Gran homenaje a Miguel Hernández

Okapi Producciones Teatrales presenta Para la libertad, una obra que rinde homenajea al poeta y dramaturgo Miguel Hernández utilizando la música de Joan Manuel Serrat. La podemos ver en el Teatro Marquina.

Para la libertad es una obra que rinde homenaje al poeta y dramaturgo Miguel Hernández (El rayo que no cesa, Los hijos de la piedra), utilizando la música de Joan Manuel Serrat, quien también ha mostrado su apoyo y asesoría al equipo.

Esta producción está protagonizada por Daniel Ibáñez, Eva Rubio y Pablo Sevilla y la música de Serrat sirve como hilo conductor para narrar la vida del conocido poeta comunista. Serrat, admirador confeso del poeta, musicalizó algunos de sus poemas más célebres en su disco Miguel Hernández, publicado en 1972, como Las nanas de la cebolla, La elegía a Ramón Sijé, Llegó con tres heridas o El niño yuntero.

Las canciones de este álbum, que forman parte de la memoria colectiva de España e Hispanoamérica, son interpretadas en directo creando una atmósfera emotiva y poderosa. Y es que no es solo una pieza de teatro, sino un espectáculo multidisciplinar que transporta al público a la época de Miguel Hernández dando a conocer la vida y obra de este insigne autor valenciano, uno de los grandes poetas españoles del siglo XX, al tiempo que se disfruta de la belleza musical de Joan Manuel Serrat.

Miguel Hernández (Orihuela, 1910 - Alicante, 1942) fue uno de los poetas más importantes de la Generación del 36. Era marcadamente republicano y su obra, marcada por la Guerra Civil y su posterior encarcelamiento, está impregnada de compromiso social y lucha por la libertad, desde una ideología profundamente progresista.

Tanto para los de izquierdas, como para los de derechas porque la cultura no tiene color...

La podemos ver, en el Teatro Marquina, hasta el 28 de julio.

https://www.youtube.com/watch?v=i9G9Z2dArS4

Homenaje a una madre

El dramaturgo Édouard Louis, rememora y reivindica la figura de su madre, con esta obra íntima y reparadora totalmente maternal: Lucha y metamorfosis de una mujer. La podemos ver en el Teatro Español.

El Teatro Español presenta la obra Lucha y metamorfosis de una mujer, del dramaturgo Édouard Louis, adaptada por Danele Sarriugarte y dirigida por Fernando Bernués. La pieza está interpretada por Eneko Sagardoy, ganador del Premio Goya al Mejor actor revelación en 2016, que encarna al propio Édouard Louis. Apoyando su monólogo se encuentra la veterana y multifacética Eva Trancón, que encarna a la madre del autor. La obra podrá verse del 20 de junio al 7 de julio, con funciones de martes a domingos.

La obra muestra la metamorfosis de una mujer destruida por la sociedad patriarcal, la familia e incluso su hijo, antes de celebrar ambos su reencuentro y que Édouard Louis devuelva públicamente la dignidad arrebatada a su madre.

En la obra original, a partir del encuentro fortuito de un autorretrato de juventud de su madre, el autor rememora la figura de esa mujer apartada de todo, sojuzgada e incluso humillada por la violencia masculina. Una mujer que, a los cuarenta y cinco años, se rebela, huye y, poco a poco, construye su libertad.

Esta nueva apuesta teatral va más allá del retrato fotográfico y por eso, el propio Édouard Louis invita a su madre a compartir escena, en todo momento, con él. Ella será una presencia silenciosa, salvo por breves y puntuales intervenciones verbales, que se verá reforzada por la proyección, a dos bandas, de un primer plano de ella transitando, “in situ”, por los recovecos emocionales de este valiente texto, sin condescendencia alguna, que explora la honestidad autocrítica al máximo.

En un íntimo y reducido espacio escénico, una tarima ligeramente elevada, larga y estrecha, de 2m x 10m, la presencia de la madre será una permanente evocación para el intérprete.

La podemos ver, hasta el 7 de julio, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=AvL71I5aCl8

¡Madre, el lío padre con Josema Yuste!

El mega-popular actor cómico Josema Yuste (ex miembro de Martes y Trece) dirige y protagoniza la divertida comedia Que Dios nos pille confesados, escrita por Alberto Papa-Fragomén y Rodrigo Sopeña. El Teatro Muñoz Seca nos la regala (metafóricamente hablando).

El Teatro Muñoz Seca representa, de miércoles, a domingos,, la nueva temporada de esta comedia interpretada y dirigida por Josema Yuste: Que Dios nos pille confesados. Una obra llena de enredos, estafas, tentaciones, pecados, sospechas, policías y ladrones, y en la cual tampoco podía faltar el amor. Junto a Yuste completan el reparto unos actores de lujo: Javier Losán, Santiago Urrialde y Esther del Prado.

Temática: Un robo, una marquesa, un cura, un policía y un fontanero son los protagonistas de esta entretenida y original obra escrita por Alberto Papa-Fragomén y Rodrigo Sopeña. Josema interpreta en esta ocasión al padre Beltrán, un avispado cura al que no se le escapa ni una. Pero además de formar parte del reparto también se hace cargo de la dirección de la obra teatral.

Sobre el escenario, le acompañan Esther del Prado que da vida a la marquesa Pilar, quien recibe la visita del Padre Beltrán en su casa. Allí la marquesa tiene un valioso cuadro del siglo XVII, que un inspector, encarnado por Santiago Urrialde, protege. El policía descarta que con todas las medidas de seguridad que rodean al cuadro haya algún ladrón que pueda llevárselo.

Sin embargo, el sacerdote encuentra muy sospechoso al fontanero, interpretado por Javier Losán y piensa que puede estar planeando un robo. Y no se equivoca, porque, aunque se trata de uno de los planes de robo más chapuceros de la historia, el fontanero quiere hacerse con el cuadro.

Como consecuencia: sospechas, tentaciones y robos. ¡Madre, el el lío padre..!

La podremos ver, desde el 27 de septiembre, hasta el 27 de octubre, en el Teatro Muñoz Seca.

https://www.youtube.com/watch?v=Zi-GysNiLF8

Anabel Alonso-Celestina

La archi-popular actriz Anabel Alonso protagoniza una adaptación de la tragicomedia La Celestina, de Fernando de Rojas. Es uno de los textos más importantes en idioma español de todos los tiempos. En el Teatro Reina Victoria. Aviso: Quedan pocos días para que echen el cartel...

La mega-popular actriz Anabel Alonso, conocida por sus papeles en las series 7 vidas o Amar es para siempre, protagoniza una adaptación de la clásica tragicomedia La Celestina, de Fernando de Rojas.

La obra ha sido versionada por el prestigioso dramaturgo Eduardo Galán (Blablacoche, La curva de la felicidad o Mercado de amores) y está dirigida por Antonio C. Guijosa (Solo un metro de distancia, Tito Andrónico o Las cartas de Cristián). Junto con Anabel Alonso también se suben a las tablas los intérpretes José Saiz, Víctor Sainz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos y David Huertas.

La función comienza con Celestina narrando tal y como sucedieron los hechos a Pleberio, padre de Melibea. Así, le cuenta cómo Calisto, un joven de la nobleza, entra sin darse cuenta en el jardín de Melibea y se enamora perdidamente de ella nada más verla. Pero ante su rechazo, Calisto contrata los servicios de una vieja alcahueta, Celestina, para que le ayude a conquistar a su amada. Pero Celestina se alía con los criados de Calisto para explotar su pasión y repartirse las recompensas que este les proporciona.

Sin embargo, todo se complica por las traiciones de unos y de otros hasta que en su último encuentro, Calixto salta la tapia del huerto de Melibea para socorrer a uno de sus criados, pero cae y muere, lo que lleva al suicidio a Melibea. Un relato que va desentrañando las miserias, las vilezas y las ruindades del ser humano en pos de colmar su avaricia y sus ansias de poder.

Decir que la Alonso es que que ni pintada en uno de los papeles de su vida, me consta. Es una Celestina no vieja, vieja, pero sí “zorra, zorra”, en el sentido de que se las sabe todas para conseguir poder y dinero.

En cuanto a la adaptación del texto original -que lo conozco bastante bien, como el resto de clásicos nacionales-, puedo asegurar de que es muy buena y acorde con los tiempos que corren.

La interpretación del resto de los actores, buena, aunque la actriz que interpreta a Melibea (Claudia Taboada) está sobreactuada: Debería atar más los machos.

Y, finalmente, comentar que la dirección, impecable, pero... (siempre, hay un pero)la escenografía no me gustó nada: excesivamente moderna. Los decorados son un elemento más de la obra para integrar al espectador en ella y a mí, esas cosas y verjas metálicas me sacaron, más que introdujeron en la acción. ¡Qué le vamos a hacer...!

Pero, bajo ningún concepto, os la perdáis...Es muy divertida e instructiva.

La podemos ver, hasta el próximo domingo, 16 de este mes, en el histórico Teatro Reina Victoria.

https://www.youtube.com/watch?v=l0-Yp0e8ix4

Autor - Fernando de Rojas

• Adaptación - Eduardo Galán

• Dirección - Antonio C. Guijosa

• Diseño de vestuario y diseño de escenografía - Mónica Teijeiro

• Diseño de iluminación - José Manuel Guerra

• Música original y espacio sonoro - Manuel Solís

• Producción ejecutiva - Secuencia 3

• Dirección de producción - Luis Galán

• Coordinación técnica - Luis García Sánchez

• Coordinación de construcción - Luis Bariego

• Comunicación y producción - Beatriz Tovar

• Ayudante de producción y comunicación - Borja Galán

• Reparto - Anabel Alonso, José Saiz, Víctor Sainz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos y David Huertas

 

El mejor payaso

La compañía La Petita Malumaluga presenta Marcelina, una obra de teatro familiar que ofrece un recorrido por la vida de Marcelino Orbés, el mejor pasaso espeñol-estadounidense de primera mitad del siglo XX. La podemos ver en Naves del Español.

Marcelina es una obra dirigida por Eva Vilamitjana y Albert Vilà. Eva Vilamitjana es la tataranieta de Marceline Orbés, uno de los clowns más famosos de principios del siglo pasado, que llenaba grandes teatros de todo el mundo, pero que sin embargo con la llegada del cine cayó en el olvido. Con esta obra Eva quiere hacer un homenaje a las artes escénicas y a la figura de sus tatarabuelo.

Desde el movimiento, la música en directo y la tecnología aplicada a la escena, ofrece un recorrido por la vida de Marceline Orbés, un catálogo de números históricos de clown y una reflexión estética sobre el hecho artístico en esta sociedad y en la de los inicios del siglo XX.

Marceline nació en Aragón en el año 1873 y estableció las líneas del lenguaje del payaso moderno en Londres. Fue el payaso más popular, aplaudido y admirado de la primera década del siglo veinte. Divertido y original, sus gags deleitaron a espectadores de París, Londres, México y Nueva York.

Fue, sin ninguna duda, uno de los protagonistas esenciales de las artes escénicas de su tiempo y creador de nuevos formatos teatrales. Maestro de Charles Chaplin y referente de Buster Keaton. Llenaba dos funciones diarias en el Hipódromo de Nueva York, el teatro más grande del mundo, donde era la estrella principal.

Unos años más tarde, con la aparición del cine, los teatros dejaron de ser los templos del entretenimiento. Algunos, como Charles Chaplin, supieron adaptarse a los nuevos tiempos; otros, como Marceline, tuvieron un final trágico y cayeron en el olvido más absoluto.

Su tataranieta desde que tiene consciencia ha querido subirse a los escenarios. Nunca nadie le había hablado de Marceline, hasta que su abuela, en los últimos años de su vida, le explicó esos orígenes y los motivos por los que sus padres siempre quisieron hacerla desistir de una carrera artística.

Se anuncia como un espectáculo familiar, pero yo, sin embargo, diría que es para todos los públicos porque es cultura del mundo del espectáculo.La podemos ver, en Naves del Español, desde hoy, hasta el próximo día 15 del presente.

 Influencia del amor en el baile

El bailaor granadino, Premio Nacional de Danza 2017 y ganador de varios Max, estrena su nuevo espectáculo de danza, Muerta de Amor: Manuel Liñan, en los Teatros del Canal.

Los Teatros del Canal presentan el estreno absoluto del nuevo espectáculo de danza del bailaor granadino Manuel Liñán, Premio Nacional de Danza 2017 y ganador de varios premios Max: “Muerta de Amor: Manuel Liñan”. Esta coreografía es mostrada por el bailarín y coreógrafo como un archivo de los amores que han alterado su cuerpo, impulsando su baile hacia nuevas direcciones.

Manuel Liñán es un bailaor y coreógrafo nacido en Granada, en 1980, que ha formado parte de compañías como las de Carmen Cortés, Rafaela Carrasco, Merche Esmeralda y Manolete. Ya siendo muy joven alcanzó la final de la Bienal de Sevilla de 1998 y obtuvo el premio de coreografía y el de bailarín sobresaliente en la 13ª edición del Certamen de Danza Española y Flamenco.

En 2012, creó junto con Daniel Doña el grupo Proyecto GR, el cual se estrenó, ese mismo año, en la Bienal de Flamenco de Sevilla con el espectáculo <<REW. Al año siguiente consiguió el Premio Max de las Artes Escénicas al Mejor intérprete de danza y el Premio de la Crítica Nacional “Flamenco Hoy” como Mejor bailaor. Entre sus grandes trabajos destaca la coreografía que diseñó para Sorolla del Ballet Nacional de España; su obra Sinergia; la pieza Duende, junto con La Moneta, para el ciclo Lorca y Granada; y Reversible, donde ha ofrecido un prestigioso flamenco mezclado con baile moderno.

Finalmente, y en 2017, recibió el máximo galardón nacional para los bailarines y coreógrafos, el Premio Nacional de Danza.

¡Pura raza..!

Lo podremos ver, los días 13 y 14 de este mes, en los Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=aV8GniSa5Yo

Mujeres reivindicativas

Las actrices Julia Moyano y Rocío Hoces presentan un acto ecléctico que reúne historias de vidas secuestradas y maltrechas de mujeres. ¿El título..? “Órgia”, en el Teatro de la Abadía.

Teatro de la Abadía nos ofrece una obra de la compañía sevillana La Rara, compuesta por Rocío Hoces y Julia Moyano, autoras y directoras de la obra, en la que también participan como actrices. Este montaje, que combina tres líneas temporales: el presente que cuenta el pasado, el pasado y el presente que compone el futuro.

Combinando diferentes lenguajes escénicos y trabajando con la técnica Verbatim (una forma literal de teatro documental), apoyada en la experiencia de Lucía Miranda, directora de Cross Border, la compañía La Rara nos presenta esta obra teatral que ha recibido una Mención Especial del Jurado de la Feria del Teatro de Palma del Río, en 2023.

El proyecto nació, en su día, de un período de investigación artística y documental apoyado por el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla, bajo el programa Banco de Proyectos en el que se trabaja sobre la salud mental con perspectiva de género. En ese período, al compañía realiza una serie de entrevistas a las trabajadoras que cerraron el manicomio de Miraflores de Sevilla, en los años ochenta.

Órgia, ganadora del Premio Lorca 2024 a Mejor Espectáculo Revelación de la Academia de las Artes de Andalucía, es un espectáculo ecléctico que reúne historias de vidas secuestradas y maltrechas de mujeres que ya no lo pueden contar, relatos íntimos de quiénes lo vivieron y quieren contarlo y una grupo de voces de mujeres ávidas de ser cuerpo, uno solo, y hacerlo saltar.

En la antigua Grecia, la palabra órgia refería a actos colectivos, ceremoniales, donde una verdad espiritual iba a ser revelada. De ahí, le viene el título a esta reivindicativa obra...

La podemos ver, los días 15 y 16 de este mes, en el Teatro de La Abadía. 

https://www.youtube.com/watch?v=Ods4HDFtb0U