¡Madre, el drama padre!

"El invencible verano de Liliana” es una obra basada en el libro de Cristina Rivera Garza, con adaptación de Amaranta Osorio, dirección de Juan Carlos Fisher e interpretación de Cecilia Suárez. Su autora, Cristina Rivera Garza, una de las más influyentes del panorama literario hispano de este momento, se hizo con el Premio Pulitzer por este texto. Narra la historia real de  su hermana asesinada  en 1990 a manos de su expareja, quien, a día de hoy, no ha sido atrapado.

El novel de Literatura Carlos Fuentes la ha considerado una de las mejores obras de la literatura en español de finales del siglo XX. Narra la historia real de  su hermana asesinada  en 1990 a manos de su expareja, quien a día de hoy no ha sido atrapado. Cecilia Suárez, actriz mexicana de prestigio internacional se enfrenta a este monólogo teatral bajo la dirección de Juan Carlos Fisher ( "La madre", "Prima facie", "Mamma mía"...).

Con sensibilidad y firmeza, la puesta en escena de “El invencible verano de Liliana” invita a recordar, a conmoverse y a no mirar hacia otro lado.

A Liliana Rivera Garza la mató su exnovio el 16 de julio de 1990. El asesino huyó y hasta hoy no ha sido atrapado. Liliana sería una más de esas víctimas anónimas asesinadas en México por hombres si no fuera por su hermana, la escritora Cristina Rivera Garza que, treinta años después de la muerte, encontró las fuerzas suficientes para revisar los archivos y documentos que dejó Liliana. Tras un arduo proceso de escritura restituyó su memoria en 2021 en El invencible verano de Liliana, una memoria que el Festival de Otoño lleva al teatro de la mano de la prestigiosa actriz mexicana Cecilia Suárez, adaptada como monólogo por la dramaturga Amaranta Osorio, dirigida por Juan Carlos Fischer.

La obra narra la vida de la hermana de la escritora ganadora del Premio Pulitzer de Memorias y Autobiografía 2024 por esta obra. El invencible verano de Liliana ha recibido los premios José Donoso, Nuevo León, Alfonso Reyes, Xavier Villaurrutia, Rodolfo Walsh y Mazatlán de Literatura desde su publicación. Es uno de los logros más altos de la escritora, una de las autoras más influyentes de la literatura hispanoamericana actual, que ha publicado diez novelas y fue finalista del National Book Critics Circle Award. Su novela Nadie me verá llorar (1999) fue elogiada por Carlos Fuentes como una de las mejores obras de la literatura en español de finales del siglo XX.

En ella se reconstruye el pasado íntimo y público de Liliana Rivera Garza a través de sus propias palabras, sus pensamientos y dudas escritas en anotaciones, frases y diarios recopilados por su hermana. De este modo, asistimos a la reconstrucción de los hechos que precedieron al crimen de la que entonces era una joven universitaria, y cuya historia refleja un sistema atravesado por la violencia que ha silenciado a miles de mujeres. Con sensibilidad y firmeza, la puesta en escena de El invencible verano de Liliana invita a recordar, a conmoverse y a no mirar hacia otro lado. Esta obra, como el libro que la inspira, es un acto de amor, una forma de contar la historia de una mujer con su propia voz, de honrar su paso por este mundo. Es un ejercicio de duelo y un acto político de recuperación de la palabra, de la dignidad y de la justicia.

La podremos ver, del 25, al 30 de noviembre, en el Centro Cultural Conde Duque.

https://www.youtube.com/watch?v=hp4ADY0HAZI

 

¡Una función teatral hilarante!

La función que sale mal, la comedia teatral más taquillera del mundo

ya ha comenzado su séptima temporada, en nuestra capital, ahora, en el Teatro Amaya. Ha sido aplaudida por más de 500.000 espectadores. Es una locura donde un director de una compañía teatral se las ve y se las desea para que esa función salga bien, pero resulta fatal...

La función que sale mal es, además, la comedia más longeva de la actual cartelera teatraltras más de1.000 representaciones en nuestro país y sus respectivas más de 15.000 caídas (algunas coreografiadas y otras no), 20.000 golpes, más de 1.300 “fuegos apagados” o más de 4.000 desmayos

España sigue sumando cifras que contribuyen al éxito internacional de esta comedia, que se ha representado ya en más de 30 países, ha sido vista por más de 8.000.000 de espectadores y que ha ganado los premios teatrales más importantes del planeta, como el Olivier, el Tony o el Molière (entre muchos otros).

A pesar de no haber recibido ningún premio nacional, la compañía agradece las más de 10.000 opiniones dejadas por los espectadores en los canales de venta: ¡casi todas son maravillosas!

 Por otro lado, es una comedia para todos los públicos, mezcla de Monty Python y Sherlock Holmes, que nos presenta a un grupo de teatro amateur en el estreno de su obra de misterio en la que, como el propio título sugiere, todo lo que puede salir mal… ¡sale mal! Los actores, propensos a los accidentes, luchan contra todas las adversidades hasta la bajada final del telón, con consecuencias tan desastrosas como divertidísimas.

La podemos ver, toda la temporada, en el Teatro Amaya.

https://www.youtube.com/watch?v=QkVYemSsz7U

Un cabaret pretendidamente rompedor

El Cabaret de los Hombres Perdidos es una obra creada por Christian Simeón y Patrick Laviosa y dirigida por Israel Reyes. Reúne a un equipo artístico que pretende abordar este musical desde una visión pegada a la actualidad y al presente distópico que rodea a la sociedad actual. Lo marginal y lo artístico se entremezclan en su argumento, que nos retrotrae a los años ochenta, tanto por su estilo, como temática.

El Cabaret de los Hombres Perdidos nos ofrece un espectáculo brillante y canalla. Una obra para reflexionar que no da ni un instante de tregua. Un musical de culto y transgresor que se representó por primera vez en el París.

Su argumento cuenta cómo este local de cabaret está a punto de cerrar. El ruido de una carrera alerta a los personajes que se hallan en el cabaret. Un muchacho es perseguido, alcanzado, golpeado. Aun así, logra escabullirse y entrar en el cabaret. Todavía no sabe que esa persecución le ha llevado a una nueva forma de vivir.

Dentro le están esperando el Destino, un tatuador y Lullaby, que le curarán las heridas y escenificarán cómo puede ser su futuro. El muchacho quiere ser cantante, pero la oferta que recibe es diferente. Este es el punto de partida de El cabaret de los hombres perdidos.

El protagonista, un chico árabe que emigra a una ciudad de occidente para buscarse la vida, recala en un local canalla,donde el cine porno es uno de sus protagonistas. Se convierte en una estrella del porno, pero la vida es traicionera y lo que parecía que iba yendo bien, acaba como el rosario de la Aurora...Soledad, sexo gai a borbotones y mucho humor y buena música de jazz con canciones divertidas son la base de este musical de pequeño formato.

Creada por Christian Simeón y Patrick Laviosa y dirigida por Israel Reyes, esta coproducción entre Canarias, Valencia y Madrid reúne a un equipo artístico que pretende abordar este musical desde una visión pegada a la actualidad y al presente distópico que rodea a la sociedad actual.

Hay que decir que el argumento es un poco enrevesado; que hay demasiadas alusiones al porno (para mi gusto, no justificadas, sino provocadoras para que el público se remueva en su butaca); que, por otro lado, los actores están muy bien y que la dirección artística saca lo mejor de ellos. ¡Ah, y una orquesta de jazz de cámara fantástica!.

En definitiva, una producción musical no perfecta, pero divertida aunque nada nuevo bajo el sol. Al menos, un nuevo cabaret en los escenarios madrileños, tan carentes de este género. Y no sé por qué...

Lo podemos ver, toda la temporada, en el renovado Teatro Maravillas.

https://www.youtube.com/watch?v=zA17ZeEhdhA

¡Ay, la adolescencia!

La compañía valenciana Pont Flotant ofrece la obra Adolescencia infinita, un viaje emocional para explorar sobre la adolescencia. Pronto, en el Teatro de La Abadía.

La compañía valenciana Pont Flotant ofrecerá, en breve, y en el Teatro de La Abadía, la obra Adolescencia infinita, un viaje emocional y escénico para explorar la adolescencia, el período más duro del ser humano...

Después del éxito de Eclipse total, con el que obtuvieron el Premio Max a la mejor autoría teatral, la formación ha creado una propuesta tan vibrante como melancólica que se sumerge en las aguas turbulentas de la adolescencia. En esta nueva producción se aborda una etapa de transformación radical, cargada de contradicciones, desde una mirada adulta que mezcla la ternura, la ironía y una nostalgia casi dolorosa.

Sobre las tablas, tres intérpretes adultos se embarcan en un ejercicio de memoria y empatía: intentan comprender la adolescencia de hoy, tan digital y efervescente, pero también reconectar con la suya propia. ¿Qué queda de aquel caos hormonal que definió quiénes somos? ¿Qué secretos guardamos aún? ¿Qué sentimientos no logramos gestionar entonces y aún nos habitan?

Con un lenguaje escénico plástico, físico y cercano al documental y a la autoficción, Pont Flotant genera una especie de ritual colectivo que combina música en directo, coreografía emocional y humor. El resultado es una pieza que no solo observa a los adolescentes como una sociedad aparte, sino que reivindica ese momento como un laboratorio de vida, donde el dolor y la belleza conviven. Así, se desarrolla una celebración lúcida y festiva de ese periodo que todos compartimos y que quizá nunca termina del todo.

El Pont Flotant es una formación fundada en el año 2000 en Valencia como un grupo de investigación sobre la técnica del actor. Durante sus obras, los artistas suelen conversar con los asistentes, les proponen participar en juegos y les cuentan sus intimidades. Entre sus producciones destacan El hijo que quiero tener, Las 7 diferencias, Ejercicios de amor o Algunas personas buenas.

En definitiva, una buena obra para no perdérsela...y reflexionar sobre lo que fuimos, los que ya tenemos una determinada edad, y lo que son nuestros jóvenes adolescentes...para comprenderlos mejor...

La podremos ver, del 16, al 26 de este mes, en el Teatro de La Abadía.

https://www.youtube.com/watch?v=RfsgAFoJn40

!Una ópera de amor prohibido con la Iglesia de por medio!

Pepita Jiménez es una ópera en tres actos basada en la novela homónima de Juan Valera, con música de Isaac Albéniz y libreto de Francis Burnett Money-Coutts, en versión de Pablo Sorozábal. Cuenta la historia prohibida de una señorita y un seminarista, a finales del siglo XIX...

La historia original la escribió Juan Valera en 1874 –muy popular en aquellos días de su publicación–, y fue después convertida en ópera –en inglés– por Isaac Albéniz e interpretada en distintas versiones musicales, en italiano en el Liceu (en 1896 y 1926), en alemán en Praga (1897), en francés en Bruselas (1897) y París (1923) y, finalmente, en español –en la versión libre de Pablo Sorozábal– en el Teatro de la Zarzuela (1964). Y Sorozábal todavía modificaría esa última versión para la histórica grabación de 1967 con Teresa Berganza como protagonista.

Sinopsis

La ópera sigue la historia de amor prohibido entre Pepita Jiménez, una hermosa y joven viuda, y el seminarista Luis Vargas, quien visita su pueblo natal; una historia apasionada de conflicto moral y elección personal. El joven Luis, destinado al sacerdocio, se enamora de la joven viuda Pepita, aunque mantiene una lucha interna al no querer aceptar el amor apasionado de la viuda. Basada en la novela homónima de Juan Valera, en ella el autor hace un delicado retrato de los conflictos entre deseo y deber, escrito con elegancia y hondura psicológica.

La podemos ver, en el Teatro de la Zarzuela, hasta el próximo día 19 del presente.

https://www.youtube.com/watch?v=RyNvYrKyt5A

El mejor show de hipnosis

El conocido mago Jorge Astyaro, considerado uno de los mejores hipnotistas del mundo, vuelve al Teatro Maravillas, a partir de finales de este mes. “Creer o no creer. Esa es la cuestión.”, es su lema.

Los Hipnonautas es el show más longevo de la cartelera madrileña, le avalan más veinte años de experiencia en los mejores teatros de España y Latinoamérica y ahora vuelve al Teatro Maravillas; Un espectáculo de hipnosis real, sorprendente, respetuoso y divertido, donde la participación es voluntaria.

Dicho show ha llevado a miles de personas a un viaje único por el poder de la mente y la imaginación. El espectáculo combina ciencia, arte y entretenimiento en una experiencia participativa en la que el público se convierte en protagonista.

“Para nosotros, cada función es un experimento en vivo. La hipnosis no es perder el control, es entregárselo a la parte más creativa de la mente. Ese descubrimiento compartido con el público es lo que hace que el show siga vivo después de tantos años”, afirma Jorge Astyaro, considerado uno de los hipnotistas más influyentes del mundo.

A lo largo de estos doce años, el show se ha reinventado para seguir sorprendiendo tanto a quienes lo descubren por primera vez como a quienes repiten la experiencia. Con un estilo innovador y cercano, Jorge Astyaro ha logrado conectar también con los más jóvenes a través de las redes sociales, colaborando con youtubers y creadores digitales como YoSoyPlex, Guanyar y muchos otros. Estos contenidos virales han acercado la hipnosis a nuevas generaciones, superando los 500 millones de visualizaciones en las redes sociales.

De este modo, Astyaro nos revela los secretos de la hipnosis, demostrando cómo la imaginación es tan poderosa que puede llegar a afectar los sentidos, logrando que sientas, escuches y veas cosas increíbles que sólo ocurren dentro de tu mente pero que las vives como si estuvieran sucediendo de verdad.

El prestigio de Astyaro lo llevó, además, a participar en cine como asesor de hipnosis en la película “Abracadabra”, de Pablo Berger, reforzando su reputación como referente internacional en el arte y la ciencia de la hipnosis.

Actualmente, también está trabajando en un libro que explora la percepción, las creencias y el poder de la mente para transformar la realidad personal, ampliando así su labor más allá de los escenarios.

Además de su permanencia en cartel, Los Hipnonautas ha girado por España y Latinoamérica. El espectáculo también ha inspirado proyectos audiovisuales y corporativos en los que la hipnosis se presenta como una herramienta de exploración, aprendizaje y transformación personal.

La celebración de este 12º aniversario en el Teatro Maravillas llega con nuevas sorpresas, escenas inéditas y un homenaje a todos los espectadores que han formado parte de esta aventura colectiva.

Creer o no creer, esa es la cuestión

Un show de hipnosis que te acerca a la verdadera magia de la palabra: permitir a cualquiera de nosotros experimentar una realidad virtual que sólo necesita de tu imaginación y que cobra sentido a partir de nuestros sueños, que te aleja de tus limitaciones y te enseña tus posibilidades, que te ayuda a explorarte y a conocerte.

Porque eso es la hipnosis, una herramienta psicológica real que te permite volar con tu imaginación, jugar con ilusiones y hacer realidad tus sueños; conocerte y reconocerte, trabajar tus posibilidades de crecimiento personal. En definitiva, mejorar.

Astyaro ha roto durante estos años muchos mitos y tabús, ha acercado sus conocimientos a la gente joven, cada vez más ávidos de experiencias positivas y diferentes, convirtiéndose en el primer «hipnotuber» de la historia con 2 millones de seguidores y 500 millones de visualizaciones en sus redes sociales.

Lo podremos disfrutar, a partir del próximo día 26 del presente, todos los domingos, en el Teatro Maravillas.

https://www.youtube.com/watch?v=aazHXZKDj4Q

Nace un nuevo espacio escénico en Madrid

Nace Espacio Mistral, un nuevo centro cultural en Madrid para el teatro, la música, la danza, el cine y la palabra. La fundadora de la Librería Mistral Andrea Stefanoni y el violinista y escritor Aaron Lee Cheon impulsan este nuevo escenario para la creación y el encuentro en el barrio Puerta del Ángel, con Maximiliano Legnani como director artístico. Su programación se inauguró será el pasado día 10 del presente con espectáculo Yupanqui: Canciones y paisajes del folclore argentino, homenaje a uno de los grandes referentes de la música latinoamericana interpretado por el músico y actor argentino Marcos Montes.

   

Teatro, música, danza, cine y palabra colmarán un nuevo ecosistema para la cultura en Madrid, Espacio Mistral, que abrió, el pasado día 10 del presente, en el barrio de Puerta del Ángel. Promovido por la fundadora de la Librería Mistral Andrea Stefanoni y el violinista y escritor Aaron Lee Cheon, este centro para la creación y el encuentro es fruto de la amistad de ambos, la suma de las trayectorias de la Librería La Mistral y de la Fundación Arte que Alimenta, que preside Lee.

Después de años de lecturas, actividades, producciones y encuentros, explican

sus promotores, llegaron a la conclusión de que necesitaban un lugar amplio y vivo

en el que cumplir unos sueños más ambiciosos para contribuir al tejido cultural de

la ciudad y dialogar con otras escenas iberoamericanas, europeas y asiáticas,

impulsando la creación y el pensamiento crítico, para que “el arte circule y se

encuentre con la comunidad”.

Con su ubicación en Puerta del Ángel, Espacio Mistral quiere contribuir a la

identidad de este barrio del suroeste madrileño y establecer con sus habitantes

una conversación, a la vez que se proyecta internacionalmente. Lo hará mediante

una destacada programación, que arranca el 10 de octubre con el espectáculo

Yupanqui: Canciones y paisajes del folclore argentino, un homenaje a uno de los

grandes referentes de la música latinoamericana. El reconocido músico y actor

argentino Marcos Montes llevará a los espectadores de viaje por las melodías y

paisajes que marcaron la obra del maestro Yupanqui.

Espacio Mistral articulará su actividad, gestionada por el director artístico

Maximiliano Legnani, en cuatro grandes ejes que dialogan entre sí: su

programación de teatro y dramaturgias contemporáneas incluirá estrenos,

adaptaciones y ciclos que recuperan autores clásicos y voces actuales, con

especial atención a Agustín Gómez Arcos, figura clave de la dramaturgia

prohibida y exiliada, y a creadores iberoamericanos y europeos. Sus fundadores

impulsarán textos originales, residencias de escritura y propuestas “que cuestionan

nuestro tiempo”.

La música estará presente en todas sus formas. De la música de cámara a la

sinfónica, de la experimental a la popular, los conciertos, festivales temáticos y

programas pedagógicos que programará Espacio Mistral convivirán con

grabaciones y proyectos audiovisuales.

El centro apuesta también por producciones de danza contemporánea y española,

con artistas consagrados como Marcos Flores, que ofrecerá el 15 de octubre una

Noche flamenca, junto a nuevas voces coreográficas. Residencias y talleres

abrirán el espacio a la investigación del cuerpo como lenguaje escénico.

Cada lunes, el espacio se convertirá en un cine club, con proyección de películas y

documentales, acompañados de charlas con su director o con actores, fomentando

la conversación en torno al séptimo arte. También habrá recitales de poesía y

debates.

Concebido como un laboratorio abierto, Espacio Mistral pretende consolidar un

calendario estable de actividades, convirtiendo el centro cultural en una referencia

de programación y producción. “Aquí se ensaya, se estrena, se graba y se

conversa. Cada producción —propia o en coproducción— se entiende como un

proceso completo, desde la investigación hasta la difusión”, explican sus

fundadores. Además, potenciará la difusión de sus propuestas con grabaciones,

pódcasts, streaming y proyectos audiovisuales, y expandirá su red de

coproducciones y residencias, fortaleciendo el intercambio entre creadores de

distintos países y disciplinas.

El objetivo es que cada proyecto, según sus fundadores —desde un estreno teatral

hasta un ciclo de conciertos o un cine club— sea semilla de nuevas obras, alianzas

y públicos, garantizando la continuidad de la creación y su impacto más allá del

presente. Espacio Mistral se erige así como el primer ecosistema independiente de

creación de artes escénicas en Madrid. Un lugar donde producción, coproducción,

residencias, investigación y difusión conviven para que las artes vivas crezcan con

libertad y alcance internacional.

Fundadores

Aaron Lee Cheon creó y preside desde 2015 la Fundación Arte que Alimenta

desde la que impulsa iniciativas de impacto social y artístico. Violinista de

formación, fue uno de los músicos más jóvenes de la Orquesta y Coro Nacionales

de España, institución que dejó para desarrollar sus propias iniciativas. Desde los

22 años dirige proyectos, sumando más de quince años de experiencia como

empresario y productor de artes escénicas. Entre 2020 y 2024 alcanzó un amplio

reconocimiento con su libro y obra teatral Yo soy el que soy, convertido en una

referencia de los valores de libertad e inclusión.

Andrea Stefanoni se desempeñó como gerente en la librería El Ateneo Grand

Splendid de Buenos Aires entre 2000 y 2020. Ha colaborado en revistas y

suplementos culturales y publicó La abuela civil española (Seix Barral Argentina,

2014), (Seix Barral España, 2015), traducida al alemán por la editorial austríaca

Septime Verlag (2016). En teatro ha escrito La restauración y Mamá, producidas y

dirigidas en Argentina, entre otras obras. Actualmente gestiona y dirige la librería

La Mistral de Madrid.

Maximiliano Legnani (Buenos Aires, 1990) es gestor cultural y escritor. Trabaja

desde hace más de veinte años como periodista cultural en medios argentinos de

primera línea. Ha publicado cuatro libros de poesía y ha sido productor de sus

programas televisivos y de radio, dedicados tanto a la actualidad política y cultural.

https://www.youtube.com/watch?v=YhTS8p2f_2A

¿Merece la pena el amor..?

El próximo lunes 20 de octubre el Teatro Gran Vía de Madrid (C/ Gran Vía 66) se viste de Gala para el estreno VIP de Rincones, con Lorena Gómez, una artista que brilla con luz propia y que esa noche verá cumplido su sueño de estar rodeada de todos sus amigos en su alfombra roja.

La ganadora de Operación Triunfo 2006 y finalista de Tu Cara me suena 2016, Lorena Gómez, encarna uno de los retos más importantes de su carrera protagonizando este musical que calará hondo en el bagaje emocional de los espectadores. Una obra que nos hará reír y llorar con la majestuosa voz de Lorena que nos dejará con las emociones a flor de piel.

El argumento de esta comedia nos cuenta que Lorena Gómez se mete en la piel de Macorina, quien recuerda y le canta a los sentimientos de las historias románticas de su pasado en busca de una respuesta a esa pregunta de si merece la pena el amor. Lo hace con la única compañía del piano de Angie Lófer, quien es, además, directora musical de los ‘shows’ en vivo de la artista, lo que dota a la actuación de un plus de complicidad que hará únicas cada una de las piezas del pop/rock español a las que, ella, imprime su sello de identidad.

En definitiva, una obra en la que, además, podremos escucharla cantar temas reconocibles por todos, pero con el toque íntimo y personal de la artista, que entremezcla las letras con las emociones del libreto escrito por José Andrés López de la Rica, quien lleva 14 temporadas actuando en la Gran Vía con su espectáculo Corta el cable rojo.

La podremos ver, desde el próximo día 20 del presente, en el Teatro Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=Uy8_ownupMY

 

Cada uno lo percibe como quiere

Eduardo Vasco dirige a Juan Echanove y Joaquín Climent en Esencia, una esta obra del dramaturgo Ignacio García May en un montaje sobre las certezas que damos por sentadas y la fragilidad de la percepción. En breve, en el Teatro Español.

El reconocido director escénico Eduardo Vasco pronto, dirigirá, en el Teatro Español, Escencia, una obra-una reflexión sobre las certezas que damos por sentadas, la fragilidad de nuestra percepción de la realidad y el papel del teatro como espacio de libertad.

Escrita por el dramaturgo Ignacio García May y con la participación de los prestigiosos actores Juan Echanove (para mi gusto, excesivamente intenso) y Joaquín Climent (siempre, muy ajustado al texto), la obra está concebida como un diálogo íntimo entre Pierre y Cecil, los dos protagonistas. Se desarrolla en un espacio suspendido entre lo real y lo ilusorio y el espectador es testigo de una conversación que, sin perder humanidad ni sentido del humor, se transforma poco a poco en un laberinto filosófico y emocional. Lo que parece una espera sencilla, la de un autor que no llega, se convierte en un juego de espejos sobre el tiempo, la identidad y el propio acto de representar.

La propuesta no pretende dar respuestas, sino agitar certezas, provocar pensamientos y transportar al espectador a una zona donde lo que concibe como sólido se vuelve poroso. Todo ello sin caer en dogmas ni en solemnidades gratuitas. Con una prosa cuidada y directa, el montaje vuelve a recordar que el escenario sigue siendo uno de los últimos lugares donde se puede cuestionar la realidad sin miedo ni pudor.

La podremos ver, del 14 de octubre, al 9 de noviembre, en el Teatro Español.

https://www.youtube.com/watch?v=P40DgMQo41M

¡Vuelve la gran cantante de musicales Elena Roger!

Elena Roger, artista reconocida y premiada tanto en Argentina, como en todo el mundo, llega a España con un concierto inolvidable que combina su voz única con una gran calidad interpretativa. El Teatro EDP Gran Vía de Madrid (29 de octubre 20h) y el Teatre Apolo de Barcelona (3 de noviembre, 20h) acogerán parte de su gira española.

Durante el concierto, Elena Roger (Evita, Piaf, Los Miserables, Mina…che cosa, sei?!?), presentará un recorrido por las canciones más emblemáticas de los musicales que protagonizó en Buenos Aires, Londres, Nueva York y Madrid. En la capital española protagonizó PIAF en el Nuevo Alcalá.

Un repertorio con todos los éxitos que la consagraron como una de las máximas referentes del teatro musical y una de las grandes voces de la música popular argentina: No llores por mí Argentina (Don't cry for me Argentina), Je ne regrette rien, La vie en rose, Un anno d' amore, Loving you, Balada para un loco, entre otras.

Con una profunda y sutil calidad interpretativa, Elena Roger, invita al público a sumergirse en un emotivo viaje musical por su ecléctico repertorio acompañada por el poderoso y delicado sonido del piano a cargo del maestro Nicolás Guerschberg.

En definitiva, un show que recorrerá bellas canciones y relatos llenos de historia y emoción.

La podremos ver el 29 de octubre, en el Teatro EDP Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=5kA6Dtd9o34&list=RD5kA6Dtd9o34&start_radio=1

Nuevas lecturas teatralizadas de la SGAE

Teatro en la Berlanga es una muestra de dramaturgia contemporánea que concentra el tradicional Ciclo SGAE de Lecturas Dramatizada. Ya, en la Sala Berlanga de la Sociedad General de Autores (SGAE).

La Fundación SGAE inaugura en la Sala Berlanga una nueva edición de Teatro en la Berlanga con el 29º Ciclo SGAE de Lecturas Teatralizadas, que se celebra los días 7, 14, 18 y 28 de octubre y 11 y 12 de noviembre. Esta cita anual reúne a creadoras y creadores de la dramaturgia contemporánea y presenta los textos premiados en los Premios SGAE de Autoría 2024, fragmentos del 12º Laboratorio de Escritura Teatral y el estreno inédito de Magari (Una cuestión moral), de la dramaturga Itziar Pascual, reciente ganadora del Premio Max 2025 a Mejor autoría teatral. Todas las funciones cuentan con un encuentro posterior entre el equipo artístico y técnico y el público.

El ciclo se abre el 7 de octubre con la lectura teatralizada de Magari (Una cuestión moral), dirigida por Natalia Menéndez e interpretada por Paula Iwasaki y Esther Isla. La programación continúa el 14 de octubre con extractos de los seis textos creados en el 12º Laboratorio de Escritura Teatral 2024 bajo la dirección de Pablo Messiez. Las piezas, que abordan temas como el desarraigo, el paso del tiempo, la naturaleza o la propia creación artística, estarán representadas por un elenco encabezado por Luis Sorolla, Alejandro Pau, Irene Serrano, Irene Doher y Carlos Gorbe.

Los Premios SGAE de Autoría 2024 articulan buena parte del ciclo. El 18 de octubre se ofrece De gigantes y guisantes, de Sebastián Moreno, dirigida por Jaime Cano y con un reparto coral. El 28 de octubre será el turno de Mi madre no existe, de Laura Garmo, con la participación de Mar Calvo y Esperanza Elipe. El 11 de noviembre se representará La generosidad, de Xavier Puchades, dirigida por Sergio Adillo y con un amplio elenco. Finalmente, el 12 de noviembre la actriz Pepa Pedroche protagonizará Los grillos tullidos, de Néstor Roldán Abarrategui, que también asume la dirección de la pieza.

Además, todas las obras forman parte de las novedades editoriales de la Fundación SGAE, disponibles en la Sala Berlanga y en el 26º Salón Internacional del Libro, del 23, al 26 de octubre, en el Teatro Valle Inclán. Teatro en la Berlanga 2025 incluye también un homenaje a Ana Diosdado, en el décimo aniversario de su fallecimiento, y el ciclo internacional Interautor 2025, que conecta a autoras y autores de Uruguay, Argentina y España.

Programación:

Martes, 7 de octubre, 19:30 h

Magari (Una cuestión moral), obra inédita de Itziar Pascual

• Ganadora del Premio Max 2025 a Mejor autoría teatral por Pepito, una historia de vida para niños y abuelos

• Dirección: Natalia Menéndez

• Intérpretes: Paula Iwasaki y Esther Isla

Martes, 14 de octubre, 19:30 h

Fragmentos de las obras del 12º Laboratorio de escritura teatral 2024 Fundación SGAE

• La urbanización de Rocío Bello

• 56 verdes diferentes de Beatriz Bergamín Serredi

• La obra del mar de Alessandra García

• Un castaño, un almendro o un árbol que dé fruta de Laura Mihon

• Hay un perro que camina en la niebla de Sergio Serrano

• Ídolo. Episodios de mutismo selectivo de Ana Torres Peñalver

• Dirección: Carlos Tuñón

• Intérpretes: Irene Doher, Carlos Gorbe, Alejandro Pau, Irene Serrano, Luis Sorolla

Sábado, 18 de octubre, 17:30 h

De gigantes y guisantes de Sebastián Moreno

• Obra ganadora del 25º Premio SGAE de Teatro Infantil 2024

• Dirección: Jaime Cano

• Intérpretes: Flavia Alcoceba, Mario Aranegui, Jaime Cano, Fernando Caride, Óscar Fervaz y Agustín Mateo

Martes, 28 de octubre, 19:30 h

Mi madre no existe de Laura Garmo

• Obra ganadora del 6º Premio SGAE Ana Diosdado 2024

• Dirección: Laura Garmo

• Intérpretes: Mar Calvo y Esperanza Elipe

Martes, 11 de noviembre, 19:30 h

La generosidad de Xavier Puchades

• Obra ganadora del 28º Premio LAM 2024

• Dirección: Sergio Adillo

• Intérpretes: Daniel Guerro, Consuelo Lefever, Andrea Leotte, Chupi Llorente, José Juan Rodríguez, Daniel Santos, Candela Trinidad Vacas e Iván Vigara

Miércoles, 12 de noviembre, 19:30 h

Los grillos tullidos de Néstor Roldán Abarrategui

• Obra ganadora del 33º Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela 2024

• Dirección: Néstor Roldán Abarrategui

• Intérpretes: Miquel Isúa, Pablo Paz y Pepa Pedroche