Tributo a las mujeres

José Recuenco y Alberto Castrillo-Ferrer (Nerón o Ildebrando Biribó, el último Cyrano) dirigen El caballero incierto, un homenaje a las mujeres valientes y olvidadas basado en la novela La carne, de Rosa Montero. Una obra escrita por Laila Ripoll (Donde el bosque se espesa, Descarriadas o Una humilde propuesta) y producida por el Teatro Español, Come y Calla y Silvia de Pé, que podrá verse en Naves del Español- Matadero Madrid, del 25 de mayo al 4 de junio.

La protagonista de El caballero incierto es Josefina, uno de los personajes del libro de Montero. Una mujer atormentada que podría ser Hildegarda de Bingen, María Lejárraga o George Sand. Su destino se cruza un 3 de noviembre de 1893 con la tragedia del vapor Cabo Machichaco, el mayor accidente de carácter civil ocurrido en España en el siglo XIX, ya que su explosión provocó unas 590 muertes y 525 heridos.

A partir de este suceso, Laila Ripoll da pie a un monólogo en el que Josefina se abre al público relatando sus vivencias y escrudiñando las sombras para convertirse en un mito femenino moderno.

Alberto Castrillo-Ferrer es un actor y director formado en l’École International de Mimodrame Marcel Marceau de París (Francia) y licenciado en interpretación del gesto por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) de Madrid. Ha dirigido más de 25 obras entre las que destacan Un tal Pedro, Cabaré de Caricia y Puntapié y Cyrano de Bergerac. Durante su carrera ha obtenido el Premio Jóvenes Creadores de la Comunidad de Madrid 2004, el Premio MAX al Mejor espectáculo de teatro musical 2010 y el Premio Teatro de Rojas 2018.

Adelaida Ripoll Cuetos, más conocida como Laila Ripoll, es una dramaturga, profesora y directora madrileña titulada en arte dramático por la RESAD. Sus piezas han sido traducidas a diferentes idiomas como el francés, el rumano, el portugués, el italiano, el griego, el inglés y el euskera. Cuenta con el Premio Nacional de Literatura Dramática 2015 y el Premio Max a la Mejor autoría original 2015 por El triángulo azul.

La podemos ver en el madrileño Matadero Madrid, desde hoy, hasta el 4 de junio.

Locuras de mujeres

La loca comedia El ejambre está escrita por el dramaturgo Kepa Errasti y cuenta con la dirección de Mireia Gabilondo, quienes indagan en las relaciones de seis amigas mediante una concatenación de historias tristes que son relatadas con mucha gracia. Así, se intercalan situaciones absurdas, diálogos disparatados y carcajadas con sorpresas y algunos puntos dramáticos.

La obra El enjambre está interpretada  por las actrices Vito Rogado, Leire Ruiz, Naiara Arnedo, Aitziber Garmendia, Sara Cozar y Getari Etxegarai. Todas ellas hacen las veces de una cuadrilla de amigas desde la infancia que se van de fin de semana rural a una casa alejada de la gran ciudad para celebrar una despedida de soltera.

Pero lo que debería ser una fiesta se convierte en una pesadilla al empezar a aparecer los trapos sucios y las rencillas que cada una tiene con las demás. Y en medio de confesiones, alcohol, drogas y un enjambre de abejas, las chicas descubren lo que las une, lo que las separa y cómo la comunicación es de vital importancia en la sociedad… y en el reino animal.

Estamos frente a un montaje muy divertido, en el que las actrices lo dan todo de sí y logran desternillantes y mágicos momentos. Hay escenas que se salen, como la de una de las protagonistas embarazada y que acaba de enterarse de que su novio siempre la ha engañado. Entonces, coge una papeleta de cocaína y la toma entera. A partir de ahí, sus reacciones son tan reales y cómicas, que la actriz que interpreta al personaje se hace con la escena y parte de la obra.

Las seis intérpretes están sobresalientes, cada una en su estilo y respondiendo a las características de sus personajes. Hay buen ritmo, empatía, buen rollo. Se nota una dirección maestra. Y el texto, ¿para qué decir nada…? Puro cachondeo de humor negro, muy al estilo inglés y con unos cuantos toques vascos muy cachondos.

Vaivén Producciones es una compañía vasca con 24 años de trayectoria profesional en los que ha llevado a escena textos contemporáneos de autores como Laila Ripoll, Juan Mayorga, Jordi Galcerán o Borja Ortiz de Gondra y piezas clásicas de Sófocles, Chéjov o Brecht. Además, ha sido galardonado con los Premios Donostia 2002 y 2018, el Premio Max de las Artes Escénicas 2006 o el Premio Ercilla 2006, entre otros. Algunas de sus obras más famosas son La coraje, Sin vergüenzas, A cuestas con Murphy o Antígona.

La podemos disfrutar en el madrileño Pequeño Teatro Gran Vía, hasta el próximo 29 de mayo.

 

¡Qué difíciles son las relaciones humanas!

El dramaturgo Josep María Miró escribe y dirige El principio de Arquímedes, un drama que explora los prejuicios de nuestra sociedad y las malinterpretaciones que se realizan en ciertas ocasiones. Una obra finalista en los Premios Max 2012 y que podrá verse del 22 de abril al 29 de mayo, en el madrileño Teatro Quique San Francisco.

La tragedia El principio de Arquímedes está representada por los actores Ana Belén Beas, Pablo Béjar, Guillermo López y Alejandro Tous, quienes reflexionan sobre los miedos contemporáneos, las relaciones humanas, los prejuicios y la confianza, a través de una historia que narra los malentendidos y suposiciones que ocurren después de que un profesor de piscina abrazara y diera un beso a un niño para tranquilizarlo.

Y es que el grupo infantil Caballitos de mar empieza a nadar sin burbujita. Uno de ellos se pone nervioso y Jordi, su entrenador, le reconforta con este gesto aparentemente inocente. Sin embargo, Anna, la directora del club de natación, le pide explicaciones tras las quejas de algunos padres, quienes sospechan de pedofilia.

Esta obra fue finalista del Premio Max en 2012 y resultó ganadora del Premio Born de Teatro 2011, habiendo Miró vencido anteriormente este trofeo en 2009 con La mujer que perdía todos los aviones y en 2020 con El cuerpo más bonito que se habrá encontrado en este lugar, convirtiéndose en el primer autor en ganarlo en tres ocasiones. Además, la pieza ha sido traducida a más de una veintena de lenguas y se ha estrenado en más de cincuenta países. 

La podemos ver en el Teatro Quique San Francisco, hasta el próximo día 29 del mes.

 

La crisis de los cincuenta

El dramaturgo español Antonio Cantos (Si vienes y no estoy es que me he ido) dirige la comedia romántica Magnolia, escrita por el dramaturgo estadounidense Steven Dietz y adaptada por Rubén Coca. Con ella, indaga en la crisis de la mediana edad y el peso de las decisiones. Una divertida función que se puede ver los sábados del 21 de mayo al 2 de julio, en los madrileños Teatros Luchana.

La comedia Magnolia está interpretada por los actores Marina Muñoz y David Villanueva, quienes se meten en la piel de Elena y Quino, una antigua pareja que debido a una inesperada tormenta de nieve se reencuentran por casualidad 20 años después de que decidieran terminar con su relación tras la universidad.

Ambos comienzan a charlar y van recordando los momentos que vivieron juntos, al tiempo que ven cómo han variado sus vidas. Quino ahora es un empresario predecible y conservador, mientras que en realidad Elena no ha cambiado tanto su forma de ser, pues sigue siendo una hippie de izquierdas bastante bohemia.

Las horas pasan entre bromas, risas y alcohol, pero la noche les depara más sorpresas que tan solo el haberse visto, cuestiones que ponen en jaque su presente y puede que su futuro…

La podemos ver en los madrileños Teatros Luchana, desde hoy, hasta el 2 de julio.

Todos los palos del flamenco

Bajo la dirección artística de dos figuras destacadas del flamenco, la bailaora Úrsula Moreno y el guitarrista Antonio Andrade, Emociones es un espectáculo donde se representan todos los palos que sustentan este arte catalogado como Patrimonio Cultural Inmaterial por la UNESCO. Flamenco de primer nivel en el primer teatro flamenco del mundo: el Teatro Flamenco de Madrid (ubicado en una de las salas del madrileño Teatro Alfil).

El espectáculo Emociones cuenta con la participación de un variado elenco de artistas de primera calidad que exponen sus grandes conocimientos en danza, guitarra, percusión y cante. De esta manera, se dan cita en en el escenario estilos como el baile con bata de cola, flamenco en pareja, solos de cante y guitarra.

Con una larga e importante trayectoria, la bailaora Úrsula Moreno y el guitarrista Antonio Andrade, encargados de la dirección artística, han visitado los mejores escenarios tanto a nivel nacional como internacional con grandes producciones de su Compañía Flamenca Antonio Andrade. 

Sus varios años en escena, avalan a este espectáculo como uno de los mejores de su género en España.

El Teatro Flamenco Madrid es el primer teatro flamenco del mundo donde vivir la esencia del puro flamenco. Ubicado en el Teatro Alfil, no es sólo un espectáculo de flamenco, sino que está llamado a convertirse en un centro cultural y lugar de encuentro para los amantes de este arte. Una sala versátil de teatro con un espacio de 300 m2 repartidos en dos plantas y una capacidad máxima para albergar a 220 personas.

Lo podemos ver toda la temporada, en el madrileño Teatro Alfil.

Nueva versión de Giselle

La Compañía Nacional de Danza representa una nueva versión del clásico de Adolphe-Charles Adam, Giselle, en el madrileño Teatro Real. Una obra que ha sido diseñada por el bailarín y coreógrafo Joaquín de Luz como su primer gran reto coreográfico desde que se aupó a director del conjunto español. Una maravilla clásica con los mejores profesionales de la danza.

En esta adaptación de Giselle se acentúa el valor pasional de Giselle y se propone un giro hacia el acervo cultural español en relación al género. Esta coreografía se estrenó en 1841, en la Ópera de París, y está considerada como una de las obras maestras del ballet romántico.

El poeta Théophile Gautier fue el artífice de su argumento, inspirándose en el alemán Heinrich Heine, quien ya mezcló el mundo de las hadas y los genios del bosque con las Willis. Además, su estructura de dos actos está creada a partir de las connotaciones y estilos propios de la época, como La Sylphide.

La función se origina a través de una fábula popular germana. En ella se posiciona al público en una aldea de la Renania medieval, donde vive Giselle, una bella joven que durante toda su vida ha tenido problemas de salud. Hilarión está enamorado de ella y se consume en celos al pensar que Loys, que en realidad es el Duque Albertch, pueda arrebatársela.

Tras esconder su espada y alejar a su escudero, Loys declara su amor a Giselle, quien lo acepta embelesada por el hermoso joven. Pero al conocer la noticia, Hilarión jura venganza y desenmascara a Loys en las fiestas del pueblo.

Joaquín de Luz es, desde 2019, el director de la Compañía Nacional de Danza, sustituyendo a José Carlos Martínez. Durante su trayectoria, ha sido galardonado con el Premio Nacional de Danza e Interpretación 2016, el Prix Benois de la Danse 2009, otorgado en Moscú a la mejor actuación masculina del año por su papel en Prodigal Son, o el Premio Rising Star de Seven Arts Magazine 1997. Ha sido miembro de prestigiosas agrupaciones como el Pennsylvania Ballet, el American Ballet Theatre o el New York City Ballet.

Lo podemos disfrutar los días 20 y 21 de este mes, en el madrileño Teatro Real.

Profunda reflexión

Carlos Aladro (Mercaderes de Babel) dirige una adaptación de Pablo Rosal (Los que hablan) sobre el drama existencialista El pato salvaje, escrito por Henrik Ibsen. Una obra que se puede ver del 17 de mayo al 19 de junio, en el Teatro de La Abadía y que reflexiona acerca de temas como la justicia, la hipocresía o la redención.

Este montaje de El pato salvaje, de Ibsen, está interpretada por Pilar Gómez, Pablo Gómez-Pando, Nora Hernández, Ricardo Joven, Javier Lara, Jesús Noguero y Eva Rufo, y ha sido producida por el propio Teatro de La Abadía.

Su trama narra cómo Gregers Werle vuelve a su pueblo natal tras varios años de ausencia y se hospeda en la casa de los Ekdal, una familia encabezada por Hjalmar Ekdal, un modesto fotógrafo cuyo padre es un amigo y antiguo socio del cónsul Håkon Werle, a su vez padre de Gregers. Sin embargo, arruinado y tras pasar por la cárcel, el viejo Ekdal ahora vive con su hijo y de la caridad del cónsul, ya que le protegió evitando que él también fuera a parar a prisión en su momento.

Los oscuros secretos que se guardan en aquel hogar aparentemente feliz se van revelando poco a poco ante Gregers. Y es que Håkon había dejado embarazada a su sirvienta Gina para después hacerla casar con Hjalmar para que este reconociese a la futura niña, Hedvig.

Y para no enfrentarse a la cruel realidad, todos ellos se refugian en su imaginación, haciendo que Hjalmar se crea un gran inventor, el abuelo rememore sus aventuras como cazador y la pequeña Hedvig se pase los días en el desván cuidando de un pato salvaje herido.

La podemos ver, hasta el próximo 19 de junio, en el madrileño Teatro de La Abadía.