Danza contra la marginación

El coreógrafo Chevi Muraday estrena, en la Comunidad de Madrid, el espectáculo Pandataria, sobre la lucha contra la marginación y la discriminación . La podemos ver en Teatros del Canal.

El coreógrafo Chevi Muraday estrena Pandataria, un espectáculo de danza-teatro que supone un símbolo de la lucha contra la marginación y la discriminación.                           

La isla de Pandataria forma parte del archipiélago de las Pontinas, en el mar Tirreno. En la época de la dinastía Julio-Claudia, las mujeres del Imperio Romano que no cumplían con ciertas normas (como las adúlteras, las independientes o las políticas) eran exiliadas a esta isla.

Siglos más tarde, en 1941, durante el régimen de Mussolini, los intelectuales Altiero Spinelli, Ernesto Rossi y Eugenio Colorni fueron enviados a Pandataria por cuestionar el ascenso al poder del dictador. Allí, los tres redactaron el manifiesto Por una Europa libre y unida,  mientras estaban en la isla-prisión.

La narrativa presenta a Pandataria como un territorio asociado con la marginación y el exilio de aquéllos que no se ajustan a los estándares establecidos, ya sea en la antigua Roma o durante el régimen fascista en Italia. Sin embargo, también se muestra como una utopía necesaria, un lugar al que se aspira llegar para eliminar fronteras y demostrar que todos los seres humanos son válidos, independientemente de las pautas sociales o políticas. Un paralelismo entre las patricias romanas y los refugiados del Sur del mundo.

El montaje cuenta con la participación de la famosa actriz Cayetana Guillén Cuervo y el rapero Elio Toffana, además de la actuación del propio Chevi Muraday, La Merce, Basem Nahnouh y Chus Western. Conjuntamente, el espectáculo hace uso de luces estroboscópicas.

Nacido en Madrid, en 1969, Chevi Muraday es un bailarín y coreógrafo galardonado con el Premio Nacional Danza 2006 y ganador en 2015 del Premio Max al Mejor Espectáculo de Danza por En el Desierto. Es el fundador y director de una de las compañías de baile contemporáneo más conocidas de España: Losdedae Danza, creada en 1997. Desde entonces, ha llevado a cabo más de 40 producciones propias, entre ellas De tripas corazón, Light Off, Karga, El cemento crió hierba o Quiero tenerte cerquita.

Al mismo tiempo, es uno de los coreógrafos más importantes de Europa.

La podemos ver, del 14, al 25 del mes, en Teatros del Canal.

https://www.youtube.com/watch?v=Yhot-ctC7Cg

La esencia de Yerma

La compañía vasca Dramática Errante presenta su versión de la clásica obra Yerma, de Federico García Lorca. La podemos ver en el Teatro Fernán Gómez.

La compañía vasca Dramática Errante presenta su adapatación de la clásica obra Yerma, de Federico García Lorca .

Ane Pikaza y María Goiricelaya, las dos creadoras que forman la compañía Dramática Errante, que este proyecto ofrecen una mirada singular y única sobre el universo de la Yerma de Federico García Lorca.

Ella se presenta como una reputada artista bilbaína y su marido, un exitoso hombre de negocios. Su hermana, una mujer atropellada por la vida, y su madre esa persona que nunca la abrazó...Y su ex alguien con quien ser madre fue una posibilidad. Este es el escenario de Ella, nuestra Yerma, donde esta joven mujer fluye como un tequila en Puerto Escondido, como un bhang lassi en Goa, como una cerveza fría en Alexanderplatz.

En este montaje se plantea una Yerma sin una palabra de Lorca, pero contiene las palabras de todas aquellas mujeres que en la actualidad se enfrentan a la imposibilidad de tener descendencia de forma biológica.

La Dramática Errante es el nombre que adoptan Ane Pikaza y María Goiricelaya para nombrar a su sello artístico. Miembros de Kabia Teatro, donde trabajan desde 2007 como actrices e investigadoras, hace tres años dan el salto a la creación de sus propios espectáculos. Estas creadoras vascas apuestan por la creación total de sus piezas, siempre volcadas en aspectos de carácter social. 

En realidad, no es Yerma, sino una interpretación de la obra de Lorca con el mismo mensaje. Pero Yerma no es...¡Ay, con las adaptaciones de los clásicos! ¡Qué miedo me dan...!

La podemos ver,hasta el 25 de febrero, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=QjKQTtsHOrw

Una crítica a la Historia española moderna

El popular actor Alberto San Juan representa los lunes, hasta el 25 de marzo, en el Teatro Pavón, un monólogo histórico, que parte del mito de Don Juan para indagar en la relación entre el presente y el ciclo que inaugura el año 1492 con el descubrimiento de las Indias Occidentales, es decir, América.

Acompañado en directo por los músicos Claudio De Casas, Miguel Malla, Gabriel Marijuan y Pablo Navarro, el actor Alberto San Juan utiliza el mito de Don Juan para abordar asuntos vinculados con la generación de la idiosincrasia y el colonialismo. De tal modo, la obra plantea preguntas sobre la identidad personal y colectiva, cuestionando cómo se construyen ambas y quién tiene el poder para hacerlo.

Por otro lado, supone un acercamiento personal a la Reconquista, la expulsión de los judíos o la llegada a América, para pensar, con humor, cómo se construye lo macho en este territorio. Así, se hace referencia muy crítica a la caída del último territorio musulmán en la península, el Reino de Granada, en 1492 y la conquista de América con el fin de profundizar y reflexionar acerca de la opresión, la resistencia y la esquizofrénica experiencia de ser “uno de los nuestros”.

Como siempre, San Juan usa un discurso altamente político, en este caso, en perjuicio del catolicismo instaurado por los Reyes Católicos y a favor de la permanencia de los musulmanes y judíos en la Península Ibérica. Pero eso no sucedió. Por ello, el actor se lamenta constantemente, asegurando que hubiese sido muy bueno para la actual España que ambas culturas se hubieran mantenido aquí, en consonancia con la católica. Pero no dice que aquel momento fue muy diferente y especial y que en el Toledo de la época no reinaba la paz, como románticamente se suele divulgar, sino que entre las tres culturas, católica, musulmana y judía, había continuas reyertas y pequeñas guerras. En realidad, si no la hace constar, pero afirma que eran guerras por la dominación del territorio, nunca religiosas.

En definitiva, un muy buen documento histórico para que nunca olvidemos lo que fuimos como causa de los que hoy somos. Altamente recomendable para los jóvenes, que según los expertos en educación, están más peces en la materia que los del río...

Alberto San Juan, actor, director, autor,  es fundador de la compañía Animalario e impulsor del proyecto Teatro del Barrio. Entre sus últimos montajes teatrales, destacan: Lorca en Nueva York, Lectura fácil’(director), Mundo obrero, Masacre, El rey, o Autorretrato de un joven capitalista español.

Lo podemos ver, hasta el 25 de marzo, en el Teatro Pavón.

https://www.youtube.com/watch?v=iq5ItH6837I

Una Bernarda Alba humana

El Teatro María Guerrero acoge una de las obras más trágicas de Federico García Lorca, La casa de Bernarda Alba, revisionada por el director y autor teatral Alfredo Sanzol, y que cuenta con un reparto femenino compuesto por Eva Carrera, Montse Díez y Ane Gabarain, entre otras. Esta es nueva forma de enfocar la temática de este duro drama, utilizando a Bernarda y a su casa como la metáfora de una sociedad aterrorizada.

¿Y si Bernarda no fuese una madre paranoide, deshumanizada y sin empatía que encierra a sus hijas para guardar un luto absurdo de ocho años que puede destruir la vida de todas? ¿Y si Bernarda solo pretende cumplir con su deber de proteger a sus hijas de la ruina que pueden producir los impulsos sexuales en el contexto social que habitan?

Esta nueva forma de narrar la dramática historia que sucede en este drama universalmente conocido nos presenta a Bernarda como una mujer consciente de la dureza de las normas sociales y del juicio dogmático de sus vecinos. En vez de presentar la historia desde el punto de vista de Adela, la hija más joven, símbolo de vida, libertad y sexualidad, lo hace desde la postura de Bernarda y nos cuenta una historia sobre una mujer que quería lo mejor para sus hijas.

Una madre pragmática, realista, que conocía el mundo en el que vivía y que no dudó en usar toda su energía para frenar los impulsos anárquicos del instinto sexual. Bernarda también fue una Adela. Es una Adela muerta en vida. Es una mujer con una herida tan grande que sólo ha podido encontrar la salvación tomando el relevo de sus agresores.

Una nueva perspectiva de una obra que siempre ha sido presentada como sota, caballo y rey para una Bernarda dictatorial, fruto de la sociedad represora de aquel momento. ¿Se desnaturalizará ahora la obra con esta nueva visión..? Lo veremos y aquí, lo comentaremos...

La podemos ver, en el Teatro Mª Guerrero, hasta el 31 de marzo.

Los jóvenes españoles, paletos en Historia

La compañía LaJoven presenta Lagunas y niebla, una obra con texto del dramaturgo Paco Gámez. La obra trata del desconocimiento de la Historia por parte de los jóvenes españoles, auténticos paletos funcionales. La podemos ver en el Teatro de La Abadía.

El Teatro de La Abadía representa la obra Lagunas y niebla, de Paco Gámez, representada por la compañía LaJoven. Este montaje forma parte de Paisaje de devastación, un proyecto internacional que cuenta con la participación de los países de Grecia, Alemania, Ucrania y la propia España, representados por LaJoven.

La obra cuenta con la ayuda de Irene Herrero y Ana Rocío Dávila en la etapa de investigación y talleres y de Martín Valdés-Stauber, dramaturgista del proyecto completo Landscapes of Devastation. 

La compañía LaJoven se ha convertido en uno de los actores principales de España en la lucha contra la desafección de los jóvenes a la cultura. Ese proyecto une a profesionales de las artes escénicas con la comunidad docente y sirve como espacio profesional para jóvenes.

Lagunas y niebla tiene como base un reciente estudio que evidencia que los jóvenes españoles desconocen su historia reciente. Confunden personajes, razones, lugares y fechas vinculados con la Guerra Civil Española. Todo es confusión, una península llena de lagunas y de niebla, donde los límites entre el presente y el ayer y la realidad y la ficción se confunden.

Y el futuro de este país no pinta mejor, sino todo lo contrario...¡Horreur..!

La podemos ver en el teatro de La Abadía, hasta el 11 de este mes.

https://www.youtube.com/watch?v=XhqVrFCLQSU

 

La ópera del Rey Lear

El prestigioso director español Calixto Bieito (Obabakoak, Carmen, de Georges Bizet o El ángel de fuego) dirige, en el Teatro Rea,l el estreno en España de la ópera Lear, del compositor alemán Aribert Reimann, basada en la mundialmente conocida tragedia de William Shakespeare.

El montaje de Lear supone una impactante función que cuenta con la participación del mítico barítono danés Bo Skovhus como protagonista y la regiduría musical del israelí Asher Fisch. Su partitura se mantiene respetuosa con el tempo lírico y las líneas vocales de la obra original, brindando una experiencia que también incide en los temas tratados en la pieza, como la ingratitud filial, la salud mental, el paso del tiempo o la pérdida de poder.

Su historia narra cómo el rey Lear es ya muy viejo, por lo que decide dejar el control de su reino a sus tres hijas: Gonerilda, Regania, y Cordelia. Así, divide el territorio en tres partes, pero Cordelia expone a su padre los malos presagios que ella concibe acerca de su decisión, ya que producirá un efecto corrosivo de traición y avaricia en la familia real. El monarca se siente ofendido por su sinceridad y termina desheredándola.

Sin embargo, el rey de Francia, sorprendido por la valentía de Cordelia, le pide matrimonio. Esto le cuesta a Cordelia el destierro a Kent. Mientras tanto, Lear se reserva para sí mismo el título de rey y 100 hombres a su servicio y alterna su estancia entre las casas de sus dos hijas. Pero pronto Lear se ve amenazado por las ambiciones políticas que se despiertan en ellas.

La podemos ver, hasta el próximo día 7 de este mes, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=F-2YQkEXG0M

Ficha artística:

• Dirección musical - Asher Fisch

• Dirección de escena - Calixto Bieito

• Escenografía - Rebecca Ringst

• Vestuario - Ingo Krügler

• Iluminación - Franck Evin

• Vídeo - Sarah Derendinger

• Dramaturgia - Bettina Auer

• Dirección del coro - José Luis Basso

Reparto:

• El rey Lear - Bo Skovhus

• El rey de Francia - Torben Jürgens

• El duque de Albany - Derek Welton

• El duque de Cornualles - Michael Colvin

• El conde de Kent - Kor-Jan Dusseljee

• El conde de Gloucester - Lauri Vasar

• Edgar - Andrew Watts

Vuelve La rosa del azafrán

El Teatro de la Zarzuela ofrece la representación de una muy conocida zarzuela en dos actos, que cuenta con música de Jacinto Guerrero y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, La rosa del azafrán. Una nueva producción del teatro zarzuelero español por excelencia interpretada por Yolanda Auyanet, Carmen Romeu, Juan Jesús Rodríguez, Rodrigo Esteves, Carolina Moncada, Ángel Ruiz, Vicky Peña, Jorge Merino, Mario Gas, Pep Molina y Emilio Gavira que se podrá ver del 25 de enero al 11 de febrero, con funciones de miércoles a domingos.

El tema de la conocida zarzuela La rosa del azafrán es un clásico: el amor entre dos personajes de diferentes clases sociales. Se trata de una adaptación libre de la comedia de Félix Lope de Vega El perro del hortelano, que fue estrenada el 14 de marzo de 1930 en el Teatro Calderón de Madrid.

En la casa de unos acomodados labriegos, se celebra el santo del amo. Entre los mozos, criados y pastores que lo festejan se encuentra Juan Pedro, un joven formal que corteja a Catalina. También acude a la fiesta el anciano Don Generoso, antiguo dueño de la casa que perdió la razón cuando murió su hijo y ahora se pasea con un “ejercito” de mozalbetes que medio juegan a soldados y medio se ríen del pobre viejo loco.

Juan Pedro le pide a Catalina matrimonio y ella pide permiso a Sagrario, su ama. Sagrario acepta siempre que Juan Pedro se vaya de la hacienda, pues no consiente que los novios estén bajo el mismo techo. También lo hace porque siente atracción por Juan Pedro y quiere tenerlo lo más lejos posible, porque son de diferentes clases sociales.

Catalina se da cuenta de que la atracción entre Juan Pedro y Sagrario es mutua y no acepta la proposición de matrimonio. Juan Pedro le explica sus sentimientos a Sagrario, pero ésta niega todo por orgullo. Entonces Juan Pedro decide irse, renunciando al amor.

Un año después, Juan Pedro reaparece, no ha olvidado a Sagrario, ni ella a él, pero la diferencia de status tan obvia, no permite el amor entre ellos. Para solucionarlo Juan Pedro se hará pasar por el hijo de Don Generoso, logrando una posición y al mismo tiempo ayudando a Don Generoso a recuperar la cordura.

La podemos ver, hasta el próximo día 11 del mes, en el Teatro de la Zarzuela.

https://www.youtube.com/watch?v=QGPpmxgTgZg