Las cartas de amor de Chéjov

Tu mano en la mía es comedia romántica de Carol Rocamora a partir de las cartas entre Antón Chéjov y Olga Knipper. Un montaje producido por la compañía L’OM-Imprebís con la dirección de Santiago Sánchez.

La historia de Tu mano en la mía cuenta la relación amorosa que mantuvieron el dramaturgo Antón Chéjov y la actriz Olga Knipper, quienes se conocieron en 1898 el Teatro del Arte de Moscú. Carol Rocamora recrea de un modo emocionante las diferentes etapas por las que pasan a partir de las más de 400 cartas que se intercambiaron durante los seis años que estuvieron casados. Su título proviene de la firma que utilizaba Chéjov en sus misivas: «Tomo tu mano en la mía».

Carol Rocamora es una profesora de la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York. Ha recibido el Premio David Payne Carter a la excelencia docente y da conferencias en el Juillard School, la Yale School of Drama y la Columbia University. Es experta en la vida y obra de Antón Chéjov.

L’OM-Imprebís es una formación española creada en 1983 por Santiago Sánchez. 

El conjunto está compuesto por más de 30 personas de distintas nacionalidades que desarrollan un estilo teatral propio con el que ponen en escena textos de grandes autores como Brecht, Koltès, Zorrilla, Cervantes, Camus o Chéjov. Hasta el momento ha realizado una media de 250 representaciones anuales en las principales ciudades españolas y sus montajes se han estrenado en 21 países.

La podemos ver en el madrileño Teatro Fernán Gómez, hasta el 28 de noviembre.

 

La comedia sin título de Lorca

Marta Pazos (Siglo mío, bestia mía, Othello o Garage) dirige una revisión tragicómica de José Manuel Mora sobre la conocida obra de Federico García Lorca La comedia sin título. Es un montaje que que propone una experiencia de tres actos, el primero en el escenario y el segundo y el tercero, en la morgue y el cielo.

Comedia sin título es un espectáculo de teatro inconcluso de Federico García Lorca del que tan solo se conserva el primer acto. Esto es debido a que el poeta fue asesinado durante la Guerra Civil española cuando se encontraba escribiéndolo.

Junto con El Público y Así que pasen cinco años forma parte de la llamada trilogía del teatro imposible, la cual cuenta con un lenguaje fuertemente influenciado por el surrealismo. A pesar de que es una pieza inacabada y, por tanto, de corta duración, su concepción onírica ha motivado que haya sido adaptada y versionada en múltiples ocasiones.

En esta producción se cuestionan los límites teatrales y de la ficción para debatir sobre la capacidad cultural de la sociedad y la expresión real del teatro, así como incidir en la pasión por el arte y el amor por la vida que tenía Lorca.

Nacida en Pontevedra en 1976, Marta Pazos es una directora, dramaturga, escenógrafa, vestuarista e intérprete que actualmente es la directora artística de la compañía Voadora. Durante su carrera ha recibido el Premio de Honor al mérito en las artes escénicas de la MIT Ribadavia, el Premio de Honor Dorotea Bárcenas 2018 y cuatro Premios de Teatro María Casares.

El 18 de noviembre se ha organizado un encuentro con el público al finalizar la representación. Además, los días 16 y 17 de diciembre se han habilitado funciones accesibles.

La podemos ver en el madrileño Teatro María Guerrero, del 12 de noviembre, al 26 de diciembre.

Una obra contra la homofobia

José Luis Arellano García (Fuego, Las horas vacías o Fortunata y Benito) dirige la adaptación que Pamela Carter ha realizado sobre la novela autobiográfica de Édouard Louis Para acabar con Eddy.

El montaje de Para acabar con Eddy se basa en la propia infancia de Édouard y su evolución en la persona que es y que siempre quiso ser, a pesar del maltrato que tuvo que soportar. Está interpretado por los actores Julio Montañana Hidalgo y Raúl Pulido, quienes se meten en la piel de Édouard Louis y Eddy Bellegueule. En realidad, ambos personajes son la misma persona. Y es que Eddy Bellegueule nació en Francia, en 1992, en el seno de una familia de clase baja y mentalidad muy tradicional.

Eddy le cogía prestada la ropa a su hermana y desfilaba con ella por la habitación. Su padre no veía bien ese comportamiento y tras palizas, insultos y castigos, decidió que el fútbol le curtiría y le haría un hombre. Pero Eddy se resistió a jugar al fútbol con sus hermanos y primos, pues él lo que quería era hacer ballet, como su hermana.

Tampoco tuvo la simpatía de sus compañeros de colegio, quienes le acosaron durante años. El tiempo pasó y Eddy se cansó de ser el blanco de las burlas y los golpes. Decidió escapar y enfrentarse a todos. Se cambió el nombre por Édouard Louis y escribió un libro detallando sus vivencias, un volumen que cuando solo contaba con 21 años se transformó en un best seller y ganó el Premio Pierre Guénin contra la Homofobia. Ha sido traducido a veinte idiomas y en su país natal Édouard es considerado como una de sus mayores promesas literarias.

El relato teatral está narrado por Édouard al tiempo que Eddy va recordando y rememorando todas aquellas experiencias de maltrato, homofobia, alcoholismo y racismo.

La podemos ver en el Teatro La Abadía, hasta el 14 de noviembre.

La primera ópera cómica de Händel

El director estadounidense Christopher Alden, Premio Olivier a la Mejor Producción Operística en 2009, dirige una versión de la primera ópera cómica de Georg Friedrich Händel, Parténope. Un montaje que también cuenta con la dirección musical del inglés Ivor Bolton.

La ópera cómica barroca Parténope, de Händel, es una de las piezas menos interpretadas de las últimas décadas y se representa en italiano con subtítulos en inglés y español. Su libreto conjuga el carácter antiheroico y satírico de la antigua ópera veneciana y el enredo sentimental de la opera buffa. Dicho espectáculo fue rechazado en 1726 por la Royal Academy of Music por su naturaleza frívola, su travestismo y sus confusiones de género.

Adaptada su historia a un entorno urbanita, inspirado en la mansión de la escritora y periodista Nancy Cunard, cuenta cómo la reina de Nápoles, Parténope, pide ayuda a Apolo ante el avance del ejército de Emilio. Eurimene, un príncipe armenio, solicita audiencia al haber naufragado en sus costas. Acompañada por el príncipe Arsace y el príncipe de Rodas, Armindo, lo recibe.

Pero Arsace duda acerca de la identidad de Eurimene, ya que le recuerda a Rosmira, la princesa de Chipre que abandonó por seguir a Parténope. Rosmira le confiesa que es ella y que ha llegado buscándolo porque aún le ama.

Mientras tanto, Armindo le declara su amor a Parténope, pero esta le dice que su relación no es posible porque está prendada de Arsace. De pronto aparece Emilio y pide la mano y el reino a Parténope. Al negarse, Emilio declara la guerra…Y el conflicto está, entonces, servido.

Ficha artística:

§ Dirección musical - Ivor Bolton

§ Dirección de escena - Christopher Alden

§ Escenografía - Andrew Lieberman

§ Figurines - Jon Morrell

§ Iluminación - Adam Silverman

§ Orquesta - Orquesta Sinfónica de Madrid

Reparto:

§ Parténope - Brenda Rae (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Sabina Puértolas (14, 16, 20 nov)

§ Rosmira - Teresa Iervolino (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Daniela Mack (14, 16, 20 nov)

§ Arsace - Iestyn Davies (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Franco Fagioli (14, 16, 20 nov)

§ Armindo - Anthony Roth Costanzo (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Christopher Lowrey (14, 16, 20 nov)

§ Emilio - Jeremy Ovenden (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Juan Sancho (14, 16, 20 nov)

§ Ormonte - Nikolay Borchev (13, 15, 17, 19, 21, 23 nov) y Gabriel Bermúdez (14, 16, 20 nov)

La podemos ver del 13, al 23 de noviembre, en el Teatro Real.

 

La obsesión por estar delgado

La dieta es una obra de teatro acerca de cómo la sociedad actual penaliza la obesidad y ensalza la figura estilizada. El protagonista, un gordo gordo, a modo de terapia, organiza sesiones públicas…

El dramaturgo madrileño Javier García Mauriño escribió en su día La dieta, sobre cómo nuestra sociedad prioriza la buena figura físita, en detrimento de los obesos. Demetrio, el protagonista, asegura pesar 150 kilos. Le obsesionan las dietas, los complejos vitamínicos, la sana alimentación. En su afán por lograr un equilibrio anímico, alquila salas donde reúne a grupos de personas a quienes hace partícipes de sus obsesiones e inquietudes a modo de terapia.

Por su parte, Carlos, su hermano gemelo, es su antítesis. Se considera ejemplo de perfección. Sigue a su hermano por las salas y advierte a los públicos que reúne, de lo que se pueden encontrar escuchándolo. Carlos no cree en las dietas ni en el equilibrio. Su medida para llevar una vida saludable es el placer desmedido y el exceso en todo.

El organizador nos hace ver que nos encontramos ante un hecho teatral. Los tres personajes hacen un recorrido por lo que significa la alimentación.

La necesidad de comer es lo único que iguala a todos los seres humanos. Repasan las dietas de grandes figuras históricas y reflexionan acerca de las consecuencias positivas y negativas que el hecho de comer ha tenido a lo largo de la historia de la humanidad.

El montaje está dirigido por Jorge V. García Ramos.

Lo podemos disfrutar en la madrileña Sala Plot Point, hoy,5, y mañana, 6 de octubre.

 

El éxodo rural, a examen

Se adapta al teatro la popular novela del escritor leonés Julio Llamazares, La lluvia amarilla. Un testimonio del último habitante de una localidad abandonada llamada Ainielle que reflexiona sobre la posguerra y el abandono de las zonas rurales.

La lluvia amarilla está representada por Pedro Rebollo y Alicia Montesquiu, y tiene como protagonista a un hombre a las puertas de la muerte que relata cómo su pueblo, Ainielle, en el Pirineo aragonés, se ha ido vaciando. Así, va recordando a otros vecinos del municipio, quienes lo abandonaron o fallecieron, al tiempo que se enfrenta a los desvaríos de su mente y su percepción imaginativa del lugar fantasmal en el que vive.

Julio Llamazares se inspiró en Sarnago, un pueblo deshabitado de las Tierras Altas de Soria que, tras la marcha de sus ciudadanos por una expropiación forestal, una asociación logró rehabilitar y crear un programa cultural de verano con el fin de luchar contra el éxodo rural.

Jesús Arbués es un titulado superior en Arte Dramático por el Institut del Teatre de Barcelona. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Terror y miseria del Tercer Reich, Un día, una hora, Habibi / Amado o Ligeros de equipaje.

La podemos ver en el madrileño Teatro Español, hasta el 12 de diciembre.

 

Jugar siendo niño

La compañía de teatro guadalajareña Ultramarinos de Lucas representa la obra “¿Cuándo viene Samuel?”, un espectáculo familiar que reflexiona sobre la importancia del juego en la infancia.

La obra para toda la familia “¿Cuándo viene Samuel?” está dirigida por Juan Berzal, quien también la interpreta acompañado por Juan Monedero y Jorge Padín. Su historia comienza con dos hombres en un columpio, quienes juegan mientras esperan la llegada de Samuel.

Los protagonistas del espectáculo tratan de descubrir cómo son los primeros años de la infancia a través del juego, una actividad fundamental en la sociedad tanto a nivel cultural como de enseñanza. Y es que con el juego los niños conocen a otras personas, descubren conocimientos, se relacionan y crecen. Con ello el espectáculo genera una fiesta teatral que a su vez celebra otra como es la vida en la infancia.

Ultramarinos De Lucas es un conjunto fundado en Guadalajara en 1994 cuya formación proviene de escuelas como la École International de Jacques Lecoq de París (Francia) o el Teatro de La Abadía de Madrid. Con más de 25 años de trayectoria, ha creado más de una veintena de montajes para público adulto y familiar.

Esta compañía ha sido galardonada con el Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud en dos ocasiones, en 2015 y 2020. Además, es miembro de la Asociación Nacional de Teatro para Niños y Jóvenes TE VEO y de la Asociación de Compañías Profesionales de Artes Escénicas de Castilla-La Mancha (ESCENOCAM).

La podemos ver en Naves del Español (Madrid), hasta el 21 de noviembre.