Gran montaje de danza española

La Compañía de Antonio Márquez representa, del 1 de julio, al 7 de agosto, en el madrileño Teatro EDP Gran Vía, el espectáculo Medea con tres grandes montajes y un éxito mundial de la danza clásica española: Macadanza, Sinfonía Española, Bolero y Medea.

El programa de las coreografías de Medea comienza con Macadanza, una obra de Javier Palacios basada en el poema sinfónico Danse Macabre que Camille Saint-Saëns escribió en 1874 y donde se recrea la antigua superstición de la Danza de la Muerte.

Después llega Sinfonía Española, un solo para una bailarina que fue coreografiado en 1990 por José Granero para la presentación del Ballet Región de Murcia, bajo la dirección de Merche Esmeralda. Está inspirado en Symphonie Espagnole de Édouard Lalo, también de 1874, y las castañuelas tienen un protagonismo especial generando una atmósfera bucólica y melancólica.

Bolero es la adaptación que Antonio Márquez realizó en 2005 de la mítica pieza de Maurice Ravel, la cual obtuvo óptimas críticas del público y la prensa en los conciertos BBC Proms en el Royal Albert Hall de Londres (Reino Unido) en 2013.

Para finalizar, se interpreta Medea, una de las producciones de la danza clásica española más prestigiosas, con música de Manolo Sanlúcar, coreografía de José Granero y libreto de Miguel Narros. Esta función, que pone sobre las tablas a un elenco de 23 artistas, ganó el Premio del Público del XXV Festival de Jerez de 2021.

Antonio Márquez es uno de los mayores bailarines de la danza española. Tras pasar por el Ballet Español de Madrid, el Ballet Región de Murcia y el Ballet de Víctor Ullate, en 1991 fundó su propio conjunto y desde entonces ha sido galardonado con distinciones como el Premio Nureyev de 1997, otorgado por la crítica italiana, el Premio al Artista más Valorado de 2001, recibido también en Italia, o el Primer Premio del Festival Internacional de Danza de Jerez de 2003.

La podemos disfrutar, del primero de julio, al 7 de agosto, en el madrileño Teatro EDP Gran Vía.

La historia de Manolita Chen

El director José Troncoso (El mundo de la tarántula, Lo nunca visto o Igual que si en la luna) dirige el espectáculo Manolita Chen. Un cuento chino, un espectáculo a medio camino entre el teatro y el circo, que recuerda la figura de Manolita Chen, conocida como la reina del teatro portátil. Una obra representada por Pepa Zaragoza, Nacho Vera, Isa Belui, María Jáimez, Luigi Belui y Chema Noci, que se podrá verse, del 30 de junio, al 17 de julio, en el madrileño Teatro Circo Price.

Manuela Fernández Pérez, conocida como Manolita Chen, fue una artista nacida en Madrid en 1927. Inició su formación artística a los doce años cuando ingresó en el Conservatorio de Laura de San Telmo de Madrid, donde perfeccionó sus técnicas de baile y canto.

De ella se monta, ahora, el espectáculo Manolita Chen. Un cuento chino.

De la mano de su esposo, Chen Tse-Ping, de quien adoptó su nombre, entró en el mundo del circo incorporándose a la compañía Che-Kiang. En 1947, el conjunto dejó de actuar en el Circo Price para crear su propio Teatro-Circo Chino.

A partir de 1950, y hasta 1986, se hizo muy popular al combinar el circo, las variedades, el burlesque y el music hall. Así, fue conocido como el Teatro Chino de Manolita Chen, ya que hizo las veces de vedette estrella, directora, guionista y coreógrafa.

A lo largo de su trayectoria, por el teatro pasaron intérpretes tan prestigiosos como: Marifé de Triana, Pompoff, Thedy y Emig, Porrina de Badajoz, Rafael Farina, Antoñita Moreno, Arévalo, Bigote Arrocet, el Fary o Emilio el Moro, entre otros.

Pero, a finales de la década de 1970, Manolita Chen tuvo que ser operada de un tumor en el oído que le provocó una parálisis facial, lo que le obligó a dejar su trabajo. Falleció en Sevilla en 2017 a los 89 años.

La podemos ver en el madrileño Teatro Circo Price, del 30 de junio, al 17 de julio.

 

El amor de Chopin por George Sand

La veterana actriz Magüi Mira (Premio Valle-Inclán de Teatro 2019 y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2016) dirige Los nocturnos, una obra sobre la historia de amor entre la escritora y novelista francesa George Sand y el compositor de piano Frédéric Chopin. Se puede ver, del 23 de junio, al 17 de julio, en el madrileño Teatro Español, con Marta Etura y Jorge Bedoya.

Los nocturnos ha sido escrita por la dramaturga canaria Irma Correa (En la fundación o ANA, también a nosotros nos llevará el olvido) y relata el romance entre ambos personajes históricos. Así, se presenta cómo en 1836 el pianista y compositor Frédéric Chopin conoció a la escritora Amantine-Aurore-Lucile Dupin, baronesa de Dudevant y apodada como Georges Sand, en una reunión de amigos organizada por Franz Liszt. Ambos se enamoraron en un momento de debilidad emocional y física de Chopin, pues unos meses antes la familia de Maria Wodzińska, su prometida, había roto el compromiso matrimonial por la mala salud del músico.

Poco después, el compositor volvió a recaer y, buscando un ambiente más cálido, la pareja se trasladó a la isla de Mallorca. Pero la casa donde decidieron residir era demasiado húmeda y fría, por lo que Chopin siguió empeorando.

Por otro lado, ambos se establecieron en París (Francia) y su matrimonio convulsionó cuando George y su hija Solange dejaron de hablarse. Chopin trató de mediar entre ellas, pero su esposa creyó que se ponía del lado de Solange y se marchó anunciándole que no quería volver a verle. En 1849, Chopin se hallaba en su lecho de muerte y George fue a despedirse de él, pero la hermana del polaco se lo impidió.

Este montaje se imagina que es lo que podría haber sucedido en aquel encuentro. Una reflexión acerca de la vida, la muerte y el amor inspirada en dos seres que se quisieron sobre todas las cosas y que, sin embargo, terminaron separados.

La podemos ver en el madrileño Teatro Español, hasta el 17 de julio.

Sobre el amor y el destino

Diego Luna representa, del 25 de junio al 10 de julio, en la madrileña Sala Max Aub de Naves del Español, en Matadero Madrid, Cada vez, nos despedimos mejor, su primer monólogo, una pieza de humor negro sobre el amor, el destino, la pérdida y las relaciones contemporáneas.

Cada vez, nos despedimos mejor está dirigida por Alejandro Ricaño, Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido 2008, y narra la historia de Mateo y Sara a lo largo de casi cuatro décadas con el fin de lograr entender mejor lo que significa estar junto con una persona a través del tiempo y los acontecimientos que van sucediendo, en esta ocasión los que marcaron a México, entre 1979 y el último terremoto de 2017. Está protagonizada por el actor mexicano Diego Luna.

La obra comienza en el mismo momento en que ambos nacen, en los últimos estertores del año 1979 y finaliza con su última despedida, en el terremoto que repetiría fecha con aquel del 85 que a los dos los separaría de sus madres. Durante estos 38 años Luna va relatando sus encuentros y desencuentros, en los que siempre tratan de hacer subsistir su amor.

Al morir su madre, Sara, que no ha heredado otra cosa que una cámara Polaroid instantánea, decide dedicarse al fotoperiodismo, por lo que viaja alrededor de México documentando los eventos que van aconteciendo. En 1988 Sara toma la primera fotografía de su vida y en la cual, accidentalmente, aparece Mateo. Ambos se conocen e inician una relación que no solo debe enfrentarse a las complicaciones y desafíos que pueda vivir cualquier otra, sino que también tiene que solventar las tragedias, las guerras y las catástrofes naturales que cada poco tiempo van ocurriendo en su país.

Diego Luna es un intérprete nacido en Toluca (México), en 1979, que se hizo famoso internacionalmente con su participación en la película Y tu mamá también. Tras ella ha actuado en otras cintas como Dirty Dancing: Havana Nights, Open Range, La terminal, Milk o Blood Father. Además, fue uno de los protagonistas de Rogue One: una historia de Star Wars con su papel de Cassian Andor, un personaje que contará con su propia serie de televisión, Andor. Asimismo, ha aparecido en las series Narcos: Mexico, Maya y los tres o Gritos de muerte y libertad.

La podemos ver en el madrileño Matadero Madrid, del 25 de junio, al 10 de julio.

Cómo conseguir los sueños

Los conocidos actores Jon Plazaola y Agustín Jiménez encabezan la loca comedia Un Oscar para Oscar sobre la consecución de los sueños y sus consecuencias. Se acaba de estrenar en el madrileño Teatro Bellas Artes y estará en cartel hasta el próximo 24 de julio.

El dramaturgo Mario Hernández (Una mujer desnuda en lo oscuro o Mandíbula afilada) escribe y dirige la divertida comedia de enredo Un Oscar para Oscar, que profundiza en la consecución de los sueños y todo lo que se pierde en el camino al conseguirlos.

La pieza está representada por los actores Jon Plazaola, Agustín Jiménez, Rebeca Sala y Mara Guil, quienes posicionan al público en un motel a las afueras de Los Ángeles (Estados Unidos). Quedan pocas horas para que se celebre la gala de los premios Óscar y el joven director Óscar Manzano se prepara en su habitación para acudir a la ceremonia.

Su argumento cuenta cómo Óscar está nominado por su cortometraje y en este viaje se ha visto acompañado, sin saber muy bien el motivo, por dos miembros del Gobierno: el ministro de Cultura, Guillermo Barrientos, y la ministra de Hacienda, Irene Navarro, quienes no se soportan. Mientras ambos mandatarios continúan discutiendo, en el apartamento aparece Pauline, una escort girl (chica de compañía) que ha sido contratada a escondidas por Guillermo para que finja ser la novia de Óscar durante la gala y la alfombra roja... Ahora, este peculiar grupo se adentra en la noche más loca de sus vidas al protagonizar todo tipo de situaciones caóticas, imprevistos y diálogos absurdos.

La podemos ver en el madrileño Teatro Bellas Artes, hasta el 24 de julio.

 

Siempre jóvenes

El famoso grupo Tricicle vuelve a poner sobre las tablas, once años después, la comedia musical Forever Young, sobre la vejez que se acompaña de grandes canciones rockeras. Una divertida función que se puede disfrutar en el madrileño Teatro Cofidis Alcázar.

El popular trío cómico E Tricicle descubrió la obra de Erik Gedeon en Oslo (Noruega) Forever Young y, nada más verla, decidió comprar sus derechos. Así, desde 2011, el montaje cuenta con unas 500 representaciones, reuniendo a cerca de 150.000 espectadores, y se ha exportado a otros países como Francia, México y Argentina.

Para esta ocasión, la pieza está interpretada por los actores Marc Pujol, Lucía Torres, Irene Jódar, Rai Borrell, Llorenç González, Marc García Rami y Mercè Martínez. Además, se trata del primer espectáculo en el que los tres integrantes de Tricicle (Carles Sans, Joan Gràcia y Paco Mir) vuelven a coincidir tras el descanso indefinido que se tomaron en 2020.

Su historia está ambientada en un geriátrico, donde seis veteranos artistas residen recordando sus antiguos éxitos. A ellos se une una enfermera que no cesa de ponerles melodías infantiles con la intención de que estas les ayuden a potenciar su psicomotricidad, pero en cuanto les deja solos su espíritu rockero les hace rejuvenecer cantando, bailando y gritando ataviaos con sus mejores galas.

Por otro lado, los cantantes están asistidos en directo por un piano y otros instrumentos como guitarras, violines, cajones y percusiones con los que se reviven inolvidables temas como I Love Rock’n Roll de Joan Jett and the Blackhearts, Forever Young de Alphaville, I will survive de Gloria Gaynor, Satisfaction de The Rolling Stones o Sweet dreams de Eurythmics. Aunque también tienen tiempo para entonar referentes del pop español como Dime que me quieres de Tequila, La chica de ayer de Nacha Pop, Libre de Nino Bravo o Vivir así de Camilo Sesto.

El Tricicle es un prestigioso conjunto de teatro gestual fundado en 1979 por Paco Mir, Carles Sans y Joan Gràcia, quienes llevan más de 40 años ofreciendo su particular humor en teatros de todo el mundo. Actualmente, está considerada como una de las mejores formaciones cómicas del planeta y entre sus obras más destacadas se encuentran Entretres, Tricicle 20 o Bits.

La podemos ver, hasta el 31 de julio, en el madrileño Teatro Cofidis Alcázar.

Versión sui generis de Hamlet

La compañía Teatro La Plaza produce una versión libre de la gran tragedia de William Shakespeare, Hamlet. Una obra que se interpreta en el madrileño Teatro Valle-Inclán por actores con síndrome de Down y que fusiona sus propias vidas con el argumento dramático del autor inglés.

Mediante este montaje de la versión de Hamlet, de Shakespeare, se busca dar voz a los anhelos y las frustraciones de los artistas, profundizando en la imagen que estas personas han tenido que soportar a lo largo de la historia, al ser tratadas como una carga social. La pieza está adaptada y dirigida por la peruana Chela de Ferrari, fundadora de la Asociación Cultural Drama, una institución sin ánimo de lucro que desde su creación en 2003 en Lima (Perú) ha llevado a cabo unos 100 montajes.

Por otro lado, cuenta con su propio teatro: el Teatro La Plaza, donde genera espectáculos de la nueva dramaturgia peruana y grandes clásicos bajo una mirada contemporánea con la intención de reflexionar acerca de la realidad moderna y comprender mejor la esencia del ser humano.

La acción transcurre en el reino de Dinamarca. Mientras se espera una invasión por parte de Noruega, el rey Hamlet muere a manos de su hermano Claudio, quien toma el control del país. El fantasma del monarca se aparece a su hijo, el príncipe Hamlet, relatándole la verdad de su fallecimiento y exigiendo venganza.

La historia se mueve íntegramente alrededor de la locura y las ensoñaciones al tiempo que delibera sobre temas tan oscuros como la traición, el incesto, la corrupción y el odio.

La podemos ver en el madrileño Teatro Valle Inclán, hasta el próximo día 19 del presente.

Oportunidades para los jóvenes actores

El Teatro Quique San Francisco acoge la segunda edición de la iniciativa Festival Sala Joven del proyecto Teatro Urgente, dirigida por Karina Garantivá. Un espacio en el que artistas del teatro que destacan siendo jóvenes, representan un total de siete obras, cinco de ellas estrenos.

La segunda edición del Festival Sala Joven tiene como objetivo consolidar este espacio dentro de la vida cultural madrileña. Un evento que triunfó la primera edición, ya que las nueve compañías que participaron lograron un alto porcentaje de ocupación, y fue un punto encuentro por el que pasaron figuras destacadas del teatro, la política y la vida cultural madrileña. 

El ciclo comienza con cuatro estrenos absolutos, el primero la obra Criadas, un montaje protagonizado por Ana Ruth Resco y Lucas Ares que cuenta con textos filosóficos e iconografía de la cultura pop y que comienza con una conversación en la que se reflexiona sobre todo aquello que provoca desilusiones y hace perder la cabeza a las personas.

La siguiente obra es Cucaracha con paisaje de fondo, un montaje dramático sobre la identidad femenina y la maternidad escrito y dirigido por Javier Ballesteros, fusión del teatro y el clown generando una pieza a medio camino entre la tragedia, la poesía y la comedia del absurdo. En Tristes, el actor y director Alberto Fonseca presenta una obra dramática que reflexiona sobre la tristeza, una vía para conocer mejor la esencia humana y las posibilidades de solucionar o reparar las secuelas que estas sensaciones dejan en el individuo.

El cuarto estreno es la obra Gracias por haber existido, una comedia postapocalíptica que incide en el devenir de la humanidad y la naturaleza, escrita por Ainara Arizu y dirigida por Edurne Arizu, dos hermanas que también la interpretan junto con Irene Pozo y Airel Muñoz.

El festival presenta también Expiación, un intenso monólogo dramático que examina el dolor y los miedos de la generación milenial interpretado por la actriz Lucía Lorente Toral; y Like me, un espectáculo de teatro físico que indaga en el nexo de unión entre las relaciones y el amor con el consumismo y la tecnología.

Termina el ciclo con un último estreno, Las amazonas, una versión cómico-musical de la obra del Siglo de Oro de Antonio de Solís adaptada y dirigida por Noelia Pérez. Una historia que fue escrita en 1681 y plantea la posibilidad de un territorio gobernado por mujeres. 

Lo podemos ver en el madrileño Teatro Quique San Francisco, hasta el 9 de julio.

Meta-teatro de improvisación teatral

 

El conocido dramaturgo Ernesto Caballero (Las amistades peligrosas, El jardín de los cerezos, Rinoceronte) dirige una versión de la famosa obra meta-teatral de Luigi Pirandello Esta noche, se improvisa la comedia. Un montaje que se puede ver del 17 de junio al 17 de julio de 2022, en el Teatro Español.

Esta noche, se improvisa la comedia propone una velada muy particular: el director de la obra, el doctor Hinkfuss, ordena a los actores que improvisen. Es decir, que tomen el texto original tan solo como una mera guía a partir de la cual desarrollar la pieza. Y es que, según las tesis del doctor Hinkfuss, todo libreto escrito representa una construcción inerte que únicamente recobra vida al ser reinterpretado.

Los artistas se muestran sorprendidos y, al principio, se resisten a poner en práctica la decisión del doctor Hinkfuss, pero, luego, consiguen llevar a cabo una improvisada y exitosa representación. Así, se incide en cuestiones como la relación entre la máscara y la identidad, la vida como el reflejo del arte o el nexo entre la realidad y la apariencia.

Nacido en Madrid, en 1957, Ernesto Caballero es un dramaturgo, director y profesor proveniente de la primera generación de autores teatrales de la Transición española. Estudió Letras en la Universidad Complutense de Madrid e Interpretación en la Real Escuela Superior de Arte Dramático.

Entre 2011 y 2018, fue el director del Centro Dramático Nacional y ha sido merecedor de galardones como el Premio Max 2006 a la Mejor adaptación teatral por El señor Ibrahim y las flores del Corán o el Premio Valle-Inclán de Teatro 2017 por El laberinto mágico. También fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Gobierno de Francia.

La podemos ver en el madrileño Teatro Español, del 17 de junio, al 17 de julio.

 

Tomar consciencia de los conflictos

La compañía L'Explose Danza representa, hasta pasado mañana, en el madrileño espacio escénico Naves del Español-Matadero Madrid, un retrato del conflicto colombiano a través de la danza moderna, titulado La mirada del avestruz.

La mirada del avestruz es un montaje estrenado en 2002 y repleto de metáforas visuales y poéticas acerca de los hechos atroces que han tenido lugar durante las últimas décadas en Colombia. Se trata de una invitación a no mirar hacia otro lado y ser consciente de los horrores perpetrados.

Con movimientos escénicos y trabajadas coreografías influenciadas por bailes contemporáneos, urbanos y latinos, la pieza narra torturas, destierros y asesinatos sobre un escenario cubierto de tierra, una alegoría sobre el campo colombiano, el principal testigo de todo ese sufrimiento. Asimismo, la obra también quiere mostrar la importancia de la memoria y la necesaria recuperación de la historia colectiva.

Por otro lado, este proyecto fue el ganador del premio del público al Mejor espectáculo del Festival de Almada (Portugal) en 2005 y el premio al Mejor espectáculo de danza de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca en 2006.

L'Explose Danza es un conjunto fundado por el coreógrafo asturiano Tino Fernández en París (Francia) en 1991. Después se trasladó a Bogotá (Colombia) con la intención de promocionar la danza-teatro en toda Sudamérica. En 2008 inauguró su propia sede, La Factoría, con el objetivo de acoger residencias e investigaciones escénicas. Otras de sus producciones son La razón de las Ofelias, Frenesí, Tu nombre me sabe a tango o La miel es más dulce que la sangre.

La podemos ver, hasta este próximo domingo, día 12, en el madrileño espacio escénico Naves del Español-Matadero Madrid.

 

La obra más violenta de Shakespeare

El director teatral Antonio C. Guijosa (Contra la democracia e Iphigenia en Vallecas) se pone al frente de la adaptación de Nando López sobre la brutal tragedia clásica de William Shakespeare Tito Andronico. Una obra que se podrá disfrutar, del 9 al 12 de junio, en el madrileño Teatro Bellas Artes y que forma parte de la programación festival Mérida en Madrid. 

Escrita en 1593 por el famoso autor inglés William Shakespeare, Tito Andronico está ambientada en los últimos años del Imperio Romano y narra la historia del ficticio general romano Tito Andrónico, que regresa a Roma victorioso y con la reina Tamora y sus vástagos como prisioneros.

El general busca la tranquilidad, sin embargo, las intrígas políticas entre Basiano y Saturnino le llevará a interceder. Quizás, es la obra más violenta de Shakespeare, pero no solo por los hechos, sino también por los mecanismos que llevan a esa violencia ya que los personajes de la obra utilizan la violencia en el mayor grado que su ingenio les permite.

La podemos ver en el madrileño Teatro Bellas Artes, hasta el próximo día 12 del mes.

Metáfora vital

La compañía valenciana El Pont Flotant representa, del 9 al 19 de junio, en el madrileño Teatro de La Abadía, el espectáculo dramático Eclipse Total, que reflexiona sobre la memoria y la muerte.

El montaje de la obra Eclipse Total utiliza el eclipse como una metáfora del final de la vida, de la oscuridad que llega tras la existencia. El libreto ha sido escrito por Àlex Cantó, Joan Collado, Jesús Muñoz y Pau Pons, y es interpretado por los propios Àlex Cantó y Jesús Muñoz.

Su historia coloca al público en una fiesta que sirve como hilo conductor para exponer a las diferentes generaciones de las familias de los protagonistas. Así, los invitados van llegando y juntos rememoran el pasado para después los más viejos dejar su silla a los jóvenes, en una alegoría sobre el entierro. Con ello se ha buscado realizar un alegato acerca de las etapas existenciales, el tabú de las defunciones en la sociedad y la dignidad de la vida. Y todo ello, para indagar en cómo se gestiona, se reacciona, se educa y se prepara uno para la muerte.

El Pont Flotant es una formación fundada en el año 2000, en Valencia, como un grupo de investigación sobre la técnica del actor. Durante sus obras, los artistas suelen conversar con los asistentes, les proponen participar en juegos y les cuentan sus intimidades. Entre sus producciones destacan El hijo que quiero tener, Las 7 diferencias, Ejercicios de amor o Algunas personas buenas.

La podemos ver, del 9, al 19 de junio, en el madrileño Teatro de La Abadía

Riéndose de Shakespeare

El madrileño teatro clásico Teatro de la Comedia acoge, del 8 al 12 de junio, el monólogo cómico Richard III Redux, de la compañía The Llanarth Group, que se burla de las anteriores actuaciones de Ricardo III de William Shakespeare.

Dirigida por la galardonada dramaturga irlandesa Kaite O’Reilly, tras el fallecimiento del estadounidense Phillip Zarrilli, la comedia Richard III Redux ofrece una visión feminista y alternativa de la discapacidad. Así, la actriz Sara Beer, quien sufre de una escoliosis severa, se sube a las tablas para representar al rey inglés, quien no padecía escoliosis según las últimas investigaciones científicas.

Pero no solo eso, sino que Beer reflexiona sobre cómo este monarca ha sido visto en el mundo de las artes hasta el momento. Asistida por vídeos, cuentos populares y proyecciones en directo, explora las características históricas y míticas del personaje, al tiempo que recuerda con mucha sorna las interpretaciones de los grandes actores que le han dado vida a lo largo de los tiempos, como Al Pacino, Ian McKellen, Lars Eidinger o Antony Sher.

Por otra parte, este espectáculo fue nominado al James Tait Black Memorial Prize 2019.

The Llanarth Group es un conjunto fundado en Gales (Reino Unido) en el año 2000 por el director Phillip Zarrilli. Se trata de una agrupación de artistas de teatro y performance que para cada producción reúne a un grupo de colaboradores relevantes para la estética del proyecto específico. Entre sus montajes más destacados se encuentran The Beckett Project, Speaking Stones, 4.48 Psychosis o Attempts on her Life.

Lo podemos ver, del 8, al 12 de junio, en el madrileño Teatro de la Comedia, de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

La vida de Juana de Arco, en una ópera

La actriz francesa Marion Cotillard (La vida en rosa)  protagoniza Juana de Arco en la hoguera, un oratorio dramático basado en el poema de Paul Claudel, Jeanne d'Arc au bûcher (Juana de Arco en la hoguera). Una ópera del madrileño Teatro Real, que cuenta con el prólogo La Damoiselle Élue de Claude Debussy. El montaje se desarrolla en francés con subtítulos en inglés y español y cuenta con la dirección escénica de Àlex Ollé, del prestigioso conjunto La Fura dels Baus.

Una nueva coproducción del Teatro Real y la Ópera de Frankfurt es Juana de Arco en la hoguera, en la que Marion Cotillard actuará en escena acompañada del actor Sébastien Dutrieux (Padre Dominique), las sopranos Sylvia Schwartz (La virgen) y Elena Copons (Marguerite), la mezzosoprano Enkelejda Shkoza (Catherine), el tenor Charles Workman (Porcus), el bajo-barítono Torben Jügens (Heraldo), el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la JORCAM.

La pieza está bajo la dirección musical de Juanjo Mena y narra cómo Juana de Arco ha sido detenida por los ingleses. Ahora se enfrenta a su juicio y su próxima ejecución, quien atada en la hoguera va recordando los episodios más importantes de su vida.

La obra fue un encargo de la bailarina de ballet e intérprete rusa Ida Rubinstein y su estreno se produjo el 12 de mayo de 1938 en Basilea (Suiza). La propia Rubinstein realizó el papel de Juana de Arco y tuvo el apoyo coral de los Niños Cantores de Basilea. En esta ocasión es Irene Escolar, ganadora del Goya 2016 a la Mejor actriz revelación por Un otoño sin Berlín, quien hace las veces de la heroína gala, siendo acompañada por el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid.

Por otra parte, la velada se abre con el estreno del prólogo La Damoiselle Élue, una cantata breve, de unos 20 minutos, que supone una versión del poema La doncella bienaventurada de Dante Gabriel Rossetti de 1847. En esta función se relata cómo una joven fallecida lamenta la ausencia de su amado desde las alturas del paraíso. A su vez, este cree sentir su presencia.

 

Ficha artística:

 

§ Dirección musical - Juanjo Mena

§ Dirección de escena - Àlex Ollé (La Fura dels Baus)

§ Escenografía - Alfons Flores

§ Figurines - Lluc Castells

§ Videocreación - Franc Aleu

§ Iluminación - Joachim Klein

§ Dirección del coro - Andrés Máspero

§ Coro y Orquesta - Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

§ Coro - Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid

Reparto:

§ Jeanne d' Arc - Marion Cotillard

§ Padre Dominique - Sébastien Dutrieux

§ La Virgen - Sylvia Schwartz

§ Marguerite - Elena Copons

§ Catherine - Enkelejda Shkoza

§ Porcus - Charles Workman

§ Heraldo - Torben Jügens

 

Programa:

§ Oratorio dramático en once escenas

§ Música de Arthur Honegger (1892-1955)

§ Libreto de Paul Claudel

§ Estrenado en el Gosser Musiksaal de Basilea el 12 de mayo de 1938

§ Estreno en el Teatro Real

§ Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Oper Frankfurt

Prólogo:

 

La Damoiselle Élue (La doncella bienaventurada) de Claude Debussy

§ Cantata sobre el poema La doncella bienaventurada (1847) de Dante Gabriel Rossetti

§ Música de Claude Debussy (1862-1918)

§ Estrenada en la Salle Érand de París el 8 de abril de 1893

§ Estreno en el Teatro Real

§ Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Ópera de Frankfurt

Reparto:

§ La Damoiselle - Camilla Tilling (Soprano)

§ Catherine - Enkelejda Shkosa (Mezzosoprano)

Idioma: francés con subtítulos en inglés y español

 

La podemos ver del 7,al 17 de junio, en el madrileño Teatro Real.