto, que puede llevar a la necesidad compulsiva de perfeccionismo y autoexigencia inalcanzable.

Algo muy propio de nuestra sociedad actual...

La podemos ver los sábados, hasta el próximo día 27, en Sojo Laboratorio Teatral.

Versión de Yerma sobre la violencia

El dramaturgo Andrés Aguilar escribe y dirige Hiere-Ma, una versión contemporánea de la mundialmente conocida Yerma, de Lorca, que ahonda en la violencia y el papel de la mujer. Los jueves, en la sala Bululú2120.

El dramaturgo español Andrés Aguilar escribe y dirige Here-Ma, una versión contemporánea de Yerma, de Federico García Lorca, para hacer reflexionar al público sobre el papel de la mujer, la violencia de género y el abuso. Una obra que podrá verse todos los jueves del 11 al 25 de julio en la sala Bululú2120.

La función está interpretada por Sergio de Lara, Carmen Lorent, Arantzazu Soriano y María Costa. Escrita en 1934, esta tragedia rural tiene como protagonista a Yerma, una mujer joven casada con Juan, un hombre a quien no ama, pero con quien se ha unido en busca de un hijo. Y es que Yerma anhela con todas sus fuerzas ser madre, pero la esterilidad la condena a una vida de desilusión y vacío.

La pieza explora temas como la maternidad frustrada, la represión social, la lucha por la libertad individual y el poder destructivo de las pasiones. Yerma se enfrenta a la realidad y se va desesperando cada vez más. Así, busca soluciones en diferentes lugares: acude a una curandera, consulta con una vieja lavandera que le habla de rituales paganos e incluso intenta seducir a un pastor para concebir un hijo fuera de su matrimonio. Sin embargo, nada parece funcionar…

La podemos ver todos los jueves, hasta el próximo día 25 del mes, en la sala Bululú2120.

La sociedad violenta

El descaste es un drama social escrito por José Planas junto con Anxo Rojo, que explora las relaciones y dinámicas de grupo. En El Umbral de Primavera.

El descaste, escrito por el dramaturgo José Planas, junto con Anxo Rojo, y dirigido también por el primero para la sala El umbral de primavera es un drama que explora las relaciones y dinámicas de grupo y reflexiona sobre la violencia en la sociedad.

Con la participación de los actores Manu Riego, Daniel Felipe, Fran Sánchez, Pablo Garzas, Javi Cuartero y Alba Planas, la función presenta cómo cuatro hombres se reúnen en la finca El Robledal, propiedad de Juan. Allí, tienen planeado disfrutar de una jornada de caza y una cena posterior. Sin embargo, lo que parece ser un plan para pasar un agradable día de camaradería se torna en una velada incómoda debido a las diferencias y tensiones que existen entre los integrantes.

Poco a poco, se va profundizando cada vez más en la personalidad de los protagonistas: Juan, el dueño de una finca, Carlos, su hijo, Rodrigo, un viejo amigo de Juan, y Enrique, un señor del pueblo al cual conocen ese día. A ellos se les unen Pedro y su hija Marta, quienes viven en la finca, son los encargados de cuidarla, y serán los responsables de que el convite de los cuatro hombres vaya lo mejor posible...

Mediante sus discusiones, se examina cómo se generan las relaciones sociales y el grado de violencia que impera a nuestro alrededor...

El Hombre es, por naturaleza, un ser violento, pero hay épocas más violentas que otras y también, sociedades más violentas que otras...

La podremos ver, el próximo día 13 del presente, en El Umbral de Primavera.

¡El Lorca más original!

La dramaturga Triana Lorite escribe y dirige una adaptación de la tragicomedia breve Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca, que, ahora, está interpretada por actores de carne y hueso. Originalmente, fue hecha por el universalmente conocido poeta y dramaturgo para marionetas. En el Teatro Alcázar.

La dramaturga Triana Lorite escribe y dirige una adaptación de la tragicomedia breve Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca protagonizada por Fernando Cayo, Candela Cruz y Lucía Espín.

Su historia fue escrita en 1928 y se considera una de las obras más singulares y originales de Lorca. Como en otras de sus piezas, el poeta granadino explora temas como el conflicto entre la razón y la pasión, la fragilidad del amor y la superficialidad de la sociedad, mediante una función llena de metáforas, simbologías y diálogos líricos.

Su trama se centra en don Perlimplín, un hombre maduro y tímido que decide casarse con Belisa, una joven hostigada por su madre para aceptar el matrimonio por la fortuna y las tierras del pretendiente. A pesar de la diferencia de edad y sus diversas personalidades, don Perlimplín se enamora profundamente de Belisa y está dispuesto a sacrificarlo todo por su amor.

Sin embargo, Belisa no está interesada en don Perlimplín y solo busca aprovecharse de sus bienes. Aunque es consciente de las verdaderas intenciones de Belisa, don Perlimplín sigue enamorado e intenta complacerla en todos sus deseos y caprichos. Pero todo cambia cuando un día, llega un misterioso caballero vestido de rojo que dice estar enamorado de Belisa...

¡Ah, l'amour, l'amour! C'est magnifique!

Hay que decir que la dirección escénica tiene un ritmo excesivamente pausado para mi gusto aunque se trate de una obra lírica y con un punto onírico. De hecho, en sus comienzos, los personajes se mueven a “cámara lenta”, como en el cine. Pero esa cadencia tan despacito, se hace un tanto pesada, a medida que avanza el argumento.

Luego, Candela Cruz, en el papel de Belisa, no proyecta bien su voz y, en no pocos momentos, cuesta entenderla. No obstante, Fernando Cayo está perfecto en su papel de viejo enamorado. Además, de nuevo, nos deleita con sus dotes de cantante y músico. ¡Y no lo hace mal..!

En cualquier caso, ¿no hubiese sido mejor ceñirse al texto original y haber usado marionetas..?

La podemos ver, hasta el 27 de agosto, en el Teatro Alcázar.

https://www.youtube.com/watch?v=kouvv53Pwk8

Ficha artística:

• Dramaturgia y dirección - Triana Lorite

• Reparto - Fernando Cayo (Don Perlimplín), Candela Cruz (Belisa), Lucía Espín (Marcolfa)

• Ayudante de dirección - Hugo López Larosa y Javier del Arco

• Movimiento escénico y coreografías - Zoe Sepúlveda

• Diseño de Iluminación - Triana Lorite y Juancho Medinilla

• Composición musical - Ignacio Ysasi

• Vestuario - Pier Paolo Álvaro y Roger Portal

 

¡Que viva lo drag!

La nueva edición del Ciclo Mas Bonita que Ninguna reúne en escena ocho montajes que buscan visibilizar el trabajo de las drag queens y las travestis. Lo podremos admirar en DT Espacio Escénico.

La ya clásica sala DT Espacio Escénico organiza el XIII Ciclo Más bonita que ninguna, un festival que se ha convertido en un clásico dentro del movimiento drag queen español. Para esta ocasión, cuenta con once alocados espectáculos que buscan visibilizar el trabajo de las travestis.

Cada montaje tiene dos pases, a las 20:00 h y a las 22:00 h, y el evento comienza el 11 de julio con Encoredalida de Angelita La Perversa, un monográfico sobre la popular cantante italoegipcia Dalida. Al día siguiente Tavi Gallart y Victoria Montenegro exponen Vedettismos, una reflexión contemporánea sobre el papel que representó la mujer artista del siglo XX.

El 13 de julio es el turno para Tamarola de Bimba Farelo, un montaje autobiográfico de esta autora gaditana. El 14 de julio se puede disfrutar de La Telenovela de Casa Drag Latina, una parodia de las telenovelas donde cuatro travestis hispanoamericanas (Gad Yola, Shirley, Lady Cirka y Nativa) luchan, cada una a su manera, por conquistar el corazón de un mismo hombre.

El día 18 de julio Carvento desarrolla Mi primera comunión, una obra de danza sobre la transición de la niñez a la preadolescencia y todo lo que conlleva en relación a la construcción del género. El 19 de julio se interpreta Mi vida es un encanto de Imperio Reina, en el que canta su vida a través de distintos estilos musicales.

El 20 de julio las famosas Las Fellini muestran Dos señoras asmáticas e hipertensas, un análisis humorístico acerca del paso del tiempo. El 21 julio se pone en escena Estrógenos 1: A las puertas… de Punka Paka, un viaje íntimo y personal sobre el acto de reconocerse en la madurez. El 25 de julio Marcus Massalami & Bestiah proponen Ilegal Late Show, una sátira sobre estos programas nocturnos con divertidas secciones, performances drag inéditas, momentos de improvisación y una competición de talento drag.

Los días 26 y 27 de julio, Yogurinha Borova, Glenda Galore y Agnes La Sucia crean Señoras en la sombra. ¿Quién manda ahí?, una función de variedades con canciones, sombras chinescas, cabaret y guiñol. Finalmente, el 28 de julio se cierra el festival con Santa Parola de Pink Chadora & Ángelo Néstore, una pieza multidisciplinar que integra la poesía, el drag, la moda, la música y el videoarte para examinar las dinámicas de poder desde una perspectiva queer y un espacio trans.

Personalmente, me parece un festival anual maravilloso porque, por lo general, las drags tienden a solamente poder actuar en garitos gays. ¡Ya es hora de que se les abran otras puertas...!

Lo podremos ver, del 11, al 18 de este mes, en DT Espacio Escénico.

https://www.youtube.com/watch?v=ZdEqHAjCYKo

Programación:

• 11 de julio - Encoredalida de Angelita La Perversa

• 12 de julio - Vedettismos de Tavi Gallart y Victoria Montenegro

• 13 de julio - Tamarola de Bimba Farelo

• 14 de julio - La Telenovela de Casa Drag Latina

• 18 de julio - Mi primera comunión de Carvento

• 19 de julio - Mi vida es un encanto de Imperio Reina

• 20 de julio - Dos señoras asmáticas e hipertensas de Las Fellini

• 21 de julio - Estrógenos 1: A las puertas… de Punka Paka

• 25 de julio - Ilegal Late Show de Marcus Massalami & Bestiah

• 26 y 27 de julio - Señoras en la sombra. ¿Quién manda ahí? de Yogurinha Borova, Glenda Galore y Agnes La Sucia

• 28 de julio - Santa Parola de Pink Chadora & Ángelo Néstore

 

Othelo, al revés

Cuatro actores, especialistas en el teatro físico, el clown y el burlesco, interpretan la famosa tragedia Othelo, de William Shakespeare. En breve, en el Teatro Español.

El Teatro Español en breve ofrecerá Othelo (termina mal), una adaptación de Gabriel Chamé Buendia sobre la universalmente archi-conocida tragedia de William Shakespeare, dirigida también por él. En escena, cuatro actores especialistas en el teatro físico, el clown y el burlesco, Matías Bassi, Elvira Gómez, Agustín Soler y Nicolás Gentile interpretan esta obra teatral donde lo cómico es trágico y de tan trágico, resulta cómico...

Respetando el texto de Othelo, su poesía y tensión dramática, Chamé Buendia ahonda en las intenciones de los personajes a través del gag cómico, generando una ironía siniestra en la tragedia.

Shakespeare nos muestra lo que somos capaces de hacer por odio y celos. Y Gabriel Chamé Buendia nos presenta esta apuesta totalmente despojada de realismo cotidiano, donde el juego físico y el verso blanco del maestro inglés se enfrentan y se complementa en un lenguaje lúdico, hilarante y absurdo.

Una investigación, sin solemnidad, de la relación entre lo trágico y lo cómico, como claves del teatro clásico y contemporáneo. Othelo es un espejismo maléfico en el que acercándonos, no vemos más que arena. O nuestra propia tragicomedia...

Una obra actual que trata sobre cuestiones actuales e intemporales: el amor, la lealtad, el racismo, la ambición, la violencia doméstica, la envidia, los celos, la frialdad científica y/o la creencia sanguínea.

El mundo, al revés, igual que esta curiosa versión del clásico shakespeariano.

¡Cuidado!: A veces, los directores quieren ser tan protagonistas, que cambian el texto original, haciendo que pierda su verdadera esencia...

La podremos ver, del 12, al 28 de este mes, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=-UC50DdMYwg