La importancia de una buena dirección

El director escénico David Selvas dirige una nueva adaptación del hilarante enredo amoroso La importancia de llamarse Ernesto, del inigualable escritor irlandés de la segunda mitad del siglo XIX Oscar Wilde. La protagonizan Silvia Marsó y Pablo Rivero. La podemos reír en el Teatro Pavón.

El director escénico David Selvas dirige a un reparto liderado por Silvia Marsó y Pablo Rivero, entre otros, en una nueva adaptación del famoso y divertido enredo amoroso La importancia de llamarse Ernesto, de Oscar Wilde. Una comedia que se burla de las falsas apariencias, la belleza de lo efímero y la hipocresía de la sociedad.

Fue la última obra que escribió el autor británico y está considerada como uno de sus mejores trabajos. Se estrenó el 14 de febrero de 1895, en el St. James Theatre, de Londres (Reino Unido), tres meses antes de que Wilde fuera condenado a prisión por indecencia grave.

Ahora, regresa bajo una producción conjunta del Teatre Nacional de Catalunya, La Brutal y Bitò Produccions y con la participación de los actores María Pujalte, Pablo Rivero, Paula Malia, Ferran Vilajosana, Paula Jornet, Albert Triola y Gemma Brió  

Su historia se ubica en la Inglaterra de la época victoriana, donde Jack Worthing goza de una vida tranquila y respetable en el campo, ejerciendo como protector de la bella y rica Cecily Cardew. Pero Jack se escapa a Londres y asume la identidad ficticia de Ernesto Worthing, su imaginario hermano, para proponer matrimonio a la prima de su amigo Algy, Gwendolen.

Ignorando su auténtica identidad, Gwendolen acepta la proposición de Jack. No obstante, la madre de Gwendolen, la señora Bracknell, descubre la verdad y le niega su consentimiento para la boda, por lo que Jack se ve ahora obligado a deshacerse de Ernesto.

Mientras tanto, Algy visita a Cecily, de quien está enamorado. Cuando llega, se presenta como Ernesto, descubriendo que Cecily lleva tiempo fantaseando con casarse con el falso hermano de Jack. Pero cuando este último vuelve al campo con la noticia de que su hermano ha fallecido, las cosas empiezan a complicarse…

Hay que decir que lo que básicamente falla en este montaje es la dirección. Con el material de actores que tiene esta producción, una buena dirección hubiese dado con el quid de la cuestión para su éxito. Sin embargo, es difusa y dubitativa y eso hace que el resultado sea bastante mediocre. Sinceramente, solo se salvan Silvia Marsó, por su puesto (siempre, tan estupenda como actriz) y Ferran Vilajosana (el amigo de Ernesto). Los demás actores, raspan el 5 sobre 10. En cuanto a las canciones (que son una buena idea), tampoco están bien interpretadas y, en ocasiones, se nos antojan fuera de lugar y pretenciosas.

Es muy complicado montar obras tan británicas al español. Ya cuesta llevar a cabo una traducción ajustada, con lo que poner en marcha un proyecto teatral al completo con éxito es harto difícil.

I'm so sorry! porque me encanta Wilde...

La podemos ver, hasta el 30 de junio, en el Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=WPgbEb92ocY

FICHA ARTÍSTICA:

Dramaturgia - Oscar Wilde

• Dirección - David Selvas

• Reparto - Silvia Marsó, Pablo Rivero, Paula Malia, Ferran Vilajosana, Paula Jornet, Albert Triola y Gemma Brió

• Traducción -  Cristina Genebat

• Diseño de espacio escénico -  Jose Novoa

• Diseño de iluminación -  Mingo Albir

• Diseño de espacio sonoro -  Lucas Ariel Vallejos

• Diseño de vestuario -  María Armengol

• Caracterización - Paula Ayuso

• Coreografía y Movimiento -  Pere Faura

• Dirección Musical - Pere Jou y Aurora Bauzá (Telemann Rec.)

• Música original - Paula Jornet

• Ayudante de dirección - Sandra Monclús

• Ayudante de vestuario - Raquel Ibort

• Jefe técnico - Arnau Planchart

• Regiduría - Gema Navarro

• Operador de sonido - Roger Ábalos

• Construcción Escenografía - Carles Hernández «Xarli» y Òscar Hernández «Ou»

• Confección de vestuario - Goretti Puente

• Fotografía - Felipe Mena

• Teaser - Mar Orfila | Marc Mampel

• Una producción de Teatre Nacional de Catalunya, La Brutal y Bitò Produccions

La vida del actor Luis Zahera

El reconocido y galardonado actor gallego Luis Zahera repasa su carrera con el monólogo Chungo, basado en sus vivencias personales. Lo podemos ver en el Teatro La Latina.

El reconocido y galardonado actor gallego Luis Zahera se sube al escenario del Teatro La Latina  para ofrecer un repaso por su carrera con en el monólogo cómico Chungo. Un espectáculo basado en sus propias vivencias, tanto familiares, como en el mundo de la farándula.

Nacido en Santiago de Compostela, en 1966, José Luis Castro Zahera, más conocido solo como Luis Zahera, es un intérprete que en 2019 se llevó el Goya al Mejor actor de reparto por su actuación en el filme El reino. Comenzó su carrera actoral en el conjunto Teatro do Aquí y saltó a la fama gracias a su papel de Petróleo en la exitosa serie de TVG, Mareas vivas. Tras ello empezó a aparecer en otras series como Sin tetas no hay paraíso, La familia Mata o Entrevías.

Además, ha participado en múltiples películas como Lobos de Arga, Celda 211, Alatriste o Los lunes al sol. Asimismo, en el teatro se le ha visto en montajes como Tito Andrónico con la compañía Animalario, Estación Mahagony con el Teatro do Noroeste o Nin me abandonarás nunca con el Centro Dramático Galego. Por otra parte, suele colaborar en el programa de humor y entretenimiento de TVG, Land Rober - Tunai Show.

Lo podemos ver, los días 18 y 19 de mayo, en el Teatro La Latina.

https://www.youtube.com/watch?v=9fcaywpmcYI

Un divertimento muy clásico

El regalo de Zeus es una obra de Concha Rodríguez dirigida por Ángeles Vázquez que adentra en un viaje al Olimpo de la mano de actores tan populares como Emma Ozores y Juan Meseguer. La podemos ver en el Teatro Bellas Artes.

El madrileño Teatro Bellas Artes nos ofrece El regalo de Zeus, un espectáculo teatral que propone un viaje al Olimpo, combinando texto, danza, circo e imágenes en 3D para crear una experiencia multidisciplinar. El talentoso elenco incluye a actores como Emma Ozores y Juan Meseguer. La obra es una creación de Concha Rodríguez y está dirigida por Ángeles Vázquez y forma parte de la nueva edición del Festival de Mérida en Madrid.

La obra sigue a dos personajes principales, uno que sueña con conquistar Marte y otro que sueña con encontrar la caja de Pandora, que guarda la piedra filosofal de la esperanza. La Musa de la comedia inspira a la joven y le invita a viajar al Olimpo, él la acompaña a escondidas y seducen al mismísimo Zeus con la ayuda de la IA, que le traerá a la querida memoria recuerdos dolorosos y gloriosos.

El Regalo de Zeus es más que una simple obra de teatro, es una experiencia inmersiva que lleva a los espectadores en un viaje a través de los inicios de la humanidad. No te pierdas la oportunidad de ver esta obra maestra en el Teatro Bellas Artes de Madrid. La producción es una coproducción del Festival de Mérida con las compañías extremeñas Entrearte Al-Badulaque y La Estampa Teatro.

La podemos ver, del 15, al 19 de este mes, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=Rvl-4E7c6oc

La maternidad, en global

Dream es un espectáculo de danza de Natalia Menéndez e Israel Galván, que acerca a la maternidad en toda su complejidad. Lo podremos, en breve, disfrutar en el Teatro Español.

Dream es un espectáculo de Natalia Menéndez, directora escénica, dramaturga y directora artística de este teatro y de las Naves de Matadero hasta hace unos meses, e Israel Galván, experimentado y premiado bailaor y coreógrafo flamenco español. Ambos se unen para presentarnos una coreografía que indaga en la relación materno filial, partiendo de la premisa de que Dream es el anagrama de Madre.

La maternidad, entendida como un proceso biológico que nos equipara al resto de nuestros compañeros animales puede teñirse de connotaciones afectivas tan próximas al amor como al odio. Incluso, a menudo, puede despertar sentimientos que se combinan y alternan, más allá de cualquier racionalidad. Esa confusa y radical mezcla de sensaciones puede asemejarse a un sueño. O quizás a una pesadilla.

A nuestros oídos llegan expresiones propias de madres en forma de canciones susurradas o de sonidos pellizcados que nos llegan a agotar. Materialidad fonética que va más allá del contenido. Nos arrulla la nana que nos estremece y la leche que nos agita. Bailar la voz y romper las aguas. Vienen al mundo apasionadas las distintas percusiones, los pitos y el cuerno que llora persistente como un bebé que queremos acallar.

El escenario es un espacio materno en el que una escenografía sonora trasluce el cuerpo en un ser que se mueve, se mece o patalea dentro de una especie de líquido amniótico. Con este ritual —entre la invocación y el exorcismo—, que en realidad es el más viejo del mundo, se vuelve a escenificar ese pleito infinito en el que la madre es simultáneamente acusada y defendida, abogada y fiscal. El juicio, ya lo sabemos, está perdido. Sólo nos queda salirnos de madre...

Con estas premisas, nonos queda otra que verlo, sí o sí...

La podemos ver, del 17, al 26 de este mes, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=__5HYzGY0HY

La imaginación del circo

La Compañía Rasposo representa la obra circense Oraison, sobre la importancia de la imaginación. La podemos ver, del 16, al 18 de este mes, en el Teatro Circo Price.

La compañía francesa Rasposo representa el espectáculo circense Oraison, que profundiza en la importancia de la imaginación en la vida.

La obra comienza con una trampa para el público, sumergiéndolos en una sensación de empeoramiento del mundo, saturación y desorden mental, lo que los lleva a una oscuridad angustiosa. Sin embargo, a través de una ruptura hipnótica, la experiencia del espectador cambia, entrando en un estado de vértigo donde se encuentran con visiones fugaces de momentos incandescentes o imágenes circenses arcaicas con el fin de explorar la pérdida de conciencia y la alteración de la percepción.

Así, se plantean preguntas sobre qué sucede si dejamos de abrir nuestra imaginación y nos dejamos afectar por el embrutecimiento, sugiriendo una reflexión sobre el poder de la fantasía y la necesidad de mantener una mente abierta y receptiva. Con todo ello se elaboran escenas delicadas e incluso chirriantes con un fervor casi religioso que potencian la intensidad emocional y la carga simbólica de esta producción artística.

Fundada en 1987, la compañía Rasposo se ha convertido en un referente del circo actual por su puesta en valor de las técnicas circenses, la búsqueda de la sensibilidad poética en el espectador y su dirección escénica teatral. Fue dirigida en 15 creaciones por Fanny Molliens, pero en 2012 Marie Molliens asumió plenamente la dirección de la agrupación con Morsure. En 2014 recibió el Prix Arts du Cirque SACD.

Lo podemos ver, del 16, al 18 de este mes, en el Teatro Circo Price.

https://www.youtube.com/watch?v=nOlAsMVUxtU

¡Hablemos del proceso de los ensayos!

Las actrices Elisabet Gelabert e Inma Nieto lideran Lady Anne, una obra creada por actrices que habla del mundo del ensayo y lo ensayado. Ya la podemos ver en el Teatro de La Abadía.

El Teatro de La Abadía representa Lady Anne, una obra escrita y dirigida por Inma Nieto, que pertenece a la segunda promoción de actores de la Abadía. Nieto ha hecho cine y televisión, aunque principalmente donde ha desarrollado su carrera en el teatro, tanto en la dirección como, sobre todo, en la interpretación. Nieto presenta junto a Elisabet Gelabert, otra actriz de las primeras promociones del Centro de Estudios de La Abadía y con la que formó parte del reparto de la producción Entremeses de 1996, esta propuesta escénica, creada por ambas, que se podrá ver del 9 al 19 de mayo, con funciones de martes a domingos.

Tomando a Ricardo III de Shakespeare como generador dramático para hablar de la profesión, el proceso creativo de una actriz y la relación con el director de escena, ambas actrices nos presentan esta obra en la que se mezclan el mundo del ensayo y lo ensayado, y en la que se habla de actrices y directores, de hombres y mujeres, de realidades y ficciones.

En el escenario, una actriz y su director preparan la jornada de ensayo. Una escena escrita por Shakespeare en la que, aún con el cadáver de su esposo de cuerpo presente, Lady Anne es arrastrada por Ricardo en una espiral de seducción donde él tiene todas las armas menos una: el poder de creer en el otro.

Un clásico para ser usado en una obra sobre el proceso creativo escénico.

La podemos ver, hasta el próximo día 19 del presente, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/shorts/zDz6s2ew4yY

¡A vueltas con Edipo!

El director escénico, al tiempo que actor Carlos Martín dirige y protagoniza Edipo rey, una adaptación de la universalmente conocida tragedia griega de Sófocles, una historia universal capaz de seducir y conmover  sobre el hilo umbilical entre hijos y madres. La podemos ver en el Teatro Bellas Artes.

El Teatro Bellas Artes monta la adaptación de la tragedia griega Edipo rey, de Sófocles, una historia universal capaz de seducir y conmover que esta ocasión llega de la mano del dramaturgo Carlos Martín que hace las veces de director y protagonista en el papel de Edipo.

Esta narrativa universal atrae y emociona, presentando una historia en la que nos vemos reflejados en la vulnerabilidad, audacia e ignorancia de los personajes. Invita a reflexionar sobre preguntas fundamentales aún sin respuesta: ¿Tenemos control sobre nuestro destino? ¿Qué o quién influye en nuestras vidas? ¿Son nuestros eventos el resultado de nuestras acciones, el azar o la voluntad divina..?

La trama se desarrolla en una sociedad ancestral y rural con una estructura social sencilla. Ellos gobiernan y el pueblo tiene voz propia, con pastores, mensajeros y adivinos. La música nos transporta a este mundo telúrico de voces, percusión y melodías que emergen de la tierra y las raíces. El escenario es un ágora con gradas, dominada por la entrada principal que conduce al núcleo del poder, de la familia, al misterio.

La podemos ver, hasta el próximo día 12 del presente, en el Teatro Bellas Artes.