Kylián en el Teatro Real

Tributo a Kylián es un espectáculo de danza de la Compañía Nacional de Danza (CND) que ofrece un tributo al conocido bailarín y coreógrafo checo Jiři Kylian. Lo podemos ver en el madrileño Teatro Real.

La Compañía Nacional de Danza (CND) ofrece, en el madrileño Teatro Real, cuatro funciones del espectáculo Tributo a Kylián, diseñado para brindar un homenaje al bailarín y coreógrafo checo Jiři Kylian con cuatro brillantes montajes.

El programa comienza con Morgen (2022), una pieza que supone la vuelta como creador de Nacho Duato a la Compañía Nacional de Danza casi doce años después de su etapa como director. Con la música original de Pedro Alcalde, la obra está inspirada en un poema de Dorothy Parker que recorre siete formas de suicidio antes de optar, finalmente, por la vida.

Kübler-Ross (2014) es un dueto concebido por la sudafricana Andrea Schermoly para la pareja formada por Maria Kochetkova y Joaquín de Luz. Está basado en la teoría de las cinco fases del duelo de la psiquiatra del mismo nombre: la negación, la ira, la negociación, la depresión y la aceptación. Una alegoría dancística sobre la pérdida que se mueve al son del adagio de un concierto de violín vivaldiano.

Después llega Sad Case (1998), de Sol Leon y Paul Lightfoot para el Nederlands Dans Theater, que plantea una búsqueda continua de tensión, entre momentos satíricos y clásicos, a partir de movimientos del mambo mexicano.

Para terminar la velada se interpreta una pieza del homenajeado: Bella figura (1995), un viaje en el tiempo, la luz y el espacio, en referencia a la ambigüedad de la estética, a las representaciones escénicas y los sueños que se construye bajo las notas del Barroco italiano.

Lo podemos ver en el madrileño Teatro Real, hasta el próximo día 6 de este mes.

 

Programa:

 

Morgen

§ Música de Pedro Alcalde (1959)

§ Estrenada en el Palacio de Festivales de Cantabria en Santander el 25 de febrero de 2022

§ Coreógrafo, figurinista y escenógrafo - Nacho Duato

§ Iluminador - Nicolás Fischtel (A.A.I.)

Kübler-Ross

§ Música de Antonio Vivaldi (1678-1741)

§ Coreógrafa - Andrea Schermoly

Sad case

§ Música de Dámaso Pérez Prado (1916-1989), Alberto Domínguez (1906-1975), Ernesto Lecuona (1895-1963), Ray Barretto (1929-2006) y Trío Los Panchos

§ Estrenada en el Lucent Danstheater de la Haya el 7 de febrero de 1998

§ Coreógrafos, escenógrafos y figurinistas - Sol León y Paul Lightfoot

§ Asistente de los coreógrafos - Menghan Lou

§ Iluminador - Tom Bevoort

Bella figura

§ Música de Lukas Foss (1922-2009), Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), Alessandro Marcello (1673-1747), Antonio Vivaldi (1678-1741) y Giuseppe Torelli (1658-1709)

§ Estrenada en el AT&T Danstheater de la Haya el 12 de octubre de 1995

§ Coreógrafo y escenógrafo - Jirí Kylián

§ Asistentes al coreógrafo - Ken Ossola y Elke Schepers

§ Figurinista - Joke Visser

§ Iluminador - Kees Tjebbes

 

El burlador de Sevilla

Xavier Albertí dirige su versión del clásico de Tirso de Molina El burlador de Sevilla, que recoge el gran mito español de Don Juan La podemos ver en el madrileño teatro clásico Teatro de la Comedia.

El director Xavier Albertí ofrece su propia versión del clásico de Tirso de Molina El burlador de Sevilla, que el gran mito español de Don Juan, el personaje más universal del teatro nacional.

La obra que cuenta con la colaboración del dramaturgo Albert Arribas y la escenografía de Max Glaenzel contiene una mirada sobre la violencia ejercida hacia una sociedad que se siente en un proceso de degradación y, más concretamente, sobre una violencia ejercida sobre el cuerpo de las mujeres.

La historia pone en escena a un joven noble de nombre Don Juan seduce en Nápoles a la Duquesa Isabela haciéndose pasar por su novio, el Duque Octavio. Sin embargo, ella le descubre al alumbrarle con un farol. En su huida, Don Juan acaba en la habitación del Rey, quien encarga a la guardia y a Don Pedro Tenorio, pariente de Don Juan, que atrape al hombre que ha deshonrado a la joven.

Don Pedro descubre que el malhechor es su sobrino por lo que decide ayudarle a escapar. Pero durante su viaje de regreso a España, el barco en el que viaja sufre un hundimiento y acaba en las costas de Tarragona, donde lo rescata una bella joven llamada Tisbea.

La podemos ver en el madrileño Teatro de la Comedia, del 30 de septiembre, al 13 de noviembre.

 

El 5º Festival Iberoamericano de Circo

 

El Festival Iberoamericano de Circo celebra su quinta edición con una programación que reúne acrobacias, aéreos, malabares y otras disciplinas de alto nivel. Lo podemos ver en el madrileño Teatro Circo Price.

El Festival Iberoamericano de Circo regresa a la pista del Teatro Circo Price para celebrar la quinta edición, que tendrá lugar del 30 de septiembre, al 2 de octubre. Serán tres intensos días de programación que reúnen acrobacias, aéreos, malabares y otras disciplinas del más alto nivel.

En esta quinta edición esta gala de circo propone los mejores artistas nacionales e internacionales del mundo del circo. Una cita con grandes artistas seleccionados entre los 23 países de Iberoamérica. 

Todos ellos son creadores que mostrarán su talento en diversas disciplinas circenses, como malabares, acrobacias, aéreos o equilibrios, compitiendo por los distintos galardones que entrega un jurado especializado. El público también tendrá la opción de votar a su artista favorito y elegir el Premio del Público. 

Lo podemos disfrutar del 30 de septiembre, al 2 de octubre.

Sobre la libertad y los instintos

 

La popular obra del dramaturgo y guionista inglés Peter Shaffer Equus regresa a los escenarios bajo la dirección de Carolina África con la actuación del conocido actor Roberto Álvarez. Es un montaje que podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel.

Esta nueva adaptación es una versión de Natalia Grueso de la obra Equus, escrita por Peter Shaffer, que se estrenó en Londres, en 1973, y, desde entonces, alcanzó una repercusión mundial inmediata. Se trata de una historia sobre la fascinación sexual y religiosa que demanda nuestro lado más oscuro e invita a reflexionar sobre la personalidad, las inquietudes y la represión de los más profundos impulsos del ser humano.

El montaje pone en escena al psiquiatra Martin Dysart que recibe el encargo de tratar al joven Alan Strang, que ha sido detenido por cometer un acto atroz: sacar los ojos con un punzón a la media docena de caballos a los que cuidaba en un establo. Desde ese momento, da comienzo una investigación detectivesca con toques psicoanalíticos en la que el psiquiatra tendrá que descubrir qué motivó al joven de buena familia a cometer ese acto tan brutal.

La obra enfrenta a los espectadores a sus propios miedos, los cuales conducen a una vida marcada por la rutina y las convenciones sociales, donde no queda espacio para la pasión.

En definitiva, estamos frente a un canto a la libertad, al tiempo que ante una denuncia sobre cómo la sublimación de esos instintos naturales pueden llevar a la atrocidad y la locura.

La podemos ver en el madrileño Teatro Infanta Isabel, del 28 de septiembre, al 27 de noviembre.

  

Una oda a la poetisa clásica Safo

La artista Christina Rosenvinge y las dramaturgas Marta Pazos y María Folguera presentan el montaje musical, escénico y visual Safo, sobre la figura de la poeta helena homónima.Lo podemos ver en los madrileños Teatros del Canal.

La actriz y cantante hispano-danesa Christina Rosenvinge y las dramaturgas y directoras Marta Pazos y María Folguera unen sus fuerzas por primera vez sobre las tablas para estrenar, en los madrileños Teatros del Canal, el montaje musical, escénico y visual acerca de la figura de la poeta helena Safo. Su título, del mismo nombre que la artista.

Con un reparto liderado por Christina Rosenvinge, Irene Novoa, Juliane Heinemann, Lucía Bocanegra, Lucía Rey, María Pizarro y Xerach Peñate, el montaje musical Safo busca acercar el trabajo de esta poetisa griega de la época arcaica. Y es que Safo de Mitilene (Mitilene, Lesbos, 650/610 a. C. - Léucade, 580 a. C.), también conocida como Safo de Lesbos o Safo, fue una literata de la que se desconoce mucho, pues de su biografía solo han quedado sus poemas de índole amorosa y diversas citas en pergaminos tardíos.

Catalogada por Platón como la décima Musa, de Safo sobresale el Himno en honor a Afrodita, el único poema que nos ha llegado completo de toda su obra. Además, se cree que educaba a las jóvenes nobles de Lesbos a recitar poesía y cantar, convirtiéndose siglos más tarde en un símbolo feminista emancipador.

La función posiciona al público en un jardín de la isla de Lesbos, donde Safo ha convocado a las musas protectoras del arte para saber qué será de su nombre. Las diosas acuden a su llamada y la inician en un viaje a través del tiempo: de Ovidio al siglo XXI, de los versos perdidos a una subasta en Christie’s. Pero eso no es todo porque también se brinda una radiografía de la Safo más humana: la autora que tocaba en bodas y cantó al deseo por distintas mujeres.

Lo podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, del 29 de septiembre, al 9 de octubre.

Un drama de Pushkin, ahora en versión ópera

El caballero avaro es una ópera en un acto inspirada en el drama del escritor ruso Aleksandr Pushkin. La podemos ver en la madrileña Fundación Juan March, en coproducción con el Teatro de la Zarzuela.

El importante madrileño centro cultural Fundación Juan March Fundación (sala de exposiciones y conciertos y conferencias) acoge la representación de una adaptación de la ópera El caballero avaro en un acto basada en el drama del escritor ruso Aleksandr Pushkin. Es una nueva coproducción del Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March donde el pianista Borja Mariño se encarga de la dirección musical y Alfonso Romero, de la dirección de escena.

La obra fue estrenada en 1906, en el Teatro Bolshói, de Moscú (Rusia) y tiene una banda sonora diseñada por el prestigioso compositor Serguéi Rajmáninov. Su libreto expresa, mediante la música, las consecuencias del pecado capital de la avaricia, reflejadas en una patológica relación paterno-filial ambientada en la Inglaterra medieval.

El montaje es una coproducción del Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March y su argumento presenta a Alber, un joven caballero que pasa los días deleitándose con los placeres cortesanos. Sin embargo, está profundamente endeudado y su padre, un barón muy rico, se niega a apoyar el estilo de vida de su hijo.

Por ello, Alber visita a un prestamista, pero éste le niega el crédito. Aunque a cambio le ofrece veneno para que asesine a su padre. Consternado por la sugerencia, Albert decide acudir al duque para que le ayude a convencer a su padre a que le dé algo de dinero. Así, el duque convoca al barón a una reunión, que es observada por un Alber que se ha escondido en las dependencias familiares…El drama está más que servido…

 

Ficha artística:

§ Música - Serguéi Rajmáninov

§ Libreto - basado en el drama de Aleksandr Pushkin

§ Dirección musical y piano - Borja Mariño

§ Dirección de escena - Alfonso Romero

§ Escenografía - Carmen Castañón

§ Vestuario - Gabriela Salaverri

§ Iluminación - Félix Garma

§ Vídeo - Philipp Contag-Lada

§ Coproducción - Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March

Reparto:

§ Barón - Ihor Voievodin

§ Alber - Juan Antonio Sanabria

§ El duque - Isaac Gal

§ El prestamista - Gerardo López

§ Un sirviente - Javier Castañeda

 

La podemos ver en la madrileña Fundación Juan March, los días 28 de este mes, 1 y 2 de octubre.

 

Vuelve Philip Glass

Este es el estreno en España de la ópera de cámara Orphée, del famoso compositor Philip Glass, que realiza una revisión del mito de Orfeo contando. La dirección musical corre a cargo de Jordi Francés. La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, con coproducción del Teatro Real y Teatros del Canal.

El director de escena Rafael R. Villalobos y el regidor musical Jordi Francés estrenan la ópera de cámara Orphée, del compositor estadounidense Philip Glass (The Voyage y White Raven) interpretada en francés que realiza una revisión del mito de Orfeo.

La obra cuenta con la participación de la Orquesta Sinfónica de Madrid y supone una nueva adaptación del texto escrito por Jean Cocteau, en 1927, trasladado al cine por él mismo en 1950, y versionado como una ópera por Philip Glass en 1991, siendo estrenada dos años más tarde.

En esta ocasión, el creador juega con la leyenda de Orfeo y Eurídice, pero posicionando a los protagonistas en el Nueva York de los años 80 y 90, cuando se produce la gran expansión de la televisión por cable en los Estados Unidos. Esto conllevó la aparición de cientos de canales que a su vez crearon un universo paralelo de realidad al otro lado de la pantalla lleno de nuevas fábulas y falsas moralidades, transformando, además, a la sociedad en un ente pasivo y teleadicto.

Su historia se adentra en los peligros de la obsesión por uno mismo, relatando cómo el poeta Orphée se enamora de una enigmática princesa, a pesar de que está casado con Eurydice, y se obsesiona con la inmortalidad. Orphée persigue a la misteriosa dama entrando en diversas pantallas que le llevan a viajar al mundo de los vivos y el de los muertos. Solo cuando la princesa se sacrifica, Orphée se vuelve inmortal y es entonces cuando puede continuar su vida con Eurydice.

 

Ficha artística:

§ Música - Philip Glass

§ Libreto - Jean Cocteau

§ Adaptación del libreto original - Philip Glass

§ Dirección musical - Jordi Francés

§ Vestuario y dirección de escena - Rafael R. Villalobos

§ Escenografía - Emanuele Sinsi

§ Iluminación - Irene Cantero

§ Movimiento - Javier Pérez

§ Producción - Jordi Tort

§ Orquesta - Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Titular del Teatro Real

§ Coproducción - Teatro Real y Teatros del Canal

 

La podemos ver en los madrileños Teatros del Canal, hasta el próximo día 25 de este mes.