La vuelta de Queen...en teatro

Queen is back es un espectáculo en directo con los grandes éxitos de la banda británica junto al mejor doble del mundo, con una increíble caracterización y una voz impecable. Pronto, en el Teatro Fígaro.

Una cuidada puesta en escena y un despliegue técnico sin precedentes para un espectáculo sin igual que no te dejará indiferente.

Los artistas de Queen is back cuidan al detalle la puesta en escena que utilizaba QUEEN en la Gira del 86, siendo la última Gira con “Freddie Mercury” en escena.

La formación original que apasionó en los escenarios de todo el mundo, Queen, era excepcional porque sus músicos eran excepcionales. En este espectáculo veremos a Daniele Fasciani desde Italia con una increíble caracterización y una voz impecable. Un espectáculo en directo con Giacomo Figliolino en el papel de Brian May, Roberto Damicis como Roger Taylor y Julio Llorca en el papel de John Deacon.

Esta temporada podremos disfrutar de una nueva gira de conciertos por las principales ciudades de Europa disfrutando de los grandes éxitos de Queen en directo con todas sus grandes canciones como “We are the Champions” o “Bohemian Rapsody” «Radio Ga Ga» o «A Kind of Magic», ahora en Madrid y Barcelona.

La música es una de las expresiones artísticas más populares y emocionantes del mundo, y a menudo nos hace recordar momentos especiales de nuestras vidas. Si eres un amante de Queen vas a disfrutar de la misma pasión, energía y emoción que ellos mismos transmitían. Una experiencia musical inolvidable.

 Lo podemos ver, del 9, al 20 de julio, en el Teatro Fígaro.

Bailar lo imperfecto

Lucio A. Baglivo Antonio y Arthur Bernard-Bazin estrenan Wabi Sabi, una obra de danza que valora la belleza de lo imperfecto. Pronto, en los Teatros del Canal.

Los Teatros del Canal pronto estrenarán Wabi Sabi, la nueva obra de Lucio A. Baglivo Antonio y Arthur Bernard-Bazin. Una pieza de danza moderna que profundiza en la belleza de lo imperfecto, lo transitorio y lo auténtico.

En un mundo dominado por la perfección estética, la eficiencia milimétrica y la sobreexposición en redes sociales, una antigua filosofía japonesa resurge como un antídoto contra la alienación moderna: Wabi Sabi, un enfoque que invita a contemplar la belleza en lo incompleto, lo desgastado y lo auténticamente humano.

Más que una corriente estética, el Wabi Sabi propone una forma de estar en el mundo. Lejos del brillo de lo nuevo y del orden meticuloso, esta visión defiende el valor del desarreglo, el paso del tiempo y los errores. Es decir, lo imperfecto también es hermoso.

Esta filosofía no solo nos conecta con la naturaleza de los objetos, sino también con la nuestra. Nos muestra como seres múltiples, frágiles y contradictorios que revelan su verdadera esencia: la aceptación de lo que somos sin artificios.

Adoptar esta mirada implica también una crítica a la cultura del consumo y del rendimiento constante. Así, el montaje propone una pausa, una contemplación de lo cotidiano desde la calma y el reconocimiento. Es, en definitiva, un modo de reconciliarnos con nuestra humanidad.

Lucio A. Baglivo es un actor, bailarín, acróbata, profesor de danza y coreógrafo argentino que inició su carrera en solitario en 2006. Anteriormente, fue gimnasta federado desde 1987 hasta 1992 y campeón metropolitano de gimnasia deportiva en 1990. Sus funciones mezclan la danza, la acrobacia y el teatro potenciando todos los sentidos del espectador y multiplicando sus emociones.

Arthur Bernard-Bazin es un artista francés especializado en teatro físico y danza contemporánea. Empezó su formación en París, combinando teatro, artes visuales y malabares. En 2007 se trasladó a Madrid, donde amplió sus estudios en instituciones como La Usina, la RESAD y el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila (CSDMA).

Lo podemos ver, los días 21 y 22 de este mes, en los Teatros del Canal.

La tabernera del puerto...sin coro

El recurrente director Mario Gas y solvente actor ofrece una nueva adaptación de La tabernera del puerto, una conocida zarzuela del repertorio romántico. Ya, en el Teatro de la Zarzuela.

El director y actor Mario Gas dirige una nueva adaptación de La tabernera del puerto, una clásica y romántica zarzuela romántica escrita por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y musicalizada por Pablo Sorozábal. Un montaje que ya podemos ver en el Teatro de la Zarzuela.

Estrenada, por vez primera, en el Teatro Tívoli de Barcelona, el 6 de mayo de 1936, esta obra es una producción del Teatro de la Zarzuela (2018). La tabernera del puerto está considerada como "la última gran zarzuela de la historia", se trata de uno de los más perdurables éxitos del compositor vasco, Pablo Sorozábal y del teatro lírico del siglo XX.

En la imaginaria ciudad costera de Cantabreda, en pleno puerto, se encuentra la Taberna de Marola. Nadie conoce el origen de Marola. Solo saben que su negocio fue costeado por el bandido Juan de Eguía, a quien todos creen su marido.

Leandro, un pescador local, se enamora de Marola. Al mismo tiempo, Abel, un acordeonista, también queda prendado de sus encantos, aunque no se ve correspondido. Las mujeres del pueblo se hartan y reprochan a Marola que vuelva locos a los hombres de la ciudad ante la mirada furiosa de Juan de Eguía.

Es un montaje que ya pudimos ver hace varias temporadas...

También la vimos la semana pasada, sin coro -está en huelga: sus integrantes protestan, con toda la razón, por el recorte de sus derechos. No quedó mal sin el coro, pero faltaba algo...Miento...faltaba mucho...

La podemos disfrutar, hasta el próximo día 22, en el Teatro de la Zarzuela.

https://www.youtube.com/watch?v=-NeF1fXg3h8

Ficha artística:

• Dirección musical - José Miguel Pérez-Sierra / Julio César Picos (6 y 7 junio)

• Dirección de escena - Mario Gas

• Escenografía - Ezio Frigerio con Riccardo Massironi

• Vestuario - Franca Squarciapino

• Iluminación - Vinicio Cheli

• Movimiento escénico - Aixa Guerra

• Videoescena - Álvaro Luna

Reparto:

Marola LEONOR BONILLA (4, 6, 8, 12, 14, 15, 20 y 22) / SERENA SÁENZ (5, 7, 11, 13, 18, 19 y 21); Juan de Eguía ÁNGEL ÓDENA (4, 6, 8, 12, 14, 18, 20 y 22) / CÉSAR SAN MARTÍN (5, 7, 11, 13, 15, 19 y 21); Leandro MARCELO PUENTE (4, 6, 8, 12, 14, 18, 20 y 22) / CELSO ALBELO (5, 7, 11, 13, 15, 19 y 21); Simpson RUBÉN AMORETTI (4, 6, 8, 12, 14, 18, 20 y 22) / SIMÓN ORFILA (5, 7, 11, 13, 15, 19 y 21); Abel RUTH GONZÁLEZ; Antigua VICKY PEÑA; Chinchorro PEP MOLINA; Ripalda ÁNGEL RUIZ; Verdier XAVIER RIBERA-VALL.

El clásico del origen la violencia contra las mujeres

La directora escénica Eva Romero lidera esta adaptación del mito de Ifigenia, que explora el origen de la violencia contra las mujeres, cuando son éstas las que dan a luz a los hombres...Ya, en el clásico Teatro Bellas Artes.

Eva Romero (Las suplicantes o El grito) dirige una reinterpretación del mito clásico de Ifigenia, que explora el origen de la violencia contra las mujeres en la cultura occidental. Una obra que ya podemos disfrutar en el Teatro Bellas Artes como parte del programa del 71º Festival de Mérida en Madrid.

La función toma como punto de partida el sacrificio de Ifigenia a manos de su padre, Agamenón, en el contexto de la Guerra de Troya. Y es que el rey de Micenas mata a su hija para obtener el apoyo de los dioses y contar con vientos favorables en su viaje a Troya. Diez años después, a su regreso triunfante de la guerra, su esposa Clitemnestra lo asesina como venganza. Pero más tarde son sus hijos Orestes y Electra quienes matan a su madre para reparar el homicidio de su padre.

A través de personajes como Ifigenia, Políxena, Hécuba y Clitemnestra, el montaje recorre los episodios más oscuros de las tragedias griegas Ifigenia en Áulide, Hécuba y Agamenón para denunciar la brutalidad padecida por las mujeres, tanto como víctimas directas como madres dolientes.

Se trata de un grito contra el olvido, una denuncia del silencio histórico que ha ocultado el sufrimiento femenino bajo el relato épico de las gestas heroicas masculinas. Así, la obra muestra cómo la violencia patriarcal está en la raíz de la civilización y plantea una re-lectura dramática, visceral y política de esas leyendas, poniendo el foco en la memoria y la angustia de las mujeres.

La podemos ver, hasta el próximo día 15 del presente, en el Teatro Bellas Artes.

Bailar la existencia del Hombre

El coreógrafo Marcos Morau estrena, en España, Cathedral, una obra de danza moderna sobre la existencia humana. Ya, en los Teatros del Canal. 

Los Teatros del Canal estrenan, en España, Cathedral, la nueva obra de danza moderna del coreógrafo Marcos Morau, que reflexiona sobre la existencia humana. Un espectáculo que, además, tiene música a cargo de Arvo Pärt, grabada por Sinfonia Rotterdam.

Se trata de una ambiciosa producción que Morau creó para la compañía Scapino Ballet Rotterdam que combina el poder del movimiento con la profundidad de la música espiritual del compositor estonio Arvo Pärt.

Tras el éxito de Pablo, su primera colaboración con el conjunto neerlandés, Morau vuelve con una pieza que propone una deliberación sobre la esencia de la existencia y el lugar del ser humano en el universo. En un escenario impactante dominado por proyecciones a tamaño real, un diseño lumínico envolvente y la aparición simbólica de un meteorito, los bailarines se convierten en figuras meditativas que dialogan con la inmensidad de lo natural y lo trascendente.

La música de Pär funciona como la columna vertebral de la función. Sus tonos íntimos y casi litúrgicos guían a los intérpretes por un viaje sensorial y emocional, en el que la danza deja de ser solo una expresión corporal para convertirse en un acto casi místico. Así se genera una experiencia que invita al espectador a detenerse y preguntarse por el misterio de la vida misma.

Marcos Mora Ureña, más conocido artísticamente como Marcos Morau, es un director y bailarín nacido en Onteniente (Valencia) en 1982. Versado también en fotografía y dramaturgia, se formó en el Conservatorio Superior de Danza de Valencia y el Movement Research de Nueva York (Estados Unidos).

En 2005 decidió crear su propia compañía, La Veronal, un grupo integrado por artistas procedentes de la danza, el cine, el teatro, la literatura y la fotografía que apuesta por un lenguaje artístico entre la abstracción y la narración con la intención de formar espacios culturalmente diversos.

Entre sus galardones destacan el Premio Extraordinario del Institut del Teatre de Barcelona 2010, el Premio en la Competición Internacional de Coreografía de Copenhague 2011, el Premio Time Out Barcelona al Creador del Año 2012 y el Premio Nacional de Danza 2013 en la categoría de coreografía.

La podemos ver, hasta el próximo día 14 del presente, en los Teatros del Canal.

Lo oculto en lo cotidiano, a través de la danza

Estreno absoluto de Jesús Rubio Gamo...todas esas cosas dentro de las cosas que llamamos cosas escondidas en..., la nueva pieza de danza del coreógrafo madrileño en la que explora lo oculto en lo cotidiano. Desde mañana, en el Centro Cultural Conde Duque.

El coreógrafo madrileño Jesús Rubio Gamo vuelve a la escena con Jesús Rubio Gamo...todas esas cosas dentro de las cosas que llamamos cosas escondidas en..., una nueva creación que continúa su exploración del cuerpo y el movimiento como forma de indagación, en esta ocasión sobre lo que se halla en las acciones habituales. Desde mañana, en el Centro Cultural Conde Duque.

Fiel a su estilo, Jesús parte de preguntas esenciales sobre la danza y la vida, evitando respuestas cerradas y apostando por una puesta en escena simple pero cargada de significado. Esta vez, da un paso más allá en su investigación: quiere descubrir lo que hay detrás del gesto, lo oculto en lo cotidiano.

Co-producido por el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque y el Festival Grec de Barcelona, el evento también cuenta con la participación del artista sonoro Enrique del Castillo, con su singular umbráfono, un dispositivo que convierte antiguas cintas de cine en experiencias auditivas únicas.

Nacido en Madrid en 1982, Jesús Rubio Gamo es un coreógrafo y bailarín que lleva produciendo obras independientes desde 2008. Se ha formado en ballet clásico, danza contemporánea, teatro y literatura en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma y la Universidad Complutense de Madrid.

Entre sus piezas destacan Ahora que no somos demasiado viejos todavía y Gran bolero, la cual fue nominada como Mejor montaje de danza en los Premios Butaca de las Artes Escénicas de Cataluña de 2019 y fue galardonada con el Premio MAX al Mejor espectáculo de danza de 2020.

Debido a su trayectoria profesional, Radio Nacional de España le otorgó en 2020 el Premio Ojo Crítico en la modalidad de danza y la Red de Danza Aerowaves le incluyó en 2017 y 2018 como uno de los 20 coreógrafos jóvenes más destacados de Europa.

La podemos ver, los días 12 y 13 de este mes, en el Centro Cultural Conde Duque.

https://www.youtube.com/watch?v=RnU1tqJe6Z0

Danza, música y cine

Lucía Lacarra y Mateo Golding representan Forlandia, un espectáculo de danza sobre la esperanza en tiempos difíciles. Ya, en Centro Danza Matadero. 

Los coreógrafos Lucía Lacarra y Mateo Golding representan, en Centro Danza Matadero, Forlandia. Se trata de un espectáculo de baile moderno que combina elementos del cine, la música y el arte visual para reflexionar sobre la esperanza en tiempos difíciles.

Inspirada en el confinamiento y la complejidad del mundo actual, la pieza juega con la dualidad entre el desencanto y la esperanza, invitando al espectador a elegir su propia interpretación. Mediante la fusión de la danza, el cine, la música y el arte visual se crea una experiencia inmersiva en la que cada movimiento y cada imagen transmiten emociones profundas.

Este montaje no solo es un homenaje a la danza en momentos oscuros y complejos, sino una invitación a sentir y evadirse. Una obra que promete conmover al público y recordarle que, incluso en la adversidad, siempre hay luz al final del túnel.

Nacida en Zumaya (Guipúzcoa) en 1975, Lucía Lacarra es una artista de ballet que ha trabajado para la agrupación de Víctor Ullate y el Ballet de Marseille de Roland Petit como bailarina principal. De ahí pasó al Ballet de San Francisco y al Bayerisches Staatsballett de Múnich. En 2003 recibió el Premio Benois de la Danse como Mejor bailarina por su papel en Onegin, en 2011 fue nombrada Bailarina de la Década en la Gala de las Estrellas del Ballet Mundial en San Petersburgo (Rusia) y en 2022 obtuvo el Premio Max a la Mejor intérprete femenina de danza por In the still of the night. Aparte, de 2018 a 2020 fue la directora artística del conjunto y de la escuela de ballet de Víctor Ullate.

Por su lado, Matthew Golding es un bailarín canadiense nacido en 1985 que comenzó en la danza a la edad de ocho años. A los 16 años recibió el prestigioso Prix de Lausanne, que le dio la oportunidad de estudiar en The Royal Ballet School de Londres (Reino Unido), donde se graduó con honores. Durante su carrera, ha sido el bailarín principal de The Royal Ballet de Londres y el director del Ballet Nacional Holandés (Het Nationale Ballet) de Ámsterdam (Países Bajos). Ha sido galardonado con el Premio Zwaan en 2010 y el Premio Alexandra Radius en 2011.

La podemos ver, desde hoy, y hasta el próximo día 15 de este mes, en Centro Danza Matadero. 

https://www.youtube.com/watch?v=XNeNP_QJ8YU

El preciado don de la palabra

El laureado director escénico Juan Carlos Pérez de la Fuente y, al mismo tiempo, director del Teatro Fernando Fernán Gómez, dirige La aventura de la palabra, un homenaje a Fernando Fernán Gómez basado en su discurso de ingreso en la Real Academia Española de la Lengua (RAE). Ya, en el Teatro Fernán Gómez.

El director escénico Juan Carlos Pérez de la Fuente (Torquemada, El cerco de Numancia o La gota de sangre) dirige un homenaje a Fernando Fernán Gómez basado en su discurso de ingreso en la Real Academia Española. Una fantástica obra que ya podemos disfrutar en el Teatro Fernán Gómez.

El montaje ha sido escrito por Raúl Losánez (Vano fantasma de niebla y luz) y cuenta con la participación de los actores Nancho Novo y Marta Poveda. Así, se recoge Aventura de la palabra en el siglo XX, el discurso que Fernán Gómez pronunció en el año 2000 para abordar el valor de la palabra escrita y hablada, su relación con la oralidad y el lenguaje como herramienta artística.

La pieza busca recuperar y actualizar la visión de Fernán Gómez, quien no solo fue un brillante autor, sino también un actor comprometido con la expresión oral del lenguaje, aportando una nueva dimensión al teatro. Esta representación recuerda su contribución a la literatura y al cine, al tiempo que también subraya su faceta como un humilde cómico, profundamente ligado al arte del habla.

Este tributo llega en el 25º aniversario de su ingreso a la Academia, un momento perfecto para recordar al artista, explorar cómo la palabra puede ser teatralizada y reflexionar sobre el poder y la belleza de la lengua en todas sus formas.

En definitiva, un montaje perfecto, con un casting perfecto y que llega en un momento en el que la palabra, especialmente, malutilizada por esa raza tan, muchas veces, asquerosa que es la de los políticos, que lo están “enmerdando” todo con sus malas artes mafiosas...

La podemos ver, hasta el próximo día 22 del presente, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=jGzC6OWgb7Q

Ficha artística:

Ubicación: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Jardiel Poncela

• Texto original - Fernando Fernán Gómez

• Versión y dramaturgia - Raúl Losánez

• Dirección - Juan Carlos Pérez de la Fuente

• Reparto - Nancho Novo y Marta Poveda

• Producción - Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

• Colaboración - La Compañía del Figurín

• Créditos imágenes - © Luicar Cuevas

Duración aproximada: 75 minutos

La esperada vuelta de Nacho Duato

Después de dos décadas, el premiado coreógrafo valenciano Nacho Duato regresa a los escenarios con algunas de sus obras más icónicas, como Duende, Gnawa y Liberté. En breve, en el Teatro Albéniz.

El prestigioso coreógrafo Nacho Duato regresa a los escenarios de Madrid, después de más de dos décadas, con un espectáculo en el que incorpora algunas de sus obras más icónicas, como Duende, Gnawa y Liberté, junto a su nueva creación, Cantus. Pronto, en el Teatro Albéniz-UMUSIC Hotel.

Duato lidera ahora su propia compañía de jóvenes talentos y el evento incluye el estreno de Cantus, una nueva creación del coreógrafo que fusiona su lenguaje coreográfico con la música de Karl Jenkins, prometiendo una experiencia única para los espectadores. Por todo ello, el montaje es una oportunidad excepcional para revivir el legado artístico de Duato y disfrutar de su visión renovada, mostrando la calidad de su nueva formación y celebrando su evolución en la danza.

Entre las piezas destacadas de este programa se encuentran Duende, Gnawa y el conmovedor paso a dos Liberté, que juntos transportan a momentos únicos de su trayectoria artística. El broche de oro llega con su nueva creación, Cantus, una obra que sorprende con su inconfundible talento, fusionando su lenguaje coreográfico con la poderosa música de Karl Jenkins.

Nacido en Valencia en 1967, Juan Ignacio Duato Barcia, más conocido como Nacho Duato, es uno de los mejores bailarines españoles de la historia. Sus ballets y composiciones son parte del repertorio de los más distinguidos conjuntos internacionales como la American Ballet Theatre, el Ballet de la Ópera de París o el Ballet de la Ópera de Berlín.

Por otro lado, entre los galardones que ha recogido se encuentran el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Creación 2013, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 1998 o el Premio Ciudad de Alcalá de las Artes y las Letras 2015.

La podemos ver, del 12, al 15 de junio, ambos inclusive, en el Teatro Albéniz- UMUSIC Hotel. 

https://www.youtube.com/watch?v=XC9grhqquJg