La Danza, en Madrid

El festival IV Danza en la Villa tiene a la danza como principal protagonista, en el que, desde hace cuatro años, coreógrafos y bailarines de primer nivel  toman el escenario del Teatro Fernán Gómez.

El Teatro Fernán Gómez-Centro Cultural de la Villa recupera, un año más, el festival Danza en la Villa. De este modo, disfrutaremos de una amplia programación con la danza como absoluta protagonista, además del flamenco, el teatro, el circo y otros estilos donde no faltará la presencia de coreógrafos y bailarines de primer nivel.

La programación reúne varias representaciones, a cargo de compañías de primer nivel en las disciplinas de danza contemporánea, flamenco, danza-teatro, danzas urbanas, tradicionales, neoclásicas, entre otras.

Dentro de la cuarta edición, el bailaor Eduardo Guerrero protagoniza Jondo. Del primer llanto, del primer beso, un espectáculo de flamenco que explora el desamor a través de cinco personajes literarios de Federico García Lorca. La obra cuenta con la dirección del coreógrafo Sharon Fridman y la participación del cantaor Manu Soto, la cantaora Ana Salazar y el guitarrista Pino Losada.

Por su parte, LaMov Ballet pone en escena Tempus Fugit, un nuevo montaje que se suma a la quincena de espectáculos de la compañía. Cuenta con dirección y coreografía de Víctor Jiménez, y supone un viaje frenético y apasionante que representa el paso de la vida y lo que dejamos en ella a nuestro paso. La coreógrafa y directora artística Maria Rovira junto con Crea Dance Company traen al ciclo Odissea, un espectáculo de danza contemporánea para ocho bailarines fruto de la coproducción entre el Mercat de les Flors y Los Teatros del Canal que se estrena en octubre del 2022.

Lo podemos ver, del 19, al 30 de junio, en el Teatro Fernán Gómez. 

Programación:

• 19 junio, 20:00 h - Jondo. Del primer llanto, del primer beso - Cia. Eduardo Guerrero / - Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Guirau

• 21 y 22 junio, 20:00 h / 23 junio, 19:00 h - Tempus Fugit - La Mov Ballet - Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Guirau

• 26 junio, 20:30 h - Con vos y conmigo sea. Libro II - manuela barrero dlcAos - Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Jardiel Poncela

• 27 junio, 20:00 h - Tantas flores: Losdedae Dance Company - Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Guirau

• 28 y 29 junio, 20:30 h - Mother Tongue: Ogmia / Eduardo Vallejo - Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Jardiel Poncela

• 29 junio, 20:00 h - Odissea: María Rovira & Crea Dance Company - Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Guirau

• 30 junio, 19:30 h - Veredicta: Irene Morales - Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Jardiel Poncela

¡Existencialismo en estado puro!

El dramaturgo británico Dan Jemmett, cofundador, en los años 90, del colectivo teatral londinense Primitive Science, ha escrito y dirige Los gatos mueren como las personas. Para este proyecto ha contado con un reparto compuesto, entre otros, por Clemente García, Violeta Linde, Luís Moreno, Julia Piera, Nico Romero e Irene Serrano, esta pieza teatral puede verse en el gran Teatro Valle-Inclán.

Esta obra es un homenaje al trabajo de dos de los artistas más sorprendentemente originales del siglo XX: El dramaturgo alemán Heiner Müller y el cineasta alemán Rainer Werner Fassbinder. El trabajo de ambos corrobora de muchas maneras la devastación y el caos de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Ambos escribieron obras e hicieron películas en las que se dirigían a la dañada psique humana después de que la persecución, la destrucción y la locura hubieran terminado.

Y ambos expresaron una crítica radical de los sistemas de poder, tanto a nivel personal como institucional. En Quartet (Cuarteto), la obra de Heiner Müller de 1980, un hombre y una mujer se enfrentan en un juego de roles sexuales cada vez más teatral. Por su parte, en la película de 1971 Warnung vor einer heiligen Nutte (Atención a esa prostituta tan querida) de Rainer Werner Fassbinder, los actores y el equipo de una película esperan en un hotel español a que llegue el dinero que les permita seguir rodando

Violencia, sociopatía, manipulación, control, imperialismo, corrupción, delincuencia sexual… son algunos de los temas centrales de estos dos trabajos artísticos. Ahora el dramaturgo y director Dan Jemmett, utiliza motivos de Quartet y Warnung vor einer heiligen Nutte para crear una obra nueva pero igual de reivindicativa, Los gatos mueren como las personas.

En ella, cuatro intérpretes esperan sentados en el vestíbulo de un teatro al director de la obra en la que están en ese momento trabajando para continuar con los ensayos. La obra es Quartet. En ese ambigú también está presente el escritor, Heiner Müller, y una persona que atiende el bar.

Según se van deteriorando las relaciones humanas dentro de este grupo de gente en un juego sociosexual, el director aparece de vez en cuando para despotricar contra las condiciones de trabajo en el teatro y la imposibilidad de materializar su visión de la obra.

La obra de 1980 Quartet (Cuarteto) de Heiner Müller y la película de 1971 Warnung vor einer heiligen Nutte (Atención a esa prostituta tan querida) de Rainer Werner Fassbinder expresan una crítica radical de los sistemas de poder, tanto a nivel personal como institucional. Violencia, sociopatía, manipulación, control, imperialismo, corrupción, delincuencia sexual… son algunos de los temas centrales de estos dos trabajos artísticos.

A quienes deseéis ir a verla deciros que os váis a encontrar con escenas cuya acción se desarrolla tan lentamente, que, en no pocas ocasiones, resultan desquiciantes para esta sociedad en que la vivimos aceleradamente y lo queremos todo aquí y ahora. Por eso, tenemos que, desde el principio, darle un voto de confianza y dejarnos guiar por lo que nos cuenta, que no es nada feliz, pero sí muy real. El ser humano es así, tal y como vemos a los personajes en escena, cuyos actores, dicho sea de paso, están que se salen.

Original y rompedora!

La podemos ver, hasta el 23 de junio, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=ZGovTGf4L8o

¡Vuelven Los payasos de la tele!

Había una vez, mi familia es una nueva producción teatral del conocido payaso y productor televisivo y teatral Emilio Aragón que rinde homenaje al mítico programa de los años setenta Los payasos de la tele y al género del clown, en general. La podemos ver en el Nuevo Teatro Alcalá.

Los actores-productores Emilio, Mónica y Gaby Aragón producen un espectáculo que rinde homenaje a Los payasos de la tele y al género del clown. Un montaje que emocionará a pequeños y mayores por igual y que supone una oportunidad para revivir la magia de la infancia. Una obra que podrá verse en el Nuevo Teatro Alcalá del 23 de mayo al 16 de junio, con funciones de jueves a domingos.

Escrita y dirigida por Este Ferrer, su historia gira en torno a la abuela Eva, quien en su cumpleaños se ve envuelta en un viaje mágico a través de su propia infancia. Y es que mediante una caja que cobra vida, Eva revive momentos entrañables junto con sus seres queridos, recordando la alegría y la inocencia de la niñez. En esta experiencia, la abuela Eva se reencuentra con Gaby, Fofó y Miliki, los icónicos payasos de la televisión que marcaron la vida de generaciones enteras. Junto con ellos, y un grupo de alocados payasos, Eva se embarca en una aventura llena de risas, música y emociones.

Esta producción no solo es un tributo a los conocidos como Los payasos de la tele, sino que también es una reflexión sobre la importancia de la familia y la capacidad de la risa para unir a las personas. Un homenaje a una época que marcó la infancia de una generación de niños y niñas que se criaron en las décadas de los 70 y 80.

Durante el espectáculo, se recorren todos los subgéneros y técnicas características del mundo del clown, como la gestual, la textual, la parodia, lo circense y la técnica, y en todos sus formatos, como la entrada clásica completa, los números musicales, el humor textual, la poética visual, el simbolismo o la magia. Además, Mónica Aragón y Gaby Aragón representan a diferentes personajes.

La podemos ver, en el Nuevo Teatro Alcalá, hasta el próximo día 16 del presente.

https://www.youtube.com/watch?v=DQolJGPtZQo

Grison y Vaquero, juntos

El show de Grison y Vaquero es un espectáculo en el que ambos humoristas se unen, por vez primera, sobre el escenario, para ofrecer un show único e irrepetible. En el Teatro La Latina les podremos, en breve, ver resplandecientes.

Los populares humoristas Grison y Vaquero se unen, por primera vez, sobre el escenario, para ofrecer un show especial e irrepetible: El show de Grison y Vaquero. Un espectáculo que podrá verse en dos fechas únicas los días 9 de junio en el Teatro La Latina.

Nacido en Valladolid en 1973, Juan José Vaquero, conocido artísticamente como J.J. Vaquero, es uno de los humoristas emergentes más exitosos del país. Mientras trataba de ganarse la vida como podía, en 2002 unos amigos le inscribieron en un concurso de monólogos, donde conoció a otros cómicos como Nacho García, Quique Matilla y Álex Clavero.

Vio que tenía madera para eso de hacer reír y siguió su camino realizando algunos bolos en locales hasta que dio sus primeros pasos profesionales en Paramount Comedy, donde grabó siete monólogos para Central de Cómicos, algunos tan populares como Centros comerciales, Estúpidos y puteros o El mundo está cambiando.

Después dio el salto a programas como El hormiguero de Pablo Motos, YuNoTePierdasNada de los 40 Principales y Lo mejor que te puede pasar de Melodía FM. Sobre las tablas se le ha visto en espectáculos como En Bruto, junto con Iñaki Urrutia, Monólogos y locuras, a dúo con Nacho García, Vaquero & Clavero, junto con Alex Clavero y Humor de protección oficial.

Por su parte, Marcos Martínez, más conocido por el nombre artístico de Grison, ha sido desde maestro de ceremonias de Mayumana y Campeón mundial de beatbox con loopstation. Actualmente combina sus tareas de beatboxer y guitarrista con la participación en el programa de televisión La Resistencia presentado por David Broncano.

¡Jope, no me los pierdo! ¿Y tú..?

Lo podremos ver, el próximo día 9 de este mes, en el Teatro La Latina. 

¿Qué nos hace felices?

El fin es una comedia del dramaturgo Paco Gámez sobre el fin del mundo con un reparto encabezado por la popular y solvente Toni Acosta, que hace reflexionar sobre los nos haría realmente felices. ¡Madre mía...! La pone el Teatro Español.

El Teatro Español por fin, ofrece El fin, esta obra de Paco Gámez, ganador del II Certamen Internacional de Comedia del Teatro Español, que construye una comedia apocalíptica protagonizada por una mujer. Un disparatado artificio que entronca con la comedia clásica de Aristófanes, la española de Mihura o Poncela, o la americana de Allen, pero que apela directamente al espectador y le lleva a plantearse interesantes preguntas. Con un reparto liderado por la actriz Toni Acosta, el montaje podrá verse del 6 de junio al 7 de julio, con funciones de martes a domingos.

Lina Martínez es una mujer de mediana edad, profesora de secundaria, que nada más empezar la función se entera por la presidenta del Gobierno que tiene 10 horas para despedirse de este mundo y realizar sus últimos deseos. Deseos que han estado siempre ahí y que durante casi toda una vida no ha tenido tiempo de realizarlos.

Un momento… ¿Cuarenta y tantos años y no le ha dado tiempo para pensar en sus deseos? ¿Para anteponerlos a todo lo demás? Perdón, pero… una pregunta... ¿Qué sentido tiene dedicar nuestra vida a otras tareas antes que a nuestros sueños, nuestras necesidades o nuestros deseos?

¿Qué estamos haciendo con nuestra vida? ¿Qué estamos haciendo con el planeta? ¿A qué nos dedicamos? ¿Qué nos preocupa? ¿Cuál es nuestra lucha? Igual es el momento de apagar el móvil, cerrar el ordenador, dejar de auto-explotarnos y tomarnos un segundo, o un minuto, o una hora, o lo que nos quede de vida para mirar a nuestro interior y pensar en lo que realmente nos haría felices. ¡Ostras, tan sencillo que parece y tan difícil que lo hacemos...como casi todo lo que tocamos! Hija, es que somos lo peor, ¿no..?

La podemos ver, hasta el 7 de julio, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=dp0cnQZkDAw

Las catástrofes naturales con humor trágico

Polar es el estreno absoluto de esta comedia trágica del actor y dramaturgo Rulo Pardo (fundador de la popular compañía cómica seXpeare) que narra tres historias cómicas unidas por un accidente ecológico. La podeos reír en los Teatros del Canal.

Los Teatros del Canal ofrecen la comedia loca Polar, escrita y dirigida por Rulo Pardo, actor, director, fundador de la compañía teatral seXpeare y todo un referente en el panorama teatral español. Por su parte, Cristina Gallego, Natalia Hernández, Secun de la Rosa y Chema Adeva son los encargados de interpretar a unos personajes que se ven unidos por un desastre ecológico. La obra podrá verse del 6 al 19 de junio, con funciones de martes a domingos.

Hace tiempo que Rulo Pardo lleva abordando en sus piezas teatrales el tema del cambio climático. En esta ocasión el hecho de que una Osa Polar destroce una comedia es la denuncia perfecta sobre estos cambios. Se trata de un animal tan bello y hermoso como fiero y temible. Lo mismo ocurre con esta pieza teatral que surge de atender a manifestaciones naturales cada vez más frecuentes en nuestros días. Porque las ciudades y superficies de tierra dominadas por la especie humana nunca están preparadas para escuchar la voz de la Tierra cuando ésta ruge. Bien sea en forma de tsunamis, arrasando poblaciones, deshielo, inundaciones, terremotos, incendios, nunca estamos preparados para esos desastres naturales.

En una de esas últimas manifestaciones naturales llamada Filomena, que provocó, en 2021, una gran nevada en Madrid, Rulo Pardo pudo comprobar cómo una ciudad grande y segura se convertía en algo tremendamente vulnerable ante la nieve y se volvía débil e inestable.

En este sentido, nos encontramos frente a una comedia trágica que nos recuerda que, aunque la huella humana está en todo el planeta, la Tierra no nos pertenece y el hambre no atiende a fronteras, solo atiende al olor de la carne y las presas que hay dentro de los muros.

¿Reflexionaremos al respecto? ¿Tomarán los gobernantes medidas sobre el asunto..? Me temo que no, visto lo hasta ahora visto. ¿Se producirá una catástrofe natural..? Me temo que sí...

La podemos ver, en los Teatros del Canal, del 6, al 19 de junio.

https://www.youtube.com/watch?v=V257XxLwalw

 Una Medea barroca y operística

Medea de las óperas barrocas francesas más atractivas y se representa, por segunda vez, esta temporada, desde la visión del director  Marc-Antoine Charpentier. Teatro Real. 

El Teatro Real ofrece la representación de Medea en versión semiescenificada con música de Marc-Antoine Charpentier. Esta supone la segunda versión de la temporada de esta ópera después de que el teatro acogiera la inaugural de Luigi Cherubini. Dos versiones del mito griego creadas con casi un siglo de diferencia, empleando distintos lenguajes y enfoques, que ahora llega de la mano de William Christie como director musical y con Marie Lambert-Le Bihan a cargo de la dirección de escena.

Esta nueva versión cuenta con un reparto liderado por la cantante de ópera francesa Veronique Gens, que el año pasado protagonizó Medea en el Teatro de los Campos Elíseos y en la grabación producida por Alpha Classics y Le Concert Spirituel, y ahora regresa con uno de sus grandes personajes del repertorio barroco francés. Estará secundada por Reinoud van Mechelen (Jason), Cyril Costanzo (Créon), Ana Vieira Leite (Créuse), Marc Mauillon (Oronte), Emmanuelle de Negri (Nérine), Élodie Fonnard (Cléone), Lisandro Abadie (Arcas) y Lucía Martín-Cartón (El Amor), en los principales papeles.

Medea, estrenada en 1693, en la Ópera de París, es la única tragedia lírica de Marc-Antoine Charpentier. Fue todo un éxito comercial y de crítica que tan solo duró unos meses, tras los que después estuvo cerca de trescientos años sin apenas subirse a otro escenario. Una característica común a toda las Medeas operísticas es que la protagonista debe tener un enorme calibre vocal y teatral. La Medea que presenta en esta ocasión Marc-Antoine Charpentier no la excepción, y el momento cumbre sucede a mitad de la ópera, cuando, emulando a su antecesora, Armide, invoca las furias del inframundo para que la secunden en su terrible venganza.

La versión de Medea que podrá verse en el Teatro Real llega a través de los mejores artistas para representarla, puesto que fue el director, musicólogo y clavecinista William Christie quien redescubrió, interpretó y grabó la partitura en 1984, junto a sus fantásticos ensambles instrumental y vocal Les Arts Florissants. 

Dividida en cinco actos, la ópera relata la historia de venganza de la hechicera Medea, tras enterarse de que su marido Jasón le ha sido infiel. Su magia, desesperación y furia causan la muerte de la nueva esposa de Jasón, lo que destroza al marido, pero esto no le parece suficiente a Medea, así que decide matar a sus hijos. Finalmente, Medea huye a Atenas y Jasón se queda solo llorando su gran pérdida y la traición de su esposa.  

La podemos ver en el Teatro Real, del 6, al 10 de junio.

Ficha artística:

• Dirección musical - William Christie

• Dirección de escena - Marie Lambert le Bihan

Reparto:

• Médée - Véronique Gens

• Nerine - Emmanuelle de Negri

• Jason - Reinoud van Mechelen

• Arcas - Lisandro Abadie

• Créon - Cyril Costanzo

• Oronte - Marc Mauillon

• Créuse/Primer fantasma - Ana Vieira Leite

• Cléone - Élodie Fonnard

• El amor/Primer prisionero - Lucía Martín-Cartón

• Primer corintio/demonio - David Tricou

• Un corintio/La envidia - Bastien Rimondi

• Un argio - Matthieu Walendzik

• El italiano/Segundo prisionero - Mariasole Mainini

• Un prisionero del amor - Clément Debieuvre

• Coro de tres prisioneros del amor - Juliette Perret, Julia Wischniewski, David Tricou

• La venganza - Igor Bouin

• Segundo fantasma - Virginie Thomas

• Coro a tres voces - Maud Gnidzaz, Alice Gregorio, Bastien Rimondi

• Orquesta y Coro de Les Arts Florissants

Tragédie mise en musique  (Tragedia en versión musical)con un prólogo y cinco actos

• Música - Marc-Antoine Charpentier (1643-1704)

• Libreto - Thomas Corneille, basado en la tragédie de Pierre Corneille

• Estrenada en la Ópera de París el 4 de diciembre de 1693

• Estreno en el Teatro Real

• En versión de concierto semiescenificada