Contra la hipocresía social

El prestigioso director escénico Eduardo Vasco (Peribáñez y el Comendador de Ocaña, La ruta de Don Quijote o Espejo de víctima) versiona la clásica comedia Las locuras por el veraneo, de Carlo Goldoni. Una obra sobre la naturaleza humana y las relaciones entre personas de diferentes clases, que se puede ver en Naves del Español -Matadero Madrid.

Escrita en 1756 y considerada como una de las piezas más famosas de Goldoni, la trama de la comedia Las locuras por el veraneo gira en torno a un grupo de personajes que buscan disfrutar de unas vacaciones de verano en el campo. El elenco incluye a personas de diversos orígenes sociales y personalidades, lo que da lugar a enredos cómicos.

De tal modo, se presenta cómo Leonardo y su hermana están arruinados, pero esto no hace que deseen quedarse sin vacaciones y, sobre todo, teniendo en cuenta que la familia de su vecino Filippo y su bella hija Giacinta lo tienen todo a punto para partir hacia un verano de ensueño: viajar hasta una villa en la Toscana.

Los protagonistas se enfrentan a obstáculos y dificultades mientras intentan lograr su objetivo de pasar un tiempo de descanso y recreación. A medida que se desarrolla la historia surgen malentendidos, equívocos y confusiones, lo que lleva a una serie de situaciones divertidas y caóticas.

El montaje se basa en las tensiones entre la vida en la ciudad y la vida en el campo, así como en las diferencias culturales y las expectativas de los personajes. Con todo ello, Goldoni utiliza el humor y la ironía para explorar temas como la vanidad, la hipocresía y la búsqueda de los placeres mundanos.

Todo un canto contra la vida vacua y falsa...

La podemos ver en Naves del Español-Matadero Madrid, hasta el 28 de enero.

La obra del “parece”

El dramaturgo argentino Pablo Messiez es el autor y director de Los gestos, una obra que intenta volver al gesto y entender algo más sobre la especificidad del teatro. Una reflexión de un gran teatrero...Y una reflexión sobre sí mismo. ¿Dónde..? En el Teatro Valle-Inclán .

Los gestos es una obra, escrita y dirigida por Pablo Messiez, ganador del Premio Max al Mejor Espectáculo en 2022 por La voluntad de creer, obra con la que dinamitó la frontera entre ficción y realidad, entre el teatro y la vida. En su búsqueda por entender algo más acerca de la especificidad del teatro, crea esta nueva obra en un intento por lograr entender también algo más sobre la vida. La obra está interpretada por Elena Córdoba, Manuel Egozkue, Fernada Orazi, Emilio Tomé y Nacho Sánchez.

Esta nueva obra, este nuevo intento por entender el teatro y la vida, versa sobre de gestos. De los gestos que hacemos y de los que nos pasan. Pablo Messiez pone el foco en los gestos y con ello pone también el foco en aquello que no se puede escribir. En lo que el teatro tiene de extra-literario. En lo que adquiere sentido en la encarnación, en la presencia. En las cosas que hace el cuerpo como resultado de un ponerse en relación, según el propio autor.

Argumento: Topacia, la protagonista, (parece que)ha heredado una sala circular en la que quiere abrir un bar. Bueno, en realidad quiere volver a actuar, pero es más fácil llevar gente a un bar que a un teatro. Así que abrirá el bar y meterá un escenario dentro. ¿ Y por qué la publicidad de la obra dice que parece que ha heredado un bar..? ¿O es algo que parece, pero que, en realidad, no es..? ¿O es una boutade del director..? Como aún, no he visto la obra, pues no se lo puedo asegurar...Bueno, parece que SI ha heredado el bar...

Proseguimos con el argumento: Parece (de nuevo, “Parece”) que Sergio la ayuda a montar un homenaje a la cantante italiana Mina. Le dirige los gestos. Parece (otra vez) que es su novio, pero no lo tienen claro. Parece que aparece de repente un hombre con ojos de un terror antiguo. Parece que esta llegada genera cierta inquietud.

Parece también que hay un pianista joven y una bailarina vieja. Parece que vienen de otro tiempo y parece que este tiempo va a saltos, parpadeando. Parece que algo pasa con los gestos. Como si también fueran a saltos. - ¿Parpadean?- Se han movido de sitio, parece…, Ya nadie sabe si hace lo que hace porque quiere o solamente repite lo que alguien ya ha hecho antes.

Todo parece o se nos vende que parece...

Parece que el director y su departamento de Marketing nos quieren vender la obra...La verdad es que SI nos la quieren vender de una forma muy intelectual porque Messiez siempre es muy intelectual o lo parece... Parece interesante, pero, mejor ir a verla...por si acaso parece, pero no es...

La podemos ver, hasta el 14 de enero, en el Teatro Valle-Inclán.

La verdad de las máscaras

La compañía Kulunka Teatro vuelve a apostar por el lenguaje silente de las máscaras en el espectáculo Forever, que combina ternura y crudeza. Lo podemos ver en el conocido y mítico teatro público Teatro María Guerrero.

El tema del montaje de máscaras Forever es :¿Hasta dónde puede arrastrar la incomunicación a una familia? Esta es la pregunta que plantean los creadores de esta historia familiar que alterna el humor con el drama.

En un escenario giratorio que funciona como metáfora de “las vueltas que da la vida” y utilizando un lenguaje muy cinematográfico, desarrollado a partir de contextos reconocibles para el espectador, los actores de Kulunka con sus máscaras y sin utilizar palabras, nos cuentan la historia una familia que cada vez se va alejando más de lo que soñó que sería.

Reflejando con humor e ironía las contradicciones del amor, Forever pone el foco en temas como la maternidad, la educación, la sexualidad o la violencia. La noria de la vida gira y gira y forma una espiral que va ahondando en el dolor de sus protagonistas.

La obra muestra cómo se puede llegar a una situación límite en la convivencia y ayuda a entenderlo, de manera que no sea fácil para el espectador posicionarse ante ella. Busca la empatía con los personajes para evitar juzgarlos y comprender por qué se equivocan.

Con un lenguaje sencillo, la pieza teatral muestra una situación en toda su complejidad. Y, ya de paso por el camino, hace que nos riamos de nuestras miserias y que nos compadezcamos de nuestros dramas. Porque lo perturbador y lo realmente emocionante es que, tal vez, la historia de esta familia podría ser la de la nuestra.

Forever es una coproducción de la compañía Kulunka con el Centro Dramático Nacional, el Teatro Arriaga de Bilbao y el Teatro Victoria Eugenia de Donostia. ¡Ahí, es nada..!

Lo podemos ver, hasta el próximo día 30 del mes, en el Teatro María Guerrero.

Revisitando al bufón de Verdi

Siempre es buena ocasión para revisitar los clásicos, como el caso de la conocida ópera Rigoletto, de Verdi. Así, el prestigioso director teatral Miguel del Arco, conocido por montajes como Jauría, En el aire o Ricardo III, la dirige con maestría y desvergüenza, lo que le está valiendo numerosas buenas críticas.

Estrenada en el teatro de la Fenice de Venecia (Italia), la trama de la ópera Rigoletto, de Verdi, está basada en la obra teatral Le Roi s'amuse de Víctor Hugo y ahora regresa bajo una coproducción del Teatro Real con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Su historia se sitúa en el siglo XVI, donde Rigoletto es un bufón jorobado que trabaja en la corte del despiadado duque de Mantua. Es conocido por su ingenio y su actitud sarcástica, pero guarda un oscuro secreto: tiene una hija llamada Gilda, a la cual mantiene oculta y protegida del mundo exterior. Por su parte, el duque de Mantua es un hombre libidinoso cuya afición es seducir a las mujeres de la corte.

Rigoletto se convierte en el blanco de los cortesanos, quienes desean vengarse de él por sus chistes mordaces. Por ello, deciden secuestrar a Gilda creyendo que es su amante y entregársela al duque. Sin embargo, el duque de Mantua y Gilda se enamoran. Rigoletto descubre la traición y planea acabar con el duque contratando a Sparafucile, un asesino a sueldo.

Esta ópera ha sido aclamada como una de las obras maestras de Giuseppe Verdi, ya que alberga algunas de las arias más famosas de la ópera, como La donna è mobile, interpretada por el duque de Mantua, o Bella figlia dell'amore, en la cual varios personajes expresan sus sentimientos de amor y deseo.

En definitiva, estamos frente a una ocasión única de revisitar esta gran producción de una de las piezas del bel canto mundiales más conocidas y queridas por todos los públicos amantes del bel canto.

La podemos ver, hasta el próximo 2 de enero, en el Teatro Real.

Flipemos y alucinemos con esta magia

El prestigioso mago madrileño Jorge Blass ofrece el espectáculo Flipar, donde lo imposible no existe. Lo podemos “flipar” en el Teatro Reina Victoria.

El famoso prestidigitador Jorge Blass ofrece el espectáculo Flipar para toda la familia, en el que lo imposible no existe. Un fabuloso montaje repleto de impresionantes trucos y divertidos diálogos con el público.

La obra cuenta con números de última generación, apariciones y desapariciones en directo, levitaciones, teletransportaciones y magia interactiva donde los espectadores ayudan a Blass a crear las ilusiones. Todo ello se muestra bajo un halo de misterio y una cuidada estética capaz de dejar con la boca abierta hasta al más escéptico.

Nacido en Madrid en 1989, Jorge Blass es un mago cuyo nombre real es Jorge Sánchez Blas. Con tan solo doce años empezó a estudiar en la Gran Escuela de Magia Ana Tamariz, dirigida por la hija de Juan Tamariz. En el año 2000 comenzó su andadura por las televisiones apareciendo en programas como Megatrix, Zona Disney, Lo + Plus o Un domingo cualquiera.

Más tarde dirigió y presentó durante tres temporadas Nada x Aquí de Cuatro, entre 2005 y 2008, un espacio que en 2007 fue galardonado con el Premio Zapping al mejor programa de entretenimiento. Fue asesor mágico del musical La Bella y la Bestia, representado en el Teatro Calderón de Madrid entre 2007 y 2008, y también fue colaborador de Por arte de magia de Antena 3, conducido por Anna Simon, en 2013.

Durante su trayectoria ha conseguido el Premio SARMOTI al talento más prometedor en Las Vegas (Estados Unidos), el Primer Premio Internacional de Magia en Portugal y la Varita de Oro de Montecarlo (Mónaco) 1996. También ha publicado dos libros: Magia para no dejar de soñar y La fuerza de la ilusión. Por otra parte, es miembro fundador y patrono de la Fundación Abracadabra de Magos Solidarios, una organización sin ánimo de lucro que brinda funciones a niños hospitalizados, ancianos en residencias y discapacitados psíquicos y físicos.

Lo podemos ver, hasta el 14 de enero, en el Teatro Reina Victoria.

El mito de La Bella Otero, en versión ballet

El Ballet Nacional de España representa La Bella Otero, bajo la dirección de Rubén Olmo. Es un espectáculo de ballet inspirado en la vida y obra de la bailarina española de la Belle Époque parisina, Carolina Otero. Lo podemos ver en los Teatros del Canal.

El Ballet Nacional de España, bajo la dirección del conocido coreógrafo Rubén Olmo, representa un espectáculo de ballet inspirado en la vida y obra de la célebre bailarina española de la Belle Époque parisina, Carolina Otero: La Bella Otero.

Agustina Carolina del Carmen Otero Iglesias, más conocida como Carolina Otero o la Bella Otero, fue una coreógrafa, cantante y actriz nacida en Valga (Pontevedra), en 1868. Tras ser violada siendo solo una niña, huyó de su pueblo natal y a los 13 años, tuvo a su primer amante, quien le enseñó flamenco y el oficio de comediante.

Más tarde, se apuntó a una compañía ambulante portuguesa para acabar en Barcelona, donde, en 1888, conoció a un banquero que quiso promocionarla como bailarina, en Francia.

Ella siempre se presentaba como andaluza de origen gitano para dar más énfasis a sus actuaciones y pronto, se hizo muy famosa en el país vecino. También interpretó sus montajes en Estados Unidos, Argentina, Cuba y Rusia, donde conoció al cnocido espía ruso Rasputín.

A parte de su carrera artística, Carolina fue amante de varios monarcas, como Guillermo II de Alemania, Nicolás II de Rusia, Leopoldo II de Bélgica, Alfonso XIII de España y Eduardo VII del Reino Unido. Sin embargo, a pesar de su éxito, era ludópata y terminó sola y arruinada en Niza (Francia), donde murió en 1910 a causa de un infarto.

La función no solo repasa los momentos más importantes de la biografía de Carolina, sino que termina siendo una reflexión sobre el maltrato, la ambición, el éxito, la incapacidad de amar y la soledad.

Las diferentes coreografías están acompañadas de la música de Manuel Busto, Alejandro Cruz, Agustín Diassera, Rarefolk, Diego Losada, Víctor Márquez, Enrique Bermúdez y Pau Vallet y la intervención de varios músicos flamencos del Ballet Nacional de España.

En definitiva, un ballet muy español, que retrata una interesante parte de nuestra historia, a través de este irrepetible y estrambóticamente artístico personaje, ya mito.

Lo podemos ver, del 14, al 16, del mes, ambos inclusive, en los Teatros del Canal.

• Dirección y coreografía - Rubén Olmo

• Dirección musical - Manuel Busto

• Música - Manuel Busto, Alejandro Cruz, Agustín Diassera, Rarefolk, Diego Losada, Víctor Márquez, Enrique Bermúdez y Pau Vallet

• Dramaturgia - Gregor Acuña-Pohl

• Diseño de escenografía - Eduardo Moreno

• Diseño de vestuario - Yaiza Pinillos

• Diseño de iluminación - Juan Gómez-Cornejo

• Imaginería - Manuel Martín Nieto

• Diseño de sonido - Luis Castro

• Diseño de cartel - Manu Toro

• Realización de vestuario - Cornejo

• Calzado - Gallardo

• Utilería de accesorios - Beatriz Nieto

• Peluquería y posticería - Carmela Cristóbal

• Diseño de maquillaje - Otilia Ortiz

• Grabación musical - Fundación Barenboim-Said dirigida por Manuel Busto

• Músicos - Músicos flamencos del BNE

• Artista invitada - Patricia Guerrero

• Colaboración especial - Maribel Gallardo

Ballet romántico por antonomasia

La Sylphide es un estreno absoluto de la adaptación de este ballet romántico por parte de la Compañía Nacional de Danza con la dirección artística de Joaquín de Luz. Lo podemos ver en el castizo Teatro de la Zarzuela.

La ya clásica Compañía Nacional de Danza estrena una adaptación del ballet romántico en dos actos La Sylphide, que, en su día, fue coreografiado por August Bournonville con música de Herman Severin Løvenskiold. Ahora, estamos frente a una nueva versión con la dirección artística del reconocido bailarín y coreógrafo español Joaquín de Luz, a su vez, también director de dicha compañía.

Originalmente, la obra fue creada por Filippo Taglioni con música de Jean Schneitzhoeffer, basándose en el libreto de Adolphe Nourrit, y se estrenó, en 1832, en la Ópera de París. Pero, en 1836, Bournonville versionó una nueva coreografía con música de Løvenskiold sobre el mismo libreto para el Teatro Real de Copenhague, que es la que ahora se representa.

Su trama gira en torno a James, un joven escocés a punto de casarse con Effie. Sin embargo, su vida se complica cuando se enamora de una sylphide, un espíritu del aire. A lo largo de la historia, James persigue a la sylphide, pero nunca logra capturarla, ya que es un ser etéreo que representa la libertad y las metas imposibles. Además, James bebe un filtro mágico dado por la sylphide que lo hace dormir profundamente y cuando despierta, descubre que Effie se ha casado con su amigo Gurn y que la sylphide sigue siendo inalcanzable.

De este modo, y a medida que el relato se desarrolla, los protagonistas se enfrentan a diversos peligros, incluido un hechizo de la bruja Madge, quien ha jurado vengarse de James por haberla rechazado.

Nos recuerda, un tanto, a El lago de los cisnes, tanto por su romanticismo, como por su temática...

Ficha artística

• Compañía - Compañía Nacional de Danza

• Director artístico - Joaquín de Luz

• Música - Herman Severin Løvenskiold

• Libreto - Adolphe Nourrit

• Coreografía - August Bournonville

• Puesta en escena - Petrusjka Broholm

• Diseño de vestuario - Tania Bakunova

• Orquesta - Orquesta de la Comunidad de Madrid