Monólogo contra la guerra

El director escénico Alberto Conejero estrena un alegato contra la guerra y un canto al amor. Su título, En mitad de tanto fuego. ¿El teatro?: Teatros del Canal.

El prestigioso director Alberto Conejero estrena un monólogo dramático que supone un alegato contra la guerra y un canto a la libertad, al amor y al deseo. Su título, En mitad de tanto fuego.           

La obra está interpretada por Rubén de Eguía, quien encarna a Patroclo, amigo, amante y guerrero de los Mirmidones de Aquiles. Y es que la pieza se basa en la famosa Ilíada de Homero para generar un poema obscuro donde reflexionar acerca de la violencia del campo de batalla, pero también de la violencia del deseo.

Con todo ello se arma un discurso antibelicista y un ejemplo de confrontación del arte ante la guerra por medio de un oratorio por las víctimas que trata sobre temáticas como el poder, la pasión, el crimen o la patria. Además, el montaje es también un intento de contar la historia de otro modo, de imaginar el futuro de otra manera. Un espectáculo que ha sido tildado como el más personal de Alberto Conejero y que resultó ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática 2019.

Nacido en Jaén, en 1978, Alberto Conejero es un dramaturgo, director y poeta licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y doctor en Ciencias de las Religiones ​por la Universidad Complutense de Madrid. Entre sus funciones más destacadas se encuentran Húngaros, por la que recibió el Premio Nacional de Teatro Universitario 2000, Ushuaia, por la que obtuvo el Premio Ricardo López Aranda 2013, y La piedra oscura, ganadora del Premio Max a la mejor creación original 2016.

La podemos ver, hasta el 4 de febrero, en Teatros del Canal.

 Ni más ni menos, Karina

La famosa cantante de los años 60 y 70 Karina ofrece una función donde recuerda su carrera con humor y música. Podemos ver este original espectáculo en el Teatro Bellas Artes.

La famosa cantante Karina representa, junto con Carlos Manuel Díaz, representa un espectáculo donde recuerda su carrera musical, con sus luces y sombras, mediante toques de comedia y grandes canciones.

María Isabel Llaudes Santiago, más conocida como Karina, es una vocalista nacida en Jaén en 1945 que se aupó al estrellato en la década de los 60. Ganó mucha popularidad gracias a su voz suave y melódica y por temas como El baúl de los recuerdos, Las flechas del amor o En un mundo nuevo, que destacaron por un estilo que abarcaba géneros como la balada, el pop y la música romántica.

En 1971 quedó en segunda posición en el festival de Eurovisión, lo que le permitió rodar su primera película como protagonista: En un mundo nuevo. A lo largo de su trayectoria, Karina lanzó numerosos álbumes y participó en prestigiosos certámenes de música. Aunque su fama disminuyó después de los 80, continuó actuando y manteniendo una buena base de fans, como demuestran sus más de 75 000 seguidores en Instagram. Por ello, está considerada como una de las mayores solistas de la historia de España.

La podemos ver, hasta el próximo 26 de febrero, en el Teatro Bellas Artes.

El caso de Emily Dawson

El caso de la desaparición de la niña Emily Dawson dio la vuelta al mundo y estuvo presente, a diario, en los noticieros y periódicos, inaugurando, así, la que se conocería como la “década de las desapariciones”.  Ahora, Teatros Luchana nos ofrece una versión teatral de aquel conocido suceso e híper explotado mediáticamente.

“I´m here! Help!”, fue el grito que despertó al tranquilo barrio de White Roses, en Ohio, una mañana de febrero. Martin Risk, el vecino que escuchó aquellos gritos comenzó a buscar hasta encontrar de dónde procedían. Llegó hasta el 2107 de la avenida principal, donde encontró a una joven que pedía ayuda. Martin no daba crédito a lo que veían sus ojos: aquella joven era Emily, la joven maestra de escuela secuestrada casi un año atrás. Harry Coleman, un conductor de autobús escolar, la había sometido a toda clase de abusos, torturas y violaciones en el sótano de su casa. Harry fue conocido como el Monstruo de White Roses. 

El caso de la desaparición de Emily Dawson dio la vuelta al mundo y estuvo presente día tras día en los noticieros y periódicos inaugurando la que se conocería como la “década de las desapariciones”. 

El texto, escrito y dirigido por Jesús Torres (Premio Teatro 2019 Autor Exprés por Fundación SGAE por “Puños de harina”) y protagonizado por Lucía Diez (“La noche más larga”, Netflix) y Víctor Palmero («La que se avecina», «The Hole») presenta la relación entre Emily y Harry a través de los meses de cautiverio. Una relación que se ve afectada por el papel que juega la prensa sensacionalista en el secuestro, que inventa datos y da voz a falsos testigos para alimentar la curiosidad de los telespectadores de este caso que, a pesar de no ser real, juega con la verosimilitud y la ficción para reflexionar sobre la actitud que tomamos ante estas noticias. 

La podemos ver, toda la temporada, en Teatros Luchana.

De monjas cómicas asesinas

Con dirección y dramaturgia a cargo de Jose Warletta, la desbaratada comedia Santas y perversas, del Teatro Lara, es un thriller cómico con muertos y monjas y detectives estúpidos o no tanto...

La comedia loca Santas y perversas es un relato protagonizado por los actores Joseba Priego, Miguel de Miguel, Eva Rodríguez, David Ortega y Fernando Bodega. Presenta en escena a cuatro monjas como protagonistas, todas ellas las únicas sospechosas en un caso de asesinato, al Inspector Jefferson y a su ayudante, el alguacil Bob.

La hermana Catherine Wellstone es asesinada en el convento de las Hermanas del Pie Diestro. Un inspector y su ayudante investigan a cuatro religiosas sospechosas: una ciega, otra sorda, una vasca y la Madre Abadesa, que no se lo van a poner fácil a los representantes de la ley.

Muy al estilo de las películas del detective Hercules Poirot, de la archi-popular escritora británica Agatha Christie, la obra va presentando a los personajes del convento (esas montajas tan extravagantes) , a medida que son entrevistadas por el detective. Cada una es de su padre y de su madre y....todas esconden un secreto.

¿Quién será la asesina de la monjita...? ¿Todas o ninguna? ¿O alguna..?

La obra está muy bien escrtita, dirigida e interpretada. Se basa en la astracanada humorística y el el slapstick (patochada) inglés. Un humor surrealista que tanto agradecemos los españoles, cuyo humorística suele ser muy de este estilo.

No os la perdáis: Humor blanco asegurado.

La podemos ver en el Teatro Lara, todos los sábados, hasta fin de temporada.

Padre e hija, hija y padre

El Teatro Pavón ofrece el montaje de la obra Roca Negra, escrita por el conocido dramaturgo, al tiempo que popular actor y cantante de cine, televisión, teatro y musicales. Los actores Juanjo Puigcorbé y María Adamuz son los encargados de dar vida a los protagonistas de la obra: un padre y una hija, ambos escritores, que entablan una conversación existencial, profunda y franca.

El veterano actor Juanjo Puigcorbé interpreta el papel de un padre escritor, Nando, que se ve confrontado a su hija, Olivia, también escritora. Ambos mantienen un encuentro existencial y sincero, y experimentan todo un vaivén emocional durante el desarrollo del cual, cada uno dirá al otro aquello que no se atrevió nunca a confesarse en el pasado.

A lo largo de la obra, Nando y Olivia, padre e hija, se replantean el sentido de su existencia y comprobarán como el indomable instinto de libertad y el obstinado deseo de proteger su respectiva independencia son armas de doble filo.

La obra teatral comienza el día en que Olivia va a casa de su padre a anunciarle su vuelta a la ciudad que la vio nacer. En ese momento se inicia entre ellos una conversación sincera y abierta, que por momentos es dura y amarga, o tierna y cariñosa. Ambos personajes se dirán, el uno al otro, todo aquello que nunca se atrevieron a decirse hasta entonces.

La ví el primer día de su representación frente a un público y, pese a que siempre, siempre, los actores están nerviosos, en esta ocasión, no se les notaba un ápice. Juanjo Puigorbé, como siempre, comedido y soberbio. Y María Adarmuz,su contrapunto, más dinámica, más en su papel de hija nerviosa y preocupada.

En cuanto al texto, no presenta novedad alguna y el tema está harto manido. El hecho de que el protagonista de sea escritor cuya última novela relata su propia vida y situaciones iguales ya está muy visto: el autor podía haber elegido otro.

Por lo demás, la obra entretiene y Puigorbé siempre enamora, a ellas y a ellos...Sus años pasan, pero su encanto permanece.

La podemos ver, hasta el próximo 3 de marzo, en el Teatro Pavón.

El extravagante papel del macho en la Historia

Macho grita es un monólogo contemporáneo escrito, dirigido e interpretado por el reputado actor Alberto San Juan, que profundiza en la complejidad de la identidad En breve, la podremos disfrutar en el Teatro Pavón.

El conocido actor Alberto San Juan representa los martes, miércoles, jueves, sábados y domingos del 16 al 31 de enero; y los lunes del 5 al 26 de febrero en el Teatro Pavón una comedia musical que parte del mito de Don Juan para indagar en la relación entre el presente y el ciclo que inaugura el año 1492.

Acompañado en directo por los músicos Claudio De Casas, Miguel Malla, Gabriel Marijuan y Pablo Navarro, utiliza el mito de Don Juan para abordar asuntos vinculados con la generación de la idiosincrasia y el colonialismo. De tal modo, la obra plantea preguntas sobre la identidad personal y colectiva, cuestionando cómo se construyen ambas y quién tiene el poder para hacerlo.

Un acercamiento personal a la Reconquista, la expulsión de los judíos o la llegada a América, para pensar, con humor, cómo se construye lo macho en este territorio. Así, se hace referencia a la caída del último territorio musulmán en la península, el Reino de Granada, en 1492 y la conquista de América con el fin de profundizar y reflexionar acerca de la opresión, la resistencia y la esquizofrénica experiencia de ser “uno de los nuestros”.

Alberto San Juan, actor, director, autor,  es fundador de la compañía Animalario e impulsor del proyecto Teatro del Barrio. Entre sus últimos montajes teatrales, destacan: Lorca en Nueva York, Lectura fácil’(director), Mundo obrero, Masacre, El rey, o Autorretrato de un joven capitalista español.

En cine, es ganador de dos premios goya como mejor actor y ha trabajado con directores como Álex de la Iglesia, Dani de la Orden, Cesc Gay o Emilio Martínez Lázaro.

La podemos ver, del 5, l 26 de febrero, en el Teatro Pavón.

No a las críticas hacia los viejos

Moríos es una obra qque reivindica la edad tardía de la vejez, al tiempo, que critica a las sociedades modernas que la marginan. Anna María Ricart y Joan Arqué Solà son sus actores protagonistas. La podemos ver en el Teatro de La Abadía.

El Teatro de La Abadía ofrece, estos días, una obra escrita por Anna Maria Ricart, que fue periodista durante más de veinte años, hasta que lo dejó para dedicarse a la dramaturgia. Una faceta donde ha cosechado grandes éxitos, como lograr ser finalista del premio a Mejor Autoría Teatral de la XXIV edición de los premios Max de las Artes Escénicas por Encara hi ha algú al bosc (Hay alguien en el bosque).

Tras esa sobrecogedora Hay alguien en el bosque, Cultura i Conflicte, junto a Teatro de l’Aurora vuelven a los escenarios de La Abadía para representar su última producción, en la que también hablan de otro tema importante y esencial, sin eufemismos y sin tabúes. El sello inconfundible de la dirección de Joan Arqué se vuelve a unir a la maravillosa dramaturgia de Anna Maria Ricart Codina y, a ellos, se suma la coreografía de Sol Picó para profundizar en un tema del que poco se habla: la vejez.

Partiendo de un periodo de investigación y documentación, juntos orquestan un montaje teatral que incluye dolor y denuncia, pero que también desde el más sincero respeto muestra su concepción lúdica, irónica y celebrativa del teatro.

Según ella, si hay algo que marca la vejez es el cuerpo, que refleja la edad. Por ello la obra está trabajada a partir del cuerpo. Nuestros cuerpos no tienen valor si no son productivos y reproductivos. Alargamos las vidas y vamos destinados al colapso, en esa carrera contra el tiempo que afecta aún más a las mujeres.

En el escenario, Imma sorbe su sopa con gusto antes de recibir una visita inesperada. Hoy será el último día en el que Oriol miré las obras como un jubilado más. Montse no puede bailar desde que vive bajo el agua.

En definitiva, estamos frente a un viaje del realismo a la abstracción lleno de ironía para pensar en la libertad que nos queda en la vejez.

La podemos ver,hasta el próximo día 21 del mes, en el Teatro de La Abadía.

Cuando los humanos nos prestamos ayuda

La archi popular actriz Carmen Machi protagoniza el drama Nuestros actos ocultos, que reflexiona sobre las relaciones humanas y la ayuda mutua. En breve, lo podremos ver en el escenario de Naves del Español.

La actriz Carmen Machi (Aída, La tortuga de Darwin), protagoniza un drama que reflexiona sobre las relaciones humanas y la necesidad de ayuda mutua.

La pieza está escrita y dirigida por el argentino Lautaro Perotti (La habitación blanca, Rita o Cronología de las bestias) y Machi está acompañada sobre las tablas por Santi Marín y Macarena García.

Su trama presenta a Azucena, quien a pesar de estar luchando contra una enfermedad se embarca en un viaje junto con su fiel acompañante Patri. Esta travesía es provocada por una llamada de su hija Elena, que está implicada en un trágico suceso. Juntas emprenden una huida en un viejo automóvil a través de carreteras poco frecuentadas.

A medida que pasa el tiempo, lo que inicialmente parecía una fuga desesperada se transforma en un encuentro profundo entre individuos que no se conocen del todo, pero que se necesitan mutuamente. Esta experiencia hace que los personajes realicen acciones inesperadas.

Con ello el montaje vislumbra cómo la unión y el tiempo compartido pueden llevar a las personas a enfrentarse a situaciones imprevistas y a descubrir intensas conexiones entre ellas. Un hecho que expone que las relaciones humanas pueden ser sorprendentemente poderosas y transformadoras, incluso, en momentos de crisis y dificultades.

Aún, queda esperanza en el ser humano, sería el mensaje de la obra...

La podemos ver, del 16 de este mes, al 3 de febrero, en Naves del Español.

El amor, a pachas

El sobresaliente actor argentino Miguel Ángel Solá y la solvente actriz Paula Cancio protagonizan la premiada obra argentina Doble o nada, que propone un juego entre el amor y la igualdad de género. La podemos ver en Teatros Luchana.

El premiado thriller argentino Doble o nada, escrito por la dramaturga mexicana Sabina Berman y protagonizado por los reconocidos intérpretes Miguel Ángel Solá y Paula Cancio, pone en escena un juego entre el amor y la igualdad de género.

La pieza está dirigida por Quique Quintanilla, siendo su primer trabajo en la dirección de montajes para adultos, posteriormente a una carrera en la asistencia dentro del teatro infantil.

Por otro lado, la obra está interpretada por los actores Miguel Ángel Solá y Paula Cancio, quienes también son pareja en la vida real. Parece ser que al actor le funciona muy bien actuar con sus parejas, pues, durante años, pisó las tablas con su anterior pareja, Blanca Oteiza.

Su argumento presenta a Ricardo, el director de un importante medio de comunicación que se va a retirar y debe elegir su sustituto entre sus dos subdirectores: Miky, una antigua alumna suya de la universidad, y Beteta, un periodista con una amplia experiencia profesional.

Pero una tormenta de nieve encierra al director y a Miky durante toda la noche en el edificio. Así, el amor platónico que se procesan el uno por el otro se ve envuelto en un mar de testosterona y feromonas.

Durante el trascurso de los acontecimientos, se indaga en los límites femeninos dentro de un mundo laboral dominado por los hombres, al tiempo que se muestra cómo la audacia, el sexo y el engaño pueden ser grandes herramientas para obtener el poder.

La podemos ver, hasta el 25 de febrero, en Teatros Luchana.

La Hª de España por las ferias

El Patio Teatro realiza con el montaje de Feriantes un recorrido por la Historia de nuestro país, a la vez que homenaje a las ferias y a sus trabajadores. Lo podemos ver en el Teatro María Guerrero.

El Teatro María Guerrero acaba de estrenar, hoy, Feriantes, un reconocimiento a los cientos de familias que se dedican al mundo de la feria en el país. Izaskun Fernández y Julián Sáenz López, miembros fundadores de la compañía teatral logroñesa El Patio Teatro, crean, a partir de entrevistas realizadas a trabajadores de la feria, esta pieza teatral que homenajea a la feria, a las barracas, a los cacharritos y a todas esas personas que han entregado su tiempo vendiendo ilusión y diversión por todos los pueblos y ciudades de España.

Muchas de las entrevistas e investigaciones que El Patio Teatro realizó, en mayo de 2022, como primera parte del proceso de creación de Dramawalker Logroño, la propuesta del Centro Dramático Nacional que aceptaron dirigir, les hacía pensar podrían llevarles a lugares que requerían de una investigación más minuciosa para poder encontrar historias, con la fuerza suficiente, para saltar a las tablas del teatro.

Por eso, la compañía se dedicó a tirar del hilo para poder documentar, desde su lenguaje, esta forma de vida, la de las familias de feriantes del país. Siguiendo su impulso y su intuición, se subieron un tiempo a un puesto de feria para entrevistar a los trabajadores y sus familias y crear después una obra que transmite su verdad.

Lo podemos ver, hasta el 28 de enero, en el Teatro María Guerrero.

¿Tiene sentido la vida?

Ursina Lardi y Milo Rau son los creadores de Every woman, una obra de teatro que cuestiona la esencia de la vida y el ritual dramático como práctica colectiva. Lo podemos ver en el Teatro María Guerrero, del 12, al 14 de enero.

El Teatro María Guerrero estrena Every woman, un montaje teatral que habla de la soledad, de la muerte y que se centra en las experiencias de dos mujeres para incitarnos a cuestionar la finitud de nuestras vidas: Helga Bedau, una mujer a la que le han diagnosticado una enfermedad letal, y la actriz Ursina Lardi, protagonistas de esta propuesta escénica y audiovisual, que podremos ver en alemán con subtítulos en español.

Esta pieza teatral surge a raíz de un mensaje que una mujer, con una enfermedad mortal, escribe en 2020, en plena pandemia del virus Covid-19, a una actriz contándole la situación y lamentando no poder ir más al teatro. Además, la mujer confiesa que le hubiera encantado subirse ella misma al escenario y que su último deseo es actuar en una obra de teatro.

Esa mujer es Helga Bedau, una maestra alemana, a la que algún tiempo después, Ursina Lardi y Milo Rau visitaron en su casa de Berlín. Como respuesta a sus últimos deseos, Ursina y Milo, filmaron a Helga mientras ambas mujeres conversaban. De esta forma, ahora la antigua maestra se ve transportada al escenario, en un montaje audiovisual en el que Ursina Lardi, sobre el escenario, dialoga con ella a través de la grabación.

La conversación entre ambas gira en torno a la muerte, pero también, alrededor de la vida. Utilizando la obra moral alegórica Jedermann, sobre un estilo de vida recto y la redención a través de la fe, ambas mujeres entablan una conversación íntima sobre el pasado y el futuro, sobre la vida, la muerte, la soledad y la comunidad.

Y, como contrapunto, acuden a Todo hombre, la pieza alegórica de Hugo von Hofmannsthal basada en la muerte de un hombre. A través de esta conversación que se mueve entre lo personal y lo filosófico, la obra cuestiona, de forma muy tangible, la esencia de la vida, pero también el ritual del teatro como práctica colectiva, incitándonos a cuestionar la finitud de nuestras vidas.

La podemos ver, del 12, al 14 de este mes, en el Teatro María Guerrero.

Reflexión flamenca profunda

Debajo de los pies. Eduardo Guerrero es un espectáculo flamenco del bailaor gaditano Eduardo Guerrero que explora la complejidad de la experiencia humana. Lo podemos ver, los días 10 y 11 de este mes, en los Teatros del Canal.

El bailaor Eduardo Guerrero estrena Debajo de los pies, un espectáculo de danza flamenca donde invita a explorar y reflexionar sobre la complejidad de la experiencia humana, a través de la expresión artística.

Guerrero sumerge a los asistentes en un universo artístico en el que aborda las preocupaciones vitales y personales a las que todos nos enfrentamos. Así, genera un mundo donde la tradición y la contemporaneidad se entrelazan, creando un terreno lleno de matices en el que se establece un diálogo entre lo cercano y lo lejano. Una pieza que se ha catalogado como la más personal, transgresora y ambiciosa de su carrera y que se estrenó en el XXIII Festival de Jerez.

Nacido en Cádiz, en 1983, Eduardo Guerrero es un coreógrafo y bailarín que se inició en la danza a la edad de seis años. Ha colaborado con artistas como Antonio Canales, Manolo Marín, Mario Maya o Chiqui de Jerez y ha participado como bailaor solista en certámenes como los Viernes Flamencos de Jerez, los Jueves Flamencos de Cádiz y el Festival de Estrellas del Museo Guggenheim. Además, es ganador de numerosas distinciones, como el Primer Premio del II Concurso Coreográfico de Conservatorios Profesionales de Danza de Andalucía, el Premio Desplante del Festival Internacional del Cante de las Minas de la Unión 2013, el XVI Premio del Público del Festival de Jerez de 2017 o el Premio Lorca Intérprete Masculino Danza Flamenca 2022.

Lo podemos ver, los días 10 y 11 de este mes, en los Teatros del Canal.

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El Cascanueces siempre vuelve por navidades

El Ballet de Kiev trae por Navidad una versión colorida y muy emotiva de uno de los ballets más populares de la Historia, El Cascanueces. Lo podemos ver en el Teatro Lope de Vega.

El Ballet de Kiev regresa estas navidades a Madrid con su versión colorida y emotiva de El Cascanueces, capaz de transportar al público a los sentimientos de la magia y el espíritu de la Navidad.

El Cascanueces es uno de los ballets más representados y populares de todos los tiempos. La música de Piotr Ilich Tchaikovsky y la coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov se combinan a la perfección para dar lugar a un espectáculo lleno de belleza, magia y encanto.

Su argumento cuenta la historia de la pequeña Clara, una niña que recibe un regalo de Navidad de su peculiar padrino Drosselmeyer, un cascanueces en forma de muñeco soldado. Durante la noche, ella se transporta a un mundo mágico donde los juguetes cobran vida y el cascanueces se convierte en un príncipe. Juntos, Clara y el príncipe recorren un mundo de fantasía lleno de dulces y flores, y luchan contra el malvado Rey de los Ratones.

Estamos frente a un ballet mágico y encantador cuya historia ha cautivado, durante generaciones, a espectadores de todas las edades. Su música y coreografía son una celebración de la belleza, la fantasía y la alegría de la vida.

El Ballet de Kiev tiene su sede en el Centro Internacional de Cultura y Artes de Kiev, Ucrania. A lo largo de los últimos años, han visitado gran parte del mundo representando los principales títulos clásicos, así como coreografías originales. Espectáculos como El Lago de los Cisnes, El Cascanueces, La bella Durmiente, Don Quixote, Giselle, Carmen o Scheherazade son parte de su conocido y reconocido repertorio habitual.

Lo podemos ver, hasta el 15 del mes, en el Teatro Lope de Vega.

El show de Ricky Ferry vuelve a Madrid

El popular artista del cabaret Ricky Ferry vuelve a Madrid con su espectáculo, El show de Ricky Ferry en New York, después de una gira por el Norte de España, donde recaló en San Sebastián. Le podemos ver en la mítica sala de música en directo El Rincón del Arte Nuevo.

El show de Ricky Ferry en New York ha vuelto a Madrid, después de una gira por el Norte de España.

Este espectáculo, montado por el popular artista del cabaret hispanoamericano Ricky Ferry, habla de la fuerza interior para dar un gran paso. También habla de la soledad, del Amor, del desengaño y del éxito.

El argumento es una especie de autobiografía, en la que él, siendo muy joven, emigró a Nueva York para abrirse paso en el complicado mundo del show business.

Al poco tiempo de comenzar las clases en una escuela de canto y danza del Soho, y gracias a su talento natural, Ricky comienza a actuar en un club de jazz para jóvenes talentos de Harlem. Entre medias, conoce a su amor, pero éste le engaña y Ricky comienza a tambalearse...

Lo podemos ver el 6 de este mes, a las 20 h., en El Rincón del Arte Nuevo.

¡Un nuevo y renovado musical Chicago!

Chicago, El Musical es un nuevo montaje de la exitosa producción original de Broadway Chicago, Lo podemos ver en el Teatro Nuevo Apolo. 

Chicago, El Musical, es un nuevo montaje de la exitosa producción de Broadway. En esta ocasión, nos viene de la mano de SOM Produce en asociación con Berry & Fran Weissler. Es un gran musical entre los musicales que ha podido verse en más de 35 países y reunido a más de 33 millones de espectadores. Desde hace años, se ha convertido en un fenómeno teatral en el mundo.

El musical de Broadway, donde acaba de celebrar su 25º aniversario en escena, llegó a Madrid el otoño pasado. Su directora es Tânia Nardini, el coreógrafo Gary Chryst y el supervisor musical Rob Bowman.

Chicago cuenta con todos los elementos que convierten a Broadway en la cuna de los mejores musicales: una historia universal de fama y fortuna, una partitura mítica y una coreografía reconocida entre las mejores de la Historia. Una excitante historia sobre avaricia, asesinato y el mundo del espectáculo, llena de éxitos musicales como All That Jazz y Razzle Dazzle.

El musical está ambientado en la década de 1920 y cuenta la historia de Roxie Hart, una ama de casa y bailarina de un club nocturno, que asesina a su amante cuando él amenaza con abandonarla. Desesperada por evitar la condena, Roxie engaña al público, a los medios de comunicación y a su compañera de celda y rival, Velma Kelly, y contrata al abogado Billy Flynn, el más habilidoso de la ciudad. Este abogado será capaz de convertir el crimen en una cortina de humo de titulares sensacionalistas.

Escrito por Fred Ebb y Bob Fosse, con música de John Kander y letras de Fred Ebb, el musical ha sido galardonado con 6 premios Tony, 2 premios Olivier y  1 Grammy, acumulando más de 60 premios internacionales.

Lo podemos ver, toda la temporada, en el Teatro Nuevo Apolo.