El Real pone al flamenco en diálogo con el público

Flamenco Real, el programa flamenco del Teatro Real, recibe a El Choro y Paula Rodríguez con “IN SITU”, un encuentro de baile y cante que reivindica la esencia más viva del flamenco: lo que sucede “en el instante”. Cada función nace del diálogo entre artistas y público, sin dos noches iguales, con la improvisación como pulso creativo y el compás como brújula. Pronto, en el Teatro Real.

En escena del espectáculo "IN SITU", dentro del ciclo flamenco "Flamenco Real", del Teatro Real, El Choro —Premio Lorca 2025 al Mejor Intérprete Masculino— despliega su temperamento y dominio del compás, mientras Paula Rodríguez —Premio Desplante Femenino (“La Unión”, 2021)— aporta elegancia y precisión técnica en un contrapunto de fuerza y sutileza. Les acompañan Juan Campallo (guitarra), Ismael de la Rosa “El Bola” (cante) y Francisco Roca (flauta y armónica), un elenco que asegura hondura musical y libertad rítmica para que la improvisación fluya.

El espectáculo es flamenco de presente continuo: se arma en el aquí y ahora, respira con la sala y se deja afectar por lo imprevisto. Un “acto de verdad” que mira a la tradición para proyectarla en el cuerpo y la música del momento.

El Festival Flamenco Ciudad de Huelva respalda esta programación, reforzando el compromiso de Flamenco Real con la preservación y proyección del arte jondo. Considerado hoy uno de los grandes referentes culturales del sur de España, el Festival reúne una programación de alto nivel con artistas consagrados y emergentes, además de exposiciones, talleres, clases magistrales, charlas y el certamen Fandango Joven de la Peña Flamenca de La Orden. Su sello distintivo es la especial atención al fandango, palo identitario de la provincia.

Sobre los artistas

El Choro (baile): referente de su generación por potencia escénica y compás. Colaboraciones con Israel Galván, Eva Yerbabuena o Javier Barón; estrenos como Aviso: “bayles de jitanos”, “Gelem”, #SiDiosKiere o “PRENDE un acto de combustión” dirigido por Rocío Molina.

Paula Rodríguez (baile): elegancia y precisión, forjada en Amor de Dios y con maestras como Juana Amaya, Rocío Molina y Eva Yerbabuena. Hoy a cargo de la dirección artística del Tablao 1911 en Madrid.

Juan Campallo (guitarra): Bordón Minero (La Unión, 2007); una trayectoria junto a grandes figuras.

Ismael de la Rosa “El Bola” (cante) y Francisco Roca (flauta/armónica): completan un quinteto de alto voltaje.

Los podremos ver los días 17, 18 y 19 de este mes, en el Teatro Real.

https://www.youtube.com/watch?v=yYkBmEs0Vxk

 

¡Vivaldi a tope!

La Temporada 2025 / 2026 de Maelicum propone uno de sus momentos más esperados con la llegada de “Vive Vivaldi”, un programa que transforma el legado del compositor barroco en un viaje sonoro plenamente actual. Lo podremos disfrutar el próximo día 14 del presente, en el Teatro Gran Vía.

La célebre Stift Festival Orchestra y el violinista y director Daniel Rowland traerán al Teatro Gran Vía “Vive Vivaldi”, una poderosa experiencia musical , al tiempo que una visión del siglo XXI para una obra eterna. El programa reúne dos de las reinterpretaciones más influyentes y celebradas del repertorio actual: “Recomposed: Vivaldi – The Four Seasons”, de Max Richter, cuya difusión global la ha convertido en una de las revisiones contemporáneas más reconocibles y escuchadas del panorama internacional y el “Concierto para violín nº 2 American Four Seasons”, de Philip Glass, una obra que expande el imaginario de Las Cuatro Estaciones desde el lenguaje minimalista e hipnótico del compositor norteamericano.

Ambas partituras reformulan el clásico con una fuerza creativa que ha conquistado a públicos de todo el mundo. En ellas, el espíritu del maestro veneciano se proyecta más allá de su tiempo: de la atmósfera del siglo XVIII a la sensibilidad cultural del presente, donde conviven la estética pop, la energía urbana y la pulsión rítmica de la música electrónica y de club. El resultado es un díptico sonoro vibrante, cautivador y emocionalmente adictivo, que conecta generaciones y renueva la manera de escuchar un clásico inmortal.

Por otro lado, y al frente de este programa, se sitúa Daniel Rowland, intérprete carismático y virtuoso, cuya dirección desde el violín aporta una mezcla explosiva de precisión, riesgo y expresividad. La Stift Festival Orchestra, reconocida por su dinamismo y su enfoque contemporáneo, completa una formación que celebra este año los 20 años del Festival Stift, un referente internacional por su espíritu innovador.

Lo podremos disfrutar, el próximo día 14 del presente, en el Teatro Gran Vía.

Los elementos centrales en la creación de la danza

“NumEros” es el nuevo espectáculo de la Compañía Nacional de Danza (CND), que incluye las conocidas coreografías “Serenade”, “Echoes from a Restless Soul” y “Playlist (track 1, 2)”. Pronto, en el Teatro de la Zarzuela.

El título de este programa, “NumEros”, es un portmanteau, una combinación de dos términos, numen y eros, en cierto sentido opuestos, pero que conforman dos elementos centrales en la creación en danza. Eros como impulso vital encarnado, impulso creativo, fuerza deseante que se manifiesta en y a través del cuerpo, y Numen como presencia intangible, inspiración poética o espiritualidad inmanente que trasciende la voluntad del artista. Cuando se encuentran, nace el espectáculo“NumEros”, que evoca el Número, como principio de orden, patrón subyacente, lógica que da forma al movimiento. En este sentido, propone una articulación entre estas tres dimensiones fundamentales del pensamiento y la experiencia creadora en la danza.

Siguiendo este concepto, este programa reúne el trabajo de tres coreógrafos, Georges Balanchine, William Forsythe y Jacopo Godani que han desarrollado un pensamiento coreográfico formal y numérico, pero en el que la coreografía se construye como un campo de tensiones entre lo racional y lo corporal, entre lo medible y lo inefable. En estos trabajos los intérpretes trabajan a partir de sistemas numéricos–proporciones, repeticiones, permutaciones, secuencias– no solo como meros esquemas compositivos, sino como territorios vividos desde el cuerpo. El cuerpo, en este contexto, no se limita a ejecutar formas: las encarna, las perturba, las transforma. Así, la danza deviene un proceso en el que la precisión numérica se encuentra con el exceso del deseo, y la abstracción formal con la potencia afectiva del gesto.

Este programa se inscribe en una línea de pensamiento coreográfico donde el cuerpo no es mero ejecutor de formas, sino agente activo de un pensamiento en movimiento. En este sentido, NumEros dialoga con la tradición coreográfica a través de los creadores George Balanchine, William Forsythe y Jacopo Godani, cada uno de los cuales ha abordado, desde distintas estéticas, la relación entre estructura matemática y energía corporal. El conocido coreógrafo norteamericano Ballanchine concebía la danza como “arquitectura en movimiento”, y su uso de la música como partitura espacial anticipa ya una concepción matemática del gesto.

Forsythe radicaliza esta visión al desplegar una investigación sobre las posibilidades arquitectónicas del cuerpo, descomponiendo el movimiento clásico en vectores, puntos de tensión y trayectorias geométricas. Godani, por su parte, lleva estas premisas al extremo físico y visual, construyendo composiciones donde la precisión matemática convive con una intensidad visceral, cuasi animal...

¡Interesante propuesta de danza..!

Lo podremos ver, del 11, al 21 de diciembre, en el Teatro de la Zarzuela.

Los jóvenes en los años duros del sida

El director escénico José Luis Sixto dirige “RENT”, una adaptación de Adrián Perea sobre el famoso musical de Jonathan Larson que, ahora, cumple su 30º aniversario. Su argumento cuenta la historia de un grupo de jóvenes en la época “heavy” del sida: rock & roll, drogas y sexo libre para una producción moderna e impecable. Y...con mensaje. Pronto, en el Teatro Fernán Gómez.

El director escénico José Luis Sixto (“Los chicos del coro, el musical”) dirige una adaptación de Adrián Perea (“Los chicos de Baker-Miller”, “Buenas Chuches, y buena suerte” o “Ahora que nos dejan hablar”) sobre el famoso musical de Jonathan Larson, que, este año, celebra su 30º aniversario. Prontito lo podremos disfrutar en el Teatro Fernán Gómez.

A punto de cumplirse tres décadas de su estreno, este emblemático musical ganador del Premio Tony y del Pulitzer regresa a los escenarios con una nueva producción que busca tender un puente entre la Nueva York de la década de 1990 y la sociedad moderna.

Su autor, Jonathan Larson, falleció el 25 de enero de 1996, la noche previa al estreno, convirtiendo su obra en un legado generacional. La autenticidad de su visión marcó tanto en el público que “RENT” se mantuvo, durante doce años, en cartel, en Broadway, convirtiéndose, de este modo, en uno de los musicales más longevos de la Historia.

La obra, inspirada en la conocida ópera “La Bohème”, de Puccini, retrata un año en la vida de un grupo de jóvenes artistas que se enfrentan a la precariedad, la búsqueda de identidad, la amistad y el amor, mientras el VIH planea como una sombra omnipresente. Personajes como Mark, Roger, Mimi, Angel, Collins, Maureen o Joanne representan una comunidad marcada por la rebeldía y la urgencia vital, con un mensaje que sigue siendo universal: mide tu vida en amor.

En esta nueva versión se re-imagina la pieza desde la actualidad, respetando su esencia pero explorando nuevas lecturas. Más que un homenaje, esta puesta en escena quiere dialogar con el público contemporáneo y recordar que los temas que conmocionaron en los años 90 (la gentrificación, las redes comunitarias de resistencia queer, la crisis sanitaria y la necesidad de un arte transformador) siguen resonando hoy.

¡Absolutamente imprescindible..!

Lo podremos ver, del 23 de diciembre, al 25 de enero, en el Teatro Fernán Gómez. 

https://www.youtube.com/watch?v=xnzX90C0V9g&list=RDxnzX90C0V9g&start_radio=1

¡Vuelve la adorable Annie!

Los miembros de la Academia Glee Club protagonizan una versión de este popular musical, “Annie Jr”. Una niña huérfana, Annie, en la época de la Gran Depresión estadounidense, nunca pierde la esperanza de encontrar a sus padres biológicos, a pesar de las cortapisas de la directora de su orfanato. Ya, en el Teatro Bellas Artes.  

Glee Club Academy nos “regala” “Annie Jr”, una versión del conocidísimo conmovedor musical de Broadway con funciones de sábado a martes, en el Teatro Bellas Artes. Se trata de una adaptación del musical de Thomas Meehan que está protagonizado por los niños y jóvenes alumnos de la institución.

Ambientada en la ciudad de Nueva York durante la Gran Depresión, la obra narra las aventuras de una niña huérfana, Annie Jr., que a pesar de vivir bajo el mando de la temida Miss Hannigan en un orfanato lleno de privaciones nunca pierde la fe en encontrar a sus verdaderos padres. Su vida da un giro inesperado cuando es elegida para pasar unas semanas en la mansión del poderoso empresario Oliver Warbucks, quien pronto queda cautivado por su espíritu alegre y decidido.

Con la ayuda de Grace Farrell, la secretaria de Warbucks, y del propio presidente Franklin D. Roosevelt, Annie emprende una búsqueda llena de esperanza y ternura. Sin embargo, Miss Hannigan, su hermano Rooster y su cómplice Lily planean un engaño para quedarse con la recompensa que ofrece el millonario, desencadenando una serie de enredos llenos de humor y emoción.

Con temas icónicos como Tomorrow, It’s a Hard Knock Life y Maybe, la pieza recupera la esencia del clásico de Broadway en una versión pensada para todas las edades que celebra la fuerza del optimismo, la importancia de la familia y la fe en un futuro mejor.

La Glee Club Academy es una prestigiosa escuela de teatro musical en inglés con sede en Madrid, dedicada a formar a niños, jóvenes y adultos en las tres disciplinas fundamentales de este arte: canto, danza e interpretación. Su método, basado en el currículum británico de artes escénicas, promueve no solo la excelencia artística, sino también el desarrollo personal de los alumnos, fomentando la creatividad, la confianza y el trabajo en equipo.

Lo podemos ver, hasta el próximo 4 de enero, en el Teatro Bellas Artes.

https://www.youtube.com/watch?v=rr06QpZsf0g

¡La vuelta de “Los Miserables”!

El musical que ha conquistado al mundo, “Los Miserables” (basado en la novela homónima del escritor francés del siglo XIX Victor Hugo), vuelve a nuestros escenarios, coincidiendo con la celebración del 40º aniversario de su estreno en Londres. Ya lo tenemos en el Teatro Apolo.

“Los Miserables”, uno de los musicales más importantes de todos los tiempos, vuelve al Teatro Apolo, coincidiendo con la celebración del 40º aniversario de su estreno en Londres. De esta manera, vuelve a representarse en el mismo escenario en el que conquistó España por primera vez en el año 1992.

ATG Entertainment presenta la aclamada producción de Cameron Mackintosh, Los Miserables, el gran fenómeno musical de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg. Un espectáculo que ha logrado cautivar a los espectadores de todo el mundo gracias a su gran puesta en escena y que ha sido aclamado como uno de los mejores de la historia.

Ganador de más de 180 premios internacionales, con ocho premios TONY, incluido mejor musical, cuatro OLIVIER y cinco DRAMA DESK, Los Miserables cuenta con el mayor tiempo de permanencia en cartelera en el mundo, habiendo superado las 15 000 funciones solo en Londres y ha sido visto por más de 130 millones de personas en 53 países y representado en 22 idiomas. La producción londinense del musical celebrará su 40º aniversario en octubre de 2025 y continúa batiendo récords de audiencia en el Sondheim Theatre. 

El cuento clásico de Victor Hugo relata a través de grandes canciones una historia de sueños rotos y amor no correspondido, pasión, sacrificio y redención, un testimonio intemporal de la supervivencia del espíritu humano. Su personaje principal, Jean Valjean, es un exconvicto que busca la redención tras salir de prisión. Perseguido incansablemente por el inspector Javert, Valjean reconstruye su vida mientras cuida de Cosette, la hija de Fantine, una mujer explotada por la pobreza.

La historia se desarrolla en la Francia posrevolucionaria y aborda temas como la justicia, el sacrificio y la esperanza, con la partitura de Boublil y Schönberg que incluye canciones tan icónicas como I Dreamed a Dream, On My Own, Do You Hear The People Sing? y One Day More, entre otras.

¡Absolutamente imprescindible para los amantes, como un servidor, de los musicales..!

Lo podemos disfrutar, durante lo que queda de temporada y la siguiente, en el Teatro Apolo.

https://www.youtube.com/watch?v=BCxaud9ppfQ

¡Cómo los niños pueden cambiar el mundo!

La compañía Los Bárbaros y los Nuevos Dramáticos presentan “ZUM. Crecerá un jardín”, una obra que plantea un futuro distinto desde la imaginación. Ya, en el Teatro Valle-Inclán.

La compañía Los Bárbaros y los Nuevos Dramáticos representan “ZUM. Crecerá un jardín”, en el Teatro Valle-Inclán. Se trata de un ejercicio lúdico y crítico que observa el mundo actual y propone alternativas desde la frescura y la imaginación de los niños.

Entre las reivindicaciones que recoge la función hay humor y crítica social: como fijar el precio máximo de un kebab en 2,50 €, organizar campamentos para profesores o inventar héroes como Súper Pepe Nillo. Pero también deseos esenciales: recuperar las plazas, pasar más tiempo con los amigos y que haya flores.

Para los creadores, escuchar a la infancia es una postura política. Inspirados en la escritora Úrsula K. Le Guin, que comparaba las historias con un cesto donde recoger semillas y preguntas, el proyecto se convierte en un espacio compartido de imaginación, crítica y esperanza. Con ello se ha generado un espectáculo que combina juego, razonamiento crítico e ilusión con el fin de invitar al público a repensar el futuro desde lo más sencillo y lo más necesario.

Los Bárbaros es una formación creada por Javier Hernando, Rocío Bello y Miguel Rojo donde se abordan cuestiones en torno a lo cotidiano, lo inesperado y lo poético, desarrollando eventos para el diálogo y diluyendo las fronteras entre la realidad y la ficción. Las temáticas en las que más inciden son el poder, la imaginación y la identidad.

Aparte, a lo largo de su trayectoria han producido tres tipos de piezas: de corte teatral, montajes-talleres participativos y piezas únicas diseñadas para espacios determinados y que se representan una sola vez. Entre sus espectáculos destacan Mutantes, Atlántida, El desayuno o Tras los pasos de Augusto Madeira Mendes, que también han interpretado fuera de nuestras fronteras en países como Francia, Portugal, Inglaterra, Colombia o Cuba.

La podemos ver, hasta el próximo día 19 del presente, en el Teatro Valle-Inclán.

https://www.youtube.com/watch?v=nv4tsazHlO8