El poder del tambor japonés

Del 18 al 28 de junio, el Teatro EDP Gran Vía De Madrid recibe a Yamato, un imponente grupo japonés formado por 40 tambores taiko que desde 1993 ha ofrecido más de 4.000 espectáculos en los 54 países en los que se han presentado fieles a su vocación de llevar la alegría por todo el mundo, haciendo cada año una gira internacional.

Uno de los aspectos más impresionantes del espectáculo de Yamato es el uso de los tambores taiko, instrumentos que forman una parte fundamental de la tradición japonesa. El tambor más grande de la agrupación pesa 500 kilos y es fabricado a partir de un árbol de más de 400 años, lo que refleja el compromiso de Yamato con la preservación de la cultura japonesa. Los artistas deben tener una formación física rigurosa para poder tocar estos tambores de tamaño y peso tan imponentes, creando una paleta de sonidos que es incomparable en su variedad y potencia.

La perfección en la ejecución y la destreza física de los músicos se hacen evidentes durante el espectáculo. A través de sus movimientos precisos y su sincronización perfecta, los miembros de Yamato son capaces de extraer una gama asombrosa de sonidos, lo que hace de su propuesta un evento memorable para todos los asistentes.

Yamato busca lograr una estrecha conexión con el público en un juego de percusión que va desde los tambores sagrados al patio de butacas y desde las palmas del público a los artistas, dejando fluir un torrente de energía que viaja por toda la sala en un pálpito que hace sudar, llorar y reír a todos los asistentes porque, como dicen ellos “con nuestra percusión queremos transmitir el ritmo del latido del corazón, la sonora esencia de todos los seres vivos”.

La razón por la que Yamato toca el Wadaiko (el tambor japonés) no se trata solo de técnica.

El sonido creado por las manos humanas lleva consigo el corazón y la vida. Resuena en el oyente, transmitiendo valor, inspiración y fortaleza.

No importa cuán avanzada sea la tecnología, el "sonido del corazón" que resuena y se conecta con el pulso humano no puede ser reproducido por la IA.

Yamato continuará transmitiendo el "poder humano" a través del Wadaiko. Creando momentos donde los corazones se conectan entre sí. Ese es el desafío de Yamato y nuestra respuesta al futuro.

Lo podemos ver, hoy, como último día, en el Teatro EDP Gran Vía.

https://www.youtube.com/watch?v=UFCW1RxbeiM

Sobre Miguel Mihura

La directora escénica Beatriz Jaén dirige Mihura, el último comediógrafo, una obra de Adrián Perea que rinde un claro homenaje a los cómicos, especialmente al dramaturgo de primera mitad del siglo pasado Miguel Mihura (Tres sombreros de copa). Ya, en Nave 10 Matadero.

Nave 10 Matadero acoge, en la sala Sala Max Aub, Mihura, el último comediógrafo, una obra de Adrián Perea dirigida por Beatriz Jaén​ que rinde un claro homenaje a los cómicos, especialmente a Miguel Mihura. ​​​​​​

En esta obra tiene un papel importante Miguel Mihura pero, ¿quién fue este autor de una de las obras más representativas del teatro español del siglo XX? ¿Qué sabemos de él y qué conexión existe con los dramaturgos actuales? Adrián Perea intenta respondes a todas estas cuestiones en tono de comedia. Al igual que Tom Stoppard, Perea crea una suerte de Shakespeare in Love dentro del humor absurdo, mezclando risas, amor, cabaret y sueños frustrados.

La obra explora la escritura como forma de resistencia y nos permite comprender mejor el antiguo oficio de aquellos que nos hacen reír. Se presenta como una biografía sentimental en la que la vida, la ficción y la auto-ficción se entrelazan de manera reveladora.

La podemos ver, hasta el 15 de junio, en Nave 10 Matadero.

https://www.youtube.com/watch?v=QD78En-gwkg

Lo último de la Martha Graham Dance Company

Como parte de la celebración de su centenario, la compañía Martha Graham Dance Company representa una combinación de piezas clásicas y modernas. En breve, en Centro Dance Matadero.

Como parte de la celebración de su centenario, la compañía Martha Graham Dance Company representa, en Centro Danza Matadero, una combinación de piezas clásicas y modernas, como la obra más lírica y apasionada de Graham, Diversion of Angels.

El programa es una mezcla de lo mejor de su legado y la originalidad contemporánea. Así, la función expone la lírica Diversion of Angels (1948), un ensayo abstracto sobre el amor, y el poderoso solo Immediate Tragedy (1937), inspirado en la Guerra Civil española.

Además, presenta la energética We the People, de Jamar Roberts, que festeja la fuerza de la comunidad, y termina con CAVE, la obra catártica de Hofesh Shechter que desata la euforia del público. Con estos cuatro montajes se brinda un recorrido por nueve décadas de danza con algunos de los bailarines más consumados del mundo.

La Martha Graham Dance Company es un conjunto fundado en 1926 por la icónica bailarina y coreógrafa Martha Graham. Con sede en Nueva York (Estados Unidos), ha sido pionero en el desarrollo del lenguaje de la danza moderna, influyendo profundamente en el arte del movimiento y en la creación coreográfica del siglo XX. Graham revolucionó el baile con un enfoque que fusionaba el simbolismo con una narrativa innovadora. Bajo su dirección, la compañía produjo obras maestras como Appalachian Spring, Lamentation, Diversion of Angels y Chronicle.

Tras la muerte de Graham en 1991, la agrupación continuó su misión de preservar y reinterpretar su repertorio, al tiempo que colaboraba con coreógrafos contemporáneos para expandir su plantel. A día de hoy es una de las formaciones de danza moderna más laureadas del planeta y ha sido reconocida como Patrimonio Cultural Nacional en los Estados Unidos.

Lo podemos ver, del 29 de este mes, al 1 de junio, en el Centro Danza Matadero.

https://www.youtube.com/shorts/aAbPygYsibU

Circo clásico con propuesta moderna

La familia circense Circo Raluy Legacy presenta Cyborg, una obra que fusiona el circo clásico con nuevas formas de expresión artística. Pronto, en el Teatro Circo Price.

La familia circense Raluy, conocida por su larga tradición en este mundo de la expresión artística, presenta Cyborg, una obra que fusiona el circo clásico con nuevas formas de expresión artística. Un espectáculo que podrá verse en el Teatro Circo Price del 30 de mayo al 28 de junio, con funciones de miércoles a domingo.

Esta compañía ha desarrollado en éste un espectáculo que trasciende lo puramente circense para convertirse en una experiencia sensorial, futurista e innovadora. La pieza transporta al público a un universo más allá de lo humano, donde la tecnología y la creatividad se mezclan para expandir los sentidos y romper los límites tradicionales del arte.

En escena aparecen criaturas irreales, personajes casi robóticos, máquinas rugientes y números de alto riesgo, combinados con humor y una fuerte carga visual, gracias a un vestuario y una coreografía especialmente impactantes. Con todo ello se genera una obra inmersiva que lleva el circo a otro nivel, mezclando pasado, presente y futuro en un mismo montaje.

Con más de cien años de historia y seis generaciones, Raluy está considerado como uno de los principales circos del mundo. Fundado en Cataluña, combina el encanto de los antiguos circos europeos con una puesta en escena moderna.

Entre sus múltiples galardones destacan el Premio Nacional de Circo del Ministerio de Cultura de España, en 1996, y la Creu de Sant Jordi, en 2006.

Todo un espectáculo circense a tener en cuenta...

Lo podemos ver, del 30 de este mes, al 28 de junio, en el Teatro Circo Price. 

https://www.youtube.com/shorts/jCHzz1QU74c

¿Realidad o ficción?

El solvente actor Carlos Chamarro protagoniza Magia, una adaptación de Emilio Ruiz Barrachina de la obra de C. K. Chesterton. Trata de lo que es real y de lo ficticio. Ya, en el Teatro Pavón. 

El Teatro Pavón nos ofrece su nueva producción, Magia, una adaptación de Emilio Ruiz Barrachina de la obra de C. K. Chesterton. Con un elenco de actores liderado por Carlos Chamarro, esta obra promete emocionar a los espectadores gracias a una combinación de comedia, drama e intriga.

Motivado por su archi-enemigo George Bernard Shaw, quien lo criticaba por desperdiciar su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir su primera obra como dramaturgo: Magia, que se estrenó en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres. La obra fue todo un exponente de éxito, con 165 representaciones consecutivas antes de estrenarse en Nueva York, donde también cosechó el mismo éxito.

En esta obra, Chesterton mezcla, de manera sutil, tanto la comedia, como el drama, el romance, la intriga y las paradojas, abordando muchos de los temas que más le apasionaban, como la relación entre la realidad y la racionalidad, lo fantástico y la locura.

Este texto dramático está repleto de simbolismo, con personajes que representan conceptos como la ciencia, la religión, la fantasía, el amor y la política. A pesar de los más de cien años transcurridos desde su estreno, sigue estando en boca de todos ya que ni la realidad ni la sociedad han experimentado grandes cambios...aparentes. Aunque, habría que decir, que en esta Cuarta Revolución, la tecnológica, todo comienza a ser diferente, en especial, desde la llegada, a finales de los años noventa, de Internet, y ahora, con la Inteligencia Artificial invadiéndolo todo...

Esta pieza considerada un pilar fundamental del teatro británico, destacada por su humor y crítica social. Curiosamente, nunca antes había sido representada en España. Además, Ingmar Bergman se inspiró en ella para su película El Rostro.

Pero...(siempre, hay un pero, porque el Hombre y lo que hace no son perfectos), ¿qué difícil es versionar el teatro inglés..? ¿Por qué será...? Creo que por que la cultura inglesa es única e irrepetible. Lo mismo es su idioma, lleno de matices, que traducido, no tienen sentido o son difíciles de interpretar. Y la forma de interpretar de los actores ingleses, con esa flema inigualable, no puede trasladarse a los escenarios de ninguna otra cultura. Por eso, este montaje se nos antoja un tanto pretencioso...que no malo...

https://www.youtube.com/watch?v=cohrr4432xw

Ficha artística:

• Dramaturgia - C. K. Chesterton

• Adaptación y dirección - Emilio Ruiz Barrachina

• Reparto - Carlos Chamarro, Juanma Díez Diego, Valentín Paredes, Ángel Héctor Sánchez y Rebecca Arrosse

• Director de Producción - Jesús Aguilar

• Estilismo - Helena Truébano

• Diseño de Vestuario - Rebecca Arrosse

• Escenografía - Pablo Camuñas

• Director técnico e Iluminación - Rafael Echeverz

• Producción - Hemisphere Teatro

Duración aproximada: 90 minutos

¡La primera obra feminista!

Los populares y premiados actores María León, Santi Marín y Pepa Gracia lideran el reparto de Casa de muñecas, una gran adaptación de Eduardo Galán de la obra de Ibsen. Trata de la libertad femenina para dirigir su destino.

El prestigioso dramaturgo Eduardo Galán (Blablacoche, La curva de la felicidad o Mercado de amores) revisiona la gran obra Casa de muñecas, de Henrik Ibsen 146 años después de su estreno. Un montaje dirigido por Lautaro Perotti y que cuenta con un reparto liderado por María León, Santi Marín, Patxi Freytez, Alejandro Bruni y Pepa Gracia. Ya la podemos ver en el Teatro Fernán Gómez.

La historia de la obra -la primera obra feminista del teatro occidental, relata las circunstancias familiares que vive Nora Helmer. Ella no está conforme con la condición en la que se encuentra, por lo que trata de mejorar el carácter y la mentalidad de su marido. Sin embargo, al no conseguirlo se da cuenta de que para su esposo ella solo es un mero objeto de su propiedad. Llegado el momento, Nora decide dejar a su marido e hijos, cerrando la puerta de su casa con un portazo que simboliza su emancipación y rechazo a los roles tradicionales de la mujer.

Partiendo de la trama original, Eduardo Galán plantea cómo sería esa decisión de Nora en la actualidad. Así, se cuestiona si la sociedad ha avanzado lo suficiente en cuanto a igualdad de género y cómo se enfrentarían hoy los mismos dilemas de independencia personal y ruptura con los mandatos sociales. Con ello se invita a reflexionar sobre la situación de las mujeres en nuestros días, aún influenciadas por determinadas expectativas socioculturales.

El montaje que anteayer vi fue conmovedor. ¿Por qué..? Primeramente, por los actores no actúan, sino que viven sus personajes. Son muy buenos y están, por otro lado, muy bien dirigidos. Y esto no es muy habitual de encontrar en nuestro teatro...por desgracia. En segundo lugar, porque es un drama que va in crescendo: comienza mostrándonos situaciones amables de la vida cotidiana, para terminar en el “madre el drama padre”. Y en tercer lugar, porque es la primera obra teatral feminista y eso, que yo intento serlo, pues me llega al alma.

Y, con todo y con eso, como antes se decía, qué buena actriz María León, ¡coño..!

Lo mismo que he dicho de “Orlando”, esta versión-adaptación de “Casa de muñecas” es, asimismo, una imprescindible...Quien no vaya a verla, que no me vuelva a dirigir la palabra...

La podemos ver, hasta el 22 de junio, en el Teatro Fernán Gómez.

https://www.youtube.com/watch?v=MfFtZBuWouE

Ficha artística:

Ubicación: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa - Sala Guirau

• Autor - Henrik Ibsen

• Adaptador - Eduardo Galán

• Director - Lautaro Perotti

• Diseño de escenografía y vestuario - Lua Quiroga

• Diseño de iluminación - Luis García

• Música original y espacio sonoro - Manu Solís

• Ayudante de dirección - Juan Diego Vela

• Diseño gráfico - Hawork Studio (Alberto Valle, Raquel Lobo y Sara Ruiz)

• Fotografía de estudio - Juan Carlos Arévalo

• Peluquería y maquillaje - Roberto Palacios

• Créditos imágenes - © Pedro Gato / © Juan Carlos Arévalo

Reparto:

• Nora Helmer - María León

• Osvaldo Helmer - Santi Marín

• Oscar - Patxi Freytez

• Cristina Linde - Pepa Gracia

• Doctor Rank - Alejandro Bruni

Duración aproximada: 90 minutos 

¡Una obra total!

La conocida y reconocida directora escénica Marta Pazos dirige la fabulosa Orlando, una nueva adaptación de la novela homónima de Virginia Woolf, que habla de la libertad sexual y del todo de nuestro inexplicable Universo.

La directora escénica Marta Pazos (Othello, Siglo mío, bestia mía o Safo) lidera una adaptación del Centro Dramático Nacional sobre Orlando, la novela homónima de Virginia Woolf. Una obra de obligada visión en el Teatro Mª Guerrero.

La obra explora los roles de género, la identidad, el amor, la belleza y las convenciones sociales y se fundamenta en una celebración de la vida mediante un juego de atracción, seducción y apertura de los sentimientos del público. Se trata de uno de los trabajos más laureados del siglo XX que narra la triste existencia de Orlando, un aristócrata de la Inglaterra victoriana que se mantiene con vida hasta la Primera Guerra Mundial.

Un total de cuatrocientos años en los que termina mutando de sexo, el cual se realiza en el montaje a través de cambios de vestuario. Un hecho que sirve para examinar distintos tabúes de la época como la homosexualidad, el papel de las mujeres o la sexualidad femenina.

Nacida en Pontevedra, en 1976, Marta Pazos es una directora, dramaturga, escenógrafa e intérprete. Fue fundadora y directora artística de las compañías Belmondo (2000-2005) y Voadora (2007-2022). Durante su carrera ha recibido el Premio de Honor al mérito en las artes escénicas de la MIT Ribadavia 2020, el Premio de Honor Dorotea Bárcenas 2018 y cuatro Premios de Teatro María Casares.

El montaje que vi no tiene palabras por su belleza y verdad, por su libertad y aleccionamiento vital; por su maravillosamente bella y elegante escenografía. Por el todo con el que está pensado. Y por la nada en su pretenciosidad, que no la tiene.

En fin, todo lo que diga a su favor es poco y se queda en bien poco. Hay que verla! Hay que verla! Hay que verla! Es la gran e inconmensurable producción de la temporada madrileña y, diría yo, nacional. Lloré a moco tendido al salir. Y cada vez que pienso en ella, vuelvo a llorar...¡¡¡De emoción!!!

La podemos ver, hasta el 8 de junio, en el Teatro Mª Guerrero.

https://www.youtube.com/watch?v=cayAw8jyLyA

Ficha artística:

• Texto - Virginia Woolf

• Adaptación y dramaturgia - Gabriel Calderón y Marta Pazos

• Dirección - Marta Pazos

• Escenografía - Blanca Añón

• Iluminación - Nuno Meira

• Vestuario - Agustín Petronio

• Composición musical y espacio sonoro - Hugo Torres

• Coreografía - Mabel Olea

• Caracterización - Johny Dean

• Ayudante de dirección - Laura Ortega

• Ayudante de escenografía - Isi Ponce

• Ayudante de iluminación - Paloma Cavilla

• Ayudantes de vestuario - Belén Bértola y Ximena Martínez

• Ayudante de sonido - Enrique Mingo Rubio

• Meritorio de dirección - Analía Irigoyen

• Estudiantes en prácticas - Rodrigo Zarricueta (Chile Crea. Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio), Adrián Cumbres (Universidad Antonio de Lebrija) y Maribel Durán (Máster en Teatro y Artes Escénicas UCM)

• Tráiler y fotografía - Bárbara Sánchez Palomero

• Diseño de cartel - Emilio Lorente

• Realización de escenografía - SCNIK

• Modelista - Elizabeth Martínez

• Realización de vestuario - Sally Chen, Florencia Gómez de Salazar y Ricardo Rosa

• Ayudantes de realización de vestuario - Bruno Amorín, Melanie Torres Inés y Villarmarzo Grisoni

• Diseño de estampado - Nicolle Saad

• Producción - Centro Dramático Nacional

Reparto y colaboración en la creación:

• Shermeldine - Nao Albet

• Emisaria, Nuestra Señora de la Castidad, Roble, Dama de la Reina - Anna Climent

• Archiduquesa, Lady R. - Alessandra García

• Greene, Mr Pope - Jorge Kent

• Sasha, Nuestra Señora de la Modestia - Paula Losada

• Orlando - Laia Manzanares

• Rústum el Sadi, Archiduque - Paco Ochoa

• Nuestra Señora de la Pureza, Roble, Dama de la Reina - Mabel Olea

• Khan, Mr Swift - José Juan Rodríguez

• Queen Elisabeth I, Mr Addison - Alberto Velasco

• Virginia Woolf - Abril Zamora

Duración aproximada: 2 horas

¡Qué poderosa la palabra..!

Los reconocidos actores Luis Bermejo y Javier Gutiérrez lideran el reparto de Los yugoslavos, un montaje sobre el poder de la palabra y los lugares. Ya, en el Teatro de La Abadía.

El prestigioso dramaturgo Juan Mayorga escribe y dirige una obra que invita a reflexionar sobre el impacto de las palabras en nuestras vidas y cómo estas pueden definirnos. Con un reparto liderado por los actores Luis Bermejo y Javier Gutiérrez. Ya la podemos ver en el Teatro de La Abadía.

Con la participación de los actores Luis Bermejo, Javier Gutiérrez, Natalia Hernández y Alba Planas, la función se inspira en los recuerdos del abuelo de Mayorga, quien le contaba las historias cotidianas que le ocurrían en su bar con sus clientes. A partir de esta premisa, Mayorga explora el poder de la comunicación y la identidad.

Así, la pieza gira en torno a un camarero que escucha a un cliente y le pide que hable con su esposa, desencadenando un intercambio de palabras entre dos hombres y un intercambio de mapas entre dos mujeres. Aunque ninguno de ellos ha estado en la antigua Yugoslavia, existe una conexión simbólica con un lugar que ya no existe, cuestionando lo que sucede cuando perdemos nuestras raíces.

Nacido en Madrid en 1965, Juan Mayorga es un dramaturgo y regidor, fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España. Actualmente dirige la Cátedra de Artes Escénicas de la Universidad Carlos III de Madrid y ha trabajado para el Centro Dramático Nacional y la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Cuenta con varios galardones en su haber: el Premio Nacional de Teatro de 2007, el Premio Nacional de Literatura Dramática de 2013, el Premio Nacional de las Letras Teresa de Ávila de 2016 y tres Premios Max al mejor autor en 2006, 2008 y 2009, así como dos Premios Max a la mejor adaptación en 2008 y 2013. Además, en 2018 fue elegido miembro de la Real Academia Española para ocupar el sillón M.

La podemos ver, hasta el próximo 6 de julio, en el Teatro de La Abadía.